Un Hombre para la Eternidad (1966)

A Man for All Seasons (titulos en castellano: "Un hombre para la eternidad" (España) y "Un hombre de dos reinos" en México y el resto de Hispanoamérica), película dirigida por Fred Zinnemann en 1966, narra los últimos años de la vida del hombre de leyes, estadista, escritor, humanista, traductor y filósofo Santo Tomás Moro (Londres, 1478-1535), padre, junto a Maquiavelo y otros, del pensamiento político moderno gracias a su libro "Utopía".

La película ganó 6 Óscar en 1966 y 7 BAFTA en 1968. Está basada en una obra de teatro de Robert Bolt, guionista también de la película. Se representó con éxito durante años en Londres. De hecho, el actor principal, Paul Scofield, un veterano actor teatral, representaba a Tomás Moro también sobre el escenario. La primera versión de esta obra fue escrita por Bold en 1954 para la BBC Radio. Adaptada para la escena, se estrenó en Londres en el Globe Theatre (hoy Gielgud Theatre) el 1 de julio de 1960. En Broadway, el estreno tuvo lugar el 22 de noviembre de 1961, en el ANTA Playhouse. Paul Scofield, que ya había representado el papel protagonista en el West End londinense, también actuó en Broadway en el año 1962, ganando un Tony Award.

Argumento
En la película se ve a Tomás Moro, negándose a reconocer a pesar de su fidelidad al rey Enrique VIII, la nulidad de su matrimonio con Catalina de Aragon (quien solo le había dado una hija sana) para que éste pudiera casarse con Ana Bolena ("Ana de los 1000 días" en otra película), hecho que acaba provocando la ruptura entre la Iglesia de Roma y la Iglesia de Inglaterra en 1534.

Muestra la encrucijada de Moro por tener unos fuertes principios morales y religiosos que le impedían dejar de reconocer a la iglesia y al Papa de Roma; y a la vez sentir fidelidad hacia la corona y a su patria, ceder a los chantajes que le venian por parte de Enrique VIII, rey que hacía la ley a su medida y que estaba tan dispuesto a ejecutar a los que consideraba traidores, como sumamente dolido de que su principal pensador le llevara la contraria.

A pesar de ser el mas valioso consejero real, tiene que renunciar a sus cargos publicos (fue canciller), luego es acusado de alta traición al no reconocer a su rey como maxima autoridad de la iglesia por una ley escrita “ex profeso” para que así lo hiciera, después fue encarcelado en la Torre de Londres, “juzgado” (es un decir...) y condenado a muerte. Otros dirigentes europeos presionaron para que se le salvara la vida, como el Papa o el rey Carlos I de España (V de Alemania), quien veía en él al mejor pensador del momento, pero no sirvió de nada y fue decapitado el 6 de julio de 1535. La Iglesia Católica Romana le concede el título de Santo por su defensa de la fe.

Comentarios sobre la Pelicula
Un hombre para la eternidad es el tercer gran icono de la carrera cinematográfica de Zinnemann (”Solo ante el peligro”, “De aquí a la eternidad”) y la segunda de estas tres en cuanto a galardones se refiere, seis Oscar en total para esta producción estadounidense.

Nuestro hombre para la eternidad es Thomas More (Santo Tomás Moro para la Iglesia Católica) y sobre él y su conflicto con el rey de Inglaterra, Enrique VIII, versa toda la película. Desde el inicio del conflicto matrimonial hasta su desenlace final, Zinnemann nos lleva de la mano a través de caminos oscurecidos por las intrigas políticas y las luchas de intereses entre personajes clave de la Historia, en un mundo alejado del nuestro en el tiempo pero no en esencia. Quizá este camino pueda parecer, a ojos del espectador acostumbrado a ritmos vertiginosos y florituras técnicas, un tanto farragoso y espeso pero en verdad, la cinta, por cierto adaptación de una obra teatral de Robert Bolt, nos muestra con claridad y eficacia cómo se desarrolló la trama del cisma anglosajón. Tal vez la única pega la encontremos en la excesiva carga moral de la película, encumbrando sin medidas la figura de More como incorruptible hombre y mejor cristiano. Si bien es cierto que su forma de actuar puede ser ejemplo atemporal en un mundo movido por el interés, el film no duda en acrecentar y ensalzar hasta convertir la moral de Thomas en el centro y fin de la obra.

Aunque la película en sí pueda parecer aburrida, lenta o pesada (la sucesión de movimientos en el tablero político se alarga necesariamente) se trata en realidad de un acercamiento interesante y veraz al conflicto matrimonial que desencadenó en la aparición de la tradición anglicana que todavía hoy perdura en las Islas Británicas. Especialmente destacable en ella son los papeles de los protagonistas, entre los que encontramos un breve pero intenso Orson Welles en el papel del Canciller y Cardenal Walsey; un genial Paul Scofield en el papel protagonista, después de haber sido recuperado para el cine por Zinnemann; y un incomparable Robert Shaw que nos deleita con una colección de matices interpretativos entre los que destaca su especial énfasis en mostrarnos los cambios de humor y las veleidades del monarca Enrique.

Por último me resulta inevitable acudir al recurrente y facilón juego de palabras a la hora de loar la obra de este gran director. Pues Zinnemann demostró en estas tres citadas obras ser un verdadero Cine-man, aunque en su Austria natal hubiésemos de llamarlo Kino-Mann.

Premios Oscar
Een la entrega de los oscar de 1966 recibe los siguientes premios: Oscar a Mejor película; Mejor director (Fred Zinnemann); Mejor actor (Paul Scofield); Mejor guión adaptado (Robert Bolt); Mejor fotografía ((color) Ted Moore); Mejor diseño de vestuario ((color) Elizabeth Haffenden y Joan Bridge)

Ficha técnica
Dirección Fred Zinnemann
Producción Fred Zinnemann
Guión Robert Bolt
Música Georges Delerue
Fotografía Ted Moore
Montaje Ralph Kemplen
Reparto Paul Scofield - Wendy Hiller - Leo McKern - Orson Welles - Robert Shaw - John Hurt
País Reino Unido
Año 1966
Género Drama
Duración 120 min.
Distribución Columbia Pictures

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Doctor Zhivago (1965)

Doctor Zhivago es una película estadounidense de 1965, dirigida por David Lean, con Omar Sharif en el rol principal. Está basada en la novela Doctor Zhivago, de 1957, del escritor ruso Boris Pasternak (Premio Nobel de Literatura 1958).

Argumento
La película está narrada por un general de la policía secreta soviética, Yevgraf Zhivago (Alec Guinness), medio hermano de Yuri Zhivago (Omar Sharif), a la que cree que es hija de éste, Tonya Komarovskya (Rita Tushingam). La trama principal se desarrolla entre 1905-1921.

Yuri Zhivago es un médico y poeta en la época del advenimiento de la Revolución rusa. Está casado con Tonya (Geraldine Chaplin), una joven de la alta burguesía que le quiere y le admira. Durante la Guerra Civil Rusa, la mansión familiar en Moscú es requisada y ocupada por otras familias. La situación se torna insostenible para ellos. Reaparece Yevgraf Zhivago y les recomienda salir de Moscú y viajar a la mansión de campo de la familia, en Varikino. Después de una odisea, viajando en un vagón de ferrocarril atestado, la familia logra trasladarse a su casa de campo, pensando en pasar el duro período de la guerra civil allí. Cuando llegan a la casa se enteran de que ha sido confiscada por el gobierno revolucionario y se ven obligados a refugiarse en una cabaña cercana. Logran pasar un tiempo en paz y Zhivago comienza a escribir poesía y a visitar la biblioteca del pueblo cercano, Yuriatin. Allí se encuentra con Lara (Julie Christie) a quien había conocido en difíciles circunstancias en Moscú, y posteriormente durante la Primera Guerra Mundial, cuando él servía como médico militar y ella como enfermera. Su relación con Lara se transforma en una relación amorosa.

Todos sus movimientos y actividades son vigilados por los funcionarios soviéticos. Tonya queda embarazada y Yuri decide terminar su relación con Lara. Después de una triste despedida regresa a Varikino y es sorpresivamente reclutado a la fuerza por un pelotón de caballería soviético, y debe seguirlos en su campaña. Después de dos años, deserta y regresa a Varikino en busca de su familia, pero allí se entera de que han emigrado a Francia y que su rastro se ha perdido. Yuri se reencuentra con su antiguo amor, Lara. Juntos, más la hija de Lara, deciden irse a vivir a la casa de campo en Varikinno. Es el período del crudo invierno ruso y Zhivago decide desobedecer la confiscación y rompe los maderos que tapiaban la casa, para refugiarse allí. Pasa el tiempo y la guerra llega nuevamente, obligando a Lara a huir junto a su hija. Yuri no se entera nunca de que Lara espera un hijo de él. Regresa a Moscú, donde su medio hermano Yevgraf le consigue un puesto en un hospital. Pasan los años, y un día, viajando en el tranvía, Yuri ve a Lara caminando por la calle y desesperadamente trata de detener el transporte y correr tras ella. Ocurre entonces un inesperado final.

La película termina con el regreso a la escena primera, donde la muchacha (Rita Tushingam) dice no recordar a su madre y que quien supone es su padre la había abandonado durante un bombardeo. Luego de crecer en un orfanato, había encontrado su actual trabajo, donde se desarrolla la escena. Yevgraf comprende que hay que dar tiempo al tiempo y la deja ir. La última escena ocurre con el alejamiento de la muchacha y su novio. Yevgraf nota que ella lleva una balalaika al hombro y le pregunta si toca bien, y el novio le responde que era una virtuosa y que había aprendido por sí misma. Yevgraf comenta: ¡Entonces es un don!. La madre de Yuri también interpretaba con maestría el instrumento y se decía que tenía el don.

Comentarios
Se rodó básicamente en España, más concretamente en Madrid y Soria, con el sistema de filmación en color Metrocolor, característico de la Metro-Goldwyn-Mayer. En Madrid se rodaron las escenas moscovitas en lo que actualmente es la calle de Silvano a la altura del cementerio de Canillas, en aquel entonces campo abierto, en donde construyeron un decorado de unos 20.000 m² que recreaba Moscú, con su trazado de vías de tranvía electrificado, por donde circulaban incluso dos tranvías cedidos por la Empresa Municipal de Transportes. También se rodó en la estación de ferrocarril de Las Delicias. En Soria se rodaron prácticamente todos los exteriores, empleando para ello todas las líneas de ferrocarril que por entonces estaban en uso. Se rodaron escenas ferroviarias en los siguientes escenarios: Estación de Soria-Cañuelo / Candilichera (Campo de Gómara) / Villaseca de Arciel (Campo de Gómara) /
Navaleno (Pinar Grande) / Villar del Campo / Matamala de Almazán

Las escenas de la residencia de Varíkino fueron rodadas en Candilichera. En algunos países, este film estuvo en cartelera mucho tiempo, siendo récord de taquilla. Durante varios años, las compañías de cinematógrafos la re-estrenaron a petición del público.

La presa que sale al final de la película es la de Aldeadávila de la Ribera, en la provincia de Salamanca. Las escenas del entierro, al principio de la película, con unas montañas al fondo, están rodadas en la provincia de Granada. Las escenas de invierno se rodaron principalmente en Finlandia, cerca de la frontera con la entonces URSS. (wikipedia.com)

Ficha técnica
Dirección David Lean
Producción Carlo Ponti - David Lean - Arvid Griffen
Guión Robert Bolt
Música Maurice Jarre
Fotografía Freddie Young
Montaje Borman Savage
Vestuario Phyllis Dalton
Reparto Omar Sharif - Julie Christie - Geraldine Chaplin - Tom Courtenay - Alec Guinness - Rod Steiger - Ralph Richardson - Rita Tushingham - Klaus Kinski - Siobhan McKenna - Jeffrey Rockland
País Estados Unidos
Año 1965
Género Drama
Duración 197 minutos
Productora Metro-Goldwyn-Mayer

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El Apartamento (1960)

The Apartment, en castellano conocida como Piso de soltero (Argentina, México) o El apartamento (España), es una comedia dirigida por Billy Wilder en 1960, ganadora de 5 premios oscar incluyendo mejor pelicula.

Argumento
C.C. Buxter es un ambicioso empleado de una firma de seguros de Manhattan. Es soltero y vive solo en un discreto apartamento que presta ocasionalmente a sus superiores para que se encuentren con sus amantes; él confía que los sucesivos favores le sirvan para mejorar su posición en la empresa. Le proponen para un ascenso y Sheldrake, el director, descubre el motivo. También éste solicita las llaves de su estudio para citarse con Fran, una ascensorista de la cual Buxter estuvo enamorado. Al regresar una noche a su casa, Buxter descubre a Fran desvanecida por sobredosis de somníferos; la joven ha intentado suicidarse tras discutir con Sheldrake.

Comentario
La sobria puesta en escena habitual de Wilder aquí con momentos de cine en estado puro, de las películas en las que Wilder saca más partido de la imagen (el ruido de la botella de champán, el plano de la desesperada carrera de MacLaine, el espejo roto y la cara aún más rota de Lemmon cuando lo ve...), una fantástica fotografía, el extraordinario ritmo narrativo también habitual en él (demostrando que es mucho mejor director de lo que a veces se le reconoce), unas interpretaciones antológicas de todos, personajes principales y secundarios, y unos diálogos que son dinamita pura («Cuando se sale con un hombre casado, una nunca debe ponerse rimmel») dan cuerpo a esta amarga comedia, la mejor de Wilder.
Una película perfecta, divertida, sensible... En ella el hombre actual empieza a tomar cuerpo, la dubitativa actitud de Lemmon no es más que una prolongación de la visión que esta película nos da de la vida que en los 50 había empezado a fraguarse y que nos esperaba a partir de entonces. Apartamentos pequeños, soledad, éxito a cualquier precio, grandes empresas que deshumanizan a los empleados, grandes ciudades que deshumanizan a sus ciudadanos, televisión, publicidad y, por supuesto, mandos a distancia.

En la premiacion de 1960 obtubo los siguientes premios:
oscar a Mejor Película; oscar a Mejor Director (Billy Wilder); oscar a Mejor Guión Original (Billy Wilder)/ I.A.L. Diamond; oscar a Mejor Montaje (Daniel Mandell) y un oscar a Mejor Decoración en blanco y negro

Billy Wilder y Jack Lemmon (imagenes gentileza TCM)

En cierta ocasión, A Billy Wilder le preguntaron si era necesario que un director de cine supiera además escribir. "No —contestó— pero es útil que sepa leer". Además de graciosa, esta anécdota sirve para reflejar claramente la posición de Wilder frente a la industria cinematográfica. Un director debe saber leer un guión. Él los escribió y los leyó como nadie lo ha vuelto a hacer. Lo primero es cuestión de talento y oportunidad. Pero lo segundo es una lección que deberían tener en cuenta muchos antes de ponerse detrás de la cámara.

Billy Wilder en 10 películas:
Perdición (1944)
Días sin huella (1945)
El crepúsculo de los dioses (1950)
Traidor en el Infierno (1953)
La tentación vive arriba (1955)
Testigo de cargo (1957)
Con faldas y a lo loco (1959)
El apartamento (1960)
Uno, dos, tres (1961)
En bandeja de plata (1966)

Ficha técnica

Dirección Billy Wilder
Producción Billy Wilder - I. A. L. Diamond - Doane Harrison
Guión Billy Wilder - I. A. L. Diamond
Música Adolph Deutsch
Fotografía Joseph LaShelle
Reparto Jack Lemmon - Shirley MacLaine - Fred MacMurray - Ray Walston - Jack Kruschen - David Lewis
País Estados Unidos
Año 1960
Género Comedia dramática
Duración 125 minutos

Ver El Apartamento, escena final de la Pelicula

Espartaco (1960)

Espartaco, película estadounidense estrenada el 6 de octubre de 1960 dirigida por Stanley Kubrick basada en la novela histórica homónima de Howard Fast. Está protagonizada por Kirk Douglas como el esclavo rebelde Espartaco y Laurence Olivier como su rival, el general y político romano Marco Licinio Craso. John Gavin (Julio César), Jean Simmons, Charles Laughton, Peter Ustinov, Herbert Lom, Woody Strode, y Tony Curtis son también protagonistas. El diseño de producción fue realizado por Saul Bass. Obtuvo 4 premios oscar en 1960:
Mejor Actor de Reparto : Peter Ustinov, Mejor Decoración en color, Mejor Vestuario en color, Mejor Fotografía en color : Russell Metty

Argumento

Espartaco, esclavo de Tracia, es vendido a Léntulo Batiato un lanista (preparador de gladiadores). Durante su entrenamiento para el combate a muerte se enamora de otra esclava, Varinia. Un combate a muerte en la misma escuela de gladiadores, organizado por el deseo de unos patricios, hace pensar a los esclavos sobre su condición y, liderados por Espartaco, desatan una rebelión que con el tiempo llegará a amenazar la misma Roma. Durante este camino Espartaco hace comercios con piratas que lo traicionan, vence ejércitos y tiene un hijo. Todo esto vivirá para terminar crucificado en la Vía Apia.

Censura

Después de su estreno en 1960 fue proyectada nuevamente en 1967, con 23 minutos menos que la proyección original, y otra vez en 1991 en la cual se restauraban esos 23 minutos más otros 14 que habían sido censurados antes de la proyección original. La adición incluía varias secuencias de batallas violentas, así como una escena en el baño en la cual Craso, general y patricio romano (interpretado por L. Olivier), en un intento de seducir a su esclavo Antonino (T. Curtis), usa la analogía de "comer ostras" y "comer caracoles" para expresar su opinión de que la preferencia sexual es cuestión de gustos más que de moralidad.

Cuando la película fue restaurada, dos años después de la muerte de Olivier faltaba el audio original del diálogo de esta escena, por lo que tuvo que redoblarse. Tony Curtis pudo doblar su papel pero la voz de Laurence Olivier tuvo que ser imitada por Anthony Hopkins.

En la post-producción Douglas era consciente de que Kubrick tenía la intención de atribuirse el guión de la película, aunque éste había sido adaptado de la novela de Howard Fast por Dalton Trumbo, puesto en la lista negra de Hollywood durante el macartismo. Douglas, poderoso públicamente, se opuso a la exclusión de Trumbo y cuando el nombre de Trumbo finalmente apareció en los créditos la lista negra de Hollywood fue definitivamente cancelada.


Comentarios

* Película basada en la novela del mismo nombre de Howard Fast. Ganó cuatro Óscar y obtuvo otras dos nominaciones.
* Stanley Kubrick declaró que esta película desearía haberla podido eliminar de su filmografía, ya que no tuvo todo el control que quería sobre ella.
* En un principio iba a ser dirigida por Anthony Mann, pero finalmente fue sustituido por Stanley Kubrick.
* Las primeras escenas de la película habían sido dirigidas por Anthony Mann. Stanley Kubrick quería eliminarlas, pero al final no lo consiguió.
* Las batallas de la película fueron rodadas en las afueras de Madrid y en Guadalajara (España). El ejército romano estaba conformado realmente por reclutas del Ejército Español que actuaron como extras siendo dirigidos desde una torre por Stanley Kubrick.


* Cuando se empezó a preparar el proyecto de la película, los productores se preocuparon de eliminar de los circuitos de exhibición todas las copias existentes de una homónima versión italiana anterior, el Spartaco (1953) de Riccardo Freda, protagonizado por Massimo Girotti y Gianna Maria Canale.
* Kubrick recurrió a enanos, a los que colocó prótesis y falsos torsos para simular horribles mutilaciones en las escenas de la batalla de los esclavos contra las legiones romanas, en las que participaron 8.500 extras. Contó también con algunos mancos, a los que puso brazos falsos que luego arrancaban para fingir desmembramientos.
* A pesar de que Espartaco fue un éxito descomunal, que supuso la consagración definitiva de Stanley Kubrick como director de prestigio, éste nunca se mostró satisfecho con el film. En una ocasión llegó a afirmar que la consideraba más bien un fracaso personal, ya que las presiones a las que se vio sometido, propias de cualquier superproducción, le impidieron hacer una obra más personal, teniendo que renunciar a muchas de sus ideas para la película.
* Hay una curiosa anécdota sobre el "traveling" de los cadáveres de los esclavos apilados tras la sangrienta batalla: Kubrick le dio a cada uno de los más de trescientos extras un cartel con un número y luego fue numerándoles uno a uno diciendo en qué postura debían aparecer. (Fotogramas)
* La película iba a ser dirigida por Anthony Mann, pero se peleó con Kirk Douglas (productor y protagonista) y acabó dirigiéndola Kubrick, que también casi abandona.(Cinemanía)

Ficha técnica
Título Espartaco
Dirección Stanley Kubrick
Producción Kirk Douglas - James C. Katz - Edward Lewis
Guión Dalton Trumbo
Música Alex North
Fotografía Russell Metty
Montaje Robert Lawrence - Robert Schultz - Fred Chulack
Reparto Kirk Douglas: Espartaco - Laurence Olivier: Craso - Jean Simmons: Varinia - Charles Laughton: Graco -
Peter Ustinov: Lentulo Batiato - John Gavin: Julio César - Nina Foch: Helena Glabro - John Ireland: Criso - Herbert Lom: Tigrano Levanto - John Dall: Marco Publio Glabro - Charles McGraw: Marcelo - Joanna Barnes: Claudia - Harold J. Stone: David - Woody Strode: Draba - Peter Brocco: Ramón - Paul Lambert: Ganico - Robert J. Wilke: Guardia capitán - Nick Dennis: Dioniso - John Hoyt: Cayo - Frederick Worlock: Laelio - Tony Curtis: Antonino
País Estados Unidos
Año 1960
Género Histórica
Duración 184 minutos (198 minutos en la versión de 1991 sin censurar)
Compañías - Distribución Metro-Goldwyn-Mayer
Presupuesto US 12.000.000

Ver Spartacus, escena de la pelicula

Caliche Sangriento (1969)

“Caliche Sangriento” recrea la odisea de un grupo de soldados chilenos perdidos en pleno desierto, en el trayecto de Ilo a Moquehua.
Durante el trayecto y debido a las inclemencias del clima desértico, surgieron conflictos entre los soldados, lo que otorga una proyección humana a un acontecimiento histórico de tanta relevancia.
“Caliche Sangriento” es una película pacifista no excenta de polemicas, que habla sobre el tema político que desencadena una guerra y sobre las personas que finalmente se ven inmersas en ella.
Se reestrenó en enero de 2008 con copia restaurada por el equipo integrado por: Carlos Ovando, Luis Horta, Carmen Brito y Francisco Venegas. Además se sumaron como asistentes de restauración los estudiantes de cine Penélope Fortunatti, Arnolds Parra, Francisca Contreras y Diego Lazo, quienes efectuaron labores de restauración a lo largo de todo el proceso. Junto a ellos trabajó en la investigación Daniela Morales.

La Restauracion

Equipo restaurador
Dirección del Proyecto, Investigación y restauración: Carlos Ovando y Luis Horta
Producción, Investigación y restauración física: Francisco Venegas
Asesoría técnica: Carmen Brito
Asistencia: Gabriel Cea
Asistentes de restauración: Penélope Fortunatti, Francisca Contreras, Arnolds Parra y Diego Lazo.
Auspiciadores: Fondo de Fomento al Audiovisual en su Línea Patrimonio Fílmico, Ministerio de Relaciones Exteriores, Chilefilms, Cinemateca del Goethe Institute de Santiago de Chile, Filmoteca UNAM; México, Laboratorios Churubusco, México, Universidad UNIACC, Federación Internacional de Archivos Fílmicos FIAF, Kodak Chile S.A., Cáscara Producciones.
Colaboradores: Cineteca Nacional de Chile y Fundación Chilena de las Imágenes en Movimiento.

El proceso de recuperación de “Caliche Sangriento”, comenzó el año 2003 con el rastreo de los negativos y copias de exhibición de la pelicula, además de la búsqueda de fuentes de financiamiento para un proyecto de dicha envergadura.

El proyecto, llevado a cabo de manera independiente por un grupo de jóvenes ex alumnos de Helvio Soto, surge como necesidad de revisar las piezas filmadas por un cineasta clave del periodo, del que no se encontraba disponible ninguna película.


De la película no quedaba nada, excepto una versión en video en regular calidad que aún se podía conseguir en ferias libres. Hasta que aparecieron dos copias en 35mm pertenecientes al histórico Cine Arte Normandie. Estaban rayadas, cortadas, sucias y decoloradas por las innumerables proyecciones. Los hongos comenzaban a hacer estragos y era imprescindible rescatarla de la desaparición total inminente.

Lentamente se comenzó a cortar plano a plano el film para medir cuáles eran las tomas mas completas de cada copia y así, reconstruir una versión acorde a como la concibió su autor a fines de los sesenta.

Tras un año y medio de trabajo de artesanía en las dependencias del Cine Arte Normandie, se logró dar con una copia cercana a las dos horas de duración original. Sin embargo, faltaban los textos del final de la película, aquellos que fueron censurados en 1969 y que fueron reconstruidos basándose en las copias en video y la ayuda de la Cinemateca del Goethe Institute de Santiago de Chile.

Con todo, faltaba el proceso más delicado: Obtener una copia en 35mm con sus colores originales, los cuales habían prácticamente desaparecido debido al soporte en que se filmó, propenso a degradar la coloración.

Se realizaron para esto test y pruebas en los laboratorios Churubusco de México, uno de los laboratorios más importantes del continente, y donde se pudo trabajar en forma definitiva con la ayuda de la Filmoteca de la UNAM, México. Posterior a ello, se realizaron los procesos de digitalización en colaboración con la Universidad UNIACC.

Tras casi cuarenta años, “Caliche Sangriento” volverá a ser exhibida en los cines con el fiel objetivo de legar a las futuras generaciones la mirada de un cineasta completo, que dedicó gran parte de su vida a formar a los jóvenes cineastas de otras generaciones y así proyectar su mirada no sólo del cine, sino de la vida misma.

La Censura

Caliche Sangrientofue uno de los films que marca el nacimiento del "nuevo cine chileno", fue en la época producto de un pequeño escandalo ya que trataba el tema de la Guerra del Pacífico, subvirtiendo la mirada heróica por una visión humana de un grupo de soldados perdidos en pleno desierto.
“El ministro de educación no quería que “Caliche Sangriento” fuese prohibido, pero era preciso “dar algo” al Ejército y salvar la cara de todo el mundo. Casi no podía creer a mis oídos cuando oí la proposición de negociar el asunto y, por ese mismo golpe, dejar a salvo el prestigio democrático del Gobierno y satisfecho el deseo de vindicta del Ejército (…) Como suele ocurrir, “las cosas se arreglan”. La ley chilena de censura cinematográfica impedía que se practicaran cortes en los films: o se aceptaban completos o se rechazaban. Concluímos aceptando el negocio del ministro: contra la Ley y para calmar la ira del Ejército, se practicó un corte en el film”. (Helvio Soto. “Mi aprendizaje con Caliche Sangriento” en Araucaria de Chile, n° 11, Madrid, España.
(N de A: El Ejército había leído el guión previo a la filmación y lo habían aprobado, poniendo a disposición a soldados de Antofagasta para la filmación, quienes aparecen en la película, incluso realizando disparos con balas verdaderas)

Ficha Técnica

Título: Caliche Sangriento
Año de realización: 1969
Estreno: 27 de Octubre de 1969, Cines Central, Real, Nilo, Normandie, Oriente, Bandera, California, Gran Avenida, El Golf y Florida
Dirección: Helvio Soto
Casa Productora: Icla Films
Productor Ejecutivo: Arturo Feliú
Director de Producción: Alejandro Villaseca
Fotografía: Silvio Caiozzi
Asistente de Fotografía: Boris Pinkas
Montaje: Carlos Piaggio
Música: Tito Lederman
Sonido: Gonzalo Salvo
Asistente de Dirección: Sergio Trabucco
Vestuarios: Olivia de Ugarte
Corte de Negativo: Francisco González
Reparto: Héctor Duvauchelle, Patricia Guzmán, Jorge Guerra, Jaime Vadell, Jorge Lillo, Arnaldo Berríos, Jorge Yañez, Teresa Vernal, Mario Vernal.

(fuente: wiki.com; calichesangriento.wordpress.com)

Ver Caliche Sangriento, ver pelicula por partes

¡Oliver! 1968

Oliver es una muy bonita adaptación musical del clásico de Charles Dickens "Oliver Twist" y llevada a la pantalla por el gran Carol Reed "El tormento y el éxtasis" ("The Agony an d the Ecstasy"). Y en donde nos lleva al Londres del siglo XIX para hacernos participes de la historia de un niño que se escapa del orfanato haciendo de las calles de la ciudad su propia casa e intentando buscar el cariño y el honor en un mundo de ladrones...
La Peelículas de género musical. Una película tan sensible como sentimental, pero también tan alegre como divertida, y con unos personajes verdaderamente creibles, y es que a decir verdad Reed tenia la cosa un poco dificil que digamos, ya que existía una sensacional versión (aunque no musical) dirigida por David Lean en 1948 e interpretada ni más ni menos que por Alec Guinnes.


Pero que una vez vista esta película uno ya no puede imaginarse a los personajes de otra manera como en el de esta historia, porque todo es una pura delicia ya que está todo perfectamente unido y formando un conjunto tan equilibrado que ningún personaje sobresale del otro, haciendo así ser todos protagonístas de esta maravillosa historia, y en donde por supuesto la musica ocupa un lugar sumamente elevado. Y es que cuenta con unas escenas y una coreografía que son verdaderamente mágicas e inolvidables, incluyendo temas como : "Consider Yowrself, Where Is Love?" y "As Long As He Needs Me", que constituyen el apoteósis de la película.


Pero de esto hay que darles las gracias a dos hombres, uno John Green que fue el encargado de la dirección musical y el otro Lionel Bert en la composición, uno de los más cotizados compositores de la musica pop inglesa y que llegó a escribir para cantantes como Cliff Richard y Shirley Bassey, el tema de la película "Desde Rusia con amor" ("From Russia with love"), es obra suya. Y sublime la fotografía a cargo del extraordinario Oswald Morris, con un montón de películas oscarizadas a sus espaldas como por ejemplo "Moulin Rouge" (1952), y Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"), y aquí usando el impresionante formato Cinerama y ensalzandola hasta la perfección (mejor imposible). Pero me queda todavia un apartado que reseñar me refiero a los actores, donde como digo al principio todos son protagonístas, pero siempre se empieza por uno, y ese uno para mi es Ron Moody "El misterio de las 12 sillas" ("The Twelve Chairs"),(lástima que en la entrega de los Oscar se le cruzó ese dia Cliff Robertson y su "Charly"), y aquí metido hasta las barbas de ese Fagin un adorable villano que capitanea a los delincuentes callejeros, y seguido de Oliver Reed, un fenomenal actor que falleció durante el rodaje de "Gladiattor" (Riddley Scott le dedicó la película a titulo póstumo), y aquí como Bill Sikes el diabólico colega de Fagin, y a Jack Wild "Basil" (nominado como mejor secundario), y dando vida a ese leal aprendiz llamado el Gran Truhan, interminable el magnífico reparto, y mención aparte para Mark Lester "Fahrenheit 451", metido hasta el alma en el cuerpo del pequeño Oliver, ese niño huerfano que no tiene más remedio que abrirse camino como sea y por donde sea para poder conseguir lo que más desea en este mundo: tener un hogar y una familia. En definitiva, un maravilloso espectáculo musical lleno de color y fantasia y que logró todo lo que verdaderamente intentó. Uno de los últimos grandes musicales llevados a la gran pantalla. Matrícula de Honor.


"Oliver" logró seis Oscar en el año 1968: Mejor Película, Director, Sonido (John Cox), Dirección Artística (John Box, Terence Marsh, Vernon Dixon y Ken Mugglestonl), Adaptación Musical (John Green) y Coreografía (Oona White).

Como curiosidad la voz de Mark Lester fue doblada en los números musicales por Katfy Green, la hija del director musical. (pablocine.blogia.com)


Ficha Tecnica

Dirección Carol Reed
Producción John Woolf
Guión Vernon Harris
Música John Green - Eric Rogers - Onna White
Sonido Shepperton Studio
Fotografía Oswald Morris
Reparto Ron Moody - Oliver Reed - Mark Lester
País Reino Unido
Año 1968
Género Musical
Duración 153 minutos

Ver Pelicula Oliver, Trailer

Tom Jones (1963)

Tom Jones (Albert Finney) es un joven despreocupado y atractivo que ha sido adoptado por el adinerado Squire Allworthy (George Devine) tras haber sido concebido por una criada de éste llamada Jenny Jones, quien fue despedida de sus labores después de abandonar al niño en la cama de Allworthy.
Tom crece en libertad por la mansión de su padrastro, gozando de la naturaleza y de gratas acompañantes femeninas como la sensual Molly (Diane Cilento), siendo su verdadero objeto de deseo amoroso la guapa y modosa Sophie Western (Susannah York).


El guionista John Osborne y el director Tony Richardson, en plena explosión del free cinema británico, adaptando las peripecias de Tom Jones, el taimado personaje creado por Henry Fielding, cuyas andanzas sentimentales y eróticas son el cimiento principal de esta divertida comedia de aventuras, narrada con frescura (y con el empleo en ocasiones de una voz en off), cinismo, gran libertad formal narrativa, lo que otorga una gran vivacidad al relato, y una meritoria dirección artística ambientando el siglo XVIII inglés, con un variado (aunque superfluo) muestrario de caracteres de distinta índole social y económica.

Las situaciones, en su mayoría desplegando conflictos de carácter sentimental y sexual, son desarrolladas con brío en viñetas más o menos afortunadas (algunas memorables y otras un tanto desaboridas) que mixturan la comedia y la aventura.


Las actuaciones resultan excelentes, en especial Hugh Griffith y Albert Finney, quien gracias a su estupenda interpretación en el papel de Tom Jones consiguió convertirse en la gran sensación británica del momento, otorgando al personaje de antihéroe pícaro cierto sarcasmo, encanto, descaro y sex appeal.
Entre el extenso reparto femenino destacan las bellas Susannah York y Diane Cilento (por esa época esposa de Sean Connery) y sobre todo, las apariciones de Joyce Redman.

El film, que se inicia con un prólogo en clave de cine mudo, obtuvo varios premios Oscar, entre ellos el galardón a la mejor película, al mejor director y al mejor guión adaptado.

Ficha técnica

Dirección Tony Richardson
Producción Tony Richardson - Michael Holden - Oscar Lewenstein - Michael Balcon
Guión Henry Fielding (novela) - John Osborne
Música John Addison
Fotografía Walter Lassally
Montaje Antony Gibbs
Reparto Albert Finney - Susannah York - Hugh Griffith - Edith Evans - Joan Greenwood - Diane Cilento - George Devine - David
País Reino Unido
Año 1963
Género Comedia
Duración 138 minutos

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Amor sin Barreras (1961)

Amor sin barreras o West Side Story es uno de los musicales más famosos del cine. Está inspirado en la obra de teatro Romeo y Julieta de Shakespeare, siendo una especie de actualización del lema del amor imposible en clave racial y urbana. Con música compuesta por Leonard Bernstein, la versión cinematográfica ganó diez Óscar: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor de Reparto (George Chakiris), Mejor Actriz de Reparto (Rita Moreno), Mejor Dirección artística, Mejor Música, Mejor Fotografía, Mejor Sonido, Mejor Vestuario, y Mejor Montaje, y fue nominada al Mejor Guión Adaptado. Los actores protagonistas de la película fueron Natalie Wood y Richard Beymer, que fueron doblados en sus canciones por otras voces.

La obra

La comedia musical West Side Story se estrenó en 1957 en Nueva York y alcanzó un gran éxito. En 1961 se estrenó la adaptación cinematográfica.
El musical fue innovador: por los bailes, que forman parte de la acción dramática; por la música muy variada de Bernstein (ritmos latinos, jazz, canciones de amor de gran belleza melódica...) y por la temática. Una de las canciones más famosas de esta obra es América, donde se contraponen las dos visiones de los emigrantes al llegar a Estados Unidos: la ilusión por la libertad, la modernidad y el consumismo, y por otro lado el desengaño ante la marginación racial y la pobreza. La puesta en escena de la canción América se sitúa en una azotea donde los sharks charlan sobre su vida en Estados Unidos.

El argumento está basado en la historia de Romeo y Julieta, de W. Shakespeare, pero adaptada a los tiempo modernos: dos bandas de jóvenes, los sharks, inmigrantes puertorriqueños, y los jets, norteamericanos nativos, están enfrentadas. El conflicto surge cuando María, puertorriqueña, y Tony, norteamericano, se enamoran.
Al final Tony es matado por Chino de un disparo.

Orquestación

La partitura de West Side Story fue orquestada por el propio Bernstein, con la ayuda de Sid Ramin e Irwin Kostal. El número de músicos requerido para una interpretación apropiada de la pieza está entre los más altos del repertorio de teatro musical. La partitura necesita de cinco instrumentistas de viento-madera (cada uno encargado de varios instrumentos), siete metales, cinco percusionistas, un teclista, un guitarrista y doce instrumentistas de cuerda. En total, son necesarios 30 músicos para interpretar la partitura tal cual fue escrita por el compositor.

Varias Curiosidades sobre la pelicula

Elvis Presley tuvo la oportunidad de representar el papel de actor principal, pero su manager le disuadió de la idea. Cuando vio la cantidad de Óscar que se llevó el musical, se arrepintió.

En un principio, los productores no habían pensado en Natalie Wood para el papel de María. Wood estaba ocupada trabajando en el rodaje de Esplendor en la hierba (1961) con Warren Beatty, con quien mantenía un romance en aquel momento. Fue Beatty el que se presentó al casting para el papel de Tony, siendo Wood la que leía el papel de María como favor. Irónicamente, los productores se entusiasmaron con la interpretación de Wood pero rechazaron a Beatty.

En 1994, el paleoantropólogo Yves Coppens publicó una hipótesis para explicar la aparición de los homínidos bípedos a la que llamó East Side Story, en clara alusión al título de este musical (usual ardid "académico" para mejorar el éxito y penetración de una idea algo abstracta).

En un principio, el argumento de West Side Story iba a centrarse en las diferencias entre judíos y católicos, pero después de leer una noticia en el periódico sobre los enfrentamientos entre bandas puertorriqueñas y blancas en Nueva York, Bernstein y el libretista Laurents cambiaron de idea.

Muchos de los escenarios donde se rodó la adaptación cinematográfica de 1961 eran decorados, en total 37. Algunos exteriores se rodaron en un barrio de Nueva York que iba a ser demolido. Los decoradores tuvieron que transformar fachadas, poner ventanas, escaparates, anuncios, etc. para recomponer las calles.

Ninguno de los dos protagonistas principales (María y Tony) de la versión cinematográfica de West Side Story (Natalie Wood y Richard Beymer) sabía cantar ni bailar, por lo que se redujeron sus escenas de baile y fueron doblados en las canciones.

Ficha técnica

Dirección Robert Wise - Jerome Robbins
Producción Robert Wise - Saul Chaplin - Walter Mirisch
Guión Jerome Robbins - Arthur Laurents
Música Leonard Bernstein con letras de Stephen Sondheim.
Fotografía Daniel L. Fapp
Reparto Natalie Wood - Richard Beymer - Russ Tamblyn - Rita Moreno - George Chakiris
País Estados Unidos
Año 1961
Género Musical
Duración 151 minutos

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Matar un Ruiseñor (1962)

Robert Mulligan llevó a la pantalla Matar a un Ruiseñor, la novela de Harper Lee merecedora dos años antes del premio Pulitzer. Es una joya del cine; una película cargada de mensaje, donde brillan con fuerza el amor a la verdad y la justicia.

Argumento


En la trama de la película subyace la diferenciación racial, el racismo. Atticus Finch (Gregory Peck) es un abogado afincado en la ciudad de Alabama de los años 30. Es viudo y padre de dos niños pequeños. A pesar del ambiente xenófobo que se respira en el pueblo, Atticus —un hombre de principios, honrado, auténtico y coherente— decide defender a un joven negro de la acusación de haber violado a una mujer blanca. Simultáneamente a esta historia, los hijos de Atticus —la pequeña Scout, narradora de la historia, y su hermano Jem— investigan a su modo sobre el misterioso Boo Radley (Robert Duvall), un joven enfermo mental que ha vivido encerrado durante años y al que nadie ha visto desde que era pequeño. Todo lo que rodea a Boo está cubierto por una aureola de misterio. A todo esto Atticus va enseñando a la pequeña a no juzgar a la gente por las apariencias... y a tratar a todas las personas por igual. Y finalmente... un gran desenlace, toda una lección.


Matar un ruiseñor (To kill a Mockingbird) deslumbra por su fotografía en blanco y negro, por las soberbias interpretaciones de la pequeña Mary Badham y del gran Gregory Peck, y por encima de todo por su historia: una lección de humanidad, de justicia social y de amor a la verdad.

La figura de Atticus Finch es «ideal». Un modelo a seguir, el arquetipo de hombre justo, de buen padre. Que siempre hace lo que cree que debe a pesar de las dificultades, esto es, un hombre coherente. Vamos, que la pequeña Scout puede presumir de padre... Y de hecho en la película, narrada por ella misma, se entrevé que con el tiempo supo descubrir el gran hombre que fue su padre, y al que quizás —por ser una niña— no sabía valorar entonces.


Gregory Peck se hizo merecedor del único Oscar de su carrera. La película también ganaría el Oscar al mejor guión adaptado. Por otra parte, es la primera aparición importante de Robert Duvall, el futuro Tom Hagen de El Padrino.

Ficha técnica
Dirección Robert Mulligan
Producción Alan J. Pakula
Guión Horton Foote
Música Elmer Bernstein
Montaje Aaron Stell
Vestuario Rosemary Odell
Reparto Gregory Peck - Mary Badham - Philip Alford - John Megna - Robert Duvall
País Estados Unidos
Año 1962
Género Drama
Duración 129 minutos


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Cowboy de Medianoche (1969)

Cowboy de Medianoche (Midnight cowboy) es una película basada en la novela del mismo nombre de James Leo Herlihy. Un relato ácido y desesperado de dos jóvenes que intentan salir de su condición de marginados. La banda sonora incluye la canción "Everybody's Talking" de Harry Nilsson. El filme ganó tres Oscar: a la mejor película, al mejor director y al mejor guión adaptado. También obtuvo otras cuatro nominaciones: al mejor actor principal (Jon Voight), al mejor actor principal (Dustin Hoffman), a la mejor actriz de reparto (Sylvia Miles) y al mejor montaje. Además, es la única película con calificación X que ha conseguido el Premio Oscar a la mejor película.

La Pelicula


Un joven tejano marcado por las experiencias sufridas con su abuela y su novia, abandona su puesto de trabajo en su cálida ciudad natal para probar fortuna como gigoló en las lejanas y frías tierras de Nueva York.
"Un vividor", como él mismo se califica que con su zamarra de flecos, su sombrero de cowboy, su inseparable radio y su maleta de piel de vaca intentará vivir de sus artes amatorias con adineradas mujeres sedientas del sexo de chicarrones del salvaje oeste.
Los sueños que se había hecho toparán raudamente con la cruel realidad, una destemplada realidad que terminará compartiendo con un enfermizo ladronzuelo de poca monta.


John Schlesinger, amamantado por el Free Cinema inglés, consiguió con este film estadounidense un enorme éxito que le llevó a obtener un Oscar de Hollywood (a pesar de ser un título clasificado X) por su trabajo de dirección, galardón que también lograría el conjunto de la película, ya que se trata de un magnífico título, levemente perjudicado por un excesivo empleo de los flashbacks y ensoñaciones procedentes de los recuerdos de Joe Buck (Jon Voight) y de los soleados deseos de Ratso Rizzo (Dustin Hoffman).
Por lo demás, es una película muy a tener en cuenta, principalmente por esa estremecedora descripción de los ambientes más lóbregos de la gran ciudad de Nueva York, en donde conviven personajes marginales en habitaciones cochambrosas adornadas por carteles de paraísos o sectarios que histéricamente rezan a la puerta del retrete, con caracteres singulares y ambiguos que bailan en fiestas warholianas al ritmo de músicas y luces psicodélicas mientras engullen sustancias psicotrópicas.

El autoproclamado "vividor" aprenderá a aparcar sus ansias de grandeza y tendrá que instruirse en la lucha por la supervivencia en una ciudad sin sentimientos, una metrópoli que implacablemente observa como sus habitantes pierden sus ilusiones y las pervierten (de gigoló pasará a chapero), en hipnóticos trayectos hacia un Hades suburbano establecido en una época agitada, como fueron los años finales de la década de los 60.

Espléndidas actuaciones de Voight y Hoffman y conocida canción interpretada por Harry Nilsson ("Everybody's talking") para una mirada a la instintiva amistad de resistencia y al recorrido emocional de un personaje cuya evolución va pareja al cambio climático que posee cada ciudad a la que llega.
"Cowboy de medianoche" culmina con un final apesadumbrado pero en cierta manera, optimista. Ya no es el vaquero de sonrisa fácil y pensamientos sublimados, ha visto la realidad escrita en las calles de una grisácea urbe y buscará reiniciar su existencia, una vida tendente a una clara realización práctica, bajo un sol de esperanza y con un amargo recordatorio entre sus brazos.

Ficha Técnica:

Título original: Midnight Cowboy
Dirección: John Schlesinger
País: USA
Año: 1969
Duración: 113 minutos
Género: Drama
Reparto: John Voight, Dustin Hoffman, Brenda Vaccaro, Sylvia Miles, John McGiver, Ruth White, Bob Balaban, Barnard Hughes
Guión: Waldo Salt; basado en la novela , de James Leo Herlihy
Producción: Jerome Hellman
Música: John Barry
Fotografía: Adam Holender
Montaje: Adam Holender


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Bonnie and Clyde (1967)

Bonnie and Clyde es una película estadounidense de 1967, del género cine de gánsteres, dirigida por Arthur Penn, protagonizada por Warren Beatty, Faye Dunaway, Gene Hackman, Gene Wilder y Michael J. Pollard en los papeles principales. Ganadora de dos premios Oscar, a la mejor actriz secundaria (Estelle Parsons), y a la mejor fotografía (Burnett Guffey); y nominada a ocho premios Oscar más. Ganadora de dos premios BAFTA,(Faye Dunaway) y (Michael J. Pollard) y varios otros importantes premios y nominaciones.

La película narra la vida de dos atracadores, Bonnie Parker y Clyde Barrow, que se enamoran y recorren el Medio Oeste, Oeste y Sur de Estados Unidos dejando tras de sí un rastro de muertes y delitos, llevando de cabeza a la policía estadounidense.

Argumento

Clyde Barrow (Warren Beatty), un atracador de bancos y negocios de poca monta, ha salido de prisión. En pleno período de la Gran Depresión de los años 30 vuelve a asaltar bancos. Conoce a Bonnie Parker (Faye Dunaway), una chica de pueblo que se siente aburrida y que decide acompañarlo.

Mientras por una parte desarrollan sentimientos, juntos protagonizan una escalada de atracos y crímenes cada vez más brutales, dejando en sus huidas tras de sí una estela de violencia y de sangre.


Comentarios

Un clásico del género de atracos de bancos, ambientado en la época entre las dos guerras. El protagonismo del automóvil como medio de huir de una población a otra constituye un avance de las futuras "road movies", las películas cuya acción se desarrolla en la carretera.

La relación sentimental entre los protagonistas es otro elemento diferencial respecto a las habituales películas de atracadores. Fue el filme que lanzó a Faye Dunaway al estrellato.

La Leyenda

Bonnie Parker (1 de octubre de 1910 – 23 de mayo de 1934) y Clyde Barrow (24 de marzo de 1909 – 23 de mayo de 1934) fueron unos famosos forajidos, ladrones y criminales de Estados Unidos durante la Gran Depresión. Bonnie y Clyde captaron la atención de la prensa americana y fueron considerados como "enemigos públicos" entre 1931 y 1935. Aunque la banda fue conocida por los robos a bancos, Clyde Barrow prefirió el robo a pequeños comercios y gasolineras. Aunque el público creyó que Bonnie era la líder de la banda, el rol de Bonnie Parker sigue siendo materia de estudio y controversia. Miembros de la banda como W.D. Jones y Ralph Fults testificaron que nunca vieron a Bonnie coger una pistola y que su rol se circunscribía a temas logísticos.[1] El testimonio de Jones fue: "Bonnie nunca cogió un arma, estuvo ausente de los grandes tiroteos." Phillip Steele señala en The Family Story of Bonnie and Clyde, una entrevista con Marie Barrow, hermana pequeña de la familia Clyde, en la que asegura que "Bonnie nunca dio un solo tiro. Tan solo siguió a mi hermano sin importarle dónde."[2] En esta entrevista realizada a Playboy, W.D. Jones dijo de Bonnie: "Por lo que yo sé, Bonnie nunca encañonó un arma. Quizás ella necesitara llevarla en el coche. Pero durante los grandes tiroteos, yo nunca la vi con un arma."[3]

En su artículo "Bonnie and Clyde: Romeo and Juliet in a Getaway Car", el escritor Joseph Geringer explica que Bonnie y Clyde gozaron de la simpatía de parte de la sociedad norteamericana, comparándolos con unos Robin Hood modernos y que, gracias a su muerte trágica, los encuadró en la leyenda.



Ficha técnica

Dirección Arthur Penn
Producción Warren Beatty
Guión David Newman - Robert Benton
Música Charles Strouse
Fotografía Burnett Guffey
Montaje Dede Allen
Efectos especiales Danny Lee
Reparto Warren Beatty - Faye Dunaway - Gene Hackman - Gene Wilder - Michael J. Pollard - Estelle Parsons - Denver Pyle - Dub Taylor - Evans Evans - Gene Wilder - Estelle Parsons
País Estados Unidos
Año 1967
Género Gángsters
Duración 111 minutos
Productora Tatira-Hiller Productions - Warner Brothers/Seven Arts
Distribución Warner Broders/Seven Arts

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Dr. Strangelove (1964)

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, es una película británica de 1964, del género comedia de humor negro, producida y dirigida por el director estadounidense Stanley Kubrick. Basada en la novela Red Alert de Peter George, con un guión escrito por Terry Southern y el mismo Kubrick. La película relata la historia del intento de un general demente por iniciar una guerra atómica, y el intento de otros por evitarla.

Argumento


El general de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, Jack D. Ripper (Sterling Hayden), (cuyo nombre se pronuncia Jack The Ripper: Jack el destripador), planea dar comienzo a una guerra nuclear con la Unión Soviética con el objetivo de impedir lo que considera una conspiración comunista para fluorizar el agua, contaminando así los "preciosos fluidos corporales" de los estadounidenses. Da la orden, sin la autorización del presidente Merkin Muffley (Peter Sellers), a su escuadra nuclear de combate, de bombardear sus respectivos objetivos dentro de la Unión Soviética, con la esperanza de que el presidente ordene un ataque a gran escala al no encontrar otra opción. El general Ripper desconoce, sin embargo, que los soviéticos cuentan con un "dispositivo del juicio final", el cual será automáticamente activado en caso de detectar un ataque nuclear sobre territorio de la Unión Soviética, destruyendo toda vida sobre la faz de la Tierra por contaminación radiactiva.



El Dr. Strangelove, (Peter Sellers) ex científico nazi, asesor del presidente, explica al personal congregado en el salón de guerra del Pentágono, cómo el dispositivo es una extensión natural de la estrategia de la Guerra Fría de la destrucción mutua asegurada, que opera como un disuasivo a un intercambio nuclear real. Es más, la máquina no puede desconectarse, pues esto disminuiría su valor como disuasivo.

El plan de ataque enviado por el general Ripper estipula que ninguna comunicación deberá ser obedecida por los aviones de la escuadra, a menos que dicha comunicación cuente con un código prefijo secreto, conocido únicamente por el general, evitando así que el ataque sea abortado por otra autoridad.


Como resultado, el gobierno estadounidense coopera con los soviéticos para detectar y derribar sus propios aviones, a menos que puedan contactarse con ellos y regresen. La base aérea comandada por el general Ripper es atacada por tropas del Ejército de los Estados Unidos y éste ordena la defensa, disparando personalmente una ametralladora contra los atacantes. Finalmente la base es tomada y el general Ripper se suicida después de la rendición de sus fuerzas.

El plan de Ripper es frustrado por el capitán de la Real Fuerza Aérea (RAF) Lionel Mandrake (Peter Sellers), un funcionario militar que participa en un "programa de intercambio" con la Fuerza Aérea estadounidense, que deduce el código secreto de unos bocetos infantiles escritos por el general Ripper. El código prefijo secreto es enviado a los bombarderos y éstos inician la retirada.

Desgraciadamente, uno de los B-52 ("La Colonia del Leproso") no se puede comunicar por radio, porque había sido dañado por un misil soviético, y continúa su misión para dejar caer su bomba nuclear en su blanco, lo que de todas formas activaría la máquina del día del juicio final. Llegado el momento del bombardeo, la puerta del depósito de las bombas no funciona y está bloqueada. Al intentar soltarla manualmente, el piloto del B-52, el mayor T.J. "King" Kong (Slim Pickens), un auténtico tejano, logra repararla montado en una de ellas, llevando puesto su sombrero alón. La puerta de abre y el mayor cae, montado sobre la bomba, iniciando así la destrucción global. Coge la bomba con una mano y ondea su sombrero de vaquero en el aire, a modo de homenaje a la técnica de rodeo de caballos.


El dispositivo del día del juicio final se activa y en los últimos momentos de la Humanidad, el Dr. Strangelove recomienda al presidente Muffley, que un grupo de humanos se oculte profundamente en un pozo de mina de más de 1 000 m, donde la radiactividad nuclear no los pueda alcanzar, para que la Tierra pueda repoblarse. El general Turgidson entra en delirio para superar a los soviéticos por el espacio de las minas, planificando ya una futura guerra en 100 años más, cuando la radiación se haya disipado. El Dr. Strangelove se levanta de su silla de ruedas anunciando que tiene un plan, y cuando cae en la cuenta de que puede caminar, grita ¡"Mein Führer, puedo andar"! solo un segundo antes de que las bombas del juicio final empiecen a detonar, terminando en el fin de la Humanidad.

Ficha técnica

Título Dr. Insólito o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba (Argentina / México) ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú (España)
Dirección Stanley Kubrick
Producción Stanley Kubrick
Diseño de producción Ken Adam
Guión Novela de Peter George - Stanley Kubrick - Terry Southern
Música Laurie Johnson
Fotografía Gilbert Taylor
Montaje Anthony Harvey
Reparto Peter Sellers - George C. Scott - Sterling Hayden - Keenan Wynn - Slim Pickens - Peter Bull - James Earl Jones - Tracy Reed - Jack Creley - Frank Berry - Robert O´Neil - Glenn Beck - Roy Stephens - Shanne Rimmer - Hal Galili - Paul Tamarin - Laurence Herder - Gordon Tanner - John McCarthy
País Reino Unido
Año 1964
Género Comedia
Duración 94 minutos
Productora Hawk Films
Distribución Columbia Pictures
Presupuesto $1.800.000
fuente: wikipedia

Ver Dr. Strangelove (1964), Trailer de la Pelicula