El Gladiador (2000)

Pelicula

 

Gladiador es una película del género péplum estrenada en el año 2000. 

Fue todo un éxito y recibió críticas positivas debido a que ayudo a revivir este tipo de  género que estaba perdido en el cine. Tiene muchas influencias de otro tipo de películas, por lo que resulta interesante su contenido y su trama.

Considerada  una pieza del diseño audiovisual porque cuida muchos aspectos y se preocupan por la cronología e historia  de la trama, aspecto importante  a resaltar.

Dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Russell Crowe, Joaquin Phoenix y Connie Nielsen. Crowe interpreta a Máximo Décimo Meridio, un leal general hispano del ejército del Imperio romano que es traicionado por Cómodo, el ambicioso hijo del emperador Marco Aurelio, quien ha asesinado a su padre y se ha hecho con el trono. Forzado a convertirse en esclavo, Máximo triunfa como gladiador mientras anhela vengar la muerte de su familia y la del emperador.

Inspirado en un libro sobre los gladiadores del escritor estadounidense Daniel P. Mannix, el primer guion de Gladiator fue escrito por David Franzoni y comprado por el estudio de cine DreamWorks, que fichó a Ridley Scott para dirigir la película. El rodaje empezó en enero de 1999, antes de que el guion estuviera completo, y se extendió hasta mayo de ese año. Las escenas de la Roma antigua se filmaron en el Fuerte Ricasoli de Malta; las imágenes generadas por ordenador fueron creadas por la empresa británica de efectos visuales The Mill, que además tuvo la tarea inesperada de crear un doble digital para las escenas que Oliver Reed no pudo filmar antes de su muerte debida a un infarto.

Estrenada el 5 de mayo de 2000, Gladiator fue un éxito tanto entre la crítica especializada como entre el público y contribuyó al breve resurgir del cine épico ambientado en la Antigüedad clásica. La película recibió numerosos premios y nominaciones, incluidos cinco premios Óscar en la 73º edición de los Premios de la Academia estadounidense, entre los que se destaca el de mejor película y mejor actor para Crowe. 

Maximo Decimo Meridio

Gladiator se basó en una historia original de David Franzoni, autor del primer borrador.​ Franzoni llegó a un acuerdo con DreamWorks para escribir y coproducir tres películas gracias a la solidez de su anterior trabajo, el guion de la película Amistad de Steven Spielberg, un filme que le dio gran reputación a DreamWorks. Franzoni no era un erudito en el mundo de la antigüedad clásica, por lo que se inspiró del ensayo de 1958 de Daniel P. Mannix, Those About to Die, y decidió basar su historia en Cómodo tras leer la Historia Augusta, que recopila biografías de emperadores romanos.

PREMIOS

Gladiator fue nominada a los premios de 36 ceremonias distintas, incluyendo la 73ª edición de los premios Óscar, los premios BAFTA y los Globos de Oro. De un total de 119 nominaciones, la película ganó 48 premios.​ La película ganó cinco premios de la Academia y fue nominada en otras siete categorías, incluyendo Mejor Actor de Reparto (Joaquin Phoenix) y Mejor Director (Ridley Scott). Recibió seis nominaciones para los Globos de Oro. Hubo cierta controversia en su nominación a Mejor Banda Sonora, pues el premio fue propuesto únicamente para Hans Zimmer y no para Lisa Gerrard debido a las normas de la Academia norteamericana. Sin embargo, finalmente, los dos ganaron el Globo de Oro por Mejor banda sonora como co-compositores.

Reparto principal

Russell Crowe como Máximo Décimo Meridio, un legado —general — hispanorromano que goza de la total confianza de Marco Aurelio y el amor y admiración de Lucila. 

Joaquin Phoenix como Cómodo, el corrompido, perverso e inmoral hijo de Marco Aurelio. Asesina a su padre cuando se entera de que Máximo tendrá poderes de emperador en funciones hasta que se formase una nueva república.

Connie Nielsen como Galeria Lucila, primera amante de Máximo e hija mayor de Marco Aurelio que, recientemente, se había quedado viuda. Ella se resiste a los anticipos incestuosos de su hermano, al cual odia, al tiempo que debe proteger a su hijo, Lucio, de la ira y corrupción de este.

+Oliver Reed como Antonio Próximo, un anciano y áspero entrenador de gladiadores que compra a Máximo en el norte de África. Es un antiguo gladiador que fue liberado por Marco Aurelio. Le regala a Máximo su armadura y una oportunidad de liberarse.

+Derek Jacobi como el senador Graco, un miembro del senado romano que se opone al gobierno de Cómodo. Es aliado de Máximo y Lucila.

+Djimon Hounsou como Juba, un miembro de una tribu numidia que es atrapado en su casa, junto a su familia, por comerciantes de esclavos. Llega a ser el mejor aliado y amigo de Máximo.

+Ralf Möller como Hagen. Gladiador germánico, el mejor luchador de Próximo. Se hará amigo de Máximo y morirá defendiéndolo.

+Spencer Treat Clark como Lucio Vero, hijo del coemperador Lucio Vero y de Lucila, y por tanto nieto de Marco Aurelio.

+Richard Harris como Marco Aurelio. El anciano emperador romano, quiere a Máximo como a un hijo y le pide que vuelva a convertir a Roma en una república. Es asesinado por su hijo Cómodo.

+Tommy Flanagan como Cicerón. Fiel sirviente de Máximo, al que intenta ayudar en su huida.

Tomas Arana como Quinto. General romano que traiciona a Máximo. Se convierte en jefe de la guardia pretoriana de Cómodo, pero no le presta ayuda al emperador en su combate final contra Máximo.

+John Shrapnel como Gaio. Otro senador, cercano a Graco.

+David Schofield como el senador Falco. Enemigo de Graco, ayuda a Cómodo a consolidar su poder.

+Sven-Ole Thorsen como Tigris de la Galia. Gladiador invicto que combate contra Máximo.

+David Hemmings como Casio. Organizador de las luchas de gladiadores en el Coliseo.

+Giannina Facio como esposa de Máximo.

+Giorgio Cantarini como hijo de Máximo.

   Comodo, hijo de Marco Aurelio

BANDA SONORA

La célebre banda sonora de Gladiator, nominada al Óscar, fue compuesta por Hans Zimmer y Lisa Gerrard y dirigida por Gavin Greenaway. Zimmer en principio tuvo intención de recurrir a la vocalista israelí Ofra Haza, con la que había trabajado en El príncipe de Egipto, pero la intérprete falleció en febrero de 2000 antes de que pudiera empezar a grabar. En su lugar eligió a la australiana Lisa Gerrard.​ La música de muchas de las escenas de batalla se han comparado por su similitud con Mars: The Bringer of War de Gustav Holst, y en 2006 la Holst Foundation demandó a Zimmer por un supuesto plagio. Otra clara evocación musical se puede escuchar en la escena de la entrada triunfal de Cómodo en Roma, realzada por una composición musical que claramente recuerda a dos secciones de El anillo del nibelungo de Richard Wagner, el El oro del Rin y El ocaso de los dioses.

El 27 de febrero de 2001, casi un año después de la puesta en venta de la banda sonora de la película, Decca Records produjo Gladiator: More Music From the Motion Picture, y en 2005 la misma discográfica estrenó Gladiator: Special Anniversary Edition, con dos CD que recopilaban las dos anteriores ediciones. En 2003, Luciano Pavarotti hizo pública una grabación de sí mismo interpretando una canción de la película y dijo que lamentaba haber rechazado en su día una oferta que le hicieron para cantarla para el filme.

Todos los que alguna vez la hemos visto, nos damos cuenta de querer parecerse al protagonista, y de querer vengarse de este Comodo, la pelicula en general es buena y bastante recomendable, claro que hay quienes la encuentran lenta y aburrida, pero no entienden el tinte de tipo pelicula Clasica que se esta demostrando, magistralmente por el Director Ridley Scott, ademas de lanzar a la fama a Rusell, quien merecidamente obtiene su galardon. La pelicula merece estar y ser comentada por los que aprecian las buenas peliculas.

Trailer

Tarzán de los Monos (1918)

Tarzán de los monos (inglés: Tarzan of the Apes) es una película muda en blanco y negro de 1918, dirigida por Scott Sidney y protagonizada por Elmo Lincoln. Fue la primera película basada en la novela Tarzán de los monos de Edgar Rice Burroughs.

La película fue filmada en 1917 en Morgan City, Luisiana, utilizando sus pantanos en representación de las selvas de África. La película sólo es una adaptación de la primera parte de la novela, dejando el resto como base para su secuela, El romance de Tarzán, etc.

Trama
John y Alice Clayton son pasajeros del barco Fuwalda, cuyo destino es África. Cuando el barco sufre un motín el marinero Binns les salva la vida, pero son abandonados en una costa tropical. Después de que ellos mueren su pequeño hijo es adoptado por Kala, una gorila, quien lo cuida como si fuera suyo. Se convierte en Tarzán y luego en Rey de los monos. Binns regresa luego de estar 10 años cautivo, para buscar a los Clayton, el marinero descubre a Tarzán y regresa a Inglaterra para informar lo ocurrido. Una expedición liderada por el profesor Porter es enviada para investigar. Jane, la hija del profesor es capturada por los nativos y salvada por Tarzán, los dos se enamoran.

Comentario
Para que decir que esta fue una gran pelicula, no lo fue, pero si podemos decir que abrio el mundo de las novelas a la pantalla grande con mucho mas fuerza que cualquier otra, de hecho, se han realizado muchisimas peliculas como secuelas de esta, tratando de engrosar la historia (mega-conocida) pero siempre deja algo que desear, y por eso tiene sus fieles seguidores, es interesante ver como un niño cualquiera logra crecer y desenvolverse en un mundo de MONOS, como queriendo decir que entre ellos y nosotros hay un gran lazo que nos une desde lo mas profundo de nuestro ser, lo curioso es que los monos lo adoptan y no el humano al mono, es decir ¿los monos son mas humanos que nosotros?
Para incorporarse en esta trama hay que moverse a la aventura, creer que sin tecnologia y sin todo lo que nos envuelve podemos vivir felices y en Paz, aqui hay muchos mensajes que podemos recoger, sin duda es una gran libro, una gran aventura, y la pelicula, las series y todo, hasta el famoso grito "Hooooooooo,ohoh, hohoh, hohoh" o como sea, ya es parte de la historia viva de cada uno de nosotros.

Curiosidades
En 1918, apenas 6 años después de la primera publicación de esta novela, se hace la primera película, y he aqui una buena pregunta ¿Quien fue el primer actor que con crédito aparece en la pantalla interpretando a Tarzán?


Gordon Griffith

Se nos dice que Elmo Lincoln fue el primer Tarzán cinematográfico, pero probablemente habría que revisar la película otra vez; de hecho, el joven actor Gordon Griffith, en la misma cinta de 1918, aparece como Tarzán de niño. Es más, dos bebés hacen las veces del neonato niño blanco pero no reciben ningún crédito. Podemos decir entonces, que el joven muchacho Gordon Griffith, con justicia, fue el primer Tarzán acreditado del cine.

JANE, EL AMOR

No hablar de Jane Porter es no conocer a Tarzán, Jane es el interés amoroso y, más tarde, la esposa de Tarzan y madre de su hijo, Korak. Cuyo personaje evoluciona de la convencional mocinha que estaba siempre en peligro para una aventurera audaz y capaz de defenderse sola en las selvas de la África.

Jane ha aparecido en varias adaptaciones de las historias de Tarzan, principalmente en las basadas en el primer libro, Tarzan de los Monos, incluyendo los mudos Tarzan de los Monos (1918) y el The Romance of Tarzan (1918) y los sonoros Tarzan the Ape Man (1932) y sus refilmagens homónimas de 1959 y 1981, esta ULTIMA protagonizada por Bo Derek.

Hay algo mas...

Los Tarzanes que nos dejó el cine


Elmo Lincoln

Pero, además de Weissmuller y sus antecesores del cine mudo como Elmo Lincoln, Dempsey Tabler, Frank Merrill y Buster Crabbe, un Tarzán muy recordado es Lex Barker, actor neoyorkino que después de unas cuantas películas poco exitosas decidió ir a probar suerte a Europa donde logró una gran popularidad, ya que podía actuar hablando varios idiomas con suma facilidad. El apuesto Lex también fue famoso por su agitada vida amorosa, llegándose a casar cinco veces, entre ellas con Lana Turner y la española Carmen Cervera. Barker murió en Nueva York tres días antes de cumplir los 54 años de edad.

Gordon Scott nació con el nombre de Gordon Werschkul el 3 de agosto de 1927 en Portland, Oregón, donde creció junto a 8 hermanos mayores que él. Todos quisieron emular a su padre que fue un gran atleta y Gordon lo logró, al convertirse en uno de los hombres musculosos más perfectos de su época. Después de estudiar educación física, Gordon se alistó para pelear en la Segunda Guerra Mundial. A su retorno del frente se especializó en instructor de armas, asi como en judo y lucha cuerpo a cuerpo.

Trabajando como salvavidas en la piscina del Hotel Sahara de las Vegas, en 1953, dos agentes de Hollywood lo descubrieron y se lo llevaron para protagonizar a Tarzán en una película, ya que Lex Barker había decidido no renovar su contrato. Gordon Scott superó a otros 200 aspirantes y segun muchos críticos fue el Tarzan que más se ajustaba al personaje creado por Burroughs, quien no vivió para conocerlo, ya que el escritor falleció en 1950.

Lo que si se sabe, es que a Burroughs nunca le gustó la forma en que Weismuller presentaba a su personaje, y seguramente nunca le habría gustado tampoco los que vinieron después como: Ron Ely, Miles O'Keefe, Christopher Lambert o Wolf Larson.

Wiesmuller tampoco estaba de acuerdo con la versión trazanesca de Hollywood, pues él nunca escribió que su personaje se trasladaba a traves de las lianas, por los árboles, sino a los saltos, ni que andaba de la mano de una mona: Cheeta (Chita).

Chita, una historia aparte


Es muy curioso, pero la mona Chita, ese personaje tan simpático que ha dado lugar al chiste fácil de ayer y hoy, aparece como un agregado en el cine. En realidad en la obra literaria no existe el tal chimpancé, por lo que es otra de las tantas cosas que le critican al Tarzán del cine.

Chita, quien en realidad es un mono y no una mona, cuando cumplió 74 años los celebro al mejor estilo Hollywood, entre fotógrafos y discursos. El chimpancé que protagonizó una docena de películas de “Tarzán” en las décadas de los 30 y 40, lleva muchos años retirada de la gran pantalla en su refugio de Palm Springs (California), donde residen numerosos jubilados de Hollywood. En realidad, se trata de la fundacion CHEETA, la cual se dedica a mejorar la vida de los simios en peligro de extinción.

Según el Libro Guinness de Records, su longevidad la convierte en el chimpancé más viejo del mundo, una especie que suele vivir hasta los 40 años, pero que en cautiverio puede llegar a los 60.

Su amigo y cuidador, Dan Westfall, asegura que entre los pasatiempos favoritos de esta leyenda de la pantalla están “ver la tele, sobretodo sus películas las cuales a veces le provoca aplaudir”.

Sus excesos en Hollywood se han cobrado su precio en la larga vida de este simio que acostumbraba fumar puros y beber cerveza, pero que ahora toma insulina a causa de la diabetes y mantiene una dieta de frutas frescas y a veces: huevos y tostadas.

Pensar que Chita debutó ante las cámaras en 1934 con Tarzán y su compañera, película en la que Weissmuller encontraba el amor de la bella Maureen O'Sullivan. Hoy Chita es la única superviviente de aquel reparto estelar, aunque cabe mencionar que hubo otros tres chimpancés que se alternaban con ella en las distintas secuencias, por lo que siempre había al menos dos en el plató.

Su última aparición en la pantalla fue en 1967, junto a Rex Harrison en “Dr. Doolitle”. Ha sido designada tres veces para tener su nombre en el paseo de las estrellas de Hollywood, donde están representados Lassie y Rintintín. Pero ese reconocimiento no acaba de llegar y se conforma con el paseo de las estrellas de Palm Springs, que no es lo mismo, pero no está nada mal, ya que Marilyn Monroe y Marlene Dietrich tienen allí una estrella.

Por su parte, Edgar Rice Burroughs también ha recibido honores. En 1919 él se había comprado una gran finca al norte de Los Angeles, la cual bautizó como “Tarzana”. Poco después, en 1928, los habitantes de los alrededores decidieron ponerle el mismo nombre a su comunidad, el cual aun hoy se mantiene.

Por otro lado, uno de los cráteres del planeta Marte se llama Burroughs, también en su honor.
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Ficha técnica
Dirección Scott Sidney
Ayudante de dirección Charles Watt
Producción William Parsons
Guión Edgar Rice Burroughs (novela) - Fred Miller y Lois Weber (adaptación)
Editor Isadore Bernstein
Fotografía Enrique Juan Vallejo
Vestuario E. M. Jahrhaus
Reparto Elmo Lincoln (Tarzán) - Enid Markey - George B. French
País(es) Estados Unidos
Año 1918
Estreno 27 de enero de 1918
Género Acción / Aventura
Pelicula Muda
Duración 73 minutos
Compañías Distribución National Film Corporation of America

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Corazón Valiente (1995)

Corazón Valiente (Braveheart) es una película épica basada en la vida de William Wallace, un héroe nacional escocés. gano cinco Premios de la Academia, incluyendo el Oscar a la Mejor película, estrenada en 1995. Es una película en que Mel Gibson dirigió, produjo y protagonizó.

ArgumentoWilliam Wallace, nombre del protagonista en "Braveheart" (Mel Gibson) es un rebelde escocés, que lidera una revuelta popular contra el cruel rey Eduardo I de Inglaterra apodado "Longshanks" (El Zanquilargo) (Patrick McGoohan), que quiere conseguir para él la corona de Escocia y anexionarse el país, aprovechando que el último rey no tuvo herederos.

De niño (hacia 1280) Wallace perdió a su padre y a su hermano a manos de los ingleses, y muchos otros han sido asesinados desde entonces. El joven William pasó entonces a la tutela de su tío Gay (Brian Cox), y lo lleva al extranjero para que tenga una buena formación. Años después vuelve a Escocia con la intención de vivir en paz. Longshanks endurece su opresión al restablecer el Ius primae noctis (el derecho de pernada)que consistia en un "derecho" feudal que teóricamente establecía la potestad señorial de tener relaciones sexuales con toda doncella, sierva de su feudo, recién casada con otro siervo suyo.

Cuando su amada Murron McGlannough (Catherine McCormack), con la que se había casado en secreto, es asesinada por el Sheriff de Lanark (porque ella y Wallace se enfrentaron a los ingleses que la intentaron violar), su determinación de luchar a muerte para liberar a Escocia del yugo inglés ya no tiene marcha atrás. Su valor, carisma e inteligencia hace que sus filas se llenen de voluntarios, como los miembros de su clan, su amigo de la infancia Hamish Campbell (Brendan Gleeson), y el carismático irlandés Esteban el Loco (David O'Hara) llevando a los escoceses a infligir a los ingleses una humillante derrota en Stirling.


Tras la victoria, Wallace es nombrado "Guardián de Escocia" por los nobles, pero es consciente del oportunismo y la desunión de éstos, a los que Longshanks ha comprado con prebendas. El dubitativo Robert Bruce (Angus MacFadyen), heredero al trono de Escocia, se debate entre los consejos de su padre leproso (interpretado por Ian Bannen) de pactar con Inglaterra y su deseo de seguir los pasos de Wallace.

Consciente de que el enemigo volvería, invade el norte de Inglaterra y conquista York. Pero William encuentra una inesperada aliada en la esposa del afeminado príncipe de Gales, la princesa Isabel (Sophie Marceau) a quien el tirano había enviado a negociar para ganar tiempo, pero ella se pone de su parte y ambos tienen un intenso romance.

La reacción inglesa no se hace esperar. El ejército de Wallace es derrotado en Falkirk debido a la traición de los nobles, que son sobornados. Wallace escapa a duras penas tras ser herido. Robert Bruce había aceptado de mala gana ponerse del lado de Longshanks, pero después de la batalla recorre el campo lleno de cadáveres, y con gran remordimiento, se promete no volver a equivocarse de bando.


Wallace y los suyos reorganizan la resistencia. Los nobles que le traicionaron en Falkirk mueren por su mano. Wallace ya se ha convertido en un mito y es más peligroso que nunca para los ingleses. Sin embargo, él sabe que sin el apoyo de la nobleza, no hay nada que hacer. Por eso se arriesga a reunirse con ellos en Edimburgo, a petición de Bruce (quien realmente desea ponerse de su lado). Pero los demás nobles tienen otros planes y Wallace es capturado por los ingleses, para desesperación del joven Bruce, quien culpa del engaño a su padre moribundo.


Wallace es llevado a Londres, condenado por traición, brutalmente torturado y decapitado después de gritar ¡¡LIBERTAD!!. Pero su sacrificio no ha sido en vano. Eduardo I de Inglaterra fallece y le sucede el débil y afeminado Eduardo II. Años más tarde Robert Bruce es rey de Escocia, pero debe rendir vasallaje al monarca inglés.

En vez de eso, Bruce decide luchar y arenga a sus soldados diciendo "habéis sangrado con Wallace, sangrad ahora conmigo". Vence en la Batalla de Bannockburn (1314) a un ejército inglés superior en número y con esta batalla, Escocia ya es libre.

Comentarios
La pelicula en general es altamente recomendable para las personas que gustan de ver escenas crudas de guerra (donde Mel le gusta interiorisarse), claros ejemplos son El Patriota o la Pasion de Cristo, le fascina mostrar al publico muchedumbre y mucha sangre, quiza para mostrar imagenes mas creibles o mostrar un fetiche incorporado en su ser, no lo sabremos nunca, pero lo que si sabremos es que lo bien lograda de las batallas, las imagenes de los caballos en las montañas seran recordadas como las mejores del cine, sin duda, esta historica guerra de independencia la conocen casi todo el mundo gracias a Mel Gibson, ademas de usar miles de soldados reales en reclutamiento puso una nueva forma de ver las peliculas de guerra, gente real con efectos mas reales cada vez, gracias a Dios que no murio ningun caballo (eso dicen). Por otra parte muestra lo triste y desdichado de ser un esclavo en esta epoca, para los que se casaban sus futuras esposas debian primero pasar por el dueño del fundo (practica que en lugares escondidos y campestres sobretodo se usa por ignorancia y aprovechamiento), todo les pertenecia a los nobles y nada para los pobres, como siempre no?.
Por ultimo, el grito aquel de "FREEDOM" sera recordado por siempre, con eso las emociones llegan al maximo para apoyar la lucha de los escoses por su libertad, hubieramos querido estar ahi sin duda y matar un par de ingleses, pero ya es otro tiempo y hoy las cosas estan como estan debido a los heroes que marcaron la historia de su pais.

Curiosidades
* En la secuencia en que a la mujer de Wallace, Murron, le cortan el cuello puede verse al fondo del encuadre una furgoneta Ford Transit de color blanco.

* Durante la última batalla de la película aparecen al fondo de la imagen dos extras que, además de no luchar, se están riendo.

* En la secuencia final de la batalla de Bannockburn cuando se ven los escoceses corriendo de frente a cámara lenta. En el centro está Hamish Campbell (el personaje que lanza justo antes la espada de William), se puede ver que su gran hacha parece ser de plástico o de goma moviéndose y tambaleándose al correr.

* Cuando finaliza la primera guerra se les puede ver a dos escoceses peleando entre sí como si jugaran.

* Durante su infancia, William Wallace es zurdo...pero al llegar a la edad adulta es diestro.

* William Wallace era 20 años menor de la edad que aparentaba Mel Gibson en la película.

* En la película llegaron a actuar descendientes de la familia de William Wallace.

* Según Steve Harris, bajista de Iron Maiden, la banda se inspiró en las películas Braveheart y Rob Roy para componer la canción The Clansman del álbum Virtual XI (1998).

* A lo largo de la película se puede ver que la famosa espada de metro y medio de Wallace se tambalea, incluso en la escena final, cuando se filma la espada clavada en el suelo el viento la tambalea.

* En el juego Age of Empires II, la campaña de aprendizaje es la de William Wallace. Ahí, el jugador, como debió hacer Wallace, debe levantar a Wallace desde sus humildes comienzos.

* Otro dato curioso relativo al anterior, es que, en la última misión donde el jugador tiene que resistir hasta la llegada de Wallace, Wallace es bajo de estatura comparado con sus hombres, mientras que el debería se más alto que su ejército.

* En el juego de cartas Mitos y leyendas, una carta que aparece es la de William Wallace. Esto técnicamente no es un error, porque aunque Wallace existió, sus acciones lo pueden transformar en leyenda.

* Antes del comienzo de la Batalla de Stirling Bridge en la película, tras la arenga de William Wallace, éste pronuncia unas palabras en gaélico que no están traducidas ni subtituladas en la película. Estas palabras son Alba Go Bragh!, en castellano ¡Escocia hasta el juicio!, literalmente, ¡Escocia por Siempre!. Estas palabras fueron realmente pronunciadas por William Wallace.

* El Demoman de Team Fortress 2 tiene como grito de guerra "¡Libertad!", una referencia a esta película.

* Durante el rodaje de la película ningún animal sufrio daño alguno.

Estatua de William Wallace


Ficha Tecnica
Dirección Mel Gibson
Producción Bruce Davey, Mel Gibson, Alan Ladd Jr., Dean Lopata, Stephen McEveety, Elisabeth Robinson
Guión Randall Wallace
Música James Horner
Fotografía John Toll
Montaje Dani Valdes
Reparto Mel Gibson, Sophie Marceau, Ian Bannen, Brendan Gleeson, Patrick McGoohan, Catherine McCormack, James Cosmos, Tommy Flanagan
País Estados Unidos - Irlanda
Año 1995
Género Drama histórico
Duración 177 minutos
Compañías Distribución Paramount Pictures en Estados Unidos - fuera de EE.UU - 20th Century Fox
Presupuesto $53,000,000 dólares
(wikipedia.com)

Ver Trailer de Corazon Valiente (1995)

Asalto y robo a un tren (1903)

Asalto y robo de un tren (The Great Train Robbery, título original en inglés) es una película rodada en 1903 por Edwin S. Porter

La Pelicula
Oficina del ferrocarril. Unos ladrones sorprenden al radiotelegrafista, lo atan, lo dejan en el suelo y se marchan. Detrás del depósito de agua que sirve para alimentar la máquina se esconden los ladrones, llega el tren, se provee de agua y los ladrones suben. En el interior de uno de los vagones, un empleado escucha el ruido de los ladrones, trata de impedir el robo cuando aquéllos irrumpen disparando sus armas, lo hieren y cae al suelo. Intentan abrir la caja y no pueden. Colocan un explosivo y salen del encuadre. La caja se abre tras la explosión y se hacen con el botín.

El tren se ha parado y los ladrones dan instrucciones al maquinista para que separe la locomotora del resto del convoy. Los viajeros descienden de los ladrones y se colocan en las vías con las manos en alto; los atracadores van robando sus pertenencias. Uno de los viajeros intenta huir corriendo, pero cae abatido por los disparos de los ladrones. Mientras que los ladrones llegan a la máquina, que se pone en marcha y abandona el lugar.
El tren para, se apean los ladrones y bajan por un terraplén en dirección a un bosque. En el bosque se acercan los ladrones, atraviesan un arroyo y llegan hasta los caballos.

En la oficina, el radiotelegrafista trata de incorporarse para dar la voz de alarma, pero cae al suelo. Llega una niña, lo intenta reanimar y desatar.
Por otro lado en un local se celebra un baile de estilo country. Llega el radiotelegrafista, avisa del atraco y salen los hombres corriendo. En un camino en medio del bosque los atracadores huyen perseguidos por otros hombres; se intercambian disparos. Los ladrones están repartiéndose el botín cuando son sorprendidos por sus perseguidores; se produce un tiroteo y los ladrones mueren.
Además, la película se distribuía junto con un plano medio donde el jefe de los bandidos mira a la cámara y dispara, el cual los exhibidores podía insertar al principio o al final de la película, según su propio criterio.

Interés y novedad del filme
En sólo una docena de planos y casi diez minutos de duración (al menos en la versión restaurada por el British Film Institute), Asalto y robo de un tren plantea una historia completa con un desarrollo narrativo y una tensión dramática nuevas para el espectador de la época. El interés y la novedad de este filme en relación con sus contemporáneos radica en su capacidad para articular un lenguaje audiovisual de forma coherente; es decir, para superar la acumulación de tableaux en beneficio de la sucesividad de las acciones. A ello contribuye el raccord entre los planos y las secuencias, como cuando se observa la continuidad de la dirección entre planos B y C de la secuencia 4 (los ladrones salen del encuadre por la izquierda y entran por la derecha) o entre la sec. 4 y la 5 (en ambos casos el tren se mueve de derecha a izquierda). La inserción de las secuencias 6 y 7 en medio de la huida de los ladrones establece una acción paralela que proporciona tensión dramática al texto; tensión incrementada por la ralentización del ritmo mantenido hasta ese momento que supone la secuencia del baile. Por su parte, las imágenes de exteriores insertadas en ventanas en las secuencias primera y tercera otorgan realismo y desteatralización al relato. Los movimientos de cámara, aunque breves, muestran el interés en que sea el encuadre quien esté subordinado a la acción y no al contrario (como era entonces habitual), al mismo tiempo que dirigen la mirada del espectador en función de la acción dramática. A pesar de que el encuadre se mantiene en todo momento en plano general, la puesta en escena permite que los movimientos de los personajes otorguen dinamismo a la acción y varíe la escala, como es evidente en la secuencia 7.
imagen del final de la pelicula

Ficha técnica
Dirección Edwin S. Porter
GuiónScott Marble - Edwin S. Porter
Fotografía Edwin S. Porter - Blair Smith
Reparto A.C. Abadie - Gilbert M. «Bronco Billy» Anderson - George Barnes - Walter Cameron - Frank Hanaway - Morgan Jones - Tom London - Marie Murray - Mary Snow
País Estados Unidos
Año 1903
Género Western
Duración 12 min
Compañía Productora Edison Company

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Cine y literatura en Chile

Una historia antigua y desconocida

Relación entre el cine y la literatura
El vínculo entre la literatura y el cine nacional tiene una historia poco contada. Desde Martín Rivas y "La chica del Crillón", la historia del cine chileno suma numerosas películas basadas en textos literarios. Algunos títulos llevados a la pantalla son Campo de sangre, basada en la novela de Oscar Castro y dirigida por Enrique Vico; Deja que los perros ladren (1961), obra de teatro de Sergio Vodanovic, dirigida por Naum Kramarenko; Tres tristes tigres (1969), obra de teatro de Alejandro Sieveking, dirigida por Raúl Ruiz; Actas de Marusia (México, 1976), novela de Patricio Manns, dirigida por Miguel Littin; Ardiente paciencia (Alemania, 1983), escrita y dirigida por Antonio Skármeta; Alsino y el cóndor (Nicaragua, 1982), basada en la obra de Pedro Prado, dirigida por Miguel Littin; Amelia López O'Neil (1990), basada en una crónica de Joaquín Edwards Bello, dirigida por Valeria Sarmiento; Eloy, inspirada en la novela homónima de Carlos Droguet; La casa de los espíritus y De amor y de sombra, mega producciones internacionales inspiradas en la novelas de Isabel Allende; y Subterra, dirigida por Marcelo Ferrari, basada en la obra de Baldomero Lillo.

La relación entre el cine y la literatura es de antigua data y ha generado un valioso aporte a la historia del cine nacional. No sólo los directores se inspiraron en obras para el rodaje de sus películas, sino que también los escritores fueron seducidos por este nuevo lenguaje. Es así como, a pesar que, las primeras películas nacionales fueron tomas de la vida cotidiana, hacia fines de la década de 1920, se rodaron películas como Manuel Rodríguez, estrenada en 1920, cuyo argumento fue una adaptación de la novela de Alberto Blest Gana, Durante la reconquista, y Martín Rivas (1925), basada en la novela homónima del mismo autor.

En sus comienzos, el cine nacional se nutrió del teatro, que aportó no sólo con actores y técnicos sino también con textos de calidad a la producción de películas. Para algunos críticos, los dramaturgos fueron los "escritores puentes" entre el novelista y el guionista de cine, cabe mencionar por ejemplo a Antonio Acevedo Hernández, Rafael Maluenda y Víctor Domingo Silva. Otros géneros literarios también hicieron un aporte al cine mudo chileno, así por ejemplo, Alberto Santana realizó dos películas basadas en textos literarios: El monje (1924) inspirada en el poema de Pedro Antonio González; y El caso GB (1925), cuyo argumento está basado en la colección de cuentos Al desnudo, de Gustavo Balmaceda.

La irrupción del cine sonoro produjo un gran cambio en el mundo cinematográfico. Este fenómeno afectó negativamente a Vicente Huidobro, quién acababa de recibir un premio por su novela-film Cagliostro, publicada en 1934.

Nace Chile Films

El 16 de julio de 1942, a través del Decreto Supremo Nº 2581 se creó Chile Films, filial de la Corporación de Fomento de la Producción CORFO, con el objeto de dar un impulso a la producción de películas chilenas. Los estudios de Chile Films eran los más avanzados de Sudamérica, lo que permitió que el cine nacional continuara su desarrollo con un impulso renovado.
En el año 1944, se estrenaron las primeras películas rodadas en este espacio, "Un romance de medio siglo" y "Hollywood es así". Uno de los objetivos fundamentales de Chile Films fue el intento de generar un mercado para sus producciones, de modo tal que su público no se limitara sólo al nacional. Bajo esta premisa se rodaron películas como "La dama de la muerte", ambientada en Londres, y "El diamante del maharajá", en la India.
Por otra parte, la empresa produjo noticiarios de buen nivel que eran exhibidos en los cines antes de la proyección de las películas, obteniendo el reconocimiento del público. Paralelamente, la producción de largometrajes continuó aún cuando no respondían a las espectativas de la empresa. Algunos filmes de este período fueron La dama sin camelias, de José Bohr; Tormenta en el alma, de Adelqui Millar; Memorias de un chofer de taxi, de Eugenio de Luigoro; Yo vendo unos ojos negros, de René Olivares; Esperanza, de los argentinos Francisco Mujica y Eduardo Boneo. Para parte importante de la crítica especializada, éste último filme marcó el primer hito en el decaimiento de la actividad cinematográfica, terminando con el entusiasmo de su creación.

1973
Después del golpe de Estado de 1973, el cine nacional se estancó. Sin embargo, debido a la persecusión y al exilio, su evolución continuó en otras latitudes, destacándose por ejemplo, "La muerte y la doncella" de Ariel Dorfman y "El cartero" de Antonio Skármeta, por mencionar algunas. En Chile, hacia finales de la década de 1970 apareció "Julio comienza en Julio", dirigida por Silvio Caiozzi, reconocido director de cine que posteriormente filmó "Coronación", basada en la obra de José Donoso.

A partir de la década de 1990, la vinculación entre cine y literatura continuó vigente, proporcionando nuevas formas de expresión como es el caso de las adaptaciones de cuentos chilenos para la televisión y la versión de Subterra, inspirada en la obra de Baldomero Lillo y dirigida por Marcelo Ferrari.
fuente: www.Memoriachilena.cl


Vean el Trailer de Sub-Terra y espero les haya gustado este articulo.

El Acorazado Potemkin (1925)

El acorazado Potemkin (Броненосец Потемкин, o Bronenósets Potyomkin, en ruso), es una película de 1925 dirigida por el cineasta ruso Serguéi Eisenstein. Es considerada una de las más grandes películas de la historia del cine.

Comentarios y alcance actual

En 1925 se le encargó al director Eisenstéin el llevar a cabo esta obra para elevar el espíritu de la revolución social creada en 1917 por la revolución bolchevique.

El acorazado Potemkin es una obra que significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Eisenstein observa otra función que puede realizar la cámara, introduciendo inclinaciones de cámara que dan como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata.

Por otro lado, se trata de una película que refleja el espíritu de la época en que es realizada, donde todo elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica de una revolución naciente. En este sentido es valorable la exaltación del hombre común, sobre todo del oprimido que decide romper sus cadenas.

Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película, cuando los cosacos disparan contra el pueblo inocente para acabar con el apoyo a los rebeldes. En ese momento, una madre es alcanzada por una bala mientras corría con un coche de bebé que rodará escaleras abajo al morir la madre. Esta escena ha sido homenajeada por directores famosos, como Francis Ford Coppola en El Padrino, Brian De Palma en Los intocables de Elliot Ness, Woody Allen en Bananas, Terry Gilliam en Brazil, Peter Segal en la tercera entrega de Agárralo como puedas, George Lucas en su última entrega de Star Wars (aunque los soldados de asalto, en esta cinta, marchen subiendo las escaleras) e incluso en Los Simpson en dos situaciones, en una Homer rescatando al bebe y en otra, con una estética igual a la de la película, con Lisa lanzando a Maggie.



Argumento

El acorazado Potemkin es una película parcialmente basada en hechos reales, que acontecieron en el puerto de Odesa (Ucrania) durante la semana del 26 de junio de 1905.

Los marineros del acorazado Potemkin ya están hartos de malos tratos, y cuando se les intenta obligar a comer carne con gusanos, deciden sublevarse. Llena de imágenes expresivas, casi como un álbum fotográfico, El acorazado Potemkin representa la magnificación por la figura de las masas y las causas colectivas.

Estrenada en la primera década de la Revolución Rusa (1925) constituye un rescate de la importancia del Potemkin en el proceso de la revolución fallida de 1905, antecedente de la rebelión de octubre de 1917.

Este film esta compuesto de cinco episodios:
* Hombres y gusanos (Люди и черви)
* Drama en el Golfo Tendra (Драма на тендре)
* El muerto calma (Мёртвый взывает)
* La escalera de Odesa (Одесская лестница)
* Encuentro con la escuadra (Встреча с эскадрой).

Hombres y gusanos

Como el propio Eisenstein explica en el texto sobre la «Unidad orgánica y pathos en El acorazado Potemkin», incluido en el libro de Georges Sadoul sobre este film, la película está trabajada como un todo orgánico en el que cada uno de sus elementos funciona en pos de una composición que mantiene en su núcleo lo particular en función del todo. Cada una de las partes en las que puede ser dividida la cinta, es funcional en un nivel superior de lectura, es decir, en la generalidad. Por otra parte, el trabajo patético (pathos) en tanto que la sucesión y cambio constante en las cualidades de la acción, generan en el espectador una emoción que lo llevan a realizar mediante un proceso psicológico, una reflexión intelectual de acuerdo al tema propuesto.

Divulgación, censura y restauración

Después de su estreno en la Unión Soviética, la película fue exhibida en los Estados Unidos. Se exhibió en Alemania una versión con ediciones en las escenas extremadamente violentas. Una introducción de León Trotsky fue omitida en las versiones soviéticas, por la oposición de éste con Josef Stalin. La película fue prohibida en la Alemania (durante el régimen Nazi), Gran Bretaña, España (aunque se levantó la prohibición durante la Segunda República), Francia y otros países por su contenido revolucionario. También fue prohibida en territorio soviético durante un corto período cuando el Comintern (por razones diplomáticas) dejó de apoyar deserciones en los barcos de países capitalistas.

En 2004 se terminó la restauración de la película y está ya disponible en DVD. Muchas escenas violentas excluidas y la introducción de Trotsky fueron restauradas, y las traducciones desde el ruso no tienen la retórica revolucionaria del idioma original.

Música
La música fue escrita originalmente por Edmund Meisel en un período de 12 días debido a una tardía aprobación por causa de la censura impuesta, lo que se reflejó en largas repeticiones de diversas partes de la composición a fin de completar la obra para una orquesta de salón compuesta por flauta, trompeta, trombón, percusiones y cuerdas. Mark-Andreas Schlingensiepen depuró la obra para el piano en la versión actual del filme.

En la versión en formato de DVD, la trama es acompañada con piezas de música clásica de compositores tales como Dmitri Shostakóvich y Nikolai Kriukov. En un intento de hacer el filme mas acorde con el siglo XXI, los integrantes del grupo Pet Shop Boys compusieron una nueva pista de audio en 2004, acompañada por la Orquesta Sinfónica de Dresde. La música fue lanzada como Battleship Potemkin en 2005, y fue ejecutada en septiembre de 2004 al aire libre en un concierto en el Trafalgar Square de Londres.

Referencias
1. Si bien existieron varias manifestaciones y represión contra los manifestantes en Odessa, la matanza es una ficción creada por Eisenstein contra el zar. El crítico de cine Roger Ebert escribió «no existió la masacre zarista en las escaleras de Odessa... es irónico que [Eisenstein] lo haya hecho tan bien que en la actualidad muchos creen que en realidad ocurrió»

Ficha técnica
Dirección Sergei M. Eisenstein
Producción Jacob Bliokh
Guión Nina Agadzhanova - Sergei M. Eisenstein
Música Edmund Meisel - Nikolai Krinkov
Fotografía Eduard Tisse
Montaje Sergei M. Eisenstein
Reparto Aleksandr Antonov -Vladimir Barskij - Grigori Aleksandrov - Ivan Bobrov - Mikhail Gomorov - Aleksandr Levshin - Beatrice Vitoldi - Julia Eisenstein
País URSS
Año 1925
Género Drama social
Duración 77 minutos


Fragmento de la Pelicula Acorazado Potemkin

El nacimiento de una Nacion (1915)

El nacimiento de una nación es uno de los grandes hitos de la historia del cine, y lo es porque David W. Griffith reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento (1915). Lo hace de una forma en que queda establecido un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad.

El film retarata las aventuras y desventuras de dos familias amigas y que representan el norte y el sur de los Estados unidos durante la guerra de secesión.


La forma en que se establece el salto de eje, el uso de los primeros planos, la alternancia entre planos generales que permiten que el espectador comprenda y organice mentalmente el espacio donde transcurre la acción y planos cortos donde se aprecia el detalle constituyen la base del modelo. Es cierto que aún se pueden rastrear ocasionalmente huellas del cine primitivo que desaparecen en films posteriores.Si bien desde el punto de vista técnico la película es admirable, no se puede decir lo mismo desde el punto de vista moral, ya que los hombres de color son tratados de modo despectivo, hasta el punto de que Griffith justifica la creación de Ku Klus Klan como un método de contener las tropelías que la población negra perpetraba en el sur de los EEUU.


Es famosa la escena del asesinato de Lincoln, estudiada en numerosos manuales de cine del que el más famoso es análisis del director Karel Reisz (La mujer del teniente francés -The French Lieutenant's Woman,1981- ). Como curiosidad el actor que encarna al asesino de Lincoln es Raoul Walsh (1887-1980) uno de los grandes directores de cine de toda la historia.


La película fue acusada de racismo, pues en el desenlace unas mujeres, secuestradas por un hombre de raza negra, eran salvadas in extremis por el Ku Klux Klan. Por ello al director le fue muy difícil encontrar actores y extras negros que se prestasen al rodaje, por lo que tuvo que caracterizar actores blancos con la piel maquillada en negro.

Ficha técnica

Dirección D.W. Griffith
Producción D.W. Griffith
Guión Thomas F. Dixon Jr.
Música Joseph Carl Breil - D.W. Griffith
Fotografía G.W. Bitzer
Reparto Lillian Gish - Mae Marsh - Henry B. Walthall - Miriam Cooper - Mary Alden - Ralph Lewis - George Siegmann - Walter Long - Robert Harron - Wallace Reid - Joseph Henabery.
País Estados Unidos
Año 1915
Género Drama
Duración 124-207 minutos (versiones diferentes)
Productora D.W. Griffith & Epoch

Fragmento de la Pelicula

Taxi Driver (1976)

Taxi Driver es una película estadounidense de 1976 dirigida por Martin Scorsese y escrita por Paul Schrader. El filme está ambientado en Nueva York, poco después de que terminara la guerra de Vietnam, y está protagonizado por Robert de Niro, quien interpreta a Travis Bickle, un ex combatiente solitario y mentalmente inestable que comienza a trabajar como taxista, incorporándose a la turbia vida nocturna de la ciudad. La película obtuvo varios premios, entre ellos la Palma de Oro del Festival de Cannes, y cuatro nominaciones al Oscar; en la actualidad se la considera una de las mejores de su década. El reparto cuenta también con la presencia de Cybill Shepherd, como la mujer de quien Bickle está enamorado; Jodie Foster, como una prostituta de 13 años de edad con quien el protagonista forja cierto lazo; y Harvey Keitel, como su proxeneta. El propio Scorsese realiza un pequeño cameo.

Argumento

Travis Bickle (Robert de Niro) es un ex combatiente de Vietnam, actualmente residente en Nueva York, que sufre de depresión y ansiedad al sentirse progresivamente rechazado por la sociedad. Adicionalmente sufre de insomnio, lo que le lleva, tras pasar las noches en salas X y demás, a apuntarse como taxista nocturno para aprovechar el tiempo muerto y ganar dinero. Sin embargo, mientras conduce su taxi, es testigo silencioso de todas las maldades existentes en la gran ciudad: la prostitución, la violencia, los prejuicios, las locuras, los barrios bajos... A medida que pasan los días Travis va enfureciendo y llega a la paranoia. Anota todo en un cuaderno, decidido a pasar a la acción algún día, respondiendo a la violencia con violencia. Entretanto conoce a una jovencita (Jodie Foster) e intenta convencerla de que abandone la vida que está llevando como prostituta; esta joven, llamada Iris, comparte el mismo nombre que la niña de la ópera homónima de Pietro Mascagni donde la protagonista fue engañada e inducida a prostituirse.

Análisis de la Pelicula

Malas Calles, de 1973, deja ver a un diamante en bruto tras las cámaras, opacado en gran medida por las deficiencias del guión y, tal vez, por su propia inmadurez. Atrevidos movimientos de cámara, ralentización de planos, uso abundante del zoom (y en casos del zolly), explotación de la música popular estadounidense (mayormente rock e indie) y sutiles distorsiones de la perspectiva, son algunos de los elementos que caracterizan el estilo de Martin Scorsese, quien ha impactado con gran fuerza sobre el cine de las últimas décadas, dejando notables huellas en directores tan reconocidos como Wong-Kar Wai o Quentin Tarantino. Este estilo, aunque no culminaría su desarrollo hasta la obra maestra del director, Toro Salvaje (1980), puede decirse que alcanza su madurez en Taxi Driver, cinta que, aunque resultó un éxito de taquilla y obtuvo la Palma de Oro del Festival de Cannes, fue prácticamente ignorada por la Academia de Hollywood (perdió frente a Rocky), convirtiéndose en obra de culto para muchos y, con el tiempo, en uno de los títulos más aclamados y representativos de su década. La cinta también supuso la consagración de Robert De Niro y el descubrimiento de Jodie Foster como una de las intérpretes más sólidas de su generación, con sólo catorce años.


Confesando haberse inspirado en Pickpocket de Robert Bresson, Paul Schrader, habitual colaborador de Scorsese, elaboró un guión que insiste sobre varias constantes del director: la violencia en la cultura occidental, el machismo, el abuso, y su clásica línea de “hombres que buscan la redención”. El controvertido personaje protagónico, Travis Bickle, genialmente encarnado por Robert de Niro, es en gran medida el narrador de esta historia, desde su voz en off hasta sus pantomimas, sin olvidar su célebre “You talking to me?” (¿Me estás hablando a mí?). Las influencias perceptibles en Taxi Driver resultan muy variadas, desde el más puro Sergio Leone hasta Los Siete Samuráis, de Akira Kurosawa. Sus incontables matices nos permiten catalogarla como una mixtura de géneros. La fotografía expresionista de Michael Chapman, altamente estilizada desde el plano inicial, que muestra el taxi de Travis surgiendo de entre el humo de las alcantarillas, así como la excelente partitura del gran Bernard Herrmann, quien legó aquí su última obra al cine, nos remiten a las más depresivas atmósferas del cine negro. El hábil uso de los primeros planos, las similitudes de la trama con la obra maestra de John Ford, Centauros del desierto (Más corazón que odio o The Searchers), así como la posible equivalencia del personaje de Travis con un jinete del oeste, hacen de Taxi Driver también una especie “western urbano”.


En Taxi Driver encontramos el origen psicológico de psicópatas como el que atentó contra Ronald Reagan (quien declaró en su juicio haberse inspirado en la cinta). ¿Qué se puede esperar de un hombre que es insertado en una comunidad tan agitada y corrupta luego de la experiencia traumática de la guerra? Scorsese retrata su New York natal como un antro de perdición, como muestra de una sociedad tan disparatada que, en uno de los finales más controvertidos del cine (posiblemente de carácter onírico), hace de un psicópata como Travis, un héroe popular, dando lugar también a interrogantes sobre “quién está más loco”, si nuestro protagonista que salva a una niña corrompida, o los personajes del proxeneta Amoroso o el senador Palantine (quien enuncia que “nosotros somos el pueblo”), ya de por sí corruptos. Taxi Driver constituye una crónica perfecta de los Estados Unidos luego de la aventura de Vietnam, así como una severa crítica a la violencia y corrupción resultantes.

Curiosidades
* En el guión original el personaje del proxeneta interpretado por Harvey Keitel era de raza negra. Dado que ya habían aparecido numerosos personajes antagonistas que también eran negros, se decidió que el proxeneta fuera blanco para no deteriorar la imagen de la población afroamericana.

* Robert De Niro se presentó al rodaje con la característica cresta que luce al final de la misma, a Scorsese no le pareció del todo mal y la incluyó en el film.

* Robert de Niro trabajó como taxista cuatro semanas antes de la filmación, con el fin de meterse de lleno en su papel.

* Es la primera película en la que se introdujo un primer plano de un vaso de agua, cuando Travis dialoga con los otros taxistas del turno de noche en la cafetería.

* En una de las escenas finales, Robert de Niro mantiene una conversación con Jodie Foster sentados en un bar. En un momento dado Jodie Foster se quita las gafas de sol que lleva puestas y las deja encima de la mesa. Cuando al poco rato se las vuelve a poner son unas gafas completamente distintas.

* Hay dos intervenciones de Scorsese en el film: la primera y la más conocida, es la del cliente cornudo de Travis que amenaza con matar a su mujer con una magnum; la segunda es un breve cameo, en la primera aparición de Betsy le vemos sentado en un banco dirigiendo la mirada a la chica.

* En la escena del cliente cornudo en el Taxi, aparecen cinco tomas que muestran el contador de tarifa del taxi. Cuando Travis baja la bandera y el contador reinicia su avance, la primera lectura que se ve es de 065, más adelante vuelve a verse 065 (es decir, no avanzó), más adelante hay un close up al contador y se ve 275, en la cuarta toma se puede leer 075 y en la quinta de nuevo 065.

Ficha técnica

Título Taxi Driver
Dirección Martin Scorsese
Producción Julia Phillips - Michael Phillips
Guión Paul Schrader
Música Bernard Herrmann
Editor Tom Rolf - Melvin Shapiro
Fotografía Michael Chapman
Reparto Robert De Niro - Cybill Shepherd - Jodie Foster - Peter Boyle - Albert Brooks - Harvey Keitel
País Estados Unidos
Año 1976
Género Drama
Duración 113 minutos
Distribución Columbia Pictures

Ver Taxi Driver, pelicula por partes

Las Salas de Cine en Chile (1896-2000)

De los Teatros a las cadenas Internacionales

Cuando el cine arribó a las costas chilenas, en los últimos años del siglo XIX, fue rápidamente adoptado por la comunidad del entretenimiento. Los empresarios teatrales y revisteriles probaron suerte con este nuevo invento en los intermedios de sus espectáculos de variedades. De esta forma, el hogar natural del cinematógrafo fue, por mucho tiempo, el teatro. Aún cuando algunos galpones fueron acondicionados exclusivamente para representaciones cinematográficas, hasta la década de 1950, es muy difícil poder hacer una separación tajante entre sala de cine y sala de teatro.

*Asociación Cinematográfica de Valparaíso

Estas primeras salas presentaban, por supuesto, películas mudas, pero no por ello el espectáculo era silente. Por el contrario, las salas bullían de sonido, no sólo del pianista acompañante, sino de los espectadores que comentaban a viva voz el film, lo que provocaba constantes quejas de cinéfilos en la prensa. Ir al cine en las primeras décadas del siglo XX era un gran evento. Los asistentes se vestían con su mejor tenida; no era raro ver los días domingo cines repletos con espectadores parados en los pasillos o incluso siendo desalojados por la fuerza pública, para evitar accidentes. Las desgracias eran bastante habituales en estas salas, ya que el soporte de los films (nitrato de celulosa) era sumamente inflamable. La lista de incendios de teatros es larga y lamentable. La autoridad, municipal primero y luego central, dictó sucesivas ordenanzas a partir de la década de 1910 para evitar las tragedias, como la de disponer de máquinas en buen estado, operadores calificados, pasillos amplios, prohibición de fumar, desinfección permanente (para evitar contagios de gripes), etc.

*Teatro Carrera, 1926

La espectacularidad del cine hizo que ya para comienzos de la década de 1930 el cinematógrafo desplazara al teatro como primera opción de entretenimiento de los chilenos. La mayor parte de los teatros ofrecían cada vez más cine y menos obras en vivo. Entre los dueños de teatros se aseguraba que el biógrafo era el mejor negocio. Los principales desafíos que enfrentaron estos empresarios era ofrecer al público variedad de programas, cumplir las ordenanzas municipales y evitar la censura. Algunos empresarios comprendieron que, para atraer al público, debían preocuparse no solo de la importación de los films, sino también del espacio donde se exhibían. Se construyeron fastuosas salas, adoptando modelos extranjeros, los “cine-palacios”. Así, hubo salas de cine para todos los gustos, céntricas y en barrios, con entradas caras y baratas, etc. Se estima que hacia 1938 había cerca de 250 salas de cine en todo el país.

Con la penetración de la televisión y la crisis económica de la década de 1970, el negocio cinematográfico en Chile fue decayendo. A fines de esa década no se contaban más de 50 salas en todo el país. Frente a esta crisis, el Estado chileno intervino en un negocio que, hasta entones, estaba exclusivamente en manos privadas, nacionales y extranjeras. Durante el gobierno de la Unidad Popular, el Estado pasó a administrar directamente salas de cine, en forma de arriendo, a través de Chile Films. El gobierno de Augusto Pinochet continuó con esta política y hasta 1988, año de privatización de Chile Films, el Estado administró diversos cines como los capitalinos Gran Palace, Imperio y Tobalaba, entre otros. En la década de 1990 el mercado del cine registró un gran remezón con la llegada de las cadenas internacionales Cinemark, Hoyts y Showcase, masificándose en todo el país el formato del multicine. Rápidamente la mayor parte de la oferta cinematográfica en Chile pasó a manos de empresas multinacionales (70% a nivel nacional, 90% en Santiago), registrándose además un gran aumento en el consumo cinematográfico. Actualmente se cuentan más de 200 salas en todo el país. Al parecer el cine volvió a ser una de las diversiones preferidas en las grandes ciudades chilenas.

Cine palacios

Los “cines palacios” comenzaron a surgir en Chile en la década de 1920. Todo en ellos era monumental: sus tamaños (algunos podían albergar hasta casi tres mil espectadores), sus conchas acústicas, sus elegantes foyers, sus estilos arquitectónicos importados de Europa y Estados Unidos, en los cuales se mezclaban el art déco, neoclásico, beaux arts, barroco.
*El Teatro Colon de Valparaiso en la decada de 1920

El Teatro Esmeralda fue el primero en su tipo, y durante mucho tiempo el teatro más grande de Chile. Inaugurado en 1922 por la empresa de Aurelio Valenzuela, tenía una capacidad de 2.600 espectadores, divididos en cuatro zonas: palcos, platea, balcón y galería. Se ubicaba en calle San Diego 1025, al llegar a Avenida Matta. Para su inauguración se invitó al presidente Arturo Alessandri y se contó con la música de acompañamiento de una orquesta de 8 integrantes, conducidos por el maestro Félix Gómez. Ese día, el 31 de marzo de 1922 se presentó el siguiente programa:

1) Match de box entre Becket y MacCormick
2) Película de la construcción del Esmeralda
3) Corazón de valiente por William Hart y Catalina MacDonald
4) Chaplin Atorrante.

La entrada más cara (palco) costó seis pesos, mientras que la galería 40 centavos. Sin embargo este teatro tendría una breve primera vida: a fines de la década de 1920 fue consumido por un incendio. Posteriormente fue reconstruido, pero con dimensiones menores.

Otros “palacios” le siguieron:

:: Teatro Carrera (1926) ubicado en la Alameda en el barrio Concha y Toro, con capacidad para 1.500 espectadores.
:: Teatro Nacional (1929) ubicado en el barrio Independencia, con 2.250 butacas.
:: Teatro Real (1930) en calle Compañía, con capacidad para 1.600 personas
:: Teatro Baquedano (1931) en la plaza Baquedano, apto para 2.300 asistentes
:: Teatro Central (1933) en Huérfanos con Ahumada, con 1.250 butacas.

Es interesante notar el cambio arquitectónico de estos años. Las primeras salas nombradas presentaban estructuras clásicas de teatro (disposición semi-circular de las butacas, palcos laterales, gran escenario, profusa decoración, etc.), mientras que los últimos presentaban una arquitectura que sería más propia de los cines, en donde las butacas miraban hacia la pantalla rectamente, sin mucha ornamentación que distraiga la vista.

*Espectadores de cine en el Teatro Carrera, 1926

Incendios de teatros

Debido a la iluminación a velas los incendios de teatros eran habituales incluso antes de la llegada del cine. Pero con los proyectores cinematográficos aumentaron considerablemente los riesgos. La composición química de la película -nitrato de celulosa- era altamente inestable y por ende muy inflamable. A veces ni siquiera era necesario el contacto con calor para que ardiera, ya que con el tiempo y la oxidación, el material nitroso podía liberar y acumular gases y arder por combustión espontánea. Una bodega de cintas de nitrato era, casi literalmente, un polvorín y por ello muchos optaban por destruir el material y no conservarlo.
Además de los factores técnicos, hacían más peligroso el espectáculo la concentración de espectadores en los pasillos, sobre todo los domingos, y la falta de preparación del personal proyeccionista. Algunos periodistas denunciaban que los empresarios empleaban personal sin ninguna preparación al mando de máquinas viejas y que carecían de tambores de seguridad para guardar los rollos. Los principales municipios urbanos dictaron ordenanzas para controlar la situación y crearon el cargo de Inspectores de Teatro para certificar las normas, la presencia de mangueras, el ancho de las puertas, etc. En 1931 por fin la autoridad central se preocupó del tema, aunque marginalmente, disponiendo al interior de la primera Ley General de Servicios Eléctricos que los proyeccionistas de cine debían ser eléctricos con formación. Pero el cese de las tragedias sólo vendría con los avances técnicos. A partir de 1940 la industria química logró reemplazar al inestable nitrato de celulosa por el incombustible acetato de celulosa, como soporte de las películas.

*El Teatro Politeama de Santiago incendiado en 1908

*El Teatro Odeón de Valparaíso incendiado en 1905

Fuente: imagenes y textos www.memoriachilena.cl