La Ventana Indiscreta (1954)

La ventana indiscreta (en inglés: Rear Window) es una película dirigida por Alfred Hitchcock en 1954, protagonizada por James Stewart y Grace Kelly. Está basada en un cuento de William Irish, "La ventana de enfrente". La película obtuvo cuatro nominaciones a los Oscar, al mejor director, mejor fotografía en color, mejor guión y mejor sonido.

Argumento
"La ventana indiscreta" es una adaptación de un relato corto de Cornel Woodrich. Se trata de un tributo al cine y al cinéfilo, partícipe de las pequeñas historias cotidianas de un vecindario a través de la mirada que ofrece el director.
La película cuenta la historia de un reportero gráfico, L.B. Jeffries, interpretado por James Stewart, que tras un accidente se encuentra convaleciente en una silla de ruedas sin poder moverse. El protagonista, incapaz de moverse, se dedica a observar por la ventana la vida del vecindario como entretenimiento: una bailarina, un matrimonio que duerme en el balcón, un viajante y su doliente esposa, una mujer solitaria, un músico fracasado y una pareja de recién casados. En un momento dado, Jeff sospecha que se haya cometido un crimen en un apartamento de enfrente, y implica a su novia, su enfermera y su amigo policía para que le ayuden a resolver el caso.

Por otro lado, la película plantea la narración de la extraña relación entre Jeff y su bella y adinerada novia Lisa (Grace Kelly), donde ella busca que el noviazgo termine en matrimonio, mientras que él es incapaz de comprometerse por su temor a la responsabilidad y la atadura.
Se trata de una magnífica puesta en escena de la contidianeidad explotando, no sólo la trama de intriga y asesinato, sino también la inconformidad de los intereses femeninos y masculinos. Las ventanas de la película son visiones cargadas de ironía del comportamiento social americano, lo que le da el tono humorístico al film, y al mismo tiempo pone en solfa la moralidad del fotógrafo o de los periodistas en general a la hora de inmiscuirse en la vida privada de los demás.


Hitchcock que domina el juego de planos, ángulos y movimientos, no deja de presentar situaciones cuando menos inverosímiles para ponerse una vez más a prueba. "La ventana indiscreta" supone la cima de esta inverosimilitud donde tiene que contar una historia a través de la relación de unos personajes que se encuentran en un lugar cerrado. Sin embargo, destaca una magnífica utilización del tiempo y una brillante fotografía, que convierten a ésta, en uno de los mejores trabajos de este director.
En cuanto a la interpretación de los actores, todo se nos cuenta a través del punto de vista de un "mirón" instalado en un magnífico James Stewart, y con grandes actuaciones de Grace Kelly, así como del resto de los secundarios.

Cameo
Alfred Hitchcock aparece en el minuto 26 de la película, arreglando un reloj en el departamento del compositor, mientras el compositor está tocando una melodía en su piano.

Legado
Brian De Palma le hace un homenaje con su filme Body Double (Doble cuerpo) (del cual le agrega toques del filme Vertigo). La película de 2001 "Head Over Heels" protagonizada por Freddie Prinze Jr., trata de una chica que cree que un hombre comete un asesinato, la trama es parecida a este filme, como también la película de 2007, Disturbia (Paranoia, en Latinoamérica) - en esta película no hay accidente sino un arresto domiciliario y el sospechoso no tiene esposa. De Marcos Bernstein "The Other Side of The Street" (2004) también hace una referencia a Rear Window, pero con una vuelta de tuerca en Brasil.
Varias series de televisión animadas como Tiny Toon Adventures (Donde el Pato Plucky está con la pierna enyesada en un hospital cree que Elmer Gruñón planta unas plantas mutantes), Rocket Power, Los Simpson (en el episodio Bart of Darkness), La vida moderna de Rocko, Home Movies, That 70's Show, The Venture Bros, Clarissa Explains It All y Alf le rinden homenajes de distintas maneras. De Robert Zemeckis "What Lies Beneath" es otra película que le rinde tributo a ésta y otras películas de Hitchcock. De Woody Allen "Manhattan Murder Mystery", donde Allen y su esposa sospechan que su vecino había asesinado a su esposa son forzados a investigar por sí mismos donde no se lo toman en serio, se dice que está basado también en Rear Window. En "Mujeres al borde de un ataque de nervios", Pedro Almodóvar también le rinde tributo a esta joya cinematográfica cuando el personaje de 'Pepa' (interpretado por Carmen Maura) se sienta en una banca de la calle a espiar el edificio en el que vive su amante.
Grace Kelly

Ficha técnica
Dirección Alfred Hitchcock
Producción James C. Katz, Alfred Hitchcock
Guión John Michael Hayes, basado en una historia de Cornell Woolrich
Música Franz Waxman
Fotografía Robert Burks
Montaje George Tomasini
Reparto James Stewart - Grace Kelly - Wendell Corey - Thelma Ritter - Raymond Burr - Judith Evelyn
País Estados Unidos
Año 1954
Género Suspense
Duración 112 minutos
Productora Paramount Pictures
Presupuesto US$ 1,000,000

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¡ Que Verde era mi valle ! (1941)

How Green Was My Valley, conocido en castellano como ¡Qué verde era mi valle! es un drama costumbrista dirigida por el estadounidense John Ford, y resultó la gran triunfadora del año 1941 en los Óscar, al obtener cinco estatuillas. La ganadora del Oscar vencio a la mítica "Ciudadano Kane" (Citizen Kane), fue este magistral melodrama que narra la vida de una familia minera de Gales, vista bajo los ojos de Huw Morgan, su miembro más joven. Un bello canto a los valores familiares que arrancó el alma del best-seller de Richard Llewellyn.

Argumento y Comentarios
El propio título y los primeros planos aparecidos junto a una voz en off, ya nos indican que se trata de una película de claro tono nostálgico. No está ambientada en el Monument Valley y sus protagonistas no son John Wayne ni Henry Fonda, pero “¡Qué verde era mi valle!” responde a las mismas características y al mundo personal del resto de la filmografía de John Ford. Con una alegoría de gran belleza, nos presenta el verdor del valle como reflejo del amor sincero y de la unión familiar de entonces… frente a la negrura del carbón, imagen de la pobreza interior que el director vislumbra en una sociedad que se va diluyendo en la búsqueda del bienestar material y la riqueza.

La pelicula comienza con los recuerdos de Huw Morgan (Roddy McDowall) de sus años de infancia, cuando su valle de Gales era aún verde, cuando su familia permanecía unida. Lo hace de un modo sencillo y profundamente agradecido a la figura de su padre, “que no me enseñó ninguna cosa inútil”, añorando aquellos momentos en que todos se reunían en torno a la mesa.
Ante todo, es un homenaje a la familia de su querida Irlanda, numerosa y de espíritu cristiano: en todos los personajes se respira verdadero cariño, sentido de servicio y un gran respeto a la autoridad del padre. Mientras la hija mayor ayuda a su madre, los cuatro hermanos trabajan en la mina junto al cabeza de familia para llevar a casa el jornal necesario para el sustento. Son felices aun en condiciones materiales precarias… y eso se ve en sus rostros, en sus bromas, en la convivencia familiar. Solo el abuso del patrón de la mina resquebrajará por momentos esa unidad, cuando dos de los hijos se nieguen, en conciencia, a seguir los dictados del padre: se suman a la huelga y se van de casa, mientras todos sufren esa ruptura como si de una herida en sus propias carnes se tratara.


El padre (Donald Crisp) sufre con resignación la soledad y la incomprensión del pueblo, que le acusa de esquirol. Pero tiene a su lado a Bronwen (Anna Lee), una mujer fuerte y fiel que se enfrenta a todo el vecindario para salvar el honor de su marido. En ese preciso momento, ella y su hijo pequeño sufren un accidente y, como consecuencia, cogen una grave pulmonía que hará temer por su vida. Es algo que la sociedad actual calificaría de desgracia y tragedia, pero… que en los años evocados en “¡Qué verde era mi valle!” supone una ocasión para manifestar su plena confianza en Dios y aceptarlo como venido de Él: no en vano, la enfermedad servirá para volver a unir a la familia y “para aprender a amar y madurar”, como les dirá el nuevo clérigo. En esos momentos duros, el sufrimiento les une más que nunca, y solo la necesidad de buscar trabajo o el devenir de la propia vida les obligará a separarse, siempre con la esperanza de volverse reunirse en el Cielo. A este respecto, resulta elocuente la respuesta dada por Ford cuando, en una entrevista, se le pregunta acerca del motivo por el que daba tanta importancia a la familia en sus películas: “¿Tiene usted madre, ¿no?”, contestó secamente.


Si Ford homenajea a la familia, también lo hace a la comunidad del pueblo unido en solidaridad. Tras unos primeros momentos de disensiones a la hora de acatar las directrices del patrón, al final estarán todos juntos, dispuestos a bajar a la mina a rescatar a los vecinos atrapados arriesgando incluso su vida. La ambientación social e histórica del momento es otro de los grandes logros de Ford. En plena revolución industrial, las minas de Gales suponen un marco geográfico en que las clases sociales están muy diferenciadas y donde se ofrecen los primeros movimientos de resistencia al poder patronal. Esto es una realidad pero sería un error juzgar ese momento con nuestras categorías actuales: los personajes sienten esa injusticia y esa rebeldía natural les lleva a exigir sus derechos, pero lo hacen según la mentalidad del momento, de tímido enfrentamiento o de resignación al lugar en que ocupan en la sociedad, y eso queda bien reflejado por Ford. Es una sociedad de clases porque las diferencias y restricción de derechos es algo evidente, pero se trata de un entorno y una injusticia que no lleva a la revolución sangrienta porque no existía una conciencia de odio ni de enfrentamiento (un director de orientación marxista hubiera dado, sin duda, otro derrotero al conflicto vivido). Junto a ello, contemplamos el fenómeno de la aventura americana que emprenden algunos de los hijos, como tantos otros europeos asumieron por entonces.

Si no fuera por la riqueza interior de la mayoría de los personajes, la película se nos presentaría como cruel y pesimista. Son varias las situaciones duras y dramáticas que van sucediéndose: abusos y una situación laboral difícil, tragedia en el río y muerte en la mina, un matrimonio infeliz y un ambiente de calumnias, emigración y desarraigo familiar… Todo es visto y grabado a fuego en el alma de un niño que lo recuerda ahora sin odio pero con nostalgia.

Los rasgos autobiográficos de la película son muchos y el propio Ford así lo ha reconocido al decir “soy el menor de trece hermanos, y debieron pasarme las mismas cosas; yo siempre me portaba como un niño fresco”. Ciertamente, sabemos que su propia familia conoció lo que suponía la emigración a un país nuevo y que también se apoyó en los valores tradicionales y cristianos para llevar las dificultades de la vida con garbo. Abundan, por otra parte, escenas emotivas y cargadas de humanidad. Podrían destacarse la del reencuentro de madre e hijo después de meses de enfermedad, la de la audacia del joven Huw al ofrecerse como cabeza de familia a la esposa del minero muerto, o aquella en que los hijos mayores parten para América a buscar trabajo. Sin embargo, la más conseguida quizá sea la de la boda de Angharad: todos aparecen en un primer plano, mientras en otro más general se ve al clérigo Mr. Gruffydd, solo e inmóvil, al pie de un árbol, incapaz de hacer nada por evitarlo.


Aunque inicialmente la película estaba pensada para William Wyler e incluso llegó a comenzar la preproducción, “¡Qué verde era mi valle!” tiene todas las características del cine de Ford, con una condensación narrativa digna ya de un maestro, unos ligeros picados y contrapicados con carga expresiva, o una cuidada fotografía en blanco y negro que da dramatismo a las escenas que lo requieren. También destaca el excelente decorado del pueblo, con una profundidad en su calle principal que es digna de elogio. Supuso el segundo Óscar para el director, además de llevarse otros cinco más, entre ellos a la mejor película y mejor guión. Por último, diremos que la película termina al modo teatral, porque a Ford le agradó la idea de que sus personajes volvieran a salir… para despedirse del público. Sin duda un bello final tras la dramática pero bella escena de recuperación de los cuerpos fallecidos en la mina. (miradadeulises.com)

Ficha técnica

Dirección John Ford
Ayudante de dirección Edward O'Fearna
Producción Darryl F. Zanuck
Guión Philip Dunne
Música Alfred Newman
Sonido Eugene Grossman - Roger Heman
Fotografía Arthur C. Miller
Montaje James B. Clark
Escenografía Thomas Little
Vestuario Gwen Wakeling
Efectos especiales Fred Sersen
Reparto Walter Pidgeon - Maureen O'Hara - Anna Lee - Donald Crisp - Roddy McDowall - John Loder - Sara Allgood - Barry Fitzgerald - Patric Knowles
País Estados Unidos
Año 1941
Género Drama
Duración 118 minutos
Productora y Distribución 20th Century-Fox

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Solo ante el Peligro (1952)

High Noon, conocida en idioma castellano como A la hora señalada (Argentina) y Solo ante el peligro (España), es una película estadounidense de 1952, del género western, dirigida por Fred Zinnemann, protagonizada por Gary Cooper, Grace Kelly, Lloyd Bridges, Katy Jurado, Thomas Mitchell.
La acción se desarrolla en el transcurso de un día. Ganó cuatro Premios Óscar y cuatro premios Globo de Oro y otros importantes premios más.

Argumento
Will Kane (Gary Cooper), sheriff durante muchos años de un pequeño pueblo llamado Hadleyville, se acaba de casar con Amy (Grace Kelly), una joven cuáquera. Él ha renunciado como sheriff y está realizando los aprontes para abrir un negocio. Pero se esparce la noticia por el pueblo que Frank Miller (Ian MacDonald), un criminal que Kane había atrapado y llevado ante la justicia, llegará al pueblo en el tren del mediodia. Miller había sido sentenciado a prisión, pero su condena le fue perdonada por razones que no se explican en la película. En la corte de justicia, Miller juró vengarse de Kane y de todo el que se entrometiera en su camino. Su banda de pistoleros compuesta por tres forajidos lo esperan en la estación. Los habitantes del pueblo se preocupan por Kane, y le aconsejan que se vaya del pueblo. Lo mismo le dicen los amigos que le rodean.

Kane y su esposa dejan el pueblo, pero Kane sufre una crisis de conciencia considerando que el deber está por encima de todo y regresa. Recupera su insignia y trata de buscar a alguien que lo ayude a enfrentar a los bandidos, pero sus amigos se niegan a involucrarse en la pelea. Su ayudante, Harvey Pell (Lloyd Bridges), renuncia. Sólo su antigua amante, Helen Ramírez (Katy Jurado) lo apoya, pero él considera que es muy poca la ayuda que ella le puede prestar. Enojada, ella vende su negocio y se prepara a irse del pueblo. Su esposa Amy lo amenaza con partir en el tren del mediodía con o sin él, pero él se niega a darse por vencido.

Finalmente, Kane se enfrenta solo a los cuatro pistoleros. Abate a dos de los hombres de Miller, y cae herido en el episodio. Tanto Helen Ramirez como Amy abordan el tren, pero Amy desciende al escuchar el sonido de disparos. Amy finalmente elige entre la vida de su esposo sobre sus creencias religiosas, y mata al tercer pistolero disparándole a la espalda. Miller la toma como rehén y le ofrece a Kane negociar un acuerdo. Kane accede, saliendo al descubierto. Amy, le clava sus uñas en la cara a Miller, con lo cual se libera. Kane le dispara a Miller y lo mata. Luego, cuando los habitantes del pueblo comienzan a salir de sus escondites y refugios, Kane arroja su insignia de sheriff al suelo y se va del pueblo en compañía de su esposa.
algunas imagenes de la pelicula


Curiosidades
*En septiembre de 1951, durante el rodaje, el guionista Carl Foreman debió presentarse ante el Comité Parlamentario sobre Actividades Antiamericanas. Como se negó a brindar información, pasó a integrar las listas negras.
*Como él mismo contó en reiteradas oportunidades, la historia de la película es una alegoría de su situación personal. Cuando tuvo que declarar ante el Comité Parlamentario sobre Actividades Antiamericanas, Foreman se sintió solo, como el sheriff Will Kane en la ficción.
*Esta cinta ganó dos Globos de oro por mejor guión y mejor actriz de reparto para Katy Jurado.
*Por ser la primera cinta de Grace Kelly, su crédito iba abajo del de la mexicana Katy Jurado con quien tuvo un altercado durante la filmación, ya que no aguantaba la mirada de Katy Jurado y trastabillaba en lo que fue la última escena para ambas, al final tuvieron que filmar sus partes en forma separada.
*El corte final de la película estuvo a cargo del montajista Elmo Williams, a quien el director Fred Zinnemann le había dejado algunas indicaciones.
*Después del estreno, Howard Hawks y John Wayne se sintieron ofendidos por la película: no les pareció verosímil que un sheriff pidiera ayuda. En las películas clasicas del genero western Río Bravo y El Dorado, realizada por Howard Hawks se cuentan historias en las que los sheriffs se niegan a pedir ayuda para hacer su trabajo.

Ficha técnica
Dirección Fred Zinnemann
Producción Stanley Kramer - Carl Foreman
Guión Carl Foreman
Música Dimitri Tiomkin
Fotografía Floyd Crosby
Reparto Gary Cooper - Grace Kelly - Lloyd Bridges - Katy Jurado - Thomas Mitchell - Ian MacDonald
País Estados Unidos
Año 1952
Género Western
Duración 85 minutos
Productora Stanley Kramer Productions
Distribución United Artists

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El maquinista de la General (1927)

El maquinista de la general (título original en inglés: The General) es una de las películas más famosas en la historia del cine mudo. Siguiendo con lo que en él era habitual, Buster Keaton, realiza un film lleno de humor y situaciones embarazosas, entre cabriolas y equilibrios. Con una buena fotografía y una planificación minuciosa, consigue crear una cinta llena de comicidad, emoción y poesía.

La película está basada en un hecho real sucedido durante la Guerra Civil. Se trata de una adaptación del libro de William Pittenger: Daring and Suffering: A History of the Great Railway Adventure (Audacia y sufrimiento: Una historia de la gran aventura ferroviaria), el cual fue publicado en 1863.


Basándose libremente en un episodio de la guerra civil americana, el robo por parte de unos espías de la Unión de una locomotora sureña, Keaton creó uno de los espectáculos más imaginativos y trepidantes que alguien haya concebido jamás para una película de cualquier género. Johnny Gray (Buster Keaton) es maquinista en un estado del Sur y tiene dos grandes amores: una chica (Anabelle Lee) y una locomotora (La General). Al estallar la guerra de secesión, Johnny trata de alistarse, pero el ejército considera que será más útil trabajando en la retaguardia. Sin embargo, Anabelle cree que no va a luchar porque es un cobarde y, por ello, decide rechazarlo. El maquinista sólo podrá demostrar su auténtico valor cuando un comando nordista infiltrado tras las líneas confederadas le robe "La General" y rapte a Anabelle. Johnny no dudará un segundo en subirse a otra locomotora y perseguir a los yanquis para recuperar a sus dos amadas.


El maquinista de la General ha sido considerada como la obra maestra de Buster Keaton, en la cual no sólo participa como actor, sino como director y escritor. En la película podemos apreciar las técnicas de las que hacía uso para desarrollar un lenguaje cinematográfico adecuado a lo que el quería transmitir. Varios autores consideran que Keaton supera a Chaplin debido a que el primero demostró conocer perfectamente el medio en el que se desenvolvía y así lo demuestran aquellas escenas en las que se observa a Johnnie corriendo por la parte superior de la máquina o cuando va en la bicicleta. El principio esencial en el que se basa el montaje y el contenido de las escenas en general es el de veracidad y fidelidad. Keaton procura que lo que graba se vea lo más real y creíble posible, no importándole gastar hasta un millón setecientos mil dólares para dejar caer una locomotora al río. Igualmente, Buster no acepta el uso de dobles ni en las escenas más peligrosas, como la de Johnnie sentado en la biela de la locomotora que de pronto empieza a avanzar.

El montaje busca explicar las causas de todo lo que sucede en la historia, no oculta nada, al menos no al público. Se muestran mayormente las acciones paralelas para mostrar lo que hace un bando y lo que hace el otro.


Keaton se basa en la inexpresividad de su rostro para emitir gran cantidad de emociones a través de los distintos encuadres, los juegos de luz y las expresiones de los demás personajes. Su personalidad está completamente definida, así como el uso que hace del lenguaje cinematográfico para alcanzar su más grande objetivo: hacer reír a la gente.

Ficha técnica
Dirección Buster Keaton - Clyde Bruckman
Producción Buster Keaton
Guión Buster Keaton y Clyde Bruckman
Fotografía Bert Haines
Reparto Buster Keaton (Johnnie Gray), Marion Mack (Annabelle Lee), Charles Henry Smith (Mr. Lee), Richard Allen (Frank Barnes), Glen Cavender (capitán de la Unión Anderson)
País Estados Unidos
Año 1927
Género Comedia
Duración 75 minutos
Productora Buster Keaton Productions Inc. y United Artists

Esta Película es de dominio público y por gentileza de Google video aqui esta la pelicula completa, que la disfruten.

Cine y literatura en Chile

Una historia antigua y desconocida

Relación entre el cine y la literatura
El vínculo entre la literatura y el cine nacional tiene una historia poco contada. Desde Martín Rivas y "La chica del Crillón", la historia del cine chileno suma numerosas películas basadas en textos literarios. Algunos títulos llevados a la pantalla son Campo de sangre, basada en la novela de Oscar Castro y dirigida por Enrique Vico; Deja que los perros ladren (1961), obra de teatro de Sergio Vodanovic, dirigida por Naum Kramarenko; Tres tristes tigres (1969), obra de teatro de Alejandro Sieveking, dirigida por Raúl Ruiz; Actas de Marusia (México, 1976), novela de Patricio Manns, dirigida por Miguel Littin; Ardiente paciencia (Alemania, 1983), escrita y dirigida por Antonio Skármeta; Alsino y el cóndor (Nicaragua, 1982), basada en la obra de Pedro Prado, dirigida por Miguel Littin; Amelia López O'Neil (1990), basada en una crónica de Joaquín Edwards Bello, dirigida por Valeria Sarmiento; Eloy, inspirada en la novela homónima de Carlos Droguet; La casa de los espíritus y De amor y de sombra, mega producciones internacionales inspiradas en la novelas de Isabel Allende; y Subterra, dirigida por Marcelo Ferrari, basada en la obra de Baldomero Lillo.

La relación entre el cine y la literatura es de antigua data y ha generado un valioso aporte a la historia del cine nacional. No sólo los directores se inspiraron en obras para el rodaje de sus películas, sino que también los escritores fueron seducidos por este nuevo lenguaje. Es así como, a pesar que, las primeras películas nacionales fueron tomas de la vida cotidiana, hacia fines de la década de 1920, se rodaron películas como Manuel Rodríguez, estrenada en 1920, cuyo argumento fue una adaptación de la novela de Alberto Blest Gana, Durante la reconquista, y Martín Rivas (1925), basada en la novela homónima del mismo autor.

En sus comienzos, el cine nacional se nutrió del teatro, que aportó no sólo con actores y técnicos sino también con textos de calidad a la producción de películas. Para algunos críticos, los dramaturgos fueron los "escritores puentes" entre el novelista y el guionista de cine, cabe mencionar por ejemplo a Antonio Acevedo Hernández, Rafael Maluenda y Víctor Domingo Silva. Otros géneros literarios también hicieron un aporte al cine mudo chileno, así por ejemplo, Alberto Santana realizó dos películas basadas en textos literarios: El monje (1924) inspirada en el poema de Pedro Antonio González; y El caso GB (1925), cuyo argumento está basado en la colección de cuentos Al desnudo, de Gustavo Balmaceda.

La irrupción del cine sonoro produjo un gran cambio en el mundo cinematográfico. Este fenómeno afectó negativamente a Vicente Huidobro, quién acababa de recibir un premio por su novela-film Cagliostro, publicada en 1934.

Nace Chile Films

El 16 de julio de 1942, a través del Decreto Supremo Nº 2581 se creó Chile Films, filial de la Corporación de Fomento de la Producción CORFO, con el objeto de dar un impulso a la producción de películas chilenas. Los estudios de Chile Films eran los más avanzados de Sudamérica, lo que permitió que el cine nacional continuara su desarrollo con un impulso renovado.
En el año 1944, se estrenaron las primeras películas rodadas en este espacio, "Un romance de medio siglo" y "Hollywood es así". Uno de los objetivos fundamentales de Chile Films fue el intento de generar un mercado para sus producciones, de modo tal que su público no se limitara sólo al nacional. Bajo esta premisa se rodaron películas como "La dama de la muerte", ambientada en Londres, y "El diamante del maharajá", en la India.
Por otra parte, la empresa produjo noticiarios de buen nivel que eran exhibidos en los cines antes de la proyección de las películas, obteniendo el reconocimiento del público. Paralelamente, la producción de largometrajes continuó aún cuando no respondían a las espectativas de la empresa. Algunos filmes de este período fueron La dama sin camelias, de José Bohr; Tormenta en el alma, de Adelqui Millar; Memorias de un chofer de taxi, de Eugenio de Luigoro; Yo vendo unos ojos negros, de René Olivares; Esperanza, de los argentinos Francisco Mujica y Eduardo Boneo. Para parte importante de la crítica especializada, éste último filme marcó el primer hito en el decaimiento de la actividad cinematográfica, terminando con el entusiasmo de su creación.

1973
Después del golpe de Estado de 1973, el cine nacional se estancó. Sin embargo, debido a la persecusión y al exilio, su evolución continuó en otras latitudes, destacándose por ejemplo, "La muerte y la doncella" de Ariel Dorfman y "El cartero" de Antonio Skármeta, por mencionar algunas. En Chile, hacia finales de la década de 1970 apareció "Julio comienza en Julio", dirigida por Silvio Caiozzi, reconocido director de cine que posteriormente filmó "Coronación", basada en la obra de José Donoso.

A partir de la década de 1990, la vinculación entre cine y literatura continuó vigente, proporcionando nuevas formas de expresión como es el caso de las adaptaciones de cuentos chilenos para la televisión y la versión de Subterra, inspirada en la obra de Baldomero Lillo y dirigida por Marcelo Ferrari.
fuente: www.Memoriachilena.cl


Vean el Trailer de Sub-Terra y espero les haya gustado este articulo.

Jerry Lewis

Joseph Levitch nacio un 16 de marzo de 1926, conocido como Jerry Lewis, es un icono en el cine comico estadounidense entre los años 40 y 60 aprox. que revitalizo con ingenio y talento la antigua tradicion del slapstick y el absurdo.

Hijo de padres judíos, Lewis nació en Newark, en el estado de Nueva Jersey. Sus padres trabajaban en el mundo del espectáculo, su padre Rae Rotherberg, pianista de variedades, y Danny Lewis cantante de cabaret. Antes de seguir la tradición familiar, Jerry Lewis, trabajó de tendero, camarero, portero y botones. Acompaña a una orquesta de jazz como showman y en 1946 empieza a actuar en clubes nocturnos de la costa oeste de los EE.UU. junto con Dean Martin. El pequeño Lewis ya cantaba en giras cuando tenía sólo cinco años. Dejó el colegio un año antes de terminar sus estudios, y se dedicó a practicar la interpretación, simulando detrás de los escenarios que hablaba o cantaba moviendo la boca en consonancia.

Sus inicios
A finales de los años 40 y principios de los 50, Lewis formó pareja con Dean Martin (actor y cantante), resultando esta unión en uno de los dúos más cómicos de la historia del cine. Su humor, si bien reconoce raíces en el duo de Abbot y Costello era especial y diferente a lo visto hasta entonces. Los dos llevaban las situaciones a extremos maníacos y absurdos, lo que impactó fuertemente en un segmento importante del público, aunque es cierto que no a todos les agradó este tipo de comedias.

Su debut lo hicieron en 1949 de la mano del productor Hal Wallis, en la película My Friend Irma. A esta película siguió una secuela, y otras varias durante los siguientes seis años, en los que Lewis y Martin permanecieron juntos. Si bien es cierto, hubo un grado de amistad entre Martin y Lewis, Martin usaba a Lewis para escalar dentro del ambiente hollywodense y mientras el ego de Lewis iba creciendo debido a que Martin no podía robar cámara a Lewis, la ruptura era cada vez más inminente, hasta que se separaron abruptamente en 1956. Sólo veinte años después y gracias a la intervención de Frank Sinatra (un amigo en común) el duó haría las paces en el Teleton de Jerry Lewis. En total hicieron 17 peliculas juntos.

El duo se separa
En 1957, tras la separación con Dean Martin, Lewis interpretó su primera película en solitario, "The Delicate Delinquent", en la que demostró que podía triunfar sin la participación de un compañero. En los siguientes años intervino en una serie de películas que fueron todas ellas grandes éxitos de taquilla. Después de esta larga experiencia en el cine Lewis quiso también dirigir, y realizó en 1960 el filme "The Bellboy", rodado en un hotel de lujo en Miami donde se producen numerosas situaciones cómicas. A partir de entonces Lewis fue alternando entre películas concebidas y dirigidas por él mismo, y otras en las que se limitaba a actuar.
Su primer esfuerzo como guionista y director fue complementado con la estimable pelicula "El botones" (1960), un film alabado incluso por el mismisimo Charles Chaplin.

La película "The Nutty Profesor" (El profesor chiflado) de 1963, fue considerada por la crítica francesa como su mejor película. Sin embargo, los críticos de otros países comenzaron a opinar que Lewis estaba cayendo en el error de considerarse a sí mismo infalible en sus actuaciones. Tal vez coincidió que el público ya estaba algo cansado de los gags de Lewis, que últimamente eran exagerados y se repetían de una u otra forma. La buena estrella del actor comenzó a declinar, y sus películas ya no tuvieron el éxito acostumbrado en taquilla.

A la vista de esta situación, Lewis probó en televisión, donde se emitió un show de dos horas los sábados por la noche " El Show de Jerry Lewis". También aquí el ego de Lewis resultó negativo, de forma que el programa fracasó y tuvo que ser retirado de la programación. Lewis hizo una película más en 1970, pero después se retiró del cine durante diez años. Durante ese tiempo apareció en un programa de televisión que duró dos años y en espectáculos en directo, entre ellos en Las Vegas. Sin embargo, aquello por lo que cosechó mayor popularidad fue su trabajo desinteresado por la Asociación Americana de Distrofia Muscular haciendo o dirgiendo el famoso teleton, donde reunian fondos para la ayuda de esta institucion hecho por el cual fue nominado para el premio nobel de la Paz en 1977.

Su retorno al cine
El año 1980 marcó su vuelta al cine. Intervino en varias películas, algunas más serias que de costumbre, y con directores y actores co-protagonistas importantes, como Martin Scorsese y Robert De Niro. Ello le llevó a actuar también en películas de televisión, y a convertirse nuevamente en un actor solicitado. En 1991 debutó incluso en Broadway, en la reedición de la obra Damn Yankees, en la que interpretó al diablo, papel por el que cosechó un éxito notable. Con los años, Lewis ha sido reivindicado por parte de la crítica, la que no puede soslayar que el cómico ha sido el referente de exitosos comediantes contemporáneos, como Jim Carrey, Adam Sandler o Will Ferrell, en tanto precursor del gag físico y desmesurado, creador de sus propias rutinas y hacedor de un estilo visual a veces sutil y otras sobreexpresivo.

Lewis se casó dos veces, la primera en 1944 con Patti Palmer. Después de 38 años el matrimonio se divorció en 1982 y se volvio a casar en 1983 con Sandee Pitnick y adoptó una hija. De su primera esposa tiene cinco hijos, destacando su hijo Gary que durante la mitad de la década de 1960 tuvo una serie de éxitos importantes en el Hit Parade con el grupo Gary Lewis & The Playboys.

Lewis y la Teleton
La primera Teletón del actor Jerry Lewis fue el año 1966, a beneficio de la Asociación de la Distrofia Muscular (MDA), el Día del Trabajo. Jerry Lewis es considerado el padre de la Teletón. Fue un evento televisado por un canal de televisión de Nueva York y recaudó más de $1 millón de dólares. Con los años creció sostenidamente y en los 70s ya participaban 65 estaciones en todo Estados Unidos. Hoy en día, la maratón televisiva de recaudación de fondos dura 21,5 horas y reúne a 200 estaciones de MDA “Love Network”. Se ha transformado en una tradición en el Día del Trabajo para 60 millones de televidentes estadounidenses. Este Mismo ejemplo lo han tomado varios paises (Chile, Mexico ejemplos) donde han podido lograr cifras millonarias para la ayuda de las instituciones que representan. El Premio Humanitario Jean Hersholt se entrega anualmente en la ceremonia de los Premios de la Academia en reconocimiento a la labor en causas humanitarias, le debe su nombre al actor Jean Hersholt. El trofeo es una estatuilla "Óscar". En el 2008 se lo adjudica este gran personaje de la historia del cine y el espectaculo.

Filmografía
* Funny Bones (1995)
* Arizona Dream (1993)
* Mr. Saturday Night (1992)
* Cookie (1989)
* How Did You Get In? We Didn't See You Leave (1984)
* To Catch a Cop (1984)
* Cracking Up (1983)
* The King of Comedy (1983)
* Slapstick (Of Another Kind) (1982)
* Rascal Dazzle (1980)
* Hardly Working (1980)
* The Day the Clown Cried (1972)
* Which Way to the Front? (1970)
* Hook, Line & Sinker (1969)
* Silent Treatment (1968)
* Don't Raise the Bridge, Lower the River (1967)
* The Big Mouth (1967)
* Way... Way Out (1966)
* Three on a Couch (1966)
* Boeing Boeing (1965)
* The Family Jewels (1965)
* The Disorderly Orderly (1964)
* The Patsy (1964)
* Who's Minding the Store? (1963)
* El profesor chiflado (1963)
* It's Only Money (1962)
* The Errand Boy (1961)
* The Ladies' Man (1961)
* Cinderfella (1960)
* The Bellboy (1960)
* Visit to a Small Planet (1960)
* Don't Give Up the Ship (1959)
* The Geisha Boy (1958)
* Rock-a-Bye Baby (1958)
* The Sad Sack (1957)
* The Delicate Delinquent (1957)
* Hollywood or Bust (1956)
* Pardners (1956)
* Artists and Models (1955)
* You're Never Too Young (1955)
* Jerrico, the Wonder Clown (1954)
* Living It Up (1954)
* Money from Home (1954)
* The Caddy (1953)
* Scared Stiff (1953)
* The Stooge (1953)
* Road to Bali (1952)
* Jumping Jacks (1952)
* Sailor Beware (1952)
* That's My Boy (1951)
* At War with the Army (1950)
* My Friend Irma Goes West (1950)
* How to Smuggle a Hernia Across the Border (1949)
* My Friend Irma (1949)

Ver algunos videos de Jerry Lewis


Detras de camaras y trailer de El Profesor Chiflado

¡Vive como quieras! (1938)

Aparece James Stewart
Stewart atrajo el interés del buscatalentos de MGM Bill Grady quien vio a Stewart en la noche de estreno de "Divided by Three", una première glamurosa que incluía entre el público a luminarias como Irving Berlin y Moss Hart y su amigo Fonda quien había regresado a Nueva York para ver el espectáculo. Con el apoyo de Fonda, Stewart accedió a probarse para la pantalla y firmó un contrato con MGM en abril de 1935, como un actor contratado hasta por siete años con un sueldo de 350 dólares semanales
Al llegar por tren a Los Angeles, Fonda le dio la bienvenida a Stewart en la estación y lo llevó a su apartamento suministrado por el estudio, al lado de Greta Garbo.

Su primer papel fue en "The murder man" (1935), una película dirigida por Tim Whelan y protagonizada por Spencer Tracy. Al año siguiente, Stewart participaría en ocho títulos que le permitieron poder sustentarse en Hollywood. De ese año tenemos que destacar "Nacida para la danza" (1936) de Roy del Ruth, "Rose Marie" (1936) de W. S. Van Dyke, "Next time we love" (1936) de Edward Griffith donde coincidió con su vieja amiga Margaret Sullavan, y "Ella, él y Asta" (1936), película dirigida de nuevo por Van Dyke.

A pesar de ser productos meramente alimenticios y que no han pasado a la historia del cine, Stewart comenzó a estar presente y obtuvo ese papel con el que un actor se convierte definitivamente en estrella. Sería el bienintencionado Frank Capra el que se fijo en él para protagonizar "Vive como quieras" (1938), una deliciosa comedia junto a Jean Arthur en la que Jimmy demostró su comicidad juvenil. La película fue todo un boom y aunque Jimmy no estuvo nominado al Oscar, la estatuilla recayó tanto en la película como en Capra. La película le había convertido en popular y muchos americanos se identificaron con ese hombre delgaducho y noble.

La Pelicula
Es la historia de dos enamorados, Tony y Alice, que pertenecen a familias de distinto rango social. Alice, es la nieta de Martin Vanderhof, comúnmente llamado el abuelo, cabeza de una familia numerosa y muy singular. Su filosofía de la vida es el "vive como quieras", lo que hace que la familia sea algo estrambótica y anárquica. Sin embargo, viven felices porque cada uno es libre y se sabe querido siendo tal como es. Por el contrario, Tony es el hijo único de un importante banquero que vive para su negocio y cuyos proyectos futuros sitúan a su hijo al frente de la compañía. Aunque posee mucho dinero es pobre ya que la gente le estima por su dinero y no por ser quién es. Sólo cuando se de la premisa tan Capriana de que la felicidad está en darse a los demás, encontraremos la moraleja de esta bienintencionada película.

Comentarios de la pelicula

Ofrecemos como recomendación esta otra película de ambiente navideño, que se trata de una joya en el cine de finales de los años 30. De nuevo tenemos a Frank Capra, uno de los directores más válidos y mundialmente reconocido, como así lo avalan sus 3Oscars (uno de ellos por este mismo filme, premiado también con la estatuilla dorada a la mejor película del año).


La historia es fantástica, es original, diferente y amena. Tony Kirbi (James Stewart), hijo de un banquero millonario, se enamora de su secretaria Alice Sycamore (Jean Arthur), que pertenece a una familia de clase media-baja cuyo objetivo en la vida es el siguiente: Vive como quieras.

El momento cumbre de esta divertidísima película sucede cuando Tony y sus padres, deciden visitar a Alice y su familia a su casa. El espectáculo que se encuentran es de lo más bochornoso para unas personas de tan alta alcurnia, y lo que a partir de allí sucede es de lo más retorcido.

Sin duda, lo mejor de todo es el encuentro y lo que éste desencadena. Vive como quieras es un canto a la amistad que ayuda a discernir lo que es verdaderamente importante en la vida. Y eso da que pensar.

Ficha técnica
Dirección Frank Capra
Producción Frank Capra
Guión George Kaufman - Moss Hart - Robert Riskin
Reparto James Stewart - Jean Arthur - Lionel Barrymore - Edward Arnold - Spring Byington - Ann Miller - Charles Lane - Mischa Auer - Eddie 'Rochester' Anderson - Arthur Murray
País Estados Unidos
Año 1938
Duración 126 minutos
Productora Columbia Pictures

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