Kramer vs. Kramer (también conocida como Kramer contra Kramer) es una película estadounidense dirigida por Robert Benton en el año 1979, ganadora de 5 premios de la academia.
Argumento y Comentarios Lo que a partir de los años 60 surge como un derecho básico de la mujer que, además de madre y esposa, quiere realizar un trabajo remunerado, obligó a la sociedad urbana a ver con mayor aceptación esta doble dimensión femenina y puso de relieve la otra parte de la cuestión: el derecho del hombre a ocupar su lugar como padre en el cuidado de los hijos. Kramer contra Kramer es la película que rompió el esquema fuertemente arraigado en la sociedad cuando se da un rompimiento matrimonial; que, por el solo hecho de ser mujer, automáticamente la custodia de los hijos deben pasar a la madre; y resaltó el importante papel del padre y su derecho a ser él quien permanezca en el hogar y al cuidado de la cotidianeidad del niño.
La película no deja indiferente al espectador, que ve de cerca la relación entre trabajo, desarrollo personal y rol de padre y madre, y a quien se le obliga a plantear el derecho del hombre para quedar al cuidado de sus hijos. Ganadora de 5 Oscares en 1979, tuvo gran impacto en la percepción que tenía la sociedad sobre los derechos de los varones a la custodia de los hijos.
El argumento plantea el abandono del hogar de Joanna (Merryl Streep), esposa y madre quien, en su desesperación existencial, y tras el fracaso de su relación con Ted, entra en una crisis de identidad personal, misma que la obliga a irse en busca de sus propias certezas. El personaje central, Ted (Dustin Hoffman), es un publicista con indiscutible éxito profesional y un buen proveedor que jamás cuestionó cómo su mujer le resolvía los pequeños pero imprescindibles detalles cotidianos, sin los cuales no es factible la vida familiar ni la posibilidad de dedicarse de tiempo completo a su realización personal.
El conflicto principal entre ellos parte del desconocimiento por parte de Ted de las necesidades afectivas y de realización profesional de su mujer y la incapacidad de ambos para poderse comunicar. Existe afecto entre ellos pero la vida se ha tornado imposible para Joanna, que se ha convertido en testigo mudo de los éxitos del esposo, perdiendo sus posibilidades de desarrollo personal.
Ted obtiene un triunfo profesional largamente anhelado: la mejor cuenta publicitaria de la agencia. Coincidentemente ese mismo día sufre el abandono de su esposa, por lo que se encuentra con una gran carga de trabajo, solo y al cuidado de su hijo Billy, de 5 años.
La película lo muestra en este doble proceso, donde por una parte el éxito profesional se le desmorona llegando incluso a perder el empleo al no poder cumplir con las expectativas y exigencias de su jefe; y, por otro lado, descubriéndose a sí mismo en su dimensión de padre.
Lo vemos al principio como un "amo de casa" nefasto: no sabe ni romper un huevo para el pan francés del desayuno del niño, pero poco a poco logra un encuentro con éste, descubre su ternura y los gozos y las sombras que le deparan su cuidado.
Probablemente el mayor acierto de la película es mostrar el lado emocional del hombre, que descubre en los cotidianos cuidados de Billy la paternidad que no consiste sólo en proveer de lo necesario o de ser el que engendro en la mujer, sino en compartir con él su vida, gozar en la bicicleta, sus éxitos escolares, sufrir la angustia y el dolor de una caída, y permitiendo la identificación del pequeño al compartir la cotidianidad que los une para reorganizar su vida y juntos salir adelante. Tiene escenas memorables, como aquella en la cual Bill y —en vez de sus verduras— desea comer helado y desafía al padre hasta que éste se enfurece y entran en conflicto: situación que los ayuda a descargar tensiones, el niño expresa su sentimientos por el abandono de la madre y ambos pueden decirse que se aman.
La verdadera crisis surge cuando Joanna regresa por amor a su hijo, reclama sus derechos de madre y desea llevarlo a vivir con ella. Entonces Ted se enfrenta a una lucha jurídica para retenerlo.
Una película que no es de buenos ni malos, sino de seres de carne y hueso que muestra el doloroso proceso del divorcio, la lucha por la custodia de los hijos, el impacto emocional que tienen sobre los niños los problemas paternos y la dimensión humana de hombres y mujeres que tienen los mismos derechos, en el sentido total y equitativo de este concepto. (IRENE MARTINEZ ZARANDONA)
ALGO MAS... Es una película basada en la novela Kramer contra Kramer de Avery Corman. Antes de seleccionar a Dustin Hoffman, los productores habían considerado darle el papel a Al Pacino. Por su parte, Jane Fonda rechazó el papel interpretado finalmente por Meryl Streep. Dustin Hoffman ayudó en gran manera al actor novel Justin Henry, analizando y comentando con él cada escena antes de su rodaje. El decorado del apartamento montado en el interior del estudio tuvo las medidas exactas resultantes del exterior del edificio que aparece en la película. El director de fotografía, Néstor Almendros, utilizó en los interiores luz cenital y en los exteriores la luz disponible para las tomas. La versión inicial tuvo una duración de 43 minutos adicionales respecto a la duración definitiva. Se suprimieron sobre todo escenas con Jane Alexander y con JoBeth Williams
Ganadora de 5 premios oscar (9 nominaciones) mejor pelicula, mejor actor (Dustin Hoffman), mejor Director (Robert Benton), mejor actriz de reparto (Meryl Strep)y mejor guion adaptado.
Ficha técnica Dirección Robert Benton Producción Stanley R. Jaffe - Richard Fischoff Guión Robert Benton Música Herb Harris - John Kander Fotografía Néstor Almendros Montaje Gerald B. Greenberg Vestuario Ruth Morley Reparto Dustin Hoffman - Meryl Streep - Jane Alexander - Justin Henry - Howard Duff - George Coe País Estados Unidos Año 1979 Género Drama Duración 105 minutos
Ver Trailer de la Pelicula "Kramer vs Kramer (1979)"
Grease (Grease Vaselina (Hispanoamerica)Brillantina (España)) es una película musical inspirada en los años 50, rodada en 1978 en Estados Unidos bajo la dirección de Randal Kleiser. Se basa en el musical creado por Jim Jacobs y Warren Casey, del mismo título y que data de 1972. Fue la película que lanzó al estrellato a Olivia Newton-John y que ayudó a consolidar el suyo a John Travolta.
Argumentos y Comentarios El film comienza con la canción "Grease", añadida expresamente para la película y escrita por Barry Gibb, de los Bee Gees e interpretada por Frankie Valli en un segmento animado que recrea la epoca de los 50s en estados unidos con todos sus detalles de la cultura pop significativos. Danny Zuko (John Travolta) y Sandy Dee (Olivia Newton-John)se enamoran durante las vacaciones de verano. Cuando el verano termina, se despiden pensando que no se van a volver a ver, ya que Sandy ha de volver a Australia.
La familia de Sandy cambia de opinión y se quedan en los Estados Unidos y se inscríbe en el instituto Rydell, donde estudia su amiga Frenchy, miembro de una pandilla llamada Las Damas Rosas (The Pink Ladies en el original en inglés). Lo que no sabe es que en ese mismo instituto también estudia Danny.
Danny, por su parte, es el líder de una pandilla, los T-Birds (Thunder Birds). Kenickie, segundo al mando de los T-Birds, anima a Danny para que les cuente su experiencia de vacaciones, mientras que las Damas Rosas interrogan a Sandy. Este escenario desemboca en la canción "Summer Nights" ("Noches de Verano", en español), en la que ambos relatan su punto de vista sobre su relación de verano con el otro. Se ve claramente que Danny exagera, y ninguno de los dos sabe de la presencia del otro en el instituto. Noches de Verano
Animada por Patty Simcox, una chica popular del instituto, Sandy se apunta al equipo de animadoras de Rydell. Las Damas Rosas hacen coincidir a Danny y a Sandy, pero Danny tiene que proteger su imagen de tipo duro y su comportamiento hacia Sandy hace que ésta se vaya corriendo entre lágrimas. Danny la observa unos instantes pero rápidamente vuelve a su pose de chico duro y se va con sus amigos.
Frenchy intenta animar a Sandy invitándola a una pijamada en su casa con el resto de la pandilla. Sandy se apunta, pero su comportamiento de niña buena que-nunca-ha-roto-un-plato termina con la paciencia de Rizzo, ya que Sandy se atraganta con un cigarrillo, no le gusta el sabor del vino y le aterroriza la idea de que Frenchy le perfore los lóbulos de las orejas para llevar pendientes. Ante la insistencia de Frenchy, Sandy se va con ella al baño y allí se pone enferma con sólo ver la sangre. Frenchy comunica a sus amigas que va a dejar el instituto para ir a una escuela de belleza. Rizzo no puede más y se mofa de Sandy junto con todas las demás cantando la sarcástica "Look at me, I'm Sandra Dee".
Los T-Birds llegan a la casa de Frenchy y Rizzo se desliza por el tejado para irse con ellos. Ella y Kenickie flirtean un poco y Kenickie la invita a subir al coche. Danny se va por su cuenta y Kenickie y Rizzo se van en el coche, dejando tirados a los demás T-Birds, que deciden irse a comer una pizza. Marty, la miembro que más flirtea de las Damas Rosas, decide escribir a uno de sus numerosos novios por carta, mientras que Sandy sale fuera y decide que, a pesar de todo, sigue enamorada de Danny, cantando la canción "Hopelessly Devoted to You", una conmovedora canción de amor añadida expresamente para la película y que fue un gran éxito como single.
La escena cambia a Rizzo y Kenickie besándose apasionadamente en el asiento trasero del coche. Quieren llevar las cosas un paso más allá, pero el condón que Kenickie llevaba en la cartera se rompe. Rizzo, incapaz de resistir a los encantos de Kenickie, se lanza sobre Kenickie y siguen adelante sin protección. Pronto son interrumpidos por Leo, líder de la banda de los Escorpiones (The Scorpions), rivales de los T-Birds, que causa algunos daños al coche de Kenickie e insulta a ambos. Mientras trabajan en la reparación del coche, los T-Birds fantasean sobre cómo quedará el coche una vez esté puesto a punto y pintado, cantando "Grease Lightning". Danny se encuentra más tarde en el Palacio del Helado (Frosty Palace) y se intenta disculpar con ella por su actitud. Al ver que Sandy está compartiendo un refresco con Tom Chisum, un deportista, decide que si ese es el tipo de hombre que a ella le gusta, él puede convertirse en uno apuntándose a algún deporte en el instituto.
Lo siguiente que vemos es la desastrosa exhibición de Danny en baloncesto, lucha libre y béisbol, disciplinas en las que siempre pierde la paciencia y termina pegando a alguien. Finalmente ve que su deporte ideal es el atletismo, por la falta de contacto con el oponente, principalmente. Mientras Danny está entrenando en carrera de vallas, ve a Sandy y tropieza. Sandy deja a Tom Chisum para ver si Danny está bien, reconciliándose con él.
Danny intenta ir al Palacio del Helado con Sandy para estar solos y no preocuparse por arruinar su imagen delante de sus amigos. Allí descubre que tanto los T-Birds como las Damas Rosas ya están allí, y a Danny le resulta muy complicado seducir a Sandy sin parecer un mariquita delante de su pandilla. Cuando todo el mundo se ha ido de la heladería, Frenchy, que ha estado ocultando el color de su pelo bajo un pañuelo, revela que está teniendo problemas en la escuela de belleza ya que tiene el pelo de color rosa por un error en el tinte. Entonces se imagina que tiene un ángel de la guarda que le dice qué debe hacer con su vida. Este ángel resulta ser Frankie Avalon, que la anima a volver al instituto cantando "Beauty School Dropout".
El programa de Televisión National Bandstand tiene pensado hacer su programa en directo precisamentre desde el gimnasio del instituto Rydell, motivo por el cual se organiza un concurso de baile al que Danny lleva a Sandy. Rizzo, enfadada con Kenickue, lleva al baile a Leo, el líder de la banda rival, obligando a Kenickie a llevar a la novia de éste, ChaCha DiGregorio, quien a su vez fue novia de Danny hace tiempo. El presentador del programa, Vince Fontaine, tiene un flechazo con Marty, de las Damas Rosas. el baile presenta muchas canciones conocidas de los años 1950 versionadas por el grupo Sha Na Na. Durante el baile, Rizzo abandona el recinto enfadada cuando ve a Kenickie con ChaCha, mientras que Danny y Sandy son de las pocas parejas que van quedando en el concurso. En un momento dado, Sonny tira de Sandy dejando a Danny bailando con ChaCha. Sandy se da cuenta de que ChaCha es una ex-novia de Danny y mucho mejor bailarina que ella, abandonando el gimnasio enfadada. Danny y ChaCha ganan el concurso de baile y, mientras están bailando solos, tres de los T-Birds se ponen delante de la cámara y hacen una desastrosa escena cómica de bajarse los pantalones y enseñar sus traseros.
Más tarde, Danny lleva a Sandy a un autocinema donde se disculpa por haberla dejado de esa manera. La disculpa no significa demasiado para Sandy, de modo que Danny intenta quitarse el anillo que lleva para dárselo a ella pero al hacerlo, accidentalmente le clava el codo en el pecho. Al dárselo, Sandy le besa en la mejilla diciendo que ahora se dé cuenta de que en verdad la respeta. El plano cambia a Marty y Rizzo en los lavabos del mismo cine. Allí, Rizzo le dice a Marty que tiene una falta y está aterrada ya que tuvo sexo con Kenickie sin protección. Al salir de los lavabos a Marty se le escapa un comentario con respecto al embarazo de Rizzo, que Sonny oye de casualidad. El cotilleo se propaga como la pólvora hasta llegar al propio Kenickie. Cuando éste le pregunta a Rizzo si es verdad, ella le pregunta por qué le preocupa y el dice que el no escapa de sus errores, y Rizzo le dice que no se preocupe, que no fue su error. Él le da las gracias sarcásticamente y la deja allí, donde la encuentra Marty que se lamenta porque ha pillado a Vince Fontaine poniéndole una aspirina en su Coca Cola.
De nuevo en el coche, Danny tiene el brazo alrededor de Sandy, e intenta descaradamente meterle mano a Sandy y enrollarse con ella. A ella no parece entusiasmarle la idea y sale del coche enfadada dando un portazo que golpea a Danny en la entrepierna. Tras tirarle de vuelta el anillo, abandona el cine. Danny se lamenta por haber perdido de nuevo a Sandy y revela el auténtico alcance de sus sentimientos hacia ella en la canción "Sandy".
La siguiente escena es la carrera entre Leo y Kenickie en el canal. Kenickie le pide a Danny que sea su padrino en el desafío, y Marty le da a Kenickie un penique que se ha encontrado para que le dé suerte. Al dejarlo caer, Kenickie se agacha a recogerlo y uno de los T-Birds abre la puerta sin verle, golpeándolo en la cabeza. Deciden que Danny correrá en su lugar y mientras, Sandy ve el espectáculo desde la distancia. La carrera (que resulta ser una parodia de la famosa carrera de Ben-Hur) está muy disputada aunque finalmente Danny gana. Alegrada por el triunfo de Danny, Sandy se da cuenta de sus sentimientos hacia Danny y considera que su imagen y su actitud son demasiado puritanas, con la canción "Look at Me, I'm Sandra Dee (reprise)". Mientras Danny va a celebrar la carrera con los T-Birds, Frenchy ve a Sandy y quedan para hacerle a Sandy un completo cambio de imagen.
Es ya el último día de clase y se ha organizado una feria en el instituto Rydell.
Rizzo está montada en el carrusel con Frenchy y Kenickie le dice que se baje porque está en una condición y ella le dice que es una falsa alarma. Kenickie y Rizzo se reconcilian.
Danny aparece allí con la sudadera deportiva del equipo de atletismo, y Doody, Sonny y Putzie le dicen que ahora es un atleta y que eso significa que dejará a los T-Birds. Él dice que sí porque eso es lo que Sandy quiere. De repente Sandy aparece con una chaqueta de cuero negro, sandalias de tacón alto, un top con los hombros al aire, el pelo rizado y fumando un cigarrillo. Danny la encuentra extremadamente atractiva, cayendo a sus pies. Ambos vuelven a estar juntos y cantan "You're the One That I Want" (otra canción añadida para la película y un gran éxito incluso antes de que la película se estrenase).
Todos cantan el gran finale, "We Go Together", y Danny y Sandy se van volando en un descapotable, desapareciendo en el cielo (versión más larga).
Durante los créditos, que tiene la forma de un anuario escolar, puede escucharse "Grease (reprise)".
Curiosidades * Originalmente fue estrenada en España bajo el título de Brillantina, pero luego se recuperó el título original. En Hispanoamérica se la conoce también como Vaselina, que es la traducción más aproximada de la palabra Grease. * Olivia Newton-John era reacia a actuar en la película debido a sus malas experiencias anteriormente en el cine, pero John Travolta se presentó en su casa y le pidió que hiciera la película con él, lo que la hizo cambiar de parecer. * Jeff Conaway (Kenickie) es más alto que John Travolta (Danny), por lo que tenía que andar de manera especial para parecer más bajo. * El sueño de Stockard Channing (Rizzo) siempre fue rodar un musical donde ella tuviera un peso en la historia, y pudo verlo cumplido al rodar la película. * El personaje de Sandy Olson (interpretado por Olivia Newton-John) estaba basado en la actriz Sandra Dee y a su vez Rizzo (Stockard Channing) en Marilyn Monroe. * Sólo Lorenzo Lamas (Tom, nuevo novio de Sandy) y Dinah Manoff (Marty, de las Pink Ladies) tenían una edad aproximada a los personajes que interpretaban en todo el reparto: 19 años. El resto de estudiantes superaban los 24. John Travolta tenía 24, Olivia Newton-John tenía 30, Stockard Channing tenía 34 y ya se había casado 3 veces, Jeff Conaway tenía 28 y ya se había casado 1 vez, Barry Pearl tenía 28, Michael Tucci tenía 32, Kelly Ward tenía 22 y llevaba 1 año casado, Didi Conn tenía 27 y Jamie Donnelly tenía 31. * You're The One That I want, una de las más exitosas y recordadas canciones de Grease, estuvo a punto de no aparecer porque el director la aborrecía. También ocurrió con la canción principal, Grease, compuesta por Barry Gibb, miembro de los Bee Gees. * Marie Osmond renunció a interpretar el papel de Sandy. * La escena en la que Rizzo cita a Elvis Presley fue rodada el día en que éste falleció. * Jeff Conaway se casó con la hermana de Olivia Newton-John en 1980, 2 años después del rodaje. Se divorciaron en 1985. * El pantalón que lleva Olivia Newton-John en la escena final fue una aportación propia. * En una escena de la película dos de las Pink Ladies cantan la canción de La Bamba, popular en aquella época. * Cuando cantan "You're the one that i want", Olivia lleva un conjunto que encontró en un baúl de atrezzo, ya que el director le permitió que escogiera la ropa que quisiera, la cremallera del pantalón estaba rota porque le estaba tan estrecho que la reventó antes de grabar la escena, así que lo arreglaron como pudieron. En la siguiente canción "We go together" Cuando Danny Y Sandy de un salto aparecen en la pantalla, ella está descalza porque no podía saltar con semejantes taconazos. * La banda sonora original produjo dos singles Números 1: La canción principal "Grease" (interpretada por Frankie Valli) y "You're the One That I Want" (interpretada por John Travolta y Olivia Newton-John). IMDb * Durante el baile grabado para la televisión, aparece un cámara con una camiseta de la marca Lacoste. * La serie Somos tú y yo: un nuevo día, fue inspirada en esta película y su secuela
Este Musical sin duda, a mi gusto, es lejos el mejor, porque, juntan muy bien la historia con las canciones, las cuales son muy pegajosas, es entretenida, te logra atraer con toda tu atencion, y hasta el dia de hoy escucho sus canciones, Excelente y recomendable. Y saludos a Olivia que por estos dias viene a Chile a Estadio lleno.
Ficha técnica Dirección Randal Kleiser Producción Allan Karr - Robert Stigwood Guión Jim Jacobs (musical) - Warren Casey (musical) - Allan Carr (adaptación)- Bronte Woodard (guión) Música John Farrar - Barry Gibb - Louis St. Louis Fotografía Bill Butler Reparto John Travolta: Danny - Olivia Newton-John: Sandy - Stockard Channing: Rizzo - Jeff Conaway: Kenickie - Barry Pearl: Doody - Michael Tucci: Sonny - Kelly Ward: Putzie - Didi Conn: Frenchy - Jamie Donnelly: Jan - Dinah Manoff: Marty - País(es) Estados Unidos Año 1978 Genero Comedia Musical
Ciudad de Dios (en portugués: Cidade de Deus) es una película brasileña de drama-criminal del año 2002 (distribuida fuera de Brasil en el 2003). Fue dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund. Fue adaptada de una novela del mismo nombre de Paulo Lins, basada en una historia real. El libro fue lanzado en el año 1997 y fue adaptado por Braulio Mantovani. La película se enfoca en la guerra entre Zé Pequeño y Mané Galinha, desarrollada en el territorio brasileño "Cidade de Deus". La frase que identificó a la película fue: "Lucha y nunca sobrevivirás... Corre y nunca escaparás...". Muchos de los actores, fueron residentes de favelas como Vidigal y la misma Cidade de Deus.
Argumento
La película comienza en los años 60, cuando jóvenes como Dadinho y Buscape son pequeños delincuentes en una favela peligrosa de Río de Janeiro, llamada "Ciudad de Dios" (Cidade de Deus). La película cuenta el desarrollo de la vida de Buscapé (Cohete) en Ciudad de Dios hasta los años 70, cuando los antiguos amigos forman ideas distintas sobre la dirección de sus vidas. El lugar es un sitio en el que el tráfico de cocaína, los asesinatos, la delincuencia juvenil y el soborno policial son algo cotidiano. (me parece familiar, lo he escuchado antes).
Buscapé tiene 11 años y A pesar de que la vida en este barrio está dominada por robos, peleas y enfrentamientos diarios con la policía, Buscapé prefiere quedarse al margen. Él sueña con ser fotógrafo. Dadinho tiene su misma edad y también tiene claro su futuro, aunque muy distinto. Ambiciona convertirse en el criminal más famoso de Río de Janeiro. Con el paso del tiempo ambos conseguirán que sus sueños se hagan realidad. Buscapé entrará a trabajar en un periódico y Dadinho, que cambia su nombre por el de Zé Pequeño, se convertirá en el narcotraficante de cocaína más temido y respetado de Río de Janeiro.
Ciudad de Dios narra ademas la vida de varias personas que habitan en una favela en Río de Janeiro a lo largo de casi treinta años, entre los sesenta y los ochenta. Su mismo rodaje estuvo condicionado por las relaciones de poder que vertebran este submundo: los realizadores tuvieron que pedir la colaboración del jefe de una favela para poder filmar en su zona y disponer así de las condiciones de seguridad adecuadas para poder realizar la filmación. El jefe autorizó la realización del filme con la condición de que se contratara a la mayoría de los actores y extras entre la misma gente de la favela, la gran mayoría de los personajes de la película fueron de ahí mismo, lo que contribuye también a dar mayor credibilidad a la historia.
El ritmo acelerado con el que se ha realizado la película facilita la atención de un publico joven, a pesar de su larga duración y la diversidad de personajes e historias entrecruzadas. El filme se caracteriza por una puesta en escena frenética que recuerda el montaje de un video clip agresivo y entrecortado, estética “sucia”, una fuerte carga emocional e imágenes impactantes.
Comentarios
Esta película es una muestra clara de la realidad, no solo de brasil, si no de muchos países, aun que posee una buena imagen y una buena edición, le encontré un pequeño detalle (ponen música de otros países, y muestran como al gente la disfruta, durante la época de los 60’ y 70’ en brasil se tenia mucho recelo a las tendencias tanto de moda como musicales de otros países, preferían y centralizaban mas sus gustos en lo local), ya volviendo a al realidad, es nostálgico y bastante triste ver como la violencia, la droga, y el dinero son capaces de manipular los llamados entes de control como lo son la policía, los gobernantes(aunque este ultimo no se muestre tan claro), entre otros.
“Si es así como podremos creer en un gobierno, como creer que no estamos siendo manipulados cual borreguitos, al gusto de ellos. Tal vez seamos un simple objeto, un punto mas en el mapa, pero aun así no hay por que darnos por vencidos”
Tras muchos siglos de violencia es absurdo ver como nos matamos aun entre nosotros, y por el contrario no buscamos una forma sensata y realista de ver y arreglar el mundo. Creemos que con manipular y mejorar la fachada basta y sobra, no nos damos cuenta del trasfondo de la realidad.
Es absurdo ver como a una persona se le ocurre la “genial” idea, que con una muralla en medio de la ciudad podríamos evitar que esta fuera más violenta, hago referencia a esto puesto que a uno de los gobernante de Rió de Janeiro, se le había ocurrido esta idea, por suerte el mismo se arrepintió de haberlo dicho, es algo ilógico querer ocultar la realidad, ver como los medios de comunicación manipulan los hechos, ver que como nos somos capaces de poner de nuestra parte, que acaso no somos humanos, no decimos ser el ser mas evolucionado, si es así por que recurrir a insultos y a una violencia absurda.
“la vida es mas que deseo son hecho, espero puedan entender que la indiferencia y al violencia no nos llevan a nada, por el contrario nos arrastran aun fondo oscuro del cual tal vez no podamos salir”
En Pocas palabras, una muy buena pelicula, recomendable 100%.
Ficha técnica Dirección Fernando Meirelles - Kátia Lund
Producción Tulé Peak
Guión Braulio Mantovani
Música Ed Cortês - Antonio Pinto
Fotografía César Charlone
Reparto Alexandre Rodrigues - Leandro Firmino - Phellipe Haagensen - Douglas Silva - Jonathan Haagensen - Matheus Nachtergaele - Seu Jorge - Alice Braga
País Brasil
Año 2002
Género Drama
Duración 130 minutos
Compañías Productora 02 Filmes / VideoFilmes.
Distribuida por Miramax Films
Ver Trailer de Ciudad de Dios en Español
The Untouchables, conocida en castellano como Los Intocables (Hispanoamérica) y como Los intocables de Eliot Ness (España), es una película estadounidense de 1987 dirigida por Brian de Palma y protagonizada por Kevin Costner, Sean Connery, Charles Martin Smith, Robert De Niro y Andy García (que grandes actores). Argumento Eliot Ness, un agente federal idealista, es el encargado de mantener el orden en el Chicago de la Ley seca. La película empieza con el asesinato de una niña por culpa de la guerra del alcohol. Así que Eliot Ness jura encontrar a los culpables y eliminar el tráfico de bebidas alcohólicas. En un principio Ness hace una redada en un almacén de Capone, pero cuando él llega, el almacén está limpio. Ante esta perspectiva Ness sospecha que la policía de Chicago es sobornada. En un encuentro casual por la noche, Ness conoce a Malone (un policía de la vieja escuela). Los dos se unen para acabar con Al Capone. Poco después al equipo se unen Oscar Wallace (un agente del tesoro) y George Stone (un cadete de la policía). El nuevo equipo de los "intocables" limpia la ciudad y hasta hace una redada en la frontera canadiense. Capone al ver que su negocio corre peligro contrata a un asesino a sueldo llamado Frank Nitti. En la jefatura de policía, Wallace es asesinado por Nitti. Poco después el mismo asesino mata a Malone. Ness llora la muerte de sus compañeros y en un tiroteo en las escaleras del tren de la ciudad coge al contable de Capone. Con el contable en sus manos Ness puede acusar a Capone por evasión de impuestos. Días después se celebra el juicio, Nitti es asesinado por Ness y Al Capone es condenado.
Comentarios
Quien aun no ha visto este gran clasico del cine ? La crítica y el público coinciden: Los Intocables de Eliot Ness, dirigida por Brian de Palma, es una obra maestra imprescindible, un retrato glorioso, cruel y realista del mayor jefe de la Mafia que dominó Chicago en la era de la prohibición... y del policía que hizo la promesa de acabar con él. Este enfrentamiento clásico entre el bien y el mal tiene como protagonistas a Kevin Costner como el agente federal Eliot Ness, Robert de Niro en el rol del famoso gángster Al Capone y a Sean Connery como Malone, el policía que enseña a Ness cómo terminar con la Mafia: dispara rápido y sé el primero en hacerlo.
La Serie
La serie de televisión fue transmitida mucho antes de la pelicula, de hecho la pelicula fue basada en esta serie emitida desde 1959 a 1963 por American Broadcasting Company. Basada en el libro escrito por Eliot Ness y Oscar Fraley, obra la cual recoge las memorias del primero. La historia recrea a manera de ficción las experiencias de Eliot Ness, quien fuera en la vida real Agente durante la vigencia de la Ley seca en Estados Unidos, de como él luchó contra el crimen en Chicago en los años 30, con la ayuda de un equipo especial de los agentes escogidos por su valor e incorruptibilidad, quienes fueron apodados Los Intocables.
La Pelicula El guión y el reparto:
Brian De Palma quería hacer una película que fuera un éxito a nivel comercial pues estaba en “baja forma” debido a que sus dos películas anteriores habían terminado en fracaso. Se le presentó el guión de “Los Intocables” y decidió dirigir la película. De Palma dice que la serie de Tv apenas la vio y que quiso partir de cero. Sobre el reparto comenta que un principio no quería a Kevin Costner para el papel de Eliot Ness pero el productor y otros directores entre los que estaba Steven Spielberg le convencieron de lo contrario, él quería a Mel Gibson. El productor Art Linson puso el dinero porque le atraía mucho rodar una película sobre Al Capone. Kevin Costner en imágenes de la época habla sobre la distinta personalidad de los miembros del grupo y De Palma y Art Linson hablan sobre el resto del reparto. De entre ellos tenemos acceso a declaraciones de Charles Martin Smith, de Andy Garcia (quería hacer una película que transcurriera en esa época) y de Sean Connery (le encantó el papel de viejo policía maestro). Para el papel de Al Capone se llegó a contratar a Bob Hoskins, pero De Palma quería a Robert De Niro y lo arriesgó todo para conseguirlo consiguiendo finalmente su objetivo. Para terminar, De Palma concluye que la película fue un éxito que relazó las carreras de los distintos protagonistas.
Anécdotas:
Stephen H.Burum –director de fotografía de “Los Intocables”- comenta su trabajo en la película, así sabremos como en un principio quería que fuera rodada en ByN, cómo rodaron en los exteriores de Chicago “evitando” los edificios modernos, cómo el edificio de Al Capone era en realidad el Auditórium de Sullivan actualmente transformado en la Universidad Roosevelt, los coches de la época, el vestuario diseñado por Giorgio Armani (al que por cierto Sean Connery renunció eligiendo él mismo la ropa que llevaría su personaje), Al Capone como una especie de Rey Sol con todos pendientes de él… Kevin Costner, De Palma y Connery hablan de la relación entre Eliot y Malone y de su relación fuera del plató.
Reinventado el género:De Palma dice que intentó reinventar el género de los gángsteres como si de una película de John Ford se tratara, de ahí que incluyera secuencias como el tiroteo en el puente con la Policía Montada del Canadá. Este aspecto también es comentado por Charles Martin Smith y por Kevin Costner. Stephen H.Burum y De Palma comentan el rodaje de las secuencias en casa de Malone filmadas en primera persona para crear tensión y la famosa escena de la escalera de la estación de la que De Palma dice que tomó como fuente de inspiración la película de “El Acorazado de Potemkin”, además De Palma habla de la perfecta música de Ennio Morricone para esas secuencias. Por último se comentan distintos aspectos de Nitti interpretado por Billy Drago y vemos de forma breve cómo se rodó su famosa escena con Ness.
El clásico:
Ennio Morricone un genio en la musica, se comenta el éxito de la película con todas las entradas agotadas el día de su estreno, llegando a recaudar en sus cinco primeros días de exhibición unos 13.322.230 millones de dólares. De Palma sobre el éxito de “Los Intocables” dice lo siguiente: “Siempre que puedas contar una historia de buenos y malos, con un hombre honesto que gana al malo de una forma innovadora, tendrás éxito con el público americano”. PREMIOS: 1987. 1 Oscar: mejor actor secundario (Sean Connery)con 4 Nominaciones en total.
Ficha Tecnica
Título Los intocables (Hispanoamérica) / Los intocables de Eliot Ness (España) Ficha técnica Dirección Brian De Palma Producción Art Linson Guión David Mamet Música Ennio Morricone Fotografía Stephen H. Burum Reparto Kevin Costner - Sean Connery - Charles Martin Smith - Robert De Niro - Andy García País Estados Unidos Año 1987 Género Acción, Crimen, Drama Duración 119 minutos Idioma(s) inglés Compañías Distribución Paramount Pictures
Tarzán de los monos (inglés: Tarzan of the Apes) es una película muda en blanco y negro de 1918, dirigida por Scott Sidney y protagonizada por Elmo Lincoln. Fue la primera película basada en la novela Tarzán de los monos de Edgar Rice Burroughs.
La película fue filmada en 1917 en Morgan City, Luisiana, utilizando sus pantanos en representación de las selvas de África. La película sólo es una adaptación de la primera parte de la novela, dejando el resto como base para su secuela, El romance de Tarzán, etc. Trama John y Alice Clayton son pasajeros del barco Fuwalda, cuyo destino es África. Cuando el barco sufre un motín el marinero Binns les salva la vida, pero son abandonados en una costa tropical. Después de que ellos mueren su pequeño hijo es adoptado por Kala, una gorila, quien lo cuida como si fuera suyo. Se convierte en Tarzán y luego en Rey de los monos. Binns regresa luego de estar 10 años cautivo, para buscar a los Clayton, el marinero descubre a Tarzán y regresa a Inglaterra para informar lo ocurrido. Una expedición liderada por el profesor Porter es enviada para investigar. Jane, la hija del profesor es capturada por los nativos y salvada por Tarzán, los dos se enamoran.
Comentario Para que decir que esta fue una gran pelicula, no lo fue, pero si podemos decir que abrio el mundo de las novelas a la pantalla grande con mucho mas fuerza que cualquier otra, de hecho, se han realizado muchisimas peliculas como secuelas de esta, tratando de engrosar la historia (mega-conocida) pero siempre deja algo que desear, y por eso tiene sus fieles seguidores, es interesante ver como un niño cualquiera logra crecer y desenvolverse en un mundo de MONOS, como queriendo decir que entre ellos y nosotros hay un gran lazo que nos une desde lo mas profundo de nuestro ser, lo curioso es que los monos lo adoptan y no el humano al mono, es decir ¿los monos son mas humanos que nosotros? Para incorporarse en esta trama hay que moverse a la aventura, creer que sin tecnologia y sin todo lo que nos envuelve podemos vivir felices y en Paz, aqui hay muchos mensajes que podemos recoger, sin duda es una gran libro, una gran aventura, y la pelicula, las series y todo, hasta el famoso grito "Hooooooooo,ohoh, hohoh, hohoh" o como sea, ya es parte de la historia viva de cada uno de nosotros.
Curiosidades En 1918, apenas 6 años después de la primera publicación de esta novela, se hace la primera película, y he aqui una buena pregunta ¿Quien fue el primer actor que con crédito aparece en la pantalla interpretando a Tarzán?
Gordon Griffith
Se nos dice que Elmo Lincoln fue el primer Tarzán cinematográfico, pero probablemente habría que revisar la película otra vez; de hecho, el joven actor Gordon Griffith, en la misma cinta de 1918, aparece como Tarzán de niño. Es más, dos bebés hacen las veces del neonato niño blanco pero no reciben ningún crédito. Podemos decir entonces, que el joven muchacho Gordon Griffith, con justicia, fue el primer Tarzán acreditado del cine.
JANE, EL AMOR No hablar de Jane Porter es no conocer a Tarzán, Jane es el interés amoroso y, más tarde, la esposa de Tarzan y madre de su hijo, Korak. Cuyo personaje evoluciona de la convencional mocinha que estaba siempre en peligro para una aventurera audaz y capaz de defenderse sola en las selvas de la África.
Jane ha aparecido en varias adaptaciones de las historias de Tarzan, principalmente en las basadas en el primer libro, Tarzan de los Monos, incluyendo los mudos Tarzan de los Monos (1918) y el The Romance of Tarzan (1918) y los sonoros Tarzan the Ape Man (1932) y sus refilmagens homónimas de 1959 y 1981, esta ULTIMA protagonizada por Bo Derek.
Hay algo mas...
Los Tarzanes que nos dejó el cine
Elmo Lincoln
Pero, además de Weissmuller y sus antecesores del cine mudo como Elmo Lincoln, Dempsey Tabler, Frank Merrill y Buster Crabbe, un Tarzán muy recordado es Lex Barker, actor neoyorkino que después de unas cuantas películas poco exitosas decidió ir a probar suerte a Europa donde logró una gran popularidad, ya que podía actuar hablando varios idiomas con suma facilidad. El apuesto Lex también fue famoso por su agitada vida amorosa, llegándose a casar cinco veces, entre ellas con Lana Turner y la española Carmen Cervera. Barker murió en Nueva York tres días antes de cumplir los 54 años de edad.
Gordon Scott nació con el nombre de Gordon Werschkul el 3 de agosto de 1927 en Portland, Oregón, donde creció junto a 8 hermanos mayores que él. Todos quisieron emular a su padre que fue un gran atleta y Gordon lo logró, al convertirse en uno de los hombres musculosos más perfectos de su época. Después de estudiar educación física, Gordon se alistó para pelear en la Segunda Guerra Mundial. A su retorno del frente se especializó en instructor de armas, asi como en judo y lucha cuerpo a cuerpo.
Trabajando como salvavidas en la piscina del Hotel Sahara de las Vegas, en 1953, dos agentes de Hollywood lo descubrieron y se lo llevaron para protagonizar a Tarzán en una película, ya que Lex Barker había decidido no renovar su contrato. Gordon Scott superó a otros 200 aspirantes y segun muchos críticos fue el Tarzan que más se ajustaba al personaje creado por Burroughs, quien no vivió para conocerlo, ya que el escritor falleció en 1950.
Lo que si se sabe, es que a Burroughs nunca le gustó la forma en que Weismuller presentaba a su personaje, y seguramente nunca le habría gustado tampoco los que vinieron después como: Ron Ely, Miles O'Keefe, Christopher Lambert o Wolf Larson.
Wiesmuller tampoco estaba de acuerdo con la versión trazanesca de Hollywood, pues él nunca escribió que su personaje se trasladaba a traves de las lianas, por los árboles, sino a los saltos, ni que andaba de la mano de una mona: Cheeta (Chita).
Chita, una historia aparte
Es muy curioso, pero la mona Chita, ese personaje tan simpático que ha dado lugar al chiste fácil de ayer y hoy, aparece como un agregado en el cine. En realidad en la obra literaria no existe el tal chimpancé, por lo que es otra de las tantas cosas que le critican al Tarzán del cine.
Chita, quien en realidad es un mono y no una mona, cuando cumplió 74 años los celebro al mejor estilo Hollywood, entre fotógrafos y discursos. El chimpancé que protagonizó una docena de películas de “Tarzán” en las décadas de los 30 y 40, lleva muchos años retirada de la gran pantalla en su refugio de Palm Springs (California), donde residen numerosos jubilados de Hollywood. En realidad, se trata de la fundacion CHEETA, la cual se dedica a mejorar la vida de los simios en peligro de extinción.
Según el Libro Guinness de Records, su longevidad la convierte en el chimpancé más viejo del mundo, una especie que suele vivir hasta los 40 años, pero que en cautiverio puede llegar a los 60.
Su amigo y cuidador, Dan Westfall, asegura que entre los pasatiempos favoritos de esta leyenda de la pantalla están “ver la tele, sobretodo sus películas las cuales a veces le provoca aplaudir”.
Sus excesos en Hollywood se han cobrado su precio en la larga vida de este simio que acostumbraba fumar puros y beber cerveza, pero que ahora toma insulina a causa de la diabetes y mantiene una dieta de frutas frescas y a veces: huevos y tostadas.
Pensar que Chita debutó ante las cámaras en 1934 con Tarzán y su compañera, película en la que Weissmuller encontraba el amor de la bella Maureen O'Sullivan. Hoy Chita es la única superviviente de aquel reparto estelar, aunque cabe mencionar que hubo otros tres chimpancés que se alternaban con ella en las distintas secuencias, por lo que siempre había al menos dos en el plató.
Su última aparición en la pantalla fue en 1967, junto a Rex Harrison en “Dr. Doolitle”. Ha sido designada tres veces para tener su nombre en el paseo de las estrellas de Hollywood, donde están representados Lassie y Rintintín. Pero ese reconocimiento no acaba de llegar y se conforma con el paseo de las estrellas de Palm Springs, que no es lo mismo, pero no está nada mal, ya que Marilyn Monroe y Marlene Dietrich tienen allí una estrella.
Por su parte, Edgar Rice Burroughs también ha recibido honores. En 1919 él se había comprado una gran finca al norte de Los Angeles, la cual bautizó como “Tarzana”. Poco después, en 1928, los habitantes de los alrededores decidieron ponerle el mismo nombre a su comunidad, el cual aun hoy se mantiene.
Por otro lado, uno de los cráteres del planeta Marte se llama Burroughs, también en su honor. "
Ficha técnica Dirección Scott Sidney Ayudante de dirección Charles Watt Producción William Parsons Guión Edgar Rice Burroughs (novela) - Fred Miller y Lois Weber (adaptación) Editor Isadore Bernstein Fotografía Enrique Juan Vallejo Vestuario E. M. Jahrhaus Reparto Elmo Lincoln (Tarzán) - Enid Markey - George B. French País(es) Estados Unidos Año 1918 Estreno 27 de enero de 1918 Género Acción / Aventura Pelicula Muda Duración 73 minutos Compañías Distribución National Film Corporation of America
Corazón Valiente (Braveheart) es una película épica basada en la vida de William Wallace, un héroe nacional escocés. gano cinco Premios de la Academia, incluyendo el Oscar a la Mejor película, estrenada en 1995. Es una película en que Mel Gibson dirigió, produjo y protagonizó. ArgumentoWilliam Wallace, nombre del protagonista en "Braveheart" (Mel Gibson) es un rebelde escocés, que lidera una revuelta popular contra el cruel rey Eduardo I de Inglaterra apodado "Longshanks" (El Zanquilargo) (Patrick McGoohan), que quiere conseguir para él la corona de Escocia y anexionarse el país, aprovechando que el último rey no tuvo herederos.
De niño (hacia 1280) Wallace perdió a su padre y a su hermano a manos de los ingleses, y muchos otros han sido asesinados desde entonces. El joven William pasó entonces a la tutela de su tío Gay (Brian Cox), y lo lleva al extranjero para que tenga una buena formación. Años después vuelve a Escocia con la intención de vivir en paz. Longshanks endurece su opresión al restablecer el Ius primae noctis (el derecho de pernada)que consistia en un "derecho" feudal que teóricamente establecía la potestad señorial de tener relaciones sexuales con toda doncella, sierva de su feudo, recién casada con otro siervo suyo.
Cuando su amada Murron McGlannough (Catherine McCormack), con la que se había casado en secreto, es asesinada por el Sheriff de Lanark (porque ella y Wallace se enfrentaron a los ingleses que la intentaron violar), su determinación de luchar a muerte para liberar a Escocia del yugo inglés ya no tiene marcha atrás. Su valor, carisma e inteligencia hace que sus filas se llenen de voluntarios, como los miembros de su clan, su amigo de la infancia Hamish Campbell (Brendan Gleeson), y el carismático irlandés Esteban el Loco (David O'Hara) llevando a los escoceses a infligir a los ingleses una humillante derrota en Stirling.
Tras la victoria, Wallace es nombrado "Guardián de Escocia" por los nobles, pero es consciente del oportunismo y la desunión de éstos, a los que Longshanks ha comprado con prebendas. El dubitativo Robert Bruce (Angus MacFadyen), heredero al trono de Escocia, se debate entre los consejos de su padre leproso (interpretado por Ian Bannen) de pactar con Inglaterra y su deseo de seguir los pasos de Wallace.
Consciente de que el enemigo volvería, invade el norte de Inglaterra y conquista York. Pero William encuentra una inesperada aliada en la esposa del afeminado príncipe de Gales, la princesa Isabel (Sophie Marceau) a quien el tirano había enviado a negociar para ganar tiempo, pero ella se pone de su parte y ambos tienen un intenso romance.
La reacción inglesa no se hace esperar. El ejército de Wallace es derrotado en Falkirk debido a la traición de los nobles, que son sobornados. Wallace escapa a duras penas tras ser herido. Robert Bruce había aceptado de mala gana ponerse del lado de Longshanks, pero después de la batalla recorre el campo lleno de cadáveres, y con gran remordimiento, se promete no volver a equivocarse de bando.
Wallace y los suyos reorganizan la resistencia. Los nobles que le traicionaron en Falkirk mueren por su mano. Wallace ya se ha convertido en un mito y es más peligroso que nunca para los ingleses. Sin embargo, él sabe que sin el apoyo de la nobleza, no hay nada que hacer. Por eso se arriesga a reunirse con ellos en Edimburgo, a petición de Bruce (quien realmente desea ponerse de su lado). Pero los demás nobles tienen otros planes y Wallace es capturado por los ingleses, para desesperación del joven Bruce, quien culpa del engaño a su padre moribundo.
Wallace es llevado a Londres, condenado por traición, brutalmente torturado y decapitado después de gritar ¡¡LIBERTAD!!. Pero su sacrificio no ha sido en vano. Eduardo I de Inglaterra fallece y le sucede el débil y afeminado Eduardo II. Años más tarde Robert Bruce es rey de Escocia, pero debe rendir vasallaje al monarca inglés.
En vez de eso, Bruce decide luchar y arenga a sus soldados diciendo "habéis sangrado con Wallace, sangrad ahora conmigo". Vence en la Batalla de Bannockburn (1314) a un ejército inglés superior en número y con esta batalla, Escocia ya es libre.
Comentarios La pelicula en general es altamente recomendable para las personas que gustan de ver escenas crudas de guerra (donde Mel le gusta interiorisarse), claros ejemplos son El Patriota o la Pasion de Cristo, le fascina mostrar al publico muchedumbre y mucha sangre, quiza para mostrar imagenes mas creibles o mostrar un fetiche incorporado en su ser, no lo sabremos nunca, pero lo que si sabremos es que lo bien lograda de las batallas, las imagenes de los caballos en las montañas seran recordadas como las mejores del cine, sin duda, esta historica guerra de independencia la conocen casi todo el mundo gracias a Mel Gibson, ademas de usar miles de soldados reales en reclutamiento puso una nueva forma de ver las peliculas de guerra, gente real con efectos mas reales cada vez, gracias a Dios que no murio ningun caballo (eso dicen). Por otra parte muestra lo triste y desdichado de ser un esclavo en esta epoca, para los que se casaban sus futuras esposas debian primero pasar por el dueño del fundo (practica que en lugares escondidos y campestres sobretodo se usa por ignorancia y aprovechamiento), todo les pertenecia a los nobles y nada para los pobres, como siempre no?. Por ultimo, el grito aquel de "FREEDOM" sera recordado por siempre, con eso las emociones llegan al maximo para apoyar la lucha de los escoses por su libertad, hubieramos querido estar ahi sin duda y matar un par de ingleses, pero ya es otro tiempo y hoy las cosas estan como estan debido a los heroes que marcaron la historia de su pais.
Curiosidades * En la secuencia en que a la mujer de Wallace, Murron, le cortan el cuello puede verse al fondo del encuadre una furgoneta Ford Transit de color blanco.
* Durante la última batalla de la película aparecen al fondo de la imagen dos extras que, además de no luchar, se están riendo.
* En la secuencia final de la batalla de Bannockburn cuando se ven los escoceses corriendo de frente a cámara lenta. En el centro está Hamish Campbell (el personaje que lanza justo antes la espada de William), se puede ver que su gran hacha parece ser de plástico o de goma moviéndose y tambaleándose al correr.
* Cuando finaliza la primera guerra se les puede ver a dos escoceses peleando entre sí como si jugaran.
* Durante su infancia, William Wallace es zurdo...pero al llegar a la edad adulta es diestro.
* William Wallace era 20 años menor de la edad que aparentaba Mel Gibson en la película.
* En la película llegaron a actuar descendientes de la familia de William Wallace.
* Según Steve Harris, bajista de Iron Maiden, la banda se inspiró en las películas Braveheart y Rob Roy para componer la canción The Clansman del álbum Virtual XI (1998).
* A lo largo de la película se puede ver que la famosa espada de metro y medio de Wallace se tambalea, incluso en la escena final, cuando se filma la espada clavada en el suelo el viento la tambalea.
* En el juego Age of Empires II, la campaña de aprendizaje es la de William Wallace. Ahí, el jugador, como debió hacer Wallace, debe levantar a Wallace desde sus humildes comienzos.
* Otro dato curioso relativo al anterior, es que, en la última misión donde el jugador tiene que resistir hasta la llegada de Wallace, Wallace es bajo de estatura comparado con sus hombres, mientras que el debería se más alto que su ejército.
* En el juego de cartas Mitos y leyendas, una carta que aparece es la de William Wallace. Esto técnicamente no es un error, porque aunque Wallace existió, sus acciones lo pueden transformar en leyenda.
* Antes del comienzo de la Batalla de Stirling Bridge en la película, tras la arenga de William Wallace, éste pronuncia unas palabras en gaélico que no están traducidas ni subtituladas en la película. Estas palabras son Alba Go Bragh!, en castellano ¡Escocia hasta el juicio!, literalmente, ¡Escocia por Siempre!. Estas palabras fueron realmente pronunciadas por William Wallace.
* El Demoman de Team Fortress 2 tiene como grito de guerra "¡Libertad!", una referencia a esta película.
* Durante el rodaje de la película ningún animal sufrio daño alguno. Estatua de William Wallace
Ficha Tecnica Dirección Mel Gibson Producción Bruce Davey, Mel Gibson, Alan Ladd Jr., Dean Lopata, Stephen McEveety, Elisabeth Robinson Guión Randall Wallace Música James Horner Fotografía John Toll Montaje Dani Valdes Reparto Mel Gibson, Sophie Marceau, Ian Bannen, Brendan Gleeson, Patrick McGoohan, Catherine McCormack, James Cosmos, Tommy Flanagan País Estados Unidos - Irlanda Año 1995 Género Drama histórico Duración 177 minutos Compañías Distribución Paramount Pictures en Estados Unidos - fuera de EE.UU - 20th Century Fox Presupuesto $53,000,000 dólares (wikipedia.com)
Batman (conocido inicialmente como The Bat-man) es un superhéroe creado por los estadounidenses Bob Kane y Bill Finger (aunque sólo se reconoce la autoría al primero) propiedad de DC Comics. Su primera aparición fue en la historieta titulada El extraño caso del sindicato químico de la revista Detective Comics n.º 27, lanzada por la editorial National Publications en mayo de 1939.
Desde entonces, la identidad secreta de Batman ha sido siempre Bruce Wayne (Bruno Díaz, en algunos países de habla hispana), un empresario multimillonario y filántropo. Después de ser testigo en su niñez de la muerte de sus padres, jura venganza y, tras someterse a un riguroso entrenamiento físico y mental, se dedica a combatir la delincuencia en Gotham City. En todas sus apariciones como Batman, Wayne se disfraza de murciélago. A diferencia de otros superhéroes, no posee superpoderes sino que utiliza el intelecto junto a aplicaciones científicas y tecnológicas para crear armas y herramientas con las cuales atrapar a los criminales. Reside en la mansión Wayne (en cuyos subterráneos se encuentra la Batcave (baticueva)), y es asistido regularmente por aliados y empleados, entre los que destacan Robin, Batgirl, Nightwing, el oficial James Gordon y el mayordomo Alfred Pennyworth. A principios de 2009, tras la aparente muerte de Wayne, fue sustituido por Dick Grayson (el primer Robin), quien ejerce desde entonces como el nuevo «guardián de Ciudad Gotica».
Convertido en uno de los personajes emblemáticos de DC Comics, Batman obtuvo su propia revista en 1940. A mediados de la década de 1960, se lanzó una serie de televisión homónima, en donde se presentó con una nueva apariencia «camp» que terminaría por apartarlo de su tono oscuro original. Otros autores, como Dennis O'Neil y Neal Adams en los años 70 y Frank Miller en los 80 volverían a redefinirlo para una nueva generación de lectores. No obstante, su mayor aumento de popularidad se debería a las sucesivas franquicias iniciadas con la película homónima de Tim Burton, de 1989, y con Batman Begins, de 2005. Además de las anteriores producciones, el personaje ha sido protagonista de seriales radiofónicos y televisivos y videojuegos.
La pelicula Batman se transformo en película el año 1989 dirigida por Tim Burton. Es la primera película de la serie fílmica de Batman distribuidas por la Warner Bros, la siguiente es Batman Returns (1992), en la que Burton repitió en la dirección. Está protagonizada por Michael Keaton, en el papel de Batman y su alter ego Bruce Wayne, que volvió a repetir el papel en Batman Returns acompañado del ganador del Oscar Jack Nicholson como El Joker y de Kim Basinger como la periodista Vicki Vale.
El film se venía preparando desde 1979, tras el éxito de la película Superman, de Richard Donner. La historia se basaría mayormente en los seis comics creados el año anterior por la dupla compuesta por el guionista Steve Englehart y el dibujante Marshall Rogers (Posteriormente reeditadas bajo el nombre de "Strange Apparitions"). En tales historias destacaba el episodio llamado "El Pez Sonriente" en donde Silver St. Cloud (novia de Bruce Wayne) finalmente descubre que en realidad su novio es Batman, y al mismo tiempo el Joker se autoproclama como el némesis definitivo del héroe. Ciudad Gotica
Años después, con la contratación de Burton como director, Sam Hamm escribió el guión, basándose en el primer borrador del filme escrito por Steve Englehart y Julie Hickson. A la película no se le dio luz verde hasta el éxito de Burton con Beetlejuice (1988). Para el papel protagonista fueron considerados varios artistas de la lista A de Hollywood, mientras que Nicholson aceptó el papel del Joker con las estrictas condiciones de que recibiera un salario elevado, más un importante porcentaje de lo recaudado en la taquilla, beneficios y venta de artículos relacionados al legendario personaje.
Fue acogida con gran entusiasmo y resultó un éxito de taquilla. Burton les dio al héroe y a Ciudad Gotica un tratamiento totalmente distinto al que se le había aplicado en la anterior película y popular serie televisiva de los años 1960, creando una atmósfera oscura y gótica.
El Batman de Tim Burton Vista en retrospectiva, Batman promovió una tendencia y fue punta de flecha para el asalto de los superhéroes del cómic a las salas de cine. Después de él llegaron El Cuervo, El Fantasma, Blade, Spawn, Hombres X, Spiderman, Hulk, Punisher, Daredevil, Elektra, Hellboy, Gatúbela, Constantine, Los 4 Fantásticos y otros. Los resultados han sido desiguales.
Uno de los aciertos de Tim Burton, fue desconocer el antecedente televisivo del personaje durante los sesenta. El nuevo Batman no tenía nada que ver con la serie familiar que interpretó Adam West con mallas grises, ligera barriga, batiteléfono, batitubos y letreros de Pow! y Biff! durante las golpizas contra los malvados. Tampoco apareció Robin, el joven maravilla.
La reinvención del héroe pudo llevar la película al desastre, pero no fue así. La apariencia del Batman negro lo tornó demoníaco, violento y viril. Las rarezas estético-mortuorias de un director que venía de hacer Beetlejuice (1988) cuajaron en esta película y después se cristalizaron en El joven manos de tijera (1990).
El Batman de Burton es un hombre en una ciudad de pesadilla que debuta pateando ladrones de quinta y usando armas. No lo hace con mucha soltura pero el rostro de Michael Keaton le da fuerza a esa máscara de cuello inmóvil. Bloquea sables con los puños, pilotea un jet hecho sobre pedido y pelea más que por la justicia, por amor a la mujer que ama. Pero nunca sonríe.
Su Bruce Wayne es un poco débil aunque tiene escenas de cama con una Kim Basinger que no rebasa los treinta y cinco (pero a la que el guión le pide gritos en cada escena), trata de ser reflexivo cuando recuerda a sus padres y muestra sus gustos extravagantes en sus fiestas de rico.
Gotham City también dejó su aspecto de colorida aldea y se volvió una urbe fría, percudida y nocturna con arquitectura gótico-industrial, población indigente y criminales que conviven entre rascacielos tenebrosos, estructuras de acero y vapor de coladera en las calles. El diseño de esta ciudad, que influyó notablemente en las secuelas de la serie, fue del malogrado Anton Furst (Cara de Guerra, 1987; Despertares, 1990), quien ganó el Oscar por esta película y luego se suicidó en 1991.
Burton reconoció en este trabajo la influencia de Frank Miller, reconocido escritor y dibujante de cómics, que escribió un par de exitosas series sobre el superhéroe en los ochenta. Esas fueron Batman: The Dark Knight Returns, que planteó la historia del héroe a los 55 años de edad y Batman: Year One, que lo ubicó en sus inicios. Ambas le devolvieron sus orígenes oscuros al hombre murciélago y abrieron paso a las historietas hechas para un público adulto.
Los cambios también afectaron la rúbrica musical del superhéroe, quien no tendría jamás vínculo alguno con el surf o el twist. En su momento se pretendió que Michael Jackson trabajara en los temas de la cinta, al final, Prince sorprendió con su Batdance y una serie de temas que carnavalizan las travesuras del Guasón, mientras Danny Elfman favorece instrumentalmente las apariciones del hombre de la máscara.
La cinta parece despedir los ochentas rememorando las estéticas de las películas gangsteriles con sus hombres en gabardina y sombrero, periodistas estereotipados y anuncios de neón en las calles.
El Guasón de Jack Nicholson es un gángster que encuentra una sofisticación colorida en la deformidad. El delirio de sus gestos, sus excesos al eliminar a sus enemigos, sus sarcasmos y su lenguaje para adolescentes y adultos, lo hicieron uno de los mejores villanos de este género de películas.
Aunque la historia es muy sencilla y vigente en todas partes (propone una sociedad criminalizada en tiempos electorales y que necesita un salvador), el atractivo subyace en el triángulo amoroso entre el héroe, la chica y el villano. Hay algo que decir al respecto, cuando el regreso a los clásicos se convierte en pretexto para ocultar la falta de creatividad. Dieciséis años después, Batman sigue peleando contra armas químicas y gases venenosos, sigue revelando a una mujer su identidad secreta y sigue saliendo sólo por las noches. Lo único que ha cambiado, es que, cuando menos, los villanos de hoy ya no tienen móviles económicos, sino terroristas.
Comentarios En esta entrega se narra el comienzo de Batman en su carrera contra el crimen en la corrupta Gotham City, pero claramente se profundiza en la figura del criminal conocido como Joker: Su origen y posterior enfrentamiento con el hombre-murciélago.
Como puntos a destacar en la película, se encuentran la búsqueda de Burton de mostrar el lado oscuro y humano de Batman (el actor Michael Keaton fue un acierto, ya que otorgaba al héroe una imagen inquietante e interesante), la aplaudida actuación de Jack Nicholson (aunque el personaje aún mantenía rasgos toscos y bufonescos similares al del film de 1966) y el extremo cuidado en la aparatosamente oscura escenografía y ambientación (una de las principales características del cine de este director).
Entre los aspectos que desataron mayor polémica en los fans del personaje estuvieron: que introduce un nuevo origen al Joker como Jack Napier, quien aparece como el asesino de los padres de Bruce Wayne y, por consiguiente, responsable de la posterior creación de Batman. Además, el papel del detective James Gordon en la historia era prácticamente nulo, por último, Batman utiliza armas de fuego y es capaz de matar (contrario a la principal característica del personaje).
Destacó además la intensa banda sonora a cargo de Danny Elfman, quien constantemente colabora en filmes de Tim Burton.
el famoso batimovil fue diseñado exclusivamente para la pelicula
Ficha técnica Dirección Tim Burton Dirección artística Anton Furst - Peter Young Producción Peter Guber - Jon Peters - Michael Uslan - Benjamin Melniker Guión Sam Hamm - Warren Skaaren Historieta Bill Finger (no acreditado)- Bob Kane Música Danny Elfman Sonido Francis J. Scheid Editor Owen Marks Fotografía Roger Pratt Montaje Ray Lovejoy Vestuario Bob Ringwood - Linda Henrikson (Kim Basinger) Efectos especiales The Meddings Magic Camera (visuales), Derek Meddings (supervisión de visuales) Reparto Michael Keaton - Jack Nicholson - Kim Basinger - Robert Wuhl Datos y cifras País Estados Unidos Año 1989 Género Acción Duración 121 minutos Compañía Productora Warner Bros. Distribución Warner Bros. Presupuesto $48,000,000 Recaudación US$ 411.35 millones
