El último emperador es una película de 1987, del género película biográfica, dirigida por Bernardo Bertolucci. protagonizada por John Lone, Joan Chen, Peter O'Toole, Ruocheng Ying, Victor Wong, Dennis Dun, Ryuichi Sakamoto, Maggie Han, Ric Young, Vivian Wu y Chen Kaige en los papeles principales. Es una coproducción de China, Italia, Reino Unido y Francia. Ganadora de nueve premios Oscar, 39 otros premios, y 12 nominaciones más.
Basada en la autobiografía de Aisin-Gioro Pu Yi o Puyi, Yo fui emperador de China. Fue el primer film que obtuvo el permiso de las autoridades chinas para ser rodado en el interior de la famosa Ciudad Prohibida.
Argumento
Esta pelicula cuenta la historia de Puyi, el último emperador de China, que subió al trono a los tres años de edad y fue adorado por mas de 500 millones de personas como divinidad. Gobernó en la Ciudad Prohibida, hasta que las fuerzas republicanas, que querían abolir la corte imperial, lo encerraron entre sus murallas. Finalmente abdicó y se convirtió durante un tiempo en un títere de las fuerzas de ocupación japonesas en Manchuria. Después llegó la revolución comunista y fue encarcelado para "limpiar" su mente de todo pensamiento capitalista. En los últimos años de su vida fue jardinero en el parque botánico de Pekín y llevó una vida como un hombre cualquiera en su país. Una vida llena de emociones y de situaciones que marcaron la vida de este emperador y la de su pais. Se situa historicamente entre finales del siglo XIX y segunda mitad del siglo XX.A su vez hace un repaso a los acontecimientos mas destacado de su pais en ese periodo,destacando la revolucion comunista de los chinos. Momento en que su reinado acaba. Por otro lado nos cuenta la vida en palacio,concretamente en "la ciudad prohibida", lugar donde vivia encerrado y donde nunca salio. Su vida amorosa tampoco fue muy agraciada aunque finalmente tuvo una muerte en paz. Esta pelicula en general es muy bella, hermosos paisajes y coloridos detalles marcan esta pelicula, no tiene un gran contenido pero esta historia es digna de contar por este medio, todo el mundo debe conocer como acabo el imperio chino y comienza esta revolucion comunista en el pais (que permanece hasta hoy). Lo mejor son las imagenes, e aqui un par de ellas.
Premios
La película ganó nueve Oscar en las categorías de mejor película, mejor director, mejor guión adaptado, mejor música, mejor fotografía, mejor dirección artística, mejor vestuario, mejor sonido y mejor montaje.
Comentarios
El hermano mayor de Puyi, que le había ayudado a escribir su autobiografía, estuvo presente como asesor en el rodaje de la película. Para determinadas escenas fueron necesarios hasta 19.000 extras. Es una de las tres únicas películas que ha logrado ganar todos los premios a los que ha sido nominada en los oscar(las otras dos son El Señor de los Anillos: el retorno del Rey y Gigi.
Ficha técnica
Dirección Bernardo Bertolucci Producción John Daly - Franco Giovale - Joyce Herlihy - Jeremy Thomas Guión Mark Peploe - Bernardo Bertolucci Música David Byrne - Ryuichi Sakamoto - Cong Su Fotografía Vittorio Storaro (color) Reparto John Lone - Joan Chen - Peter O'Toole - Ruocheng Ying - Victor Wong - Ryuichi Sakamoto - Dennis Dun - Ryuichi Sakamoto - Maggie Han - Ric Young - Vivian Wu - Chen Kaige País China - Italia - Reino Unido - Francia Año 1987 Género Película biográfica Duración 160 minutos Productora Columbia Pictures
Películas que han ganado 11 Oscar * 2003: El Señor de los Anillos: El retorno del Rey (Lord of the Rings: Return of the King) * 1997: Titanic (Titanic) * 1959: Ben-Hur (Ben-Hur)
Patton, película estadounidense de 1970 que relata las hazañas militares del general George Patton, desde la derrota estadounidense en el paso de Kasserine, hasta la entrega de una parte de Alemania a los rusos al terminar la Segunda Guerra Mundial, aunque el filme se enfoca en describir su peculiar personalidad. El filme muestra a un hombre extravagante, carismático, severo, perseverante, romántico (como Don Quijote), quien basaba sus exitosas estrategias en las historias de guerras antiguas, y creía ser las reencarnaciones de un mariscal de Napoleón y de un guerrero cartaginés.
Hubo intentos de hacer el filme, iniciando en 1953. Los productores se mantuvieron en estrecha relación con la familia de Patton para ayudarles con la historia de la película. Los productores querían leer los diarios de los familiares y conocer relatos íntimos del general Patton, y los pidieron el día del funeral de Beatrice Ayer Patton, viuda del general, pero la familia se opuso al filme y rehusaron proporcionar cualquier información.
Debido a la escasez de información, Francis Ford Coppola y Edmund H. North escribieron el guión del filme basados en dos biografías: Patton: Ordeal and Triumph de Ladislas Farago y A Soldier's Story de Omar Bradley. En el año 2005, la familia Patton permite la publicación del manuscrito de la finada viuda de Patton. La hija del general, Ruth Ellen Patton Totten, escribió el libro The Button Box: A Daughter's Loving Memoir of Mrs. George S. Patton (en inglés) donde relata el contenido del manuscrito. George C. Scott ganó el oscar al mejor actor (que él rechazó) por la excelente y conmovedora interpretación del General Patton. En 1986, se produjo una secuela hecha para la televisión llamada Los últimos días de Patton, que relata los últimos días de vida de Patton y el accidente que le propició su muerte. George C. Scott reinterpretó al personaje.
En el 2003 la Biblioteca del Congreso estadounidense consideró al filme culturalmente importante y se preservan copias en el Registro Nacional de Filmes estadounidense.
El discurso de Patton
Una de las partes más famosas del filme es el discurso que el general Patton pronuncia al principio. Los guionistas lo escribieron basados en una investigación histórica. En 1970, fue controvertido para los estadounidenses, porque manifiesta claramente ideas anti-políticas en una época donde muchos jóvenes compatriotas peleaban o pelearían en la Guerra de Vietnam. Tal diálogo fue traducido del Wikipedia inglés, tan crudo y vulgar como fue escrito. Discurso de Patton en Wikisource
Discurso Inicial
"Sentaos.
Quiero que recordéis que ningún bastardo ganó jamás una guerra muriendo por su patria. La ganó haciendo que otros pobres estúpidos bastardos murieran por ella.
Muchachos, todas esas historias de que América no quiere luchar, que pretende estar al margen de la guerra, son un montón de mierda de caballo. A los americanos por tradición les entusiasma luchar, todo verdadero americano ama el acicate de la pelea. Cuando erais niños todos admirabais a los campeones de canicas: al corredor más veloz, a los ases del futbol, a los boxeadores más duros. Los americanos aman al ganador y no pueden soportar al que pierde. Todo americano juega siempre para ganar, yo no apostaría el pellejo por un hombre que estando perdiendo, se riera. Por eso los americanos nunca hemos perdido ni perderemos una guerra, porque la sola idea de perder nos resulta odiosa. Ahora nuestro ejército es un equipo, vive come, duerme y lucha como un equipo. Todo eso de la individualidad es solo basura. Los que escribieron esa majadería sobre el individualismo para el Saturday Evening Post no conocen de una verdadera batalla más de lo que saben de fornicación. Ahora tenemos la mejor comida y equipo, el mejor espíritu y los mejores hombres del mundo.
Todos sabéis, y es la verdad, que compadezco a esos pobres contra los que vamos a luchar, por Dios que así es, ya que no sólo vamos a disparar contra ellos, ¡nuestra intención es arrancarles las entrañas y usarlas después para engrasar las ruedas de nuestros tanques, vamos a matar a esos miserables teutones por millares!
Bien, algunos de vosotros estáis dudando de si tendréis miedo bajo el fuego, eso no debe preocuparos, estoy convencido de que todos cumpliréis con vuestro deber, los nazis son el enemigo, ¡cargad contra ellos, derramad su sangre, disparadles en el vientre! Cuando pongáis vuestra mano sobre una masa informe que momentos antes era el rostro de vuestro mejor amigo… ya no dudaréis. Deseo recordaros otra cosa, no quiero recibir ningún mensaje que diga: “estamos aguantando nuestra posición”. ¡No aguantamos nada!, ¡que aguante el enemigo!. Nosotros avanzamos constantemente y no tenemos ningún interés en aguantar nada excepto al enemigo, vamos a agarrarle por la nariz y a darle una patada en el culo, ¡a patadas enviaremos a esos teutones al infierno acabando así con ellos en un santiamén! Bueno, sin duda habrá algo que podréis contar cuando volváis a vuestras casas, y dar gracias a Dios por ello, y si dentro de treinta años sentados junto al hogar y con vuestro nieto sobre las rodillas, él os pregunta qué es lo que hicisteis en la Segunda Guerra Mundial, no tendréis que contestarle: “pues... paleaba mierda en Louisiana”. Bien, ahora, hijos de perra, ya sabéis cómo pienso. Ehh... estaré muy orgulloso de dirigiros en esta lucha muchachos, siempre y en todo lugar. Esto es todo."
Curiosidades * El filme fue nominado a otros 3 premios oscar en 1970 que no ganó: mejor fotografía, mejores efectos visuales, mejor banda sonora, en contraste con eso obtubo 7 Oscar ganados: Mejor Película, Mejor Director : Franklin J. Schaffner, Mejor Actor : George C. Scott, mejor Guión Original : Francis Ford Coppola , Edmund H. North, mejor Montaje : Hugh S. Fowler, mejor sonido y mejor Dirección Artística
* Varias escenas de la película fueron filmadas en la desaparecida zona militar de Pamplona y en la sierra navarra de Urbasa, Almería, Segovia y Madrid, con el apoyo de equipos de producción españoles. [cita requerida] * Al final del filme, Patton está a punto de ser arrollado por una carreta y dice, ¡Imagínelo, después de todo lo que he pasado, imagíneme muriendo por esto!. En diciembre de 1945, Patton muere unas semanas después de sufrir severas heridas que le produjo un accidente automovilístico. * Los escritores del famoso diálogo de Patton tuvieron que suavizar las palabras y declaraciones reales.
Ficha técnica Dirección Franklin J. Schaffner Dirección artística Gil Parrondo - Urie McCleary Producción Frank McCarthy Guión Francis Ford Coppola - Edmund North Música Jerry Goldsmith Fotografía Fred J. Koenekamp Montaje Hugh Fowler Reparto George C. Scott - Karl Malden - Karl Michael Voguel- Michael Bates - Jack Gwillim - Paul Stevens - Edward Binns - Michael Strong- Richard Muench - Lawrence Dobkin - John Doucette - Frank Latimore - Siegfried Rauch - James Edwards País Estados Unidos Año 1970 Género Biográfico Duración 170 min. Compañías Distribución 20th Century Fox
Ben-Hur es una película de 1959 dirigida por William Wyler para la Metro-Goldwyn-Mayer. Fue la primera película en la historia en recibir 11 Premios de la Academia, número igualado más tarde por Titanic y El Señor de los Anillos: el retorno del Rey (con un presupuesto muchisisisimo mas elevado). Se trata de una superproducción que relata la vida de un judío en los años de la predicación de Jesús de Nazareth, el mesias enviado por Dios para rescatar a la humanidad. Existen varias diferencias entre la novela original y la película. Los cambios introducidos servirán para hacer la historia de la película más dramática de inmediato.
Argumento
La acción transcurre en Judea, el año 30. Roma, dueña y señora del mundo conocido, gobierna con mano de hierro sus vastos territorios, entre ellos la misma Palestina, sometiendo con dureza a sus moradores. Éstos desean con ansia la llegada de un nuevo Mesías que liberará al pueblo judío del yugo romano. Entre ellos Judá Ben-Hur, un príncipe rico que comercia con especias desde Oriente a Roma, un hombre respetado y creyente en la fe de su pueblo y su Dios.
Sin embargo, los tiempos están revueltos y se teme una revuelta violenta contra el poder romano, a lo cual Roma responde con el envío de dos legiones al mando del nuevo jefe militar, Messala, antiguo amigo de la infancia de Ben-Hur.
Judá ve en Messala a un amigo y también una posibilidad de cambio para su pueblo, una esperanza para el entendimiento y el respeto. Por el contrario, Messala ve a su viejo amigo como el hombre que "señalará" a los enemigos judíos de Roma por su pasada amistad. Sin embargo, Judá se niega al trato y Messala, encolerizado, rompe la relación.
Ben-Hur, temeroso de su amigo el tribuno, sabe que tendrá que tener cuidado de ahora en adelante. Pero vendrá un golpe de mala suerte: Su hermana se apoya en el borde de la azotea y una piedra se desprende al paso de la comitiva provocando que el gobernador se golpee al caer junto con su caballo y este incidente, pese a ser accidental, le hace prisionero de su antiguo amigo, que le acusa de atentar contra el nuevo gobernador de Palestina, Valerio Grato. Judá es enviado al puerto de Tiro, sin juicio, como remero de galeras. Ben-Hur jura vengarse de Messala aunque ello le lleve toda la vida.
En su viaje al puerto, Judá conocerá a Jesús, el hombre que dividio la historia, quien le dará agua. Ya en la galera, Ben-Hur conocerá a Quinto Arrio, primer Cónsul de Roma, al que salvará la vida en una batalla en la que la galera se hunde. Como gratitud hacia Judá, Quinto Arrio le adoptará como hijo suyo, con lo que obtiene riquezas y títulos. Sin embargo, a pesar de las riquezas, del poder y de la gloria de Roma, Ben-Hur sabe que tiene un juramento que cumplir y que no puede esperar más tiempo. Es la hora de la venganza...
En su camino a Jerusalén, Ben-Hur conocerá a Baltasar, y al Jeque Ilderim, un comerciante árabe. De Baltasar aprenderá que hay alguien en quien creer, un Mesías, hijo de Dios, que liberará a los hombres de su ira y su odio. Por el contrario, de Jeque descubrirá que Messala participa en las carreras de cuadrigas y, en la arena del circo, la muerte no es un delito...
Alimentado por su odio, Judá reta a Messala en las carreras y por otro lado, busca a su madre y hermana. Al regresar a Jerusalén, descubre que todo lo que había conocido había quedado reducido a ruinas, que su familia había desaparecido y que la única explicación que tenía era de la hija de un esclavo suyo, llamada Esther, a quien Judá amaba profundamente.
Tras condenar a Judá a las galeras, Messala no sólo había confiscado todos los bienes de Ben-Hur sino que se ensañó con su madre y hermana encerrándolas en los calabozos. Con la nueva llegada de Judá y su reto, Messala, tenso, mandó buscar a la familia de Judá. Para su sorpresa, tantos años en una celda inmunda en los recónditos calabozos habían hecho que enfermaran de lepra...
Judá, lleno de cólera y odio en su interior, se debate interiormente entre su venganza hacía su verdugo y su antigua amistad de la infancia. Pero Judá sabe que Messala no va a cambiar y que su única opción de resarcirse es poder ver su cuerpo mutilado y maltrecho en la arena del circo. Para ello, correrá la carrera de cuadrigas. Ahí vencerá a Messala, quien terminará cayéndose de su carro, y siendo atropellado y pisoteado por otro. Con el cuerpo ensangrentado, estará condenado definitivamente a su muerte. Esta escena de la carrera de cuadrigas es una de las más famosas de la historia del cine. Messala, en un último aliento le comunica que su madre y su hermana están vivas, pero que están en el valle de los leprosos. Por lo tanto, como Judá sabe, están condenadas a una muerte lenta y horrible.
Judá, desolado, recorre las calles de Jerusalén con su madre, su hermana, y Esther. Él accede al requerimiento insistente de ésta para que sean sanadas por el Rabí de Galilea, al que ha escuchado predicar y obrar maravillas, mientras una procesión de gente acompaña a gritos la marcha de los nuevos crucificados, entre ellos un hombre que una vez dio de beber a nuestro héroe. Ben-Hur, como agradecimiento, trata de devolverle su ayuda con agua sinembargo un soldado romano tira el agua antes de que Jesús pueda beber y tener un poco de aliento en su pesada carga.
Este encuentro, y el presenciar después la crucifixión del hombre que un día le salvó de morir, harán que Judá encuentre la paz y mitigue su ira a través del perdón. Regresa aún bajo la catarsis de lo que ha presenciado cuando ve que su hermana y su madre han sanado milagrosamente. ¡Ha ocurrido el milagro! Y fundidos en un gran abrazo, se desborda la alegría. Premios
La película Ben-Hur obtuvo el imprecedente galardón de 11 Premios de la Academia, número alcanzado más tarde por Titanic en 1997 y El Señor de los Anillos: el retorno del Rey en el año 2003. Otros reconocimientos fueron entregados por otros círculos, algunos de los cuales se mencionan más abajo.
Premios Óscar * Óscar a la mejor película — Sam Zimbalist, productor * Óscar a la mejor dirección — William Wyler * Óscar al mejor actor — Charlton Heston * Óscar al mejor actor de reparto — Hugh Griffith * Óscar a la mejor dirección de arte — Edward C. Carfagno, William A. Horning, and Hugh Hunt * Óscar a la mejor fotografía — Robert Surtees * Óscar al mejor diseño de vestuario — Elizabeth Haffenden * Óscar a los mejores efectos visuales — A. Arnold Gillespie (visual), Milo B. Lory (audible), and Robert MacDonald (visual) * Óscar al mejor montaje — John D. Dunning and Ralph E. Winters * Óscar a la mejor banda sonora — Miklós Rózsa(†) * Óscar al mejor sonido — Franklin Milton
Nominaciónes
* Nominada: Óscar al mejor guión adaptado — Karl Tunberg
Premios Globo de Oro * Ganadora: Premios Globo de Oro a la mejor película dramática - Sam Zimbalist, (productor) * Ganadora: Premios Globo de Oro al mejor director - William Wyler * Ganadora: Premios Globo de Oro al mejor actor de reparto - Stephen Boyd * Ganadora: Premio especial a Andrew Marton por dirigir la secuencia de carreras * Nominada: Premios Globo de Oro al mejor actor - Charlton Heston
Premios BAFTA * Ganadora: BAFTA a la mejor película - William Wyler, director Premios NYFCC * Ganadora: Best Motion Picture - Sam Zimbalist, producer Premios DGA * Ganadora: Outstanding Directorial Achievement in a Motion Picture - William Wyler
Curiosidades
* Fue la película más cara en su momento, sólo superada después por Cleopatra pero por ser un completo desastre su organización y duración de rodaje. A pesar del presupuesto enorme de Ben-Hur, en proporción a su versión antigua en blanco y negro (remake de la excelente versión de Fred Niblo de 1925, con Ramón Novarro y Francis Bushman), fue más barata y también más rentable. La antigua costó alrededor de $6.600.000 de la época (década de 1920) y aunque rompió récords de taquilla y estuvo muchos años en cartel, nunca llegó a recuperar todo el dinero invertido.
* La producción fue tan complicada y necesitó de tantos recursos humanos y materiales, que se dispararon los costes de una manera desorbitada. $15.000.000 fue el coste final de la película, la más cara por aquel entonces, aunque en el primer año de exhibición en cartelera ingresaron $40.000.000 en taquilla.
* Entre los preparativos y el rodaje, la producción de "Ben-Hur" se prolongó durante cinco años. Construir el circo para la carrera de cuádrigas llevó todo un año. Los entrenamientos de los encargados de llevar las cuádrigas abarcaron 4 meses, mientras que el rodaje de la carrera duró 3 meses y dura 20 minutos de secuencia en la película.
* Se hicieron más de 100.000 diseños de vestuario, se utilizaron más de 8.000 extras y 300 decorados.
* La escena en que Judah se reencuentra con Esther, era una parte de la película que el director no sabía como realizar. No tenía muy claro como tratar el tema y pensaba suprimir dicha escena. Sin embargo, un día, hablando con su amigo Miklos (el compositor) le comento su problema, este le dijo que no se preocupase, que el haría una música para la escena, y a partir de ahí, tendría material para trabajar su escena. William Wyler le hizo caso y al final quedó la secuencia que se ve en la película. Lo que no se sabe es que dicha escena le costó a los estudios $5.000 más de presupuesto. Desde ese día, ningún director volvió a preguntarle a Miklos sobre qué hacer o no hacer en una escena...
* Tras llevar unas semanas de rodaje, el director William Wyler estaba muy preocupado por la actuación de su actor principal Charlton Heston, que no daba pie con bola porque no se tomaba en serio los rodajes. Ante esta situación, Wyler fue al remolque y le preguntó a Heston si le pasaba algo que perjudicase a su actuación. Éste, socarronamente, le dijo que él sí actuaba bien, lo que pasa es que Wyler no se daba cuenta. Viendo esto, Wyler le dijo que bien, pero que supiese que en el rodaje y en todos los estudios, solo se hablaba de su patética imagen en los rodajes frente a la impresionante actuación de su compañero de reparto Hugh Griffith. Desde ese día, Wyler no tuvo que volver al remolque de Heston.
* Durante el rodaje, el actor Stephen Boyd que reprentaba a Messala, se encontró con el problema de que en su papel tenía que representar a un hombre que era amigo de Ben-Hur, pero a la vez su principal verdugo. Un hombre que era capaz de querer profundamente, pero también dejar cualquier escrúpulo ante el ejercicio de sus deberes. Wyler, viendo el problema, habló con él para ayudarle con el personaje. Lo curioso fue la idea que le dio: aconsejado por Gore Vidal para desarrollar su personaje, le dijo que debía enfocar su relación hacía Ben-Hur como una relación homosexual. Una relación homosexual pero no física, sino emocional. Admirando y queriendo a Judá desde lo más profundo de su ser pero a la vez escondiendo sus sentimientos y su oscuro deseo. Gracias a este consejo y al buen hacer de Boyd, su actuación fue la más sobresaliente de toda la película. Y por supuesto, Heston jamás se enteró de esto ya que él fue el principal precursor de anular en la película cualquier tipo de relación homosexual entre Judá y Messala.
* En toda la escena de la carrera de cuadrigas Stephen Boyd no tiene ningun doble por lo tanto todas las escenas donde aparece messala en la carrera (incluyendo la caida estrepitosa de este) fueron hechas por el actor.
* La arena romana donde se desarrollan las carreras de cuádrigas fue construida a tamaño real, se tomó como modelo una copia del antiguo circo de Antioquía.
* Sus once estatuillas en los premios Óscar sólo han sido igualadas por Titanic y El Señor de los Anillos: el retorno del Rey. Durante más de 40 años, ninguna película pudo igualar tal cantidad de Óscar.
* Comprar los derechos de la novela le supuso a Metro Goldwyn Mayer 600.000 dólares de 1925, así que para volver a llevarla a la pantalla en 1959 no tuvo que desembolsar cantidad alguna ya que los derechos para el cine aún le pertenecían.
* A pesar de que Wyler determinó la manera en que se debían rodar la secuencia de la carrera de cuádrigas y supervisar los resultados, el rodaje corrió a cargo de la segunda unidad, dirigida por Andrew Marton y Yakima Canutt, director que realizó algunas películas por aquella época sin pena ni gloria.
* Joe Canutt, hijo de Yakima Canutt, dobló a Charlton Heston durante la carrera de cuádrigas sufriendo un percance muy serio en el momento en que la cuádriga de Heston salta por encima de la de otro participante y Joe está a punto de caerse bajo los caballos. Heston quedó tan satisfecho con el trabajo de Joe como doble suyo que ésta no sería la última vez que lo doblase.
* Esta película filmada originalmente en el sistema Cinemascope muestra un excelente nivel de calidad cuando es proyectada en salas que cuentan con este sistema, no así en sus versiones DVD o VideoCD aunque existen nuevas versiones en DVD que aprovechan las características del formato de pantalla-amplia (WideScreen) para mostrar las características de dicho método de registro. Muchos sostienen que no tiene el mismo nivel de proyección. Varias de las películas calificadas como las grandes super-producciones utilizaron este método de filmación.
Música
Ben-Hur sin duda cuenta con una de las piezas musicales más impresionantes que se hayan hecho nunca, no sólo por su belleza musical, con temas tan impresionantes como el de Judah o el propio Jesucristo, amén de sus imperiales marchas, sino también por la exquisita complejidad de su música, que resuelve magistralmente los problemas de unión de uno o varios temas.
Su compositor, Miklós Rózsa, uno de los mejores compositores de BSO de la historia, quizá sólo igualado por su pupilo John Williams (Star Wars, La lista de Schindler, ET, Indiana Jones, Tiburón...), es capaz de crear una música que llena la pantalla no sólo por su grandiosidad, sino también por esa innata virtud que muy pocos compositores tenían de crear en una composición los trazos y rasgos más importantes de cada personaje en un tema específico que entreteje y enlaza con el tema de Jesucristo o el tema de Messala. Sus matices de amor, odio, pasión, misericordia para un mismo tema o varios a la vez siguen siendo a día de hoy inmejorables. Se podría hablar durante horas sobre está BSO, pero resumiendo, podría decirse que es la BSO de las BSO. Esto no significa que sea la mejor (que es de las mejores), sino sencillamente que su influencia posterior fue enorme en el mundo de las BSO, y el claro ejemplo es John Williams, a quien ya hemos citado, pero también otros grandes compositores del mundo del cine como Jerry Goldsmith ('Alien, Poltergeist, La momia, La profecía...'), o James Newton Howard, que continuan el legado sinfónico de Miklos Rozsa.
Trascendencia
La trascendencia de Ben-Hur en el cine solo es equiparable o otras grandes películas como El Padrino, La Guerra de las Galaxias, Blade Runner, Apocalypse Now, la trilogía de El Señor de los Anillos y unas pocas más elegidas. Se suele incluir en el mismo lote a Ben-Hur y Espartaco, y ambas son excepcionales cada una en su estilo. Es precisamente el estilo lo que hace que Ben-Hur esté por encima de otras grandes obras por el brillante argumento de Lew Wallace pero sobre todo por su extraordinario guión de Karl Tunberg. Unido a unas actuaciones sobresalientes de todos sus actores secundarios así como una actuación muy notable de Charlton Heston y el excepcional despliegue de medios técnicos y humanos. Por ello, si tuviésemos que catalogar por cada género la mejor película de cada uno de ellos, sin lugar a dudas en el género Peplum y de Aventuras semi-históricas la nº1 sería Ben-Hur.
Ben-Hur es todo y nada, es Roma, es Palestina, es un romano y un judío, un creyente y un ateo, es amor y odio, venganza y perdón, injusticia y justicia al final. Tiene todo y la vez no dice nada que no sepamos.
Nota: Existe una versión previa del clásico, con el mismo nombre, que data del 1907 y de una duración aproximada de 15 minutos, se rodó sin los derechos del autor. Posteriormente se rodó otra versión en 1925 y estrenada en 1927 bajo la dirección de Fred Niblo. Está última, combinaba el blanco y negro con los nuevos métodos de color de la época (un Technicolor aun algo primitivo).
Ficha técnica Dirección William Wyler Producción Sam Zimbalist Guión Karl Tunberg - Maxwell Anderson - Christopher Fry - Gore Vidal. Música Miklós Rózsa Fotografía Robert Surtees Reparto Charlton Heston - Stephen Boyd - Jack Hawkins - Haya Harareet - Martha Scott - Hugh Griffith - Finlay Currie País Estados Unidos Año 1959 Género Drama épico Duración 212 minutos
The Silence of the Lambs (En Hispanoamérica como El silencio de los inocentes y en España El silencio de los corderos) es una novela del autor estadounidense Thomas Harris, escrita en 1988, secuela de El dragón rojo" (1981), del mismo autor, y adaptada a película con el mismo título, estrenada en 1991, y dirigida por Jonathan Demme. Como película, ganó cinco Oscars: mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz y mejor guión adaptado, además estuvo nominada al de mejor montaje y mejor sonido. Argumento
La película da inicio con una conversación entre Clarice Starling, una joven agente del FBI, y Jack Crawford, la cabeza de la división del FBI en perfiles psicológicos de asesinos en serie. Starling es encargada de presentar un cuestionario al psiquiatra Hannibal Lecter, confinado en el psiquiátrico Baltimore por crímenes de canibalismo. El motivo para este encuentro es el asesino apodado como Buffalo Bill, responsable de las muertes de varias jóvenes adolescentes, y del que Starling debe sacar su perfil psicológico y sus datos mediante la colaboración de Lecter. Éste, no obstante, pese a mostrarse educado y cordial en todo momento con Starling, rehúsa ayudarla en el caso, y ella acaba por abandonar el lugar.
Posteriormente, la quinta víctima de Bill es encontrada, y Starling se queda con Crawford durante la autopsia. Ésta indica que había sido asesinada pasados tres días desde su captura. Al examinar la boca de la joven asesinada, ambos encuentran dentro la crisálida de una mariposa. Starling lleva la crisálida a unos entomologistas, que la identifican como una Esfinge de la Calavera (Acherontia atropos), cuyo hábitat se limita meramente a algunas zonas de Asia y los Estados Unidos. En Memphis, Tennessee, Catherine Martin está dirigiéndose a su casa en coche cuando es secuestrada por Bill. Cuando su madre, Ruth Martin (senadora), se entera, cunde el pánico. Starling vuelve de nuevo con Hannibal Lecter y le ofrece un trato: si él le aporta información relevante para encontrar a Bill y rescatar a la chica, la senadora Martin transferirá a Lecter a una nueva institución donde podrá gozar de más libertad y de una ventana con vistas al exterior. Lecter, no obstante, le propone otro trato a Starling: si ella participa en un quid pro quo ofreciéndole información personal, él le dará a cambio respuestas sobre Buffalo Bill.
El trato es aceptado y Lecter comienza haciéndole preguntas a la agente sobre sus recuerdos de la infancia y la muerte de su padre. Después, Hannibal le explica que lo que Bill busca es cambiarse a sí mismo y que es presa de una obsesión que le hace creer que es transexual, lo cual se refleja con la metamorfosis de la crisálida de mariposa. Poco después, añade que Bill no nació criminal, sino que se convirtió en ello al sufrir años sistemáticos de abuso, y que probablemente la búsqueda de cambio se debe al odio que siente por sí mismo.
Mientras tanto, se revela cómo el Doctor Chilton, administrador del psiquiátrico, ha estado escuchando en secreto la conversación entre Lecter y Starling. Chilton le advierte a Lecter que la propuesta de Crawford es mentira y le ofrece una nueva: si revela la identidad de Buffalo Bill, será transferido a otro psiquiátrico, pero sólo si Chilton obtiene créditos a cambio de ello. Lecter insiste en que únicamente proporcionará esa información a la senadora en persona, y Chilton acepta. Sin que el médico lo sepa, Lecter ha conseguido ocultar su bolígrafo con hebillas, que posteriormente utilizará.
Cuando llegan a Tennessee, Lecter se divierte a costa de la senadora, entreteniéndose con la angustia de la mujer, pero al cabo del tiempo decide dejarle el nombre real de Bill: Louis Friend (William Rubin en la novela). Con esta nueva información, el FBI emprende de nuevo la búsqueda de Bill para salvar a Catherine.
Esa misma tarde, Lecter pide de almuerzo chuletas de cordero. Usando sólo la hebilla del bolígrafo que tiene camuflada en la mano, consigue escapar del psiquiátrico, acabando con los dos oficiales encargados de supervisarle. Para ello, finge ser uno de los oficiales, colocándose su ropa y los restos sangrantes de su cara. Cuando le encuentran, le meten en una ambulancia en dirección al hospital, donde Lecter acaba con todos los de dentro.
Mientras, Starling es enviada por Crawford a la casa de la primera víctima de Bill: Frederica Bimmel, en Ohio, donde se entera de que Bimmel era costurera. Las prendas del armario de la joven asesinada tienen parches idénticos a la piel arrancada de la última víctima de Bill. Starling entonces deduce que lo que Bill busca es transformarse a sí mismo en mujer tejiendo capas de piel superpuestas entre sí. De inmediato telefonea a Crawford, quien le informa de que la teoría de la transexualidad coincide con uno de los casos del hospital Johns Hopkins: Jame Gumb, a las afueras de Chicago. Tras la llamada, Starling continúa entrevistando a los amigos de Bimmel.
Stacy, una de sus amigas, le comenta a la agente que Bimmel trabajó una vez para una mujer llamada Lippman. Cuando Starling va a la casa de Lippman y llama a la puerta, contesta un tal Jack Gordon. Starling entra y es entonces cuando ve una Esfinge de la Calavera volando en la casa a su alrededor. Sin saber qué hacer, le pide usar su teléfono y, cuando éste mira para otro lado, la agente saca su arma e intenta arrestarle. Bill, sin embargo, consigue desasirse y huye. Al perseguirle, Starling encuentra a Catherine encerrada en un pozo abierto y pidiendo ayuda. Antes de que Clarice pueda hacer nada, las luces se van y dejan a la agente sumida en la oscuridad. Gumb, valiéndose de unas gafas de visión nocturna, surge tras Starling y prepara su pistola. Al oír el sonido del gatillo de la pistola, Starling se vuelve y dispara a Gumb, que cae muerto. Finalmente, Starling rescata a Catherine y llama al FBI.
Durante su graduación de honor como Agente Especial de la Academia del FBI, Starling recibe una llamada telefónica. Al otro lado de la línea está Lecter. Quiere saber si los corderos han dejado de gritar.Clarice esta asustada, no sabe que decir, repite su nombre, ingenuamente le pregunta donde esta. Lecter cuelga el teléfono, se lo ve en otro país, pero con un motivo, "va a cenar" con el Doctor Chilton, administrador del psiquiátrico.
Ficha técnica
Dirección Jonathan Demme Producción Ron Bozman - Edward Saxon - Kenneth Utt Guión Ted Tally - Thomas Harris Música Howard Shore Fotografía Tak Fujimoto Reparto Jodie Foster - Anthony Hopkins - Scott Glenn - Anthony Heald - Ted Levine - Frankie Faison País Estados Unidos Año 1991 Género: Suspense, Terror Duración 118 minutos
Forrest-Gump es una película cómico-dramática de 1994 basada en la novela del mismo nombre de 1986 escrita por Winston Groom. La película tuvo un gran éxito comercial, llegando a ganar 677 millones de dólares alrededor del mundo, sin embargo Paramount, junto a los contadores de Hollywood, reclamaron que fue un fracaso comercial y no pagaron a Groom su parte de las ganancias. Por eso, Groom se negó a que la secuela de la novela [Gump and Co.] fuera llevada al cine, aduciendo que no se sentiría bien si ésta fuese también un fracaso. El film obtuvo 13 nominaciones a los Premios Óscar, de los que ganó 6, incluyendo mejor película, mejor director (Robert Zemeckis), y mejor actor (Tom Hanks).
La película cuenta la historia de un hombre simple a lo largo de su vida, conociendo figuras de relevancia histórica y siendo testigo de eventos de magnitud, pero siempre sin darse cuenta de lo que está pasando alrededor ni de su significado, debido a su cociente intelectual de 75. Esta película difiere sustancialmente del libro en el que está basada. Argumento
Sentado en la parada del bus, vestido de traje, Forrest Gump cuenta la historia de su vida a una mujer que se encuentra sentada junto a él (las personas cambian regularmente a lo largo de la película). En sus primeros años de vida, Forrest tenía la espalda encorvada, y usaba soportes en las piernas para mantenerse erguido y caminar torpemente. Él vivía con su madre en una casa en la que alquilaban las habitaciones. Cuando un grupo de pendencieros trata de cazarlo con sus bicicletas, Forrest comienza a correr urgido por Jenny. Al comenzar a correr, los soportes metálicos de sus piernas caen y Forrest corre velozmente a lo largo del pueblo. Desde ese día Forrest toma un gusto por correr y a todos los lugares a donde se dirige lo hace corriendo.
Años más tarde, mientras está escapando de los mismos pendencieros, Forrest corre a través del campo de fútbol americano de la Secundaria Greenbow, durante un juego mientras es observado por el entrenador del equipo de la Universidad de Alabama. Una beca escolar le permite entrar a Forrest a la universidad. Es también seleccionado como All American. El equipo es invitado a la Casa Blanca, donde Forrest puede vagar libremente y toma 15 botellas de Dr Pepper. Al saludar al presidente John F. Kennedy este le pregunta cómo se siente, a lo que Forrest responde "quiero hacer pipí".
Gump mantiene su amistad con Jenny, a pesar de que ella asiste a un colegio sólo para chicas, posiblemente Judson College. Gump aparece en televisión el 11 de junio de 1963, parado detrás del gobernador George Wallace en el Foster Auditorium durante una protesta en contra del fin de la segregación racial universitaria (hecho conocido como la "Parada en la puerta de la universidad"). Se graduaría luego de cinco años. Su título no se revela, pero se ve que él tomaba clases de economía. Forrest en Vietnam
En el día de su graduación, se le aproxima un sargento de ejército y lo recluta. Luego de armar su fusil M14 en tiempo récord, su sargento de pelotón le dice , "¡Yo lo recomendaría a usted para Oficial Soldado Gump, si no fuese una pérdida perder a un hombre tan capacitado!" Su único amigo es Benjamin Buford "Bubba" Blue (Mykelti Williamson), quien conoce todo sobre el negocio de los camarones. Mientras que Forrest es blanco y Bubba es negro, descubren que tienen vidas, filosofías de vida, y madres similares (Bubba: "Mi mamá dice eso también."). Una de las escenas más emotivas de la película es la de la muerte de Bubba, al ver que deja atrás todas sus ilusiones e ideas sobre las gambas, y en la que Forrest dice: "Bubba quería ser capitán de barco, pero en lugar de eso murió junto a aquel río de Vietnam".
Mientras sirve en el ejército en la guerra de Vietnam, bajo el comando del Teniente Dan (Teniente Daniel Taylor, Gary Sinise), lleva camaradas heridos de su sección (incluyendo a Bubba, quien muere) para salvarlos de una emboscada, ganando así la Medalla de Honor. Cuando recibe la medalla, el presidente Lyndon Johnson le pregunta dónde le dispararon, Forrest responde "Me dispararon en el gluteo, señor." Johnson bromea sobre ver la herida, a lo que Gump baja sus pantalones para mostrar la herida al presidente. Durante este rescate, el Teniente Dan pierde sus piernas, y Bubba es fatalmente herido y muere en brazos de Forrest. Mientras Forrest se recupera de su herida, se convierte en un experto jugador de ping-pong y asiste a China durante el período diplomático conocido como el Período Ping Pong. Cuando recibe su medalla, accidentalmente encuentra otra vez a Jenny, quien para este tiempo era hippie. Forrest se transforma en un héroe nacional y le ofrecen 25.000 dólares para apoyar una marca de paletas.
Forrest aparece en El Show de Dick Cavett con John Lennon. Cuando Forrest recuerda sus experiencias en la China comunista, le da a Lennon la idea para su canción Imagine. En referencia a la letra de la canción, Lennon remarca, "¿Sin posesiones?" y entonces "¿y tampoco religión?". Dick Cavett agrega, "Difícil de imaginar," a lo que Lennon responde, "Es fácil si lo intentas, Dick."
Forrest hace historia política
Visitando al Presidente Richard Nixon luego de su gira en China, es invitado por el Presidente a quedarse en complejo Watergate. Su sueño se ve interrumpido cuando ve luces en las oficinas frente a las de su habitación. Creyendo que esa gente tenía problemas con la caja de fusibles, Gump llama a la oficina de seguridad para avisar al equipo de mantenimiento, provocando inadvertidamente el escándalo Watergate.
Cuando su tiempo de servicio termina, Gump regresa a casa con el cheque de 25.000 dólares. Luego de comprar algunas cosas a su madre y para él, usa los restantes 24.562,47 dólares para comprar su barco camaronero al cual bautiza "Jenny", como su "novia" - Forrest: "el nombre más bonito que jamás he escuchado: Jenny" - y arranca con el negocio de los camarones, manteniendo la promesa hecha a Bubba. El teniente Dan se le asocia en la aventura, la "Bubba-Gump Shrimp Corporation". El negocio es un fracaso hasta que Dan y Forrest estaban fuera de puerto durante el huracán Carmen, que destruye todos los barcos camaroneros del área, dándoles un instantáneo monopolio en el mercado camaronero convirtiendo a Forrest en un millonario. Durante el huracán, el teniente Dan enfrenta sus demonios. Posiblemente de su 'encuentro con Dios' en el huracan, toma una decisión sabia y aconseja a Forrest invertir en Apple Computer, antes que la compañía crezca a la fama (Forrest pensaba que era una compañía de frutas), haciendo que Forrest sea aún más rico.
Gump regresa a casa de su madre y encuentra que ésta está enferma. Ella muere un tiempo después de su regreso. Jenny se reúne con Forrest luego de haber atravesado los peores momentos de su vida, incluyendo adicción a las drogas y prostitución. Ella se queda con él por un tiempo (que Forrest luego definiría como los mejores momentos de su vida), hasta que Forrest le pide matrimonio (Escena bastante emotiva si se sabe interpretar). Ella contesta: "No debes casarte conmigo" y Forrest, que supuso saber por qué lo decía, dijo: "Yo no soy muy listo, pero sé lo que es el amor". Esa misma noche, Jenny pone a prueba el amor de Forrest teniendo sexo con él, pero huye a la mañana siguiente. Luego de su partida, Forrest comienza a correr a través del país. Corre de costa a costa, y luego comienza de nuevo, corriendo continuamente a lo largo de "3 años, 2 meses, 14 días, y 16 horas".
Volviendo al presente
Un día, decide dejar de correr y recibe una carta de Jenny pidiéndole que la visite. Para este momento en el relato de Gump. Forrest muestra la carta de Jenny a la mujer, y está le dice que esa dirección está a sólo "seis cuadras" bajando por Henry Street, en Savannah, Georgia. Forrest se reúne con Jenny y su pequeño hijo. Jenny le dice que el niño se llama Forrest, y luego que él es su padre (Jenny se quedó embarazada la noche que se acostó con Forrest). Forrest, le pregunta llorando a Jenny: "¿es inteligente o es como...?", a lo que Jenny contesta: "es muy inteligente, de los más inteligentes de su clase". Jenny también le cuenta que tiene un virus desconocido, cuyos síntomas son indicativos de SIDA o hepatitis, rastros de su pasado con drogas y prostitución.
Jenny y Forrest Jr. se mudan con Forrest en Greenbow, Alabama, y Jenny y Forrest se casan finalmente. El teniente Dan, quien tiene una nueva novia y prótesis para las piernas van a la boda.
Jenny finalmente muere "un sábado a la mañana," 22 de marzo de 1982 quedando Forrest a cargo del pequeño Forrest (Haley Joel Osment), un niño brillante. Forrest ordena que la casa en la que creció Jenny sea derribada, ya que le hacía recordar a ella en vida de los abusos de su padrastro. La muerte de Jenny provoca en Forrest a preguntarse sobre la naturaleza de la vida cuando se dice; "No sé si mamá o el teniente Dan tenían razón. No sé si cada uno tiene un destino, o si estamos todos como flotando alrededor empujados por una brisa, pero creo, que tal vez es ambos, tal vez ambos ocurren al mismo tiempo".
Al final de la historia, vemos a Forrest con su hijo esperando en la parada el autobús, en el primer día del pequeño Forrest en el colegio.
De principio a fin, una gran pelicula.
Ficha técnica
Dirección Robert Zemeckis Producción Wendy Finerman - Charles Newirth - Steve Starkey - Steve Tisch Guión Eric Roth Música Alan Silvestri Fotografía Don Burgess Montaje Arthur Schmidt Vestuario Joanna Johnston Reparto Tom Hanks - Robin Wright Penn - Gary Sinise - Sally Field País Estados Unidos Año 1994 Género Drama Duración 142 minutos Distribución Paramount Pictures
A finales del siglo XIX, en el Club de la Reforma en Londres, un grupo de acaudalados individuos realiza una apuesta con el abogado Phileas Fogg, acerca de que éste no puede atravesar todo el mundo en menos de 80 días. Fogg toma a pecho el reto, y con su fiel sirviente Passepartout, salen de apuro en un intinerario agitado que comprende España, Francia, Egipto, la India, Hong Kong, Japon,y Estados Unidos. Pero en la travesía se les suma el molesto Mr. Fix, un detective inglés encubierto que está convencido de que Fogg ha robado el banco de Inglaterra. Y, mientras tanto, Fogg y compañía se involucran en constantes aventuras en cada parada del camino, desde lidiar con los thugs y rescatar a una princesa hindú de la muerte, hasta ser perseguidos por los indios sioux en el lejano oeste. Pero innumerables contratiempos atentan a que Fogg, Passepartout y la recien llegada princesa Aouda puedan cumplir con el plazo de la apuesta.
La Pelicula Con respecto a la trama de la obra, Michael Anderson elabora un magnífico espectáculo, y así veremos en esta cinta maravillosos exteriores rodados en los lugares más recónditos del mundo, toda clase de animales exóticos, bellos decorados y un esmerado vestuario, todo ello bajo la excelente banda sonora de Victor Young. Cuenta también con un reparto a la altura de las circunstancias y así, junto al dúo protagonista, aparecen los actores Marlene Dietrich, Charles Boyer, Shirley MacLaine, Buster Keaton, Ronald Colman, Peter Lorre, Frank Sinatra. Esta filmación obtuvo cinco Oscar en las categorías de mejor película, mejor guión adaptado, mejor fotografía, mejor montaje y mejor banda sonora. Todo un clásico basado en la mejor novela de Verne.
La Pelicula es muy entretenida, las imagenes de los distintos lugares hacen involucrarse con ella, la musica, y el viaje en si capta la atencion del publico. Esta cinta en su proceso se gasto mas de 6 millones de dolares, muchisimo dinero para una cinta tan particular, dicen por ahi que han contado mas de 50 personajes famosos de la epoca que trabajaron en la pelicula. En esta película muchos famosos actores hacen pequeñas apariciones interpretándose a sí mismos (Todd tiene el crédito de inventar el término "cameo"), incluyendo a Marlene Dietrich, George Raft, y hasta Frank Sinatra por nombrar sólo a algunos. Algunas locaciones son auténticas, pero otras son recreaciones de estudio. La película tiene la marca de la mayor cantidad de animales jamás empleados en un film.
a continuacion una serie de imagenes de la pelicula...
Personalmente soy un fanatico de Cantiflas, el irradia alegria y algo mas, (no me meto en sus problemas personales), esta pelicula es muy recomendable para verla con la familia, evidentemente van a encontrar muchos detalles de la epoca en la pelicula que es mejor pasarlas desapercibidas, por que, es una de las primeras muestras en larga duracion en pantalla gigante (despues vendria 20.000 leguas de viaje submarino) de una pelicula basada en el gran maestro de la ciencia ficcion Julio Verne, que hasta el dia de hoy muchos se han inspirado en sus obras, y no tiene sentido reparar en detalles, mejor verla y disfrutarla (comprenla)
Ficha técnica
Género: Aventuras País: Estados Unidos Duración: 167 minutos Año: 1956 Director: Michael Anderson Guión: James Poe, John Farrow, S.J. Perelman Reparto: Mario Moreno "Cantinflas" (Passepartout), David Niven (Phileas Fogg), Shirley MacLaine (Princesa Aouda), Robert Newton (Inspector Fix) Finlay Currie, Ronald Squire, Charles Boyer, Cesar Romero, Ronald Colman, Peter Lorre, Marlene Dietrich, John Carradine, Frank Sinatra, Buster Keaton Productor: Michael Todd Casa productora: Warner Bros. Pictures Música: Victor Young Fotografía: Lionel Lindon
Marty es una película estadounidense dirigida por Delbert Mann, ganadora de 4 premios de la academia en 1955. Estatuillas a: Mejor guión, Mejor director, Mejor actor y Mejor película. Argumento
Marty (Ernest Borgnine), es un carnicero italo-norteamericano que convive en el barrio neoyorquino del Bronx junto a su posesiva madre (Esther Minciotti). Soltero a sus treinta años su timidez y torpeza con las mujeres le hace creer que nunca iniciará una relación amorosa. Por insistencia de su madre, sale una noche para bailar y conoce a Clara (Betsy Blair) una profesora tan insegura y tímida como él surgiendo un romance que es desaprobado tanto por la madre de Marty como por sus amigos.
La Pelicula
Marty, norteamericano de origen italiano, trabaja en una carnicería. Como tiene 34 años y aún no se ha casado, todos lo acosan para que se decida. Pero su físico es ingrato y no encuentra ninguna muchacha que se interese por él. El sábado en la noche, por complacer a su madre que desea conozca muchachas, va con su amigo a un salón de baile. Allí encuentra una joven a quien su compañero ha dejado plantada y que sufre el mismo complejo de Marty. Este la saca a bailar, conversan y encuentran mutua comprensión y afecto. Marty es feliz de haber encontrado por fin lo que tanto buscaba y al separarse de la joven queda en llamarla al día siguiente por teléfono. Sin embargo, todo cambia al otro día: la madre se opone a la amistad pues se siente celosa, los amigos le dicen que es muy fea y la situación familiar se complica. Pero más tarde, ante la perspectiva de otra noche insulsa y dándose cuenta de que tiene en sus manos la oportunidad de su vida, se reviste de coraje y venciendo su complejo, no le importa la opinión de los otros si el quiere a la muchacha y se dirige al telefono para llamarla.
Apreciación Artística
Tema original, sencillo y lleno de grandes valores humanos. Magnífica realización, con acertado uso de la fotografía, especialmente los primeros planos y enfoques de rostro. Diálogo bien traído. Ambientación de primer orden. Acertado el montaje. Dirección digna de elogio. Extraordinaria la interpretación. NOTABLE.
Juicio Moral
Primacía de las buenas cualidades del corazón sobre la belleza física. Respeto a la mujer y concepto elevado del amor. Corage del personaje central ante las dificultades cotidianas y su deseo de fundar un hogar. Algunas conversaciones revelan en forma realista, la mentalidad y los entretenimientos poco honestos de cierta parte de la juventud. Especialemente recomendable.
Ficha Tecnica Nacionalidad: Norteamericana Director: Delbert Mann Productor: Harold-Hecht Productora: Hech-Lancaster Prod. Distribuidora: Artistas Unidos Asunto: Comedia sentimental Metraje: 89 minutos Argumento y guión: Paddy Chayesfsky Música: Roy Webb Música adicional: George Bassman Fotografía: Joseph LaShelle Montaje: Alan Crosland Jr. Intérpretes: Ernest Borgnine, Betsy Blair, Esther Minciotti, Augusta Ciolli, Joe Mantell, Karen Steele.
"Síntesis y crítica de la película “Marty” como aparece en la “Guía Cinematográfica 1955” editada en Cuba en 1956"
Hamlet es una película británica dirigida por Laurence Olivier adaptando la obra homónima de William Shakespeare. En la entrega de los oscar del mismo año logro 4 estatuillas a : Mejor película, Mejor actor (Laurence Olivier), Mejor dirección Artística (Blanco y Negro: Roger K. Furse - Carmen Dillon) Mejor diseño de vestuario (Blanco y Negro) Roger K. Furse.
Argumento
El padre de Hamlet, rey de Dinamarca, ha sido asesinado secretamente por su tío Claudius, que ha asumido el trono. Pero Hamlet sabe del asesinato porque el fantasma de su padre se le ha aparecido y se lo ha confesado. Hamlet, clamando venganza, encuentra a una banda de actores errantes y los contrata para interpretar una obra en la corte real, mostrando a un rey siendo asesinado por su hermano, en circunstancias idénticas a las Claudius asesinó al padre de Hamlet... esperando así poder confirmar la culpa de Claudius viendo su reacción.
Hamlet y el lenguaje cinematográfico
Desde el principio, la película trata de introducirnos en el texto teatral pero utilizando técnicas específicamente cinematográficas.
En primer lugar, nos encontramos con un uso frecuente de la grúa, o bien para acompañar a los personajes o bien para recorrer las estancias vacías y tenebrosas del Castillo de Elsinore. La cámara se mueve constantemente, con gran agilidad. Así, al principio de la película, cuando Marcelo, uno de los guardias, dice la famosa frase “Algo huele a podrido en Dinamarca”, un movimiento de grúa acompañado por su mirada nos guía a través de las murallas del castillo, bajando las sinuosas escaleras, pasando a través de sus muros de piedra, hasta llegar a la silla vacía del trono. Ahí se detiene unos segundos y sigue recorriendo la fortaleza hasta quedarse frente al lecho de la reina Gertrudis (¿Un adelanto de lo que se nos hablará?) y justo en ese momento encadena con un primer plano del nuevo rey, Claudio -magnífico Basil Sydney- , bebiendo y riendo sonriente.
Este recurso de mover la cámara a través de las habitaciones vacías de castillo es utilizado frecuentemente. Muchas veces, la cámara se aleja de los personajes para recorrer el recinto, subiendo las escaleras de caracol hacia la muralla, saliendo hacia el exterior lleno de niebla. Otras, los sigue moviéndose a través del espacio, como en una coreografía, haciendo que los actores compongan los planos con sus movimientos. De hecho, serán utilizados los primeros términos de unos personajes sobre otros o través de elementos significativos, como la copa envenenada en la secuencia del duelo final, que constantemente mira Gertrudis -aquí Elieen Herlie, de nuevo, nos demuestra su gran talento como actriz- , consiente de su contenido.
Destaco la escena de la representación de “La muerte de Gonzago”, en la que vemos a los cómicos a través de travellings semicirculares que van descubriendo en primer término a los personajes principales, viendo sus reacciones a medida que avanza la pantomima.
Otro uso brillante de la grúa es cuando ésta adopta el punto de vista del fantasma del padre de Hamlet. En la secuencia con su madre en la habitación, nuestro héroe ve de nuevo al espectro y éste se mueve a través de la estancia adoptando un punto de vista alto, dejando a Hamlet y Gertrudis en un plano general picado, haciendo que el príncipe hable a cámara, para hacernos más patente la presencia del espíritu. “¡Miradle donde va, aún por el pórtico!!!”.El fantasma se aleja y la cámara deja a Olivier en el suelo, metiéndose entre los muros de piedra. Ésta se convierte en un personaje más de la obra.
La película se mete en la mente de los personajes
Los monólogos internos de los personajes, que en la obra teatral suelen ser largos soliloquios, se transforman en voces en off, que recrean sus pensamientos y así, tal y como sucede a veces en la vida real, vemos como un personaje está pensando algo y de pronto comienza a expresarlo en voz alta, de manera inconsciente, haciendo salir afuera ese pensamiento, como si se le escapara. De esto es un buen ejemplo el momento en que Hamlet, al principio de la historia, se queda sólo. Gertrudis, su madre y su reciente marido, su tío Claudio, se retiran. En un primer plano, Olivier observa como salen y permanece pensativo mientras comienzan a oírse en off sus pensamientos, su pesar por la muerte de su padre, pero sobretodo, su malestar porque su madre no haya esperado ni dos meses para casarse con su tío. Se levanta de su asiento en un impulso “¡Oh, Dios!, ¡Dios!” y la cámara le sigue por la habitación mientras fluyen sus ideas hasta que se sienta de nuevo, teniéndole, como al principio, en un primer plano. De vez en cuando, alguno de estos pensamientos se le escapa y lo escuchamos decir en voz alta: “¡Antes de un mes!” “ Fragilidad, tu nombre es de mujer!”. Estas frases sueltas son como impulsos.
El famoso monólogo “ser o no ser” está resuelto de la misma manera; Hamlet sobre un acantilado mirando como las olas rompen sobre las rocas. Y sobre este plano del mar revuelto, comienza su monólogo. Poco a poco se va encadenando con un primerísimo primer plano del actor, del que solo vemos sus ojos y de nuevo el mismo proceso: asomado en el acantilado, a Hamlet se le escapan sus ideas. A veces las oímos en off, y otras vemos como las recita en voz alta.
Es interesante el juego que se hace con el tiempo mezclando los flashbacks con las voces en off. Esto es utilizado de manera muy hermosa en secuencias relacionadas con el personaje de Ofelia, a la que Jean Simmons dota de una especial belleza y fragilidad. Así, por ejemplo, la primera aparición de Hamlet tras haber hablado con el espíritu de su padre y enterarse del crimen de su tío Claudio, es mediante un flashback. Ofelia cose en su habitación y la cámara se acerca en travelling hasta un primer plano. Entonces empezamos a escuchar su voz en off recordando, como si se lo contara a sí misma. La imagen se oscurece y mediante un encadenado vemos aparecer en la habitación la figura de un Hamlet con ropas descuidadas y mirada de loco. La voz de Ofelia ilustra la escena y cuando ésta termina, la imagen vuelve a oscurecerse y de nuevo, mediante un encadenado, regresamos al primer plano de ella. Es entonces cuando la cámara vuelve alejarse con un travelling. Mediante este recurso, un parlamento dicho por Ofelia en la obra a otro personaje, es utilizado para meterse en su mente, en sus recuerdos.
Su muerte, que en la obra es relatada por la reina Gertrudis a Laertes, su hermano, aquí se nos aparece de manera totalmente distinta. Es ésta una de las secuencias más hermosas de la película, con un aire de cuento, casi mágico, al que ayuda bastante la música de William Walton. Tras ver en la escena anterior a Ofelia totalmente perturbada, nos encontramos con las imágenes de un lago en un bosque cuya atmósfera es de lugar encantado, además de ser uno de las pocas secuencias que hay en el exterior del castillo. La voz en off de Gertrudis nos ilustra las imágenes, como si de un relato se tratara y así, vemos aparecer a Ofelia flotando en el agua y rodeada de flores mientras se la lleva la corriente. La estampa recuerda muchísimo al cuadro prerrafaelista de Millais, “Ofelia”. La voz de Jean Simmons cantando una tonadilla y riendo inconsciente de su destino, contribuye a sentirnos como en un cuento. En ningún momento veremos a Gertrudis contando esta historia, sino que de estas imágenes se pasa directamente al cementerio y la secuencia del entierro de la joven.
A todos estos elementos debo añadir la naturalidad de los intérpretes que hacen que el texto shakespeariano sea mucho más cercano. El Claudio de Basil Sydney es fantástico, sin caer en el arquetipo del “malo maloso”; la reina de Eileen Herlie está llena de sensualidad y sabiduría; Jean Simmons le da a su Ofelia una fragilidad y dulzura que se convierten en inquietantes cuando la vemos totalmente loca, y por supuesto Olivier está soberbio como ese Hamlet atormentado, problemático, lleno de dudas… Lo que sí recomiendo es que se vea la película en su versión original, pues el doblaje al castellano consigue todo lo contrario, haciendo que el texto suene engolado y rancio. Como curiosidad destacar la aparición en papeles muy secundarios de Peter Cushing y Christopher Lee, que años más tarde actuarían juntos en diversas películas de la Hammer.
Este Hamlet de Laurence Olivier es una adaptación muy amena de la obra original, y consigue aportarnos un punto de vista con el que (puede) muchos de los lectores de la obra no estén de acuerdo, pero que considero cuanto menos interesante, y sobre todo, llevada inteligentemente a la pantalla. Se ve claramente como el director trató, de algún modo, “reconciliar la vieja antinomia entre lenguaje teatral y cinematográfico”.
La película fue la primera no americana en ganar el Oscar a mejor película y fue premiada en Venecia con el León de Oro. Pasarían, sin embargo, siete años para que Olivier volviese a llevar a Shakespeare al cine con Ricardo III. Pero como diría Michael Ende, esa es otra historia que ha de contarse en otra ocasión…
Ficha técnica Dirección Laurence Olivier Producción Laurence Olivier Música William Walton Fotografía Desmond Dickinson Reparto Laurence Olivier - Basil Sydney - Eileen Herlie - Jean Simmons País Reino Unido Año 1948 Género Drama Duración 155 minutos
Ver Pelicula Hamlet, escena Laurence Olivier (ingles)
