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junio 18, 2009

El Golpe (1973)


El golpe (título original "The Sting") es una película de cine dirigida por George Roy Hill en 1973. La película reunió de nuevo a Paul Newman y Robert Redford después de haber protagonizado conjuntamente "Dos hombres y un destino". La película ganó siete Oscar, entre ellos el Oscar a la Mejor Película, y obtuvo otras tres nominaciones.

Argumento


Los setenta son, sin lugar a dudas, la época que marco un cambio en el cine. El paso del cine clásico a cine moderno, de la mano de jovencísimos directores con ganas de comerse el mundo, como eran Francis Ford Coppola, William Friedkin, George Lucas, Martin Scorsese… con un trabajo que empezó a ser reconocido tanto por el gran público como por la crítica. Pero en 1973 nos encontramos uno de los últimos resquicios de lo que fue el gran cine clásico, con una película que arraso en la ceremonia de los Oscar de 1974. Con competidoras como ‘American Graffiti’, ‘El Exorcista’, ‘El Ultimo Tango en Paris’… la película de George Roy Hill se alzo con siete estatuillas, un excelente botín para una fenomenal película, que posee la característica que ensalza a las grandes producciones: con el paso de los años, el film no pierde ni un ápice de emoción, sorprendiendo incluso a los que la hayan visto antes, en cada nuevo visionado

Hooker y Luther son dos timadores de poca monta en los EEUU de los años 30. Como cada día, proceden a su timo habitual, pero esta vez consiguen un valioso botín ya que timan a un lacayo de un mafioso llamado Lonnegan. Este, enfurecido con la perdida de su dinero, manda asesinar a los timadores, teniendo éxito con Luther pero no con Hooker, que huirá a Chicago. Allí conocerá a Gondorff, otro timador de altos vuelos, con el que ideara un plan para vengar la muerte de Luther dejando desplumado al mafioso.

Aroma a clásico


George Roy Hill fue un director que cosecho sus mayores éxitos durante la década de los 70, en donde grabo dos muy buenas películas, ‘Dos Hombres y Un Destino’ y la que hoy tratamos ‘El Golpe’. Excepto el género, dichas películas tienen muchas cosas en común empezando desde el corte clásico que poseen y acabando por la pareja de actores que la protagoniza.

Y es que desde el momento en el que comienza la película, esta destila un olor a clásico que lo impregna todo. Empezando desde los títulos de crédito, y acabando con el último fotograma de la cinta, la cámara plantada en el trípode no se moverá como en producciones de acción y aventuras de la actualidad. Aquí el protagonista no es el director con su cámara, sino el guión.

Este es, siguiendo los cánones clásicos, perfecto. Tiene un McGuffin bien definido (los timos, que serán desarrollados de excepcional forma durante la cinta), una presentación de los personajes estupenda, con un villano que llega a dar escalofríos en algún momento, una trama en la que sumerge al espectador dentro de la película, y un desenlace que no hace más que redondear esta excepcional cinta.

Si Funciona… ¿Porque Cambiar?


Esto debió ser lo que pensó el director de la película, que decidió repetir la dupla de actores protagonistas con respecto a su ultimo film de éxito, ‘Dos Hombres y Un Destino’, una cinta de escenas inolvidables en la que veíamos a unos Paul Newman y Robert Redford en la plenitud de sus respectivas carreras.

En esta cinta, un Robert Redford rozando con la punta de los dedos los cuarenta, nos ofrece una interpretación bastante sólida, bastante sobreactuada por otra parte, pero que queda genial dentro de la película. Su personaje, el de Hooker, es el del joven pillastre que tiene una técnica infalible a la hora de timar, pero que le falta algo para estar a la altura de los grandes y realizar timos a gran escala, como bien le apunta su amigo Luther.

Esto se lo puede ofrecer Henry Gondorff, un estafador de altos vuelos perseguido por las agencias de investigación más importantes debido a timos realizados en el pasado. Con la muerte de Luther, Hooker acude a aprender del maestro para estafar al mafioso asesino de su amigo. El personaje de Gondorff, sin lugar a dudas el más carismático de la cinta, lo lleva a cabo Paul Newman. A pesar de ser secundario a lo largo y ancho de la película, nos propina las mejores escenas de la misma. La borrachera inicial, la partida de cartas a bordo del tren… Paul Newman nos ofrece una soberbia actuación en la cual se come a Redford con patatas.


Como ultimo personaje importante para la trama tenemos a Lonnegan, un mafioso tullido con muy, pero que muy mala baba. No tiene escrúpulos ni remordimientos a la hora de mandar a sus tocayos que asesinen a aquel que se le cruce por delante. Robert Shaw, actor que veríamos también en ‘Tiburón’ junto a Spielberg, es el encargado de interpretarlo muy sobriamente, consiguiendo un carácter muy creíble dentro de la película, y, sobretodo, que intimida.

Guión al Servicio del Espectador

Esa es la máxima de la película: un guión hecho a medida para el divertimiento del espectador, para que este se sienta identificado con alguno de los muchos personajes que se pasearan por delante de la pantalla en sus cerca de dos horas de metraje.

Porque este es otro de los grandes meritos tanto de la película como del guión. Por ella pasaran más de una decena de secundarios de todas las clases, todos ellos con su aparición y sus frases justas en pantalla. Gran merito del guionista introducir en la cinta tal baile de secundarios sin quitar ni un ápice de protagonismo a quien lo debe tener, que son la dupla de timadores y el gangster.

Así pues, encontraremos en ella a Luther, la mujer del mismo, el amigo cobarde de Hooker, la madame que protege a Gondorff en su prostíbulo, decenas de timadores, los guardaespaldas de Lonnegan… un sinfín de personajes que ayudan a completar un guión redondo. (fuente: www.cortenblog.es)

Ficha técnica

Dirección George Roy Hill
Producción Tony Bill - Robert L. Crawford - Julia Phillips - Michael Phillips
Guión David S. Ward
Música Marvin Hamlisch
Editor William Reynolds
Fotografía Robert Surtees
Reparto Paul Newman - Robert Redford - Robert Shaw - Charles Durning - Ray Walston - Eileen Brennan - Dana Elcar
País Estados Unidos
Año 1973
Género Comedia
Duración 129 minutos
Distribución Universal Pictures

Ver Pelicula el Golpe, trailer

Gente como uno (1980)


Sinopsis
Las relaciones de una familia estadounidense modelo (padre, madre, dos hijos) se ven alteradas por un accidente ocurrido en un bote. El mayor de los hermanos muere y el menor, agobiado por la culpa de haber sobrevivido, intenta suicidarse y es internado durante un tiempo en un psiquiátrico. El film narra el regreso a casa del joven, con sus problemas atrapados entre la frialdad de su madre que no se logra consolar con su hijo menor intentando no demostrar algun tipo de preferencia maternal hacia su fallecido hijo y la impostada alegría de su padre (Donald Sutherland), actuacion muy buena, que trata de mantener vivo los lazos familiares de un forma un poco infructuosa. Pone en la palestra un tema familiar recurrente que en mas de una ocasion nos ha tocado vivir, sin embargo Robert Redford cautiva e impresiona con sus imagenes logrando cautivar la atencion del espectador tocando fibras sencibles que se conocen solo cuando existe un nucleo familiar.


La locación es Lake Forest, uno de los suburbios residenciales más atractivos de Norteamérica: casas palaciegas cercanas al Lago Michigan, zonas arboladas, afluencia económica. Nadie espera que en casas así se sufra. Pero Conrad sufre y le cuesta tanto trabajo levantarse en las mañanas como irse a dormir por las noches. Su historia es narrada sin el sentimentalismo barato con que aparentemente Hollywood piensa que el espectador quiere acercarse a la condición humana. En este caso, Redford desafía al cliché y observa con atención al entorno en que desarrolla su historia. Todo suena y se siente auténtico. Conocemos a gente como ésta, hemos oído diálogos como estos y (en casos) hemos sido gente como ésta.

Comentarios

Esta película esta basada en la novela del mismo título de Judith Guest. Fue la primera película que dirigió Robert Redford. Ganó cuatro Premios Oscar, a la mejor película, al mejor director, al mejor actor de reparto y al mejor guión adaptado, y fue nominada a otros dos, a la mejor actriz principal (Mary Tyler Moore) y al mejor actor de reparto (Judd Hirsch). Algunos la recuerdan como la pelicula que le arrebato el oscar a Raging Bull de Martin Scorsese en 1981 (con Robert de Niro)
Una vez conseguidos sus propósitos como intérptete, el incansable Redford se marcó nuevas metas. En 1980 se sentó detrás de la cámara para rodar “Gente Corriente”, su primer filme como realizador, y ganó el Oscar a la mejor película y al mejor director. Curiosamente, como actor no había conseguido ninguna estatuilla.

Robert el Director

En 1980 se sentó detrás de la cámara para rodar “Gente Corriente”, su primer filme como realizador y director, y ganó el Oscar a la mejor película y al mejor director. Curiosamente, como actor no había conseguido ninguna estatuilla. Desde entonces ha ido intercalando sus apariciones delante y detrás de la cámara, con incursiones en el campo de la producción y volcándose en ayudar al cine independiente desde su centro de operaciones de Sundance, Utah, donde también tiene su rancho.


Ficha técnica


Dirección Robert Redford
Producción Ronald L. Schwary
Guión Alvin Sargent
Música Marvin Hamslisch
Fotografía John Bailey
Reparto Donald Sutherland - Mary Tyler Moore - Timothy Hutton - Elizabeth McGovern - Judd Hirsch - M. Emmet Walsh
País Estados Unidos
Año 1980
Género Drama
Duración 124 minutos

Ver Pelicula Gente como uno, trailer de la pelicula

junio 16, 2009

¡Oliver! 1968



Oliver es una muy bonita adaptación musical del clásico de Charles Dickens "Oliver Twist" y llevada a la pantalla por el gran Carol Reed "El tormento y el éxtasis" ("The Agony an d the Ecstasy"). Y en donde nos lleva al Londres del siglo XIX para hacernos participes de la historia de un niño que se escapa del orfanato haciendo de las calles de la ciudad su propia casa e intentando buscar el cariño y el honor en un mundo de ladrones...
La Peelículas de género musical. Una película tan sensible como sentimental, pero también tan alegre como divertida, y con unos personajes verdaderamente creibles, y es que a decir verdad Reed tenia la cosa un poco dificil que digamos, ya que existía una sensacional versión (aunque no musical) dirigida por David Lean en 1948 e interpretada ni más ni menos que por Alec Guinnes.


Pero que una vez vista esta película uno ya no puede imaginarse a los personajes de otra manera como en el de esta historia, porque todo es una pura delicia ya que está todo perfectamente unido y formando un conjunto tan equilibrado que ningún personaje sobresale del otro, haciendo así ser todos protagonístas de esta maravillosa historia, y en donde por supuesto la musica ocupa un lugar sumamente elevado. Y es que cuenta con unas escenas y una coreografía que son verdaderamente mágicas e inolvidables, incluyendo temas como : "Consider Yowrself, Where Is Love?" y "As Long As He Needs Me", que constituyen el apoteósis de la película.


Pero de esto hay que darles las gracias a dos hombres, uno John Green que fue el encargado de la dirección musical y el otro Lionel Bert en la composición, uno de los más cotizados compositores de la musica pop inglesa y que llegó a escribir para cantantes como Cliff Richard y Shirley Bassey, el tema de la película "Desde Rusia con amor" ("From Russia with love"), es obra suya. Y sublime la fotografía a cargo del extraordinario Oswald Morris, con un montón de películas oscarizadas a sus espaldas como por ejemplo "Moulin Rouge" (1952), y Los cañones de Navarone" ("The Guns of Navarone"), y aquí usando el impresionante formato Cinerama y ensalzandola hasta la perfección (mejor imposible). Pero me queda todavia un apartado que reseñar me refiero a los actores, donde como digo al principio todos son protagonístas, pero siempre se empieza por uno, y ese uno para mi es Ron Moody "El misterio de las 12 sillas" ("The Twelve Chairs"),(lástima que en la entrega de los Oscar se le cruzó ese dia Cliff Robertson y su "Charly"), y aquí metido hasta las barbas de ese Fagin un adorable villano que capitanea a los delincuentes callejeros, y seguido de Oliver Reed, un fenomenal actor que falleció durante el rodaje de "Gladiattor" (Riddley Scott le dedicó la película a titulo póstumo), y aquí como Bill Sikes el diabólico colega de Fagin, y a Jack Wild "Basil" (nominado como mejor secundario), y dando vida a ese leal aprendiz llamado el Gran Truhan, interminable el magnífico reparto, y mención aparte para Mark Lester "Fahrenheit 451", metido hasta el alma en el cuerpo del pequeño Oliver, ese niño huerfano que no tiene más remedio que abrirse camino como sea y por donde sea para poder conseguir lo que más desea en este mundo: tener un hogar y una familia. En definitiva, un maravilloso espectáculo musical lleno de color y fantasia y que logró todo lo que verdaderamente intentó. Uno de los últimos grandes musicales llevados a la gran pantalla. Matrícula de Honor.


"Oliver" logró seis Oscar en el año 1968: Mejor Película, Director, Sonido (John Cox), Dirección Artística (John Box, Terence Marsh, Vernon Dixon y Ken Mugglestonl), Adaptación Musical (John Green) y Coreografía (Oona White).

Como curiosidad la voz de Mark Lester fue doblada en los números musicales por Katfy Green, la hija del director musical. (pablocine.blogia.com)


Ficha Tecnica


Dirección Carol Reed
Producción
John Woolf
Guión Vernon Harris
Música John Green - Eric Rogers - Onna White
Sonido Shepperton Studio
Fotografía Oswald Morris
Reparto Ron Moody - Oliver Reed - Mark Lester
País Reino Unido
Año 1968
Género Musical
Duración 153 minutos

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Tom Jones (1963)


Tom Jones (Albert Finney) es un joven despreocupado y atractivo que ha sido adoptado por el adinerado Squire Allworthy (George Devine) tras haber sido concebido por una criada de éste llamada Jenny Jones, quien fue despedida de sus labores después de abandonar al niño en la cama de Allworthy.
Tom crece en libertad por la mansión de su padrastro, gozando de la naturaleza y de gratas acompañantes femeninas como la sensual Molly (Diane Cilento), siendo su verdadero objeto de deseo amoroso la guapa y modosa Sophie Western (Susannah York).


El guionista John Osborne y el director Tony Richardson, en plena explosión del free cinema británico, adaptando las peripecias de Tom Jones, el taimado personaje creado por Henry Fielding, cuyas andanzas sentimentales y eróticas son el cimiento principal de esta divertida comedia de aventuras, narrada con frescura (y con el empleo en ocasiones de una voz en off), cinismo, gran libertad formal narrativa, lo que otorga una gran vivacidad al relato, y una meritoria dirección artística ambientando el siglo XVIII inglés, con un variado (aunque superfluo) muestrario de caracteres de distinta índole social y económica.

Las situaciones, en su mayoría desplegando conflictos de carácter sentimental y sexual, son desarrolladas con brío en viñetas más o menos afortunadas (algunas memorables y otras un tanto desaboridas) que mixturan la comedia y la aventura.


Las actuaciones resultan excelentes, en especial Hugh Griffith y Albert Finney, quien gracias a su estupenda interpretación en el papel de Tom Jones consiguió convertirse en la gran sensación británica del momento, otorgando al personaje de antihéroe pícaro cierto sarcasmo, encanto, descaro y sex appeal.
Entre el extenso reparto femenino destacan las bellas Susannah York y Diane Cilento (por esa época esposa de Sean Connery) y sobre todo, las apariciones de Joyce Redman.

El film, que se inicia con un prólogo en clave de cine mudo, obtuvo varios premios Oscar, entre ellos el galardón a la mejor película, al mejor director y al mejor guión adaptado.

Ficha técnica

Dirección Tony Richardson
Producción Tony Richardson - Michael Holden - Oscar Lewenstein - Michael Balcon
Guión Henry Fielding (novela) - John Osborne
Música John Addison
Fotografía Walter Lassally
Montaje Antony Gibbs
Reparto Albert Finney - Susannah York - Hugh Griffith - Edith Evans - Joan Greenwood - Diane Cilento - George Devine - David
País Reino Unido
Año 1963
Género Comedia
Duración 138 minutos

Ver Pelicula Tom Jones, trailer original

De aqui a la Eternidad (1953)



De aquí a la eternidad es una película de 1953 dirigida por Fred Zinnemann. En esta pelicula destaca el oscar obtenido por Frank Sinatra como mejor actor de reparto.

Argumento


El soldado Prewitt (Montgomery Clift) es trasladado en 1941 a Hawaii. Su nuevo capitán sabe que es un buen boxeador y quiere que luche representando a la compañía. Sin embargo, Prewitt ha dejado el boxeo y se niega a participar. El capitán da orden a sus subordinados de que le hagan la vida imposible, con la idea de que cambie de parecer. Entretanto, el sargento Warden (Burt Lancaster) comienza a verse con la esposa del capitán (Deborah Kerr), que está dispuesta a entablar una relación con un hombre debido a los problemas existentes en su matrimonio. Maggio (Frank Sinatra), el amigo de Prewitt, tiene enfrentamientos con uno de los sargentos, mientras Prewitt se enamora de una empleada del club del ejército. Sin que nadie sospeche nada, el ataque de los japoneses a Pearl Harbor es inminente.

Comentarios


esta es la escena mas famosa de esta pelicula y del cine mundial


La película está basada en la novela del mismo título de James Jones. Ganó ocho Óscar, a la mejor película, al mejor director, al mejor actor de reparto (Frank Sinatra), a la mejor actriz de reparto (Donna Reed), al mejor guión, a la mejor fotografía, al mejor montaje, y al mejor sonido, y fue nominada a otros cinco, al mejor actor principal (Burt Lancaster), al mejor actor principal (Montgomery Clift), a la mejor actriz principal (Deborah Kerr), a la mejor música y al mejor vestuario.


Ficha técnica


Dirección
Fred Zinnemann
Producción Buddy Adler
Guión Daniel Taradash
Música George Duning
Fotografía Burnett Guffey
Reparto Burt Lancaster - Montgomery Clift - Deborah Kerr - Donna Reed - Frank Sinatra - Ernest Borgnine
País Estados Unidos
Año 1953
Género Drama / Bélica
Duración 118 minutos

Ver Pelicula De aqui a la eternidad, trailer original

El Mejor espectaculo del mundo (1952)


Argumento

Brad Braden es el vehemente director de un circo que vive y respira para que el espectáculo continúe. Pero cuando las cosas comienzan a ir mal Braden contrata a El Gran Sebastian, una leyenda del trapecio, para que lo revitalice. Su llegada despierta la rivalidad y la admiración de Holly, novia de Braden y estrella del trapecio. Tras una lucha sin cuartel desafiando incluso a la muerte en un intento de recuperar su lugar en la pista central, Holly pronto se encuentra atrapada entre su amor por el adicto al trabajo Braden y por el cínico Sebastian.... Numerosas historias todas ellas con el espacio común del circo. El personaje protagonizado por James Stewart es un hombre acusado de homicidio que se protege con su disfraz de payaso y siempre aparece con la cara oculta.

critica


Esta pelicula tiene una gran particularidad, tan sólo ganó 2 Oscar, y uno de ellos fue el de mejor película. pero ni siquiera se lo merecía, considerando que ese mismo año compitió con "El hombre tranquilo" y "Sólo ante el peligro" en dicha categoría, y se habían estrenado "Viva Zapata" y "Cautivos del mal", entre otras películas. Es considerada una de las peores películas que ganara un oscar.


Ficha técnica
Título original: The Greatest Show on Earth
Dirección Cecil B. DeMille
Producción Cecil B. DeMille - Henry Wilcoxon
Guión Fredric M. Frank - Barré Lyndon - Theodore St. John
Música Victor Young
Fotografía George Barnes
Reparto Charlton Heston - Betty Hutton - Cornel Wilde - Dorothy Lamour - Gloria Grahame - Henry Wilcoxon - Lyle Bettger - Lawrence Tierney - James Stewart
País
Estados Unidos
Año 1952
Género Drama circense
Duración
152 minutos


Ver Pelicula El mejor espectaculo del mundo, trailer en ingles

Un Americano en Paris (1951)


An american in Paris (‘un estadounidense en París’) es una película estadounidense dirigida por Vincente Minnelli. Ganadora de la version de 1951 al oscar por mejor pelicula, Mejor guión original (Alan Jay Lerner), Mejor vestuario en color (Orry-Kelly, Walter Plunkett y Irene Sharaff ) y Mejor decoración en color (E. Preston Ames, Cedric Gibbons, F. Keogh Gleason y Edwin B. Willis)

Análisis

George Gershwin dijo de su composición en Un americano en París: "Mi propósito aquí es retratar las impresiones de un estadounidense que visita París; mientras pasea por la ciudad, escucha varios ruidos callejeros y absorbe el ambiente francés... La primera parte está desarrollada en un estilo típicamente francés, a la manera de Debussy o el grupo de los Seis".


El resultado de la película (y su consiguiente triunfo) situó en la Metro Goldwyn Mayer en la auténtica productora referente del musical de la década de los 50 (sustituyendo a las grandes obras maestras de la RKO).
Por otro lado, Vincente Minnelli y Gene Kelly sorprendieron a todo el público ofreciendo una nueva concepción del musical, basado en el conjunción de la fotografía, el decorado con la coreografía y los protagonistas. En el caso de Gene Kelly, alcanzaría su culminación dos años más tarde con Cantando bajo la lluvia.

Argumento


Un musical tan brillante y maravilloso que reúne el talento de Gene Kelly el productor Arthur Freed y la dirección maestra de Vicente Minnelli para llevar a la pantalla toda la magia de una obra cinematográfica considerada como una de las mejores producciones de Hollywood. Kelly interpreta a un pintor americano que vive en el París de la postguerra enamorado de una atractiva dependienta de una tienda de perfumes(Leslie Caron en su magnífico debut cinematográfico). Las secuencias de baile y la música de Gershwin acentúan el romanticismo de la conquista de Kelly. Y el número musical final de diecisiete minutos, combinado con la sinfonía, los impresionantes decorados y el talento único de Kelly para contar una historia a través del baile consiguieron que "Un Americano en París" obtuviera un lugar en la historia de las mejores peliculas.


Ficha Tecnica
Dirección Vincente Minnelli
Producción Arthur Freed
Guión Alan Jay Lerner
Música George Gershwin - Johnny Green - Saul Chaplin
Fotografía John Alton - Alfred Gilks
Montaje Adrienne Fazan
Escenografía E. Preston Ames - Cedric Gibbons
F. Keogh Gleason - Edwin B. Willis
Vestuario Orry-Kelly - Walter Plunkett - Irene Sharaff
Reparto Gene Kelly - Leslie Caron - Oscar Levant - George Guetary - Nina Foch - Ernie Flat - Alex Romero - Dick Humphries
País Estados Unidos
Año 1951
Género Musical
Duración 115 minutos
Compañía Productora Metro-Goldwyn-Mayer

Ver Pelicula Un Americano en Paris, escena de la pelicula

Rebeca (1940)


Si lo que de verdad te gusta son las películas de misterio y eres fiel a los clásicos de Alfred Hitchcock, vas a disfrutar de esta película. Trata sobre un melancólico noble inglés perseguido por los recuerdos de su primera esposa Rebeca, con la consiguiente frustración de su flamante desposada. Es la primera película que este grandioso director filmó en Estados Unidos (recordando que en Inglaterra ya habia grabado otras) y está basada en la elegante novela gótica del mismo nombre de Daphne Du Maurier. .

La película, narrada en forma de flash-back, cuenta la historia de una joven tímida y poco experimentada (Joan Fontaine), que ejerce como dama de compañía de una rica norteamericana de viaje por Europa. En Montecarlo, conoce a un rico viudo, Maxim de Winter, cuando este parece estar a punto de lanzarse por un acantilado para poner fin a su vida.

Tras una breve y extraña relación, finalmente de Winter pide a la chica que se case con él. Cuando la joven acepta, regresan a Manderley, la enorme y fantasmal residencia familiar de Maxim en Cornualles. La nueva Sra. de Winter es acogida con frialdad por la ama de llaves, la Srta. Danvers, una mujer espectral que estaba muy unida con la anterior Sra. de Winter (la Rebeca que da título al film).


Primera película de Hitchcock en Hollywood, a donde acudió contratado por el excéntrico y megalómano productor de Lo que el viento se llevó David O. Selznick. Consiguió dos Oscars a la mejor película del año 1940 y a la mejor fotografía en B/N, obteniendo nueve nominaciones más.

Comentario y curiosidades

“Anoche soñé que volvía a Manderley”. Parafraseando el primer monólogo de la película, es un honor rescatar esta fascinante película de Hitchcock, para mí una de las tres mejores de este genial director y que recomiendo fervientemente a todo el mundo. Esta película es curiosa en varios aspectos. En primer lugar, porque se divide claramente en tres partes. La primera, más distendida, en Mónaco. La segunda, casi de terror, en Manderley. Y la tercera, más policíaca, en el balandro encontrado. El propio director decía que la película engloba tres estilos literarios “el cuento de hadas, el cuento de misterio y el tradicional cuento policíaco”. En segundo lugar, es curiosa porque Hitchcock no emplea prácticamente en ningún momento el tradicional humor negro a que nos tiene acostumbrados. En tercer lugar, porque convierte una mansión y a una muerta (la primera esposa de Winter) en los personajes centrales de la película.


Sobre Judith Anderson, la fantasmagórica Sra. Danvers, ama de llaves de Manderlay y fiel guardiana de la fallecida Rebeca podemos decir que este personaje secundario es quizás el más importante de la película, pues es el único medio que nos permite aproximarnos a la figura de la fallecida primera esposa de Winter. Este es el personaje más tenebroso, por varias razones. En primer lugar, por su vestuario. Vestida de riguroso negro con un vestido rígido por arriba y de vuelo por abajo, hasta los pies. Ello propicia, que la Sra. Danver mantenga los brazos flexionados, cogiéndose las manos, como lo haría un cura, al mismo tiempo que apenas vemos los pies, dando una sensación de que se desplaza sin tocar el suelo, como un espíritu. A ello se añade que nunca se la ve entrar en la escena, sino que cuando la cámara capta un plano suyo, ella ya había aparecido silenciosamente, como por arte de magia. La vestimenta tiene también un ligero toque monacal, íntimamente relacionado con un ligero toque lésbico que Hitckcock quiso imprimir al personaje. Para eludir la censura, Hitchcock utilizó artificios inteligentes, mostrando por ejemplo a la señora Danvers quieta junto a la nueva señora de Winter, acariciando la lencería de Rebeca, apoyada por una frase añadida por Hicthcock (que no aparece en la novela) sobre la ropa interior tejida a mano por unas monjas de clausura, que sobre el papel parecía muy casta, pero que en la pantalla produce el efecto contrario. El carácter intrigante del personaje se acrecienta por la obsesión de la Sra. Danvers por Rebeca, que la mantiene viva en todas y cada una de las habitaciones de Manderlay, reservando para ella el ala este de la casa, e incluso induciendo a la protagonista a que se vista como ella en una fiesta de disfraces. Esa necrofilia, desde luego, no puede menos que causar cierto desasosiego en el espectador.


Como curiosidad, destacar que la aparición del director se produce casi al final, cuando Jack Favell llama a Danvers desde una cabina. Aparece caminado con una gabardina clara mientras Favell habla con el policía. En las primeras películas el cameo del director se produce al final; pero con el tiempo las colocaría al principio, ya que la gente estaba más atenta a localizar su aparición que a la propia película.

Ficha Tecnica

Director : Alfred Hitchcock
Producción: Selznick International Pictures
Guión: Robert E. Sherwood y Joan Harrison, según la novela de Daphne du Marier
Música: Franz Waxman
Reparto: Laurence Olivier (Maxime de Winter), Joan Fontaine (Sra. de Winter), Judith Anderson (Sra. Danvers), George Sanders (Jack Fawell), Nigel Bruce (Mayor Giles Lacey), Cecil Aubrey Smith (Coronel Julyan)
Duración: 130 minutos, B/N


Ver Pelicula Rebeca completa por partes


junio 14, 2009

Amor sin Barreras (1961)


Amor sin barreras o West Side Story es uno de los musicales más famosos del cine. Está inspirado en la obra de teatro Romeo y Julieta de Shakespeare, siendo una especie de actualización del lema del amor imposible en clave racial y urbana. Con música compuesta por Leonard Bernstein, la versión cinematográfica ganó diez Óscar: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor de Reparto (George Chakiris), Mejor Actriz de Reparto (Rita Moreno), Mejor Dirección artística, Mejor Música, Mejor Fotografía, Mejor Sonido, Mejor Vestuario, y Mejor Montaje, y fue nominada al Mejor Guión Adaptado. Los actores protagonistas de la película fueron Natalie Wood y Richard Beymer, que fueron doblados en sus canciones por otras voces.

La obra

La comedia musical West Side Story se estrenó en 1957 en Nueva York y alcanzó un gran éxito. En 1961 se estrenó la adaptación cinematográfica.
El musical fue innovador: por los bailes, que forman parte de la acción dramática; por la música muy variada de Bernstein (ritmos latinos, jazz, canciones de amor de gran belleza melódica...) y por la temática. Una de las canciones más famosas de esta obra es América, donde se contraponen las dos visiones de los emigrantes al llegar a Estados Unidos: la ilusión por la libertad, la modernidad y el consumismo, y por otro lado el desengaño ante la marginación racial y la pobreza. La puesta en escena de la canción América se sitúa en una azotea donde los sharks charlan sobre su vida en Estados Unidos.

El argumento está basado en la historia de Romeo y Julieta, de W. Shakespeare, pero adaptada a los tiempo modernos: dos bandas de jóvenes, los sharks, inmigrantes puertorriqueños, y los jets, norteamericanos nativos, están enfrentadas. El conflicto surge cuando María, puertorriqueña, y Tony, norteamericano, se enamoran.
Al final Tony es matado por Chino de un disparo.

Orquestación

La partitura de West Side Story fue orquestada por el propio Bernstein, con la ayuda de Sid Ramin e Irwin Kostal. El número de músicos requerido para una interpretación apropiada de la pieza está entre los más altos del repertorio de teatro musical. La partitura necesita de cinco instrumentistas de viento-madera (cada uno encargado de varios instrumentos), siete metales, cinco percusionistas, un teclista, un guitarrista y doce instrumentistas de cuerda. En total, son necesarios 30 músicos para interpretar la partitura tal cual fue escrita por el compositor.

Varias Curiosidades sobre la pelicula

Elvis Presley tuvo la oportunidad de representar el papel de actor principal, pero su manager le disuadió de la idea. Cuando vio la cantidad de Óscar que se llevó el musical, se arrepintió.

En un principio, los productores no habían pensado en Natalie Wood para el papel de María. Wood estaba ocupada trabajando en el rodaje de Esplendor en la hierba (1961) con Warren Beatty, con quien mantenía un romance en aquel momento. Fue Beatty el que se presentó al casting para el papel de Tony, siendo Wood la que leía el papel de María como favor. Irónicamente, los productores se entusiasmaron con la interpretación de Wood pero rechazaron a Beatty.

En 1994, el paleoantropólogo Yves Coppens publicó una hipótesis para explicar la aparición de los homínidos bípedos a la que llamó East Side Story, en clara alusión al título de este musical (usual ardid "académico" para mejorar el éxito y penetración de una idea algo abstracta).

En un principio, el argumento de West Side Story iba a centrarse en las diferencias entre judíos y católicos, pero después de leer una noticia en el periódico sobre los enfrentamientos entre bandas puertorriqueñas y blancas en Nueva York, Bernstein y el libretista Laurents cambiaron de idea.

Muchos de los escenarios donde se rodó la adaptación cinematográfica de 1961 eran decorados, en total 37. Algunos exteriores se rodaron en un barrio de Nueva York que iba a ser demolido. Los decoradores tuvieron que transformar fachadas, poner ventanas, escaparates, anuncios, etc. para recomponer las calles.

Ninguno de los dos protagonistas principales (María y Tony) de la versión cinematográfica de West Side Story (Natalie Wood y Richard Beymer) sabía cantar ni bailar, por lo que se redujeron sus escenas de baile y fueron doblados en las canciones.

Ficha técnica

Dirección Robert Wise - Jerome Robbins
Producción Robert Wise - Saul Chaplin - Walter Mirisch
Guión Jerome Robbins - Arthur Laurents
Música Leonard Bernstein con letras de Stephen Sondheim.
Fotografía Daniel L. Fapp
Reparto Natalie Wood - Richard Beymer - Russ Tamblyn - Rita Moreno - George Chakiris
País Estados Unidos
Año 1961
Género Musical
Duración 151 minutos

Ver Amor sin Barreras, America

Annie Hall (1977)


Annie Hall conocida en castellano como Dos extraños amantes (Argentina / Venezuela), es una de las más célebres películas dirigidas por Woody Allen, por la que ganó el Oscar al mejor director en 1977. Se trata de una comedia romántica protagonizada por Diane Keaton y por el propio Woody Allen. Con un guión que ha sido imitado, parodiado y homenajeado a lo largo de los años, el cineasta se da el lujo de jugar con las reglas cinematográficas: sus personajes le hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo, digresiones y hasta una secuencia de animación parodiando la cinta animada Blancanieves y los siete enanitos de Walt Disney.

Sinopsis


La cinta es un relato sobre un comediante neurótico neoyorquino, Alvy Singer (Allen), y su compañera sentimental, Annie Hall (Diane Keaton), tan neurótica como él. Comienza con su primer encuentro y nos cuenta la historia de su relación afectiva a lo largo de los años, a modo de documento sobre el amor en los años 1970. Se dice que la historia habla de la ruptura real entre Allen y Keaton, quienes fueron pareja en la vida real.

Comentarios

La película ganó cuatro Oscar, a la mejor película, al mejor director, a la mejor actriz principal (Keaton), y al mejor guión original, y obtuvo una nominación al mejor actor principal (Allen), premios que el cineasta no fue a recoger, ya que ni siquiera se presentó en la ceremonia (cosa que repitió todos los años, hasta el 2003 cuando pisó por primera vez la alfombra roja de este evento), aquella vez dijo que se le había olvidado, ese día se quedó tocando el clarinete.

Destacan también las actuaciones de Paul Simon (músico, integrante del dueto vocal folk Simon & Garfunkel) y un joven Christopher Walken, quien un año después ganaría el Oscar por su papel en El cazador del Michael Cimino.


Annie Hall es una cinta emblemática. Años después, Rob Reiner la homenajeó abiertamente en su película When Harry Met Sally.... Antes de adquirir el título por el que es conocida, Annie Hall llegó a llamarse Anhedonia (incapacidad de disfrutar la vida, es una enfermedad psicológica, la productora no permitió que se le colocase un nombre tan poco atractivo) o Una montaña rusa llamada deseo, referencia doble a la montaña rusa que aparece en la película y a la obra de Tennessee Williams (Un tranvía llamado deseo).
fuente: wikipedia

Ficha técnica

Dirección Woody Allen
Producción Charles H. Joffe - Jack Rollins
Guión Woody Allen - Marshall Brickman
Fotografía Gordon Willis
Montaje Wendy Greene Bricmont
Ralph Rosenblum
Vestuario
Ralph Lauren - Ruth Morlen
Reparto Woody Allen - Diane Keaton - Tony Roberts - Carol Kane - Paul Simon - Shelley Duvall - Janet Margolin - Colleen Dewhurst - Christopher Walken - Donald Symington - Helen Ludlam
País
Estados Unidos
Año 1977
Género Comedia dramática
Duración 93 minutos

Ver Pelicula Annie Hall, escena inicial

Cowboy de Medianoche (1969)


Cowboy de Medianoche (Midnight cowboy) es una película basada en la novela del mismo nombre de James Leo Herlihy. Un relato ácido y desesperado de dos jóvenes que intentan salir de su condición de marginados. La banda sonora incluye la canción "Everybody's Talking" de Harry Nilsson. El filme ganó tres Oscar: a la mejor película, al mejor director y al mejor guión adaptado. También obtuvo otras cuatro nominaciones: al mejor actor principal (Jon Voight), al mejor actor principal (Dustin Hoffman), a la mejor actriz de reparto (Sylvia Miles) y al mejor montaje. Además, es la única película con calificación X que ha conseguido el Premio Oscar a la mejor película.

La Pelicula


Un joven tejano marcado por las experiencias sufridas con su abuela y su novia, abandona su puesto de trabajo en su cálida ciudad natal para probar fortuna como gigoló en las lejanas y frías tierras de Nueva York.
"Un vividor", como él mismo se califica que con su zamarra de flecos, su sombrero de cowboy, su inseparable radio y su maleta de piel de vaca intentará vivir de sus artes amatorias con adineradas mujeres sedientas del sexo de chicarrones del salvaje oeste.
Los sueños que se había hecho toparán raudamente con la cruel realidad, una destemplada realidad que terminará compartiendo con un enfermizo ladronzuelo de poca monta.


John Schlesinger, amamantado por el Free Cinema inglés, consiguió con este film estadounidense un enorme éxito que le llevó a obtener un Oscar de Hollywood (a pesar de ser un título clasificado X) por su trabajo de dirección, galardón que también lograría el conjunto de la película, ya que se trata de un magnífico título, levemente perjudicado por un excesivo empleo de los flashbacks y ensoñaciones procedentes de los recuerdos de Joe Buck (Jon Voight) y de los soleados deseos de Ratso Rizzo (Dustin Hoffman).
Por lo demás, es una película muy a tener en cuenta, principalmente por esa estremecedora descripción de los ambientes más lóbregos de la gran ciudad de Nueva York, en donde conviven personajes marginales en habitaciones cochambrosas adornadas por carteles de paraísos o sectarios que histéricamente rezan a la puerta del retrete, con caracteres singulares y ambiguos que bailan en fiestas warholianas al ritmo de músicas y luces psicodélicas mientras engullen sustancias psicotrópicas.

El autoproclamado "vividor" aprenderá a aparcar sus ansias de grandeza y tendrá que instruirse en la lucha por la supervivencia en una ciudad sin sentimientos, una metrópoli que implacablemente observa como sus habitantes pierden sus ilusiones y las pervierten (de gigoló pasará a chapero), en hipnóticos trayectos hacia un Hades suburbano establecido en una época agitada, como fueron los años finales de la década de los 60.

Espléndidas actuaciones de Voight y Hoffman y conocida canción interpretada por Harry Nilsson ("Everybody's talking") para una mirada a la instintiva amistad de resistencia y al recorrido emocional de un personaje cuya evolución va pareja al cambio climático que posee cada ciudad a la que llega.
"Cowboy de medianoche" culmina con un final apesadumbrado pero en cierta manera, optimista. Ya no es el vaquero de sonrisa fácil y pensamientos sublimados, ha visto la realidad escrita en las calles de una grisácea urbe y buscará reiniciar su existencia, una vida tendente a una clara realización práctica, bajo un sol de esperanza y con un amargo recordatorio entre sus brazos.

Ficha Técnica:

Título original: Midnight Cowboy
Dirección: John Schlesinger
País:
USA
Año: 1969
Duración: 113 minutos
Género:
Drama
Reparto: John Voight, Dustin Hoffman, Brenda Vaccaro, Sylvia Miles, John McGiver, Ruth White, Bob Balaban, Barnard Hughes
Guión: Waldo Salt; basado en la novela , de James Leo Herlihy
Producción: Jerome Hellman
Música: John Barry
Fotografía: Adam Holender
Montaje: Adam Holender


Ver Pelicula Cowboy de Medianoche, trailer oficial en ingles

junio 04, 2009

La vida de Emile Zola (1937)


La vida de Emile Zola (The Life of Emile Zola) es una pelicula basada en la Biografía de la vida del escritor parisino Emile Zola, que dejó pronto los estudios y empezó a trabajar en una librería, haciendo sus pinitos como escritor y periodista. El Fundador del naturismo tuvo relación con Gustave Flaubert así como con Paul Cézanne. Se implicó en el caso Dreyfus, publicando su conocido 'Yo acuso', dirigido al presidente de la República, y por este hecho fue condenado a un año de cárcel. En sus obras, destacan 'Germinal' y 'Nana', entre otras.


En 1937, William Dieterle llevó a la pantalla la vida de este escritor francés y Paul Muni (Scarface, el terror del hampa) se puso en su piel dandole vida a este personaje. La caracterización para el personaje fue dura y se dice que Muni tenía que soportar cada día tres horas y media de maquillaje. El film ganó el Oscar a la mejor película del año, y Muni fue nominado también por su interpretación. No hay mucho que comentar al parecer sobre esta pelicula que destaco entre sus pares, la vida de un personaje quedara inmortalizada en la pantalla grande.

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Ficha Tecnica

Año 1937
Dirección: William Dieterle
Intérpretes: Paul Muni, Gale Sondergaard, Joseph Schildkraut, Gloria Holden, Donald Crisp, John Litel, Henry O'Neill, Morris Carnovsky, Louis Calhern, Erin O'Brien-Moore.
Guión: Heinz Herald, Geza Herczeg
Música: Max Steiner
Fotografía: Tony Gaudio
Duración: 93 min.
Género: Biográfico, Drama

Ver La Vida de Emile Zola, Trailer

junio 03, 2009

El Gran Ziegfeld (1936)


Florenz Ziegfeld es un famoso empresario norteamericano que empezó realizando pequeños montajes en Chicago, y terminó alcanzando la fama con grandes espectáculos que duraban un año en cartelera. Biografía de Florenz Ziegfeld Jr., un mítico productor de Broadway que se hizo a sí mismo gracias a su olfato para los negocios y su buen gusto para el espectáculo y las mujeres. Sus obras contenían fastuosos números musicales repletos de elegancia, lujo, melodías pegadizas y bellas bailarinas que recibieron el sobrenombre de 'las Ziegfeld Follies'.

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Ganadora de 3 Oscars® de la Academia, incluido el de Mejor Película. Uno de los más famosos y espectaculares musicales de los años 30. ”El gran Ziegfeld” reúne un reparto de lujo encabezado por William Powell en una de sus interpretaciones más aclamadas. Junto a él, el verdadero Ziegfeld y las estrellas favoritas de Hollywood (incluida la ganadora del Oscar® Luise Rainer), así como los nombres principales del equipo creativo del show de Ziegfeld. Los números musicales que contiene como “Pret Girl is Like a Melody” (ganadora del Oscar® a la Mejor Dirección de Baile a cargo de Seymour Felix) son absolutamente brillantes. Una magnífica obra que fue además nominada a los Oscars® relativos al Mejor Director, Argumento Original, Decoración y Montaje.

Ficha Tecnica

Género:
Musical
Pais: USA
Director: Robert Z. Leonard
Actores: William Powell - Myrna Loy - Luise Rainer - Frank Morgan - Fanny Brice - Virginia Bruce - Reginald Owen - Ray Bolger - Ernest Cossart - Joseph Cawthorn - Nat Pendleton - Harriet Hoctor - Jean Chatburn - Paul Irving - Herman Bing
Productor: Hunt Stromberg
Guión: William Anthony McGuire
Fotografía:
George J. Folsey - Karl Freund - Merritt B. Gerstad - Ray June - Oliver T. Marsh
Música: William Axt - Walter Donaldson - Hugo Friedhofer - Arthur Lange - Charles Maxwell
Duración: 170 minutos.

Ver El Gran Ziegfeld completo, por partes

junio 02, 2009

Motin a Bordo (1935)


Mutiny on the Bounty, traducida en castellano como Motín a bordo (Hispanoamérica) o Rebelión a bordo (España), es una película basada en la novela del mismo título de Charles Nordhoff y James Norman Hall. Ganó el Oscar a la mejor película del año (1935) y tuvo candidaturas a otros siete, incluyendo las de Laughton, Gable y Tone al mejor actor, así como las de mejor director, mejor montaje, mejor banda sonora y mejor guión.

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Argumento


Basada en la trilogía de novelas por Charles Nordhoff y James Norman Hall sobre el motín a bordo de la "Bounty", la película relata el viaje del barco a Tahití para recoger retoños del árbol del pan con la finalidad de ser plantados en las colonias británicas de las Indias Occidentales y proveer de alimento barato a los esclavos. Pero durante el viaje la actitud tiránica del Capitán Bligh convierte el viaje en algo insoportable para la tripulación. El primer oficial Flechter Christian no está de acuerdo con la estricta aplicación de la disciplina que hace el capitán, ya que considera que resulta nefasta para la moral de los marineros, cuya vida es de por sí bastante dura. El contraste entre la vida paradisíaca en Tahití y el regreso a la rutina de a bordo desemboca en un motín dirigido por Christian, que regresa a Tahití con la Bounty abandonando a Bligh y unos cuantos de sus fieles en una chalupa en alta mar. Bligh, al que hasta ahora conocíamos como pésimo gestor de recursos humanos, se revela como un magnífico navegante y un tipo corajudo capaz de llevar el pequeño bote hasta el lejano puerto de Timor. Bligh regresa a Tahití a bordo del "Pandora" para ajustar las cuentas con los amotinados, pero Christian avista el barco y prepara la "Bounty" para zarpar de Tahití... conseguirán escapar?

Este hecho resulta fílmicamente muy dramático pero es históricamente inexacto: en la realidad histórica, Bligh navegaba en esos momentos a bordo del "Providence" en una segunda misión - esta vez coronada por el éxito - en pos del árbol del pan, siendo el "Pandora" capitaneado por el capitan Edward Edwards.

Comentarios


En su reposición en las pantallas españolas tras la guerra civil "Mutiny on the Bounty" se tituló "La tragedia de la Bounty", por considerar las autoridades de la dictadura franquista que la palabra rebelión no era aceptable. El título se ha mantenido tras el estreno de la versión de 1962, que en subsiguientes reposiciones, pases televisivos y ediciones en vídeo usurparía el título original en castellano con el que se estrenó el film de 1935.

Ficha técnica

Dirección Frank Lloyd
Producción Albert Lewin - Irving Thalberg
Guión Talbot Jennings - Jules Furthman - Carey Wilson
Música Herbert Stothart
Fotografía Arthur Edeson
Reparto Clark Gable - Charles Laughton - Herbert Mundin - Franchot Tone - Donald Crisp - Dudley Digges
País Estados Unidos
Año 1935
Género Histórica
Duración 132 min.

fuente: Wikipedia

ver pelicula Motin a Bordo 1935 completa, por partes