El tercer hombre es un película del Reino Unido del año 1949, dirigida por Carol Reed. Sinopsis El norteamericano Holly Martins, un escritor de novelas policíacas, llega a Viena cuando la ciudad está dividida en cuatro zonas ocupadas por los aliados de la Segunda Guerra Mundial. Holly llega reclamado por un amigo de la infancia, Harry Lime, que le ha prometido trabajo. Pero el mismo día de su llegada coincide con el entierro de Harry, quien ha sido atropellado por un coche. El jefe de la policía militar británica le insinúa que su amigo se había mezclado en la trama del mercado negro.
Antecedentes Aunque a Graham Greene se le propuso desde el primer momento una película ambientada en la Viena de posguerra, con la firme presencia de las cuatro potencias ocupantes, Greene tuvo en un primer momento que escribirlo en forma de novela, única manera, según él, de planificar mejor el guión. Luego, fue reelaborado en conjunto por Greene y Korda, asegurando el primero que la versión de la película era claramente mejor que la del libro (incluyendo el final, que es distinto), el cual, sin embargo, fue editado de todas maneras, y es también un clásico de la literatura.
Análisis y crítica La aportación de ideas de Orson Welles a Carol Reed en la película parece evidente. Welles tuvo problemas con sus producciones en Hollywood y decidió dar el salto a Europa donde dirigió y colaboró en diferentes proyectos, entre ellos éste de Carol Reed. Su primera aparición en pantalla (el movimiento de una lámpara que muestra a Harry Lime ante la sorprendida cara de Cotten) ha sido considerada como la mejor presentación de un personaje en la historia del cine. Por otro lado, tampoco se tiene que olvidar la persecución en los alcantarillados de Viena, donde la película alcanza su cenit ante la excelente actuación de Welles.
Comentarios Esta Pelicula fue rodada en London Film Studios (Shepperton, Inglaterra) y los exteriores en Austria. Galardonada con el Gran Premio del Festival de Cannes y con el Oscar a la mejor fotografía en blanco y negro (Robert Krasker), además de estar nominada en las categorías de mejor director (Sir Carol Reed) y mejor montaje (Oswald Hafenrichter ). Inolvidable banda sonora firmada por Anton Karas. Ilustre aparición de Orson Welles entre las sombras e inolvidable su discurso sobre los Borgias y el reloj de cuco. Un clásico incomparable de la historia del cine. También es de destacar la fotografía en blanco y negro y los exteriores seleccionados, que muestran diversas facetas de Viena, la hermosa capital austríaca a orillas del Danubio, como la archiconocida noria gigante del Prater (donde tiene lugar el encuentro entre los dos protagonistas masculinos), y la persecución entre las impresionantes cloacas vienesas.
Por todo ello, la película fue considerada la mejor película británica de la historia del cine.
Ficha técnica Dirección Carol Reed Producción Alexander Korda Guión Graham Greene - Alexander Korda Música Anton Karas Fotografía Robert Krasker, B y N Reparto Orson Welles - Joseph Cotten - Alida Valli - Trevor Howard - Paul Hörbiger - Ernst Deutsch País Reino Unido Año 1949 Género Drama Duración 93 minutos
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Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (Nosferatu, una sinfonía del horror), conocida en castellano como Nosferatu y Nosferatu el vampiro (España) es una película muda de 1922 dirigida por F.W. Murnau.
Sinopsis Thomas Hutter es un empleado de una compañía inmobiliaria en Wismar, Alemania, que vive tranquilamente con su esposa. Un día su jefe, Knock, recibe una extraña carta escrita con símbolos que reconoce como del Conde Orlok, quien desea comprar una casa en Wismar. Knock envía a Hutter a los Cárpatos para concretar con el Conde Orlok la venta de la casa. Hutter deja a su esposa Ellen en casa de su amigo Harding y se embarca.
Cerca de su destino, Hutter se hospeda en una posada en la cual menciona que se dirige a ver al Conde Orlok. Todos los presentes se aterran de sólo escuchar el nombre del Conde y tratan de convencerlo de no ir. Hutter encuentra en su cuarto un libro sobre vampiros el cual tilda de supersticioso, pero que mantiene consigo como material de lectura. Al día siguiente parte hacia el castillo. Un cochero contratado lo lleva hasta el bosque que rodea el castillo, pero se niega a cruzar el puente que cruza hacia este. Al rato, un cochero misterioso se identifica como cochero del Conde. Este lo lleva a una velocidad naturalmente imposible. En el castillo es recibido por el Conde Orlok quien le invita una cena, pero mientras Hutter come, éste se dedica a leer la carta de parte de Knock. En un momento, Hutter se corta el dedo y Orlok trata de chuparle la sangre, pero es detenido por el crucifijo que portaba en el cuello. Hutter se queda finalmente dormido y al despertar amanece con dos heridas en el cuello que atribuye a los mosquitos.
La casa de Orlok en Wisborg, para la que se utilizó un almacén de Lübeck.A la noche siguiente concreta la firma de los documentos legales para la transacción de la casa. Hutter encuentra el libro sobre vampiros en su maleta y empieza a sospechar que Orlok es un vampiro. Conforme la noche avanza, Hutter se esconde en su habitación, pero la puerta es abierta por Orlok, quien entra. Al mismo tiempo, Ellen es descubierta caminando dormida y cae en un estado como de coma precisamente después de gritar el nombre de su esposo. El grito parece provocar que Orlok deje de lado a Hutter.
A la mañana siguiente, Hutter explora el castillo y descubre la cripta donde Orlok duerme en un ataúd durante el día. Paralizado por el miedo, logra llegar a su cuarto donde observa, por la ventana, que se están llevando los ataúdes y que en el último va el Conde Orlok. Finalmente, se descuelga por una ventana, pero cae herido. Durante el viaje a Wismar, el barco en que Orlok viaja es invadido por ratas que salen de los ataúdes y sus tripulantes mueren misteriosamente. Por otro lado, Hutter se encuentra en un hospital, del cual trata de escapar para avisar a los pobladores de Wismar acerca de la amenaza que les acecha.
En Wismar, la llegada del vampiro causa una plaga de ratas que causa la muerte de sus pobladores. Hutter también llega y se reúne con su esposa. Ella lee el libro sobre vampiros, a pesar de la negativa de su esposo, y aprende que para matar al vampiro una mujer de corazón puro debe entregarse voluntariamente antes de que cante el gallo. Finalmente, Nosferatu se dirige hacia ella, quien se entrega voluntariamente a él precisamente cuando el gallo inicia su canto. Nosferatu muere en una nube de polvo y con él, la plaga.
Historia Murnau quiso realizar una adaptación cinematográfica de la novela Drácula, de Bram Stoker, pero su estudio no logró hacerse con los derechos de la historia. De modo que decidió filmar su propia versión de la novela y el resultado es una película que tiene un gran parecido con la historia original de Stoker. El nombre de "Drácula" se cambió por el de "Nosferatu" y también se cambiaron los nombres de los personajes: el Conde Drácula es aquí el Conde Orlok, por ejemplo. Su papel fue interpretado por Max Schreck (Schreck significa terror en alemán). Harker es Hutter, Mina es Ellen y la Inglaterra victoriana es la ciudad de Viborg, o de Bremen en la versión francesa, así como también en la inglesa. Sin embargo, la viuda de Stoker demandó la película por infracción de derechos de autor y ganó el juicio.
El tribunal ordenó que se destruyeran todas las cintas de Nosferatu, pero un reducido número de copias de la película ya había sido distribuido por todo el mundo y permanecieron escondidas por particulares hasta la muerte de la viuda de Bram Stoker.
Con el paso de los años se hicieron más copias de esas cintas (algunas de muy baja calidad y con cortes importantes). Nosferatu se labró la reputación de ser una de las mejores películas sobre el mito del vampiro y uno de los máximos exponentes del Expresionismo alemán. Rodada en escenarios naturales, una práctica poco habitual ésta que la aleja de los postulados del cine expresionista alemán, abundantes planos de Nosferatu están inspirados en pinturas románticas.
Ahora, la obra Nosferatu de Murnau pertenece al dominio público y existe un gran número de copias en vídeo, generalmente de muy baja calidad ya que provienen de copias hechas a partir de otras copias de las primeras cintas distribuidas para la exhibición internacional. Muchas de ellas presentan diferencias notables de metraje, puesto que en cada país se exhibió una versión diferente de la película. Así pues, la copia francesa no es la misma que la alemana, por dar un ejemplo. No obstante, recientemente se han publicado ediciones restauradas de la película en las que se ha recuperado casi todo el metraje completo de la película original. La reconstrucción más fiel de la película fue presentada en el Festival de Berlín de 1984.
Etimología El significado original de la palabra nosferatu es difícil de determinar. No hay duda de que alcanzó difusión popular a través de la novela de Bram Stoker; Stoker halló el término en cierta obra del escritor y orador británico del siglo XIX Emily Gerard, quien la introdujo en un capítulo de su obra Supersticiones de Transilvania (1885) y en su crónica de viajes La tierra más allá del bosque (1888) (la “tierra más allá del bosque” es literalmente lo que significa Transilvania en latín). Se alude a ella simplemente como el vocablo rumano para designar al vampiro; Stoker empleó el término como un calco del inglés undead o no-muerto. Esta atribución es patentemente falsa, puesto que la palabra nosferatu carece de significado conocido (aparte del introducido por la novela y las películas) en ninguna fase histórica del rumano.
Una etimología alternativa sugiere que el término proviene originalmente de los nosóforos griegos (*νοσοφορος), es decir, de los agentes transmisores de enfermedades. Esta derivación podría tener sentido cuando se observa que en varias naciones de Europa Central los vampiros eran considerados difusores de epidemias. La película de Murnau incide particularmente en el tema de la enfermedad, y su creatividad como director pudo haber sido influenciada por esta etimología. Otra teoría sugiere que la palabra significa “respiración,” un derivado del spirare latino. Una posibilidad final es que la forma que Gerard ofrece sea un término rumano bien conocido pero mal transcrito, o posiblemente un mala interpretación de los sonidos de la palabra debido a la familiaridad limitada de Gerard con la lengua. Dos candidatas a servir de origen a nosferatu son necurat (“sucio”, asociado generalmente con lo oculto) y nesuferit (“insufrible”). La forma determinada masculina nominativa de un sustantivo rumano en la declinación a la cual ambas palabras pertenecen se corresponde con la terminación ” - UL ", así que habría que hablar con propiedad del necuratul y el nesuferitul (traducibles como “el diablo” y “el insufrible”, respectivamente).
Homenajes En 1979, Werner Herzog dirigió una revisión de Nosferatu, Nosferatu, el vampiro de la noche. Filmado con un presupuesto escaso, como era habitual en Alemania durante los años 1970, el Nosferatu de Herzog fue un éxito de crítica y es considerado un sentido homenaje a la película original de Murnau, con Klaus Kinski en el papel principal, acompañado de Isabelle Adjani y Bruno Ganz.
En el año 2000 se rodó La sombra del vampiro, que es una historia ficticia sobre el rodaje de la versión muda de Nosferatu. Protagonizada por John Malkovich y Willem Dafoe, se trata de una historia fantástica de horror en la que un director (Murnau, interpretado por Malkovich) crea una película de vampiros completamente realista gracias a que contrata a un auténtico vampiro (interpretado por Dafoe) para que interprete el papel del vampiro.
Ficha técnica Dirección F.W. Murnau Producción Enrico Dieckmann - Albin Grau Guión Henrik Galeen y (sin acreditar) Günther Krampf Fotografía Fritz Arno Wagner Escenografía Albin Grau Vestuario Albin Grau Reparto Max Schreck - Gustav von Wangenheim - Greta Schröder - Alexander Granach - Georg H. Schnell - Ruth Landshoff - John Gottowt - Gustav Botz - Max Nemetz - Wolfgang Heinz - Albert Venohr País Alemania Año 1922 Género Terror Duración 94 minutos
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A Man for All Seasons (titulos en castellano: "Un hombre para la eternidad" (España) y "Un hombre de dos reinos" en México y el resto de Hispanoamérica), película dirigida por Fred Zinnemann en 1966, narra los últimos años de la vida del hombre de leyes, estadista, escritor, humanista, traductor y filósofo Santo Tomás Moro (Londres, 1478-1535), padre, junto a Maquiavelo y otros, del pensamiento político moderno gracias a su libro "Utopía".
La película ganó 6 Óscar en 1966 y 7 BAFTA en 1968. Está basada en una obra de teatro de Robert Bolt, guionista también de la película. Se representó con éxito durante años en Londres. De hecho, el actor principal, Paul Scofield, un veterano actor teatral, representaba a Tomás Moro también sobre el escenario. La primera versión de esta obra fue escrita por Bold en 1954 para la BBC Radio. Adaptada para la escena, se estrenó en Londres en el Globe Theatre (hoy Gielgud Theatre) el 1 de julio de 1960. En Broadway, el estreno tuvo lugar el 22 de noviembre de 1961, en el ANTA Playhouse. Paul Scofield, que ya había representado el papel protagonista en el West End londinense, también actuó en Broadway en el año 1962, ganando un Tony Award.
Argumento En la película se ve a Tomás Moro, negándose a reconocer a pesar de su fidelidad al rey Enrique VIII, la nulidad de su matrimonio con Catalina de Aragon (quien solo le había dado una hija sana) para que éste pudiera casarse con Ana Bolena ("Ana de los 1000 días" en otra película), hecho que acaba provocando la ruptura entre la Iglesia de Roma y la Iglesia de Inglaterra en 1534.
Muestra la encrucijada de Moro por tener unos fuertes principios morales y religiosos que le impedían dejar de reconocer a la iglesia y al Papa de Roma; y a la vez sentir fidelidad hacia la corona y a su patria, ceder a los chantajes que le venian por parte de Enrique VIII, rey que hacía la ley a su medida y que estaba tan dispuesto a ejecutar a los que consideraba traidores, como sumamente dolido de que su principal pensador le llevara la contraria.
A pesar de ser el mas valioso consejero real, tiene que renunciar a sus cargos publicos (fue canciller), luego es acusado de alta traición al no reconocer a su rey como maxima autoridad de la iglesia por una ley escrita “ex profeso” para que así lo hiciera, después fue encarcelado en la Torre de Londres, “juzgado” (es un decir...) y condenado a muerte. Otros dirigentes europeos presionaron para que se le salvara la vida, como el Papa o el rey Carlos I de España (V de Alemania), quien veía en él al mejor pensador del momento, pero no sirvió de nada y fue decapitado el 6 de julio de 1535. La Iglesia Católica Romana le concede el título de Santo por su defensa de la fe.
Comentarios sobre la Pelicula Un hombre para la eternidad es el tercer gran icono de la carrera cinematográfica de Zinnemann (”Solo ante el peligro”, “De aquí a la eternidad”) y la segunda de estas tres en cuanto a galardones se refiere, seis Oscar en total para esta producción estadounidense.
Nuestro hombre para la eternidad es Thomas More (Santo Tomás Moro para la Iglesia Católica) y sobre él y su conflicto con el rey de Inglaterra, Enrique VIII, versa toda la película. Desde el inicio del conflicto matrimonial hasta su desenlace final, Zinnemann nos lleva de la mano a través de caminos oscurecidos por las intrigas políticas y las luchas de intereses entre personajes clave de la Historia, en un mundo alejado del nuestro en el tiempo pero no en esencia. Quizá este camino pueda parecer, a ojos del espectador acostumbrado a ritmos vertiginosos y florituras técnicas, un tanto farragoso y espeso pero en verdad, la cinta, por cierto adaptación de una obra teatral de Robert Bolt, nos muestra con claridad y eficacia cómo se desarrolló la trama del cisma anglosajón. Tal vez la única pega la encontremos en la excesiva carga moral de la película, encumbrando sin medidas la figura de More como incorruptible hombre y mejor cristiano. Si bien es cierto que su forma de actuar puede ser ejemplo atemporal en un mundo movido por el interés, el film no duda en acrecentar y ensalzar hasta convertir la moral de Thomas en el centro y fin de la obra.
Aunque la película en sí pueda parecer aburrida, lenta o pesada (la sucesión de movimientos en el tablero político se alarga necesariamente) se trata en realidad de un acercamiento interesante y veraz al conflicto matrimonial que desencadenó en la aparición de la tradición anglicana que todavía hoy perdura en las Islas Británicas. Especialmente destacable en ella son los papeles de los protagonistas, entre los que encontramos un breve pero intenso Orson Welles en el papel del Canciller y Cardenal Walsey; un genial Paul Scofield en el papel protagonista, después de haber sido recuperado para el cine por Zinnemann; y un incomparable Robert Shaw que nos deleita con una colección de matices interpretativos entre los que destaca su especial énfasis en mostrarnos los cambios de humor y las veleidades del monarca Enrique.
Por último me resulta inevitable acudir al recurrente y facilón juego de palabras a la hora de loar la obra de este gran director. Pues Zinnemann demostró en estas tres citadas obras ser un verdadero Cine-man, aunque en su Austria natal hubiésemos de llamarlo Kino-Mann.
Premios Oscar Een la entrega de los oscar de 1966 recibe los siguientes premios: Oscar a Mejor película; Mejor director (Fred Zinnemann); Mejor actor (Paul Scofield); Mejor guión adaptado (Robert Bolt); Mejor fotografía ((color) Ted Moore); Mejor diseño de vestuario ((color) Elizabeth Haffenden y Joan Bridge)
Ficha técnica Dirección Fred Zinnemann Producción Fred Zinnemann Guión Robert Bolt Música Georges Delerue Fotografía Ted Moore Montaje Ralph Kemplen Reparto Paul Scofield - Wendy Hiller - Leo McKern - Orson Welles - Robert Shaw - John Hurt País Reino Unido Año 1966 Género Drama Duración 120 min. Distribución Columbia Pictures
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Con la muerte en los talones supone el cuarto trabajo de dos grandes figuras del cine de todos los tiempos, el director Alfred Hitchcock y el actor Cary Grant. Anteriormente habían realizado juntos "Encadenados", "Sospecha" y" Atrapa a un ladrón", aunque la que ha obtenido mayor éxito de público y crítica ha sido ésta.
Argumento
Roger Thornill (Cary Grant) es un publicista que es confundido con un agente de los servicios secretos estadounidenses que le persiguen. Intentando buscar una explicación, acude a la sede de la ONU para hablar con un diplomático que puede aclarar la confusión, pero mientras hablan es asesinado, y todas las sospechas recaen sobre él. Desde ese momento se verá obligado a intentar resolver el crimen a la vez que huye de los espías y de la policía. A ello le ayudará una bella joven (Eva Marie Saint), perteneciente a los servicios secretos.
Lo mejor
Algo que no hace falta ni decirlo: disfrutar de una de las mejores películas de un genio del cine como es Hitchcock y de un gran actor como Cary Grant. Y si encima tienes la ocasión de verlos juntos, no se puede pedir más. - La edición en DVD contiene un documental de cómo se rodó en el que se cuentan varias curiosidades, como el hecho de que la escena en el Monte Rushmore se hizo en plató con una réplica porque no les dieron permiso al considerar un sacrilegio que se rodasen escenas con disparos y persecuciones en tan mítico lugar, o que la entrada de Cary Grant en la ONU se grabó a escondidas desde una furgoneta porque estaba prohibido por razones de seguridad.
Lo peor
La censura. Desde Estados Unidos se evitó todo tipo de referencias sexuales. España tampoco se quedó atrás. Cuando los dos protagonistas están en el compartimento del tren besándose de una forma no muy "casta", las voces de los dobladores son distintas. Al menos tenemos la suerte de que la edición recuperada para el DVD sea la original. - Puede resultar poco creíble la relación entre los dos protagonistas, ya que se ve que él es bastantes años mayor que ella, o con la madre, que se ve que en la realidad no podrían ser madre e hijo (de hecho la diferencia de edad entre ellos era de sólo un año).
Escenas resaltables
La de la persecución de la avioneta fumigadora. Si normalmente en una película de suspense el protagonista se ve acorralado en sitio cerrado y oscuro, Hitchcock decidió darle la vuelta y coloca a Cary Grant a pleno sol, en mitad de un campo de maíz, sin diálogo y prácticamente sin ningún sonido, y siendo perseguido por una avioneta que intenta matarle, consiguiendo así una de las escenas más logradas y recordadas de la historia del cine.
Concluimos
"Con la muerte en los talones" es una película típicamente hitchcockiana en la que encontramos todos los elementos característicos en la obra de este director: hombre inocente que es confundido con alguien culpable y que es perseguido sin saber qué hacer y sin poder acudir a la policía, quien también le persigue; el personaje de la mujer rubia que ayuda al protagonista y de la que se enamora; el clásico mac-guffin, en esta ocasión el título (North by northwest, es decir, Norte al noroeste, no tiene nada que ver con la película); los típicos detalles cómicos, como la escena de la subasta de arte... Esta película ha sido en muchas ocasiones considerada como una de las mejores de la historia del cine, cosa que no es exagerada en absoluto. De hecho, pocas películas han conseguido tener escenas tan recordadas como ésta: el vuelo de la avioneta fumigadora, la entrada en la sede de la ONU o la persecución en el monte Rushmore.
Curiosidades En el inicio de la película, se hace referencia a que está rodada en formato Vistavisión, que sólo es ofrecido en cines. Se trata de una referencia clara a la competencia que por aquel entonces (1959) comenzaba a hacer la televisión. Por este motivo comenzaron a rodarse las películas en formatos panorámicos y con gran colorido, ya que la televisión del momento no podía competir con esto. - Si, como yo, tienes la manía en cada película de Hitchcock de buscar en qué escena aparece, en ésta la búsqueda acaba muy pronto, en los rótulos de inicio. Desde que Hitchcock comenzó a tener éxito en Hollywood, se fue adelantando su aparición en las películas porque decía que en ocasiones la gente estaba más pendiente de encontrarle a él que de seguir la trama, y saliendo en los primeros minutos hacía que el espectador dejase de buscarle y así se concentrase en la historia que se le contaba. - La frase de Eva Marie Saint "nunca discuto de amor con el estomago vacio" fue doblada posteriormente en la versión original de la película. Si se leen sus labios podemos verla decir "nunca hago el amor con el estómago vacio" (por ROCIO VALLADARES)
- Oscar al mejor guión original - Estreno (USA): 17 de julio de 1959.
Ficha técnica Dirección Alfred Hitchcock Producción Herbert Coleman - Alfred Hitchcock Guión Ernest Lehman Música Bernard Herrmann Fotografía Robert Burks Reparto Cary Grant - Eva Marie Saint - James Mason- Martin Landau País Estados Unidos Año 1959 Género Suspenso Duración 136 minutos
Tiempos modernos es un largometraje de 1936 dirigido, escrito y protagonizado por el célebre actor Charles Chaplin. La película constituye un retrato de las condiciones desesperadas de empleo que la clase obrera tuvo que soportar en la época de la Gran depresión, condiciones promovidas, en la visión dada por la película, por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena. En la película también intervienen Paulette Goddard, Henry Bergman, Stanley Sandford y Chester Conklin. La película muestra escenas de corte futurista de la factoría en la que trabaja Charlot que podrían haber sido influenciadas por el film Metrópolis de Fritz Lang.
Tiempos modernos fue un filme a caballo entre el cine mudo y sonoro. Se incluyeron algunos efectos sonoros en la película, como música, cantantes y voces provenientes de radios y altavoces así como la sonorización de la actividad de las máquinas. Al final del film puede escucharse brevemente la voz de Charles Chaplin, que canta una versión de la canción de Léo Daniderff, Je cherche après Titine, pero con una letra sin sentido, conocida como "Charabia", cuyos sonidos tratan de asemejarse a una mezcla de francés e italiano, con alguna palabra reconocible en inglés.
Considerado como un ejemplo de filme de crítica social, el mismo Chaplin negó la relevancia que muchos han querido darle a su trabajo en este largometraje
Comentarios y Argumentos de la Pelicula Puede decirse que Modern Times (Tiempos modernos, 1936) fue la película que cambió por completo la imagen que hasta ese momento todo el mundo tenía de su creador, el genial Charles Chaplin. Casi se diría que un nuevo Chaplin estaba aflorando: si bien se mantenían su brillo, su encanto y su gracia, afloraba un perfil más bien abrupto y conciso. Sin duda, esto se debía a que el artista se sentía profundamente en desacuerdo con el curso que las cosas estaban tomando a medida que la “modernidad” avanzaba; y Chaplin estaba ansioso de compartir sus reflexiones acerca de esta temática con su público fiel.
En Modern Times, encontramos a un Chaplin identificado específicamente con los años de la Depresión, y con los alarmantes efectos que el industrialismo causaba en la humanidad. Y la manera más adecuada (acorde a su pensamiento) de dar a conocer sus reflexiones, fue rescatando del pasado a su famoso personaje del “Carlitos vagabundo”, y lanzándolo a un mundo ultramecanizado, donde hasta las cosas aparentemente simples se tornan difíciles, si no se cuenta con la experiencia y entrenamiento adecuados para hacerles frente.
Desde todo punto de vista, Chaplin creó un argumento en el cual su personaje podría, una vez más, dar rienda suelta a todo su carisma y atropello, con la diferencia de que en este caso la película no trataría de ser un simple entretenimiento, sino una feroz crítica al avance industrial no controlado.
El film comienza mostrando un día de trabajo en una fábrica, llevándonos enseguida a conocer los percances que un obrero (aparentemente inepto para hacer algo bien) sufre al no poder adaptarse a una maquinaria a la cual ha sido afectado. Su incapacidad de manejar una cinta transportadora desencadena risibles consecuencias: no sólo paraliza la cadena de montaje al descentrar un tornillo que supuestamente debía ajustar, sino que él mismo queda atrapado dentro de una máquina a la que debía alimentar, amén de terminar el día laboral totalmente enloquecido, luego de pasar largas horas alivianando tuercas.
Lógicamente es despedido, y vuelve a causar alboroto cuando en su nuevo empleo cae de un camión agitando una bandera roja que señaliza “peligro”, y se ve de repente liderando una manifestación comunista que lo toma por líder, terminando sus huesos en la cárcel. Al salir de prisión, conoce por casualidad a una pobre trotacalles (Paulette Goddard, actriz con la que se casó durante la producción), y luego de ayudarla a escaparse de la policía y las autoridades de minoridad que la persiguen, se muda con ella a un tugurio cerca del puerto. Consigue trabajo como guardia de un gran almacén, y allí él y la muchachita disfrutan divirtiéndose inocentemente. Pero unos rufianes que advierten que el custodio no es tan “despierto” como debería entran a robar, y nuevamente Chaplin termina tras las rejas, responsabilizado de todo.
Cuando finaliza su condena y sale en libertad, el desdichado hombre se amarga al enterarse que su joven protegida, apremiada por la necesidad, está trabajando en un cabaret. Sin dudarlo, se emplea allí como mozo y cantor (y es aquí donde por primera y única vez en toda la película se escucha sonido, en la forma de una maravillosa canción que Chaplin creó utilizando diferentes dialectos y que él mismo entona), obteniendo singular acogida.
Pero la felicidad para los pobres vagabundos es efímera, ya que la policía y las ligas de defensa juvenil llegan al lugar, teniendo ambos que escapar tan rápido como pueden. Y la última escena que podemos ver de la película nos muestra a la pareja, sin dinero ni futuro pero felices de estar juntos, caminando hacia ningún lado, con rumbo incierto...
Esta es una de las imágenes inolvidables que el séptimo arte nos ha legado. Nos “disculpamos” en este caso por haber contado todo el argumento de la película, algo que no solemos hacer en MOMENTOS INOLVIDABLES, pero era necesario para que pudieran apreciar la importancia del momento dentro del film. De todas formas, la escena en que Chaplin “enloquece” al ritmo de la máquina infernal podría bien encajar en esta sección.
Muchos estudiosos de la vida de Charles Chaplin consideran que con esta película el director se alejó por completo del molde conceptual (la comedia simplona) que le había dado fama, y que los valores aquí existentes estaban totalmente cambiados. Pero si analizamos el film a fondo, observaremos que los ingredientes reinantes son los mismos de los tantos cortos que Chaplin realizó: el vagabundo sigue siendo el mismo, con su carácter tragicómico en extremo, y su compañía también, una pobre huérfana de la calle que se aferra a él contra viento y marea. Y el entorno que los rodea se repite: las frías calles, el sórdido submundillo de la pobreza, y las fuerzas incomprensivas de la ley, siempre dispuestas a terminar de un manotazo las ilusiones alcanzadas por los desvalidos protagonistas.
Además, la lucha desigual que Chaplin tiene con la inmensa maquinaria que debe manejar es un paralelismo con todas aquella dificultades que el actor tenía que sortear en cientos de sus películas anteriores, proyectada aquí en escala gigantesca. De igual manera, la alocada coreografía que montó para dar vida a la escena en que Carlitos huye despavorido de decenas de grises operarios y supervisores en la fábrica posee la misma agilidad y ritmo constantes que Chaplin utilizó en películas anteriores, cuando escapaba de la policía que lo perseguía.
En lo que sí innovó el genio fue en la utilización por vez primera de sonido en la película, aunque se trate solamente de una canción. Audaz como siempre, Chaplin se animó a filmar una película en la que prácticamente no hay diálogo, ocho años después de haberse universalizado el cine sonoro. Pero, para asegurarse el suceso, Chaplin trabajó por primera vez con un guión escrito, con el objeto de lograr continuidad en un campo desconocido para él, y recuperar su inversión de un millón y medio de dólares.
El contenido social y político de Modern Times fue (y es) considerado controvertido en extremo: unos alabando sus “virtudes proletarias”, y otros condenando su “propagandismo comunista”. Pero en lo que sí todos concuerdan es que la intención de Chaplin fue satirizar la deshumanización ocasionadas por los avances de la tecnología y de la industrialización, y no ponderar el capitalismo.
Del mismo modo y con la misma crítica social que esgrimiría con la maestría de su estilo habitual cuatro años más tarde para atacar al Nazismo, en su primer film totalmente sonoro, The Great Dictator (El gran dictador, 1940). Lejos de embanderarse en cualquier ideología política, el mensaje que Chaplin nos deja en la película es claro, y lo plasma fehacientemente en la maravillosa escena final: el héroe y la heroína solamente ansían escaparse de estos “tiempos modernos”, y abrazar una vida promisoria de aventuras, amor y simplicidades. (Por Fabián Cepeda (www.hollywoodclasico.com))
Ficha técnica Dirección Charles Chaplin Producción Charles Chaplin - Regent (United Artists) Guión Charles Chaplin Música Charles Chaplin Fotografía Rollie Totheroh - Ira Morgan Reparto Charles Chaplin - Paulette Goddard - Henry Bergman - Chester Conklin - Lloyd Ingraham País Estados Unidos Año 1936 Género Comedia/Romance Duración 87 minutos Productora United Artists
Ver un trozo de la Pelicula Tiempos Modernos (1936)
"The Philadelphia Story", conocida en castellano como "Pecadora equivocada" en Argentina y como "Historias de Filadelfia" en España, es una película basada en la obra teatral del mismo título de Philip Barry.
Argumento y Comentarios La acción de Historias de Filadelfia tiene lugar en una mansión señorial de Filadelpia (Pensilvania), en 1939, durante 24 horas. Narra la historia de Tracy Lord (Katharine Hepburn), hija de una familia acaudalada, muy conocida en la ciudad, divorciada de C.K. Dexter Haven (Cary Grant). Es de temperamento indómito, mandón, vanidoso y caprichoso. Dos años después del divorcio está a punto de volver a contraer matrimonio con George Kittredge (John Howard), un hombre oscuro, aburrido y mediocre. Para inmortalizar la celebración una pareja de periodistas, Macauley Connor (James Stewart) y Elizabeth Imbrie (Ruth Hussey), son invitados por C.K. Dexter Haven a tan esperado evento.
La historia comienza con una escena retrosprectiva -rodada bajo los cánones del cine mudo y que ya forma parte de la historia del cine- que explica el acalorado final del primer matrimonio de Tracy, que rompe un palo de golf de Dexter y éste, irritado, la empuja haciéndole caer al suelo. Esta escena deja claras las líneas en las que se basa el film: el carácter ingobernable y obstinado de Tracy y las ansias de venganza de Dexter.
Dexter, confabulado con una revista sesacionalista del corazón -Spy-, perpetra un montaje que permite el acceso a la casa de los Lord, el día antes de la boda, de un periodista, Macauley "Mike" Connor (James stewart), y de una reportera gráfica, Elizabeth "Liz" Imbrie (Ruth Hussey).
Tracy se verá enfrentada a una inesperada situación, en la que cree que ha de elegir entre un novio del que no está enamorada, un admirador entrañable y un ex-marido que la irrita con su forma de ser . Pero en realidad, el problema al que se enfrenta Tracy es otro: la alternativa de madurar, adquirir tolerancia y comprensión, contener sus arrebatos de furia y convertirse en un ser humano -como ella dice al final-, o seguir igual. El proceso de reflexión y decisión es complejo por la falta de tiempo, los prejuicios y la guerra de sexos que mantiene con varios hombres. La trama y la subtrama -el lío escandaloso del padre con una jovencita y la amenaza de su publicación- son conducidas por el director con delicadeza, gracia e ingenio.
Magnífico guión que constituye el plato fuerte del film junto a las interpretaciones y perfecta dirección de actores de George Cukor, al que la genialidad del equipo le permitió rodar la película en ocho semanas sin necesidad de repetir tomas. La trama y subtrama están perfectamente dibujadas. Los diálogos son polifónicos, rapidísimos y brillantes, irónicos y llenos de sofistificación, gracias al extraordinario trabajo de J. L Mankiewicz. Con una música excelente, un fotografía que sobresale por su magnífico dibujo y el manejo del color -claroscuro, fondos oscuros, negros/blancos intensos, brillos, etc.-, y una dirección que impone elegancia, sutileza y un fino sentido del humor - hablo de sonrisas-.
Poco hay que decir de las interpretaciones. Con tres de sus actores nominados por la película: Ruth Hussey -me encanta su personaje, y además está guapísima-, James Stewart -impecable, ganó el Óscar- y Katharine Hepburn -quizás el papel de su vida-; un Cary Grant imponente -todavía no entiendo cómo nunca ganó un Óscar- y con toda una galeria de fantásticos secundarios, esta comedia alcanzó el grado de clásico imperecedero.
El final, y como buena comedia romántica sofisticada, como no, tenía que ser el mejor posible, con una Tracy dispuesta a cambiar y donde la historia termina de poner a cada uno en su sitio. (fuente: guionoriginal.blogspot.com)
Ficha técnica Dirección George Cukor Ayudante de dirección Edward Woehler Dirección artística Cedric Gibbons Producción Joseph L. Mankiewicz Guión Donald Ogden Stewart Música Franz Waxman Sonido Douglas Shearer Fotografía Joseph Ruttenberg Montaje Frank Sullivan Vestuario Adrián Reparto Cary Grant, Katharine Hepburn, James Stewart, Ruth Hussey, John Howard País Estados Unidos Año 1940 Género Comedia Duración 112 min.
Doctor Zhivago es una película estadounidense de 1965, dirigida por David Lean, con Omar Sharif en el rol principal. Está basada en la novela Doctor Zhivago, de 1957, del escritor ruso Boris Pasternak (Premio Nobel de Literatura 1958).
Argumento La película está narrada por un general de la policía secreta soviética, Yevgraf Zhivago (Alec Guinness), medio hermano de Yuri Zhivago (Omar Sharif), a la que cree que es hija de éste, Tonya Komarovskya (Rita Tushingam). La trama principal se desarrolla entre 1905-1921.
Yuri Zhivago es un médico y poeta en la época del advenimiento de la Revolución rusa. Está casado con Tonya (Geraldine Chaplin), una joven de la alta burguesía que le quiere y le admira. Durante la Guerra Civil Rusa, la mansión familiar en Moscú es requisada y ocupada por otras familias. La situación se torna insostenible para ellos. Reaparece Yevgraf Zhivago y les recomienda salir de Moscú y viajar a la mansión de campo de la familia, en Varikino. Después de una odisea, viajando en un vagón de ferrocarril atestado, la familia logra trasladarse a su casa de campo, pensando en pasar el duro período de la guerra civil allí. Cuando llegan a la casa se enteran de que ha sido confiscada por el gobierno revolucionario y se ven obligados a refugiarse en una cabaña cercana. Logran pasar un tiempo en paz y Zhivago comienza a escribir poesía y a visitar la biblioteca del pueblo cercano, Yuriatin. Allí se encuentra con Lara (Julie Christie) a quien había conocido en difíciles circunstancias en Moscú, y posteriormente durante la Primera Guerra Mundial, cuando él servía como médico militar y ella como enfermera. Su relación con Lara se transforma en una relación amorosa.
Todos sus movimientos y actividades son vigilados por los funcionarios soviéticos. Tonya queda embarazada y Yuri decide terminar su relación con Lara. Después de una triste despedida regresa a Varikino y es sorpresivamente reclutado a la fuerza por un pelotón de caballería soviético, y debe seguirlos en su campaña. Después de dos años, deserta y regresa a Varikino en busca de su familia, pero allí se entera de que han emigrado a Francia y que su rastro se ha perdido. Yuri se reencuentra con su antiguo amor, Lara. Juntos, más la hija de Lara, deciden irse a vivir a la casa de campo en Varikinno. Es el período del crudo invierno ruso y Zhivago decide desobedecer la confiscación y rompe los maderos que tapiaban la casa, para refugiarse allí. Pasa el tiempo y la guerra llega nuevamente, obligando a Lara a huir junto a su hija. Yuri no se entera nunca de que Lara espera un hijo de él. Regresa a Moscú, donde su medio hermano Yevgraf le consigue un puesto en un hospital. Pasan los años, y un día, viajando en el tranvía, Yuri ve a Lara caminando por la calle y desesperadamente trata de detener el transporte y correr tras ella. Ocurre entonces un inesperado final.
La película termina con el regreso a la escena primera, donde la muchacha (Rita Tushingam) dice no recordar a su madre y que quien supone es su padre la había abandonado durante un bombardeo. Luego de crecer en un orfanato, había encontrado su actual trabajo, donde se desarrolla la escena. Yevgraf comprende que hay que dar tiempo al tiempo y la deja ir. La última escena ocurre con el alejamiento de la muchacha y su novio. Yevgraf nota que ella lleva una balalaika al hombro y le pregunta si toca bien, y el novio le responde que era una virtuosa y que había aprendido por sí misma. Yevgraf comenta: ¡Entonces es un don!. La madre de Yuri también interpretaba con maestría el instrumento y se decía que tenía el don.
Comentarios Se rodó básicamente en España, más concretamente en Madrid y Soria, con el sistema de filmación en color Metrocolor, característico de la Metro-Goldwyn-Mayer. En Madrid se rodaron las escenas moscovitas en lo que actualmente es la calle de Silvano a la altura del cementerio de Canillas, en aquel entonces campo abierto, en donde construyeron un decorado de unos 20.000 m² que recreaba Moscú, con su trazado de vías de tranvía electrificado, por donde circulaban incluso dos tranvías cedidos por la Empresa Municipal de Transportes. También se rodó en la estación de ferrocarril de Las Delicias. En Soria se rodaron prácticamente todos los exteriores, empleando para ello todas las líneas de ferrocarril que por entonces estaban en uso. Se rodaron escenas ferroviarias en los siguientes escenarios: Estación de Soria-Cañuelo / Candilichera (Campo de Gómara) / Villaseca de Arciel (Campo de Gómara) / Navaleno (Pinar Grande) / Villar del Campo / Matamala de Almazán
Las escenas de la residencia de Varíkino fueron rodadas en Candilichera. En algunos países, este film estuvo en cartelera mucho tiempo, siendo récord de taquilla. Durante varios años, las compañías de cinematógrafos la re-estrenaron a petición del público.
La presa que sale al final de la película es la de Aldeadávila de la Ribera, en la provincia de Salamanca. Las escenas del entierro, al principio de la película, con unas montañas al fondo, están rodadas en la provincia de Granada. Las escenas de invierno se rodaron principalmente en Finlandia, cerca de la frontera con la entonces URSS. (wikipedia.com)
Ficha técnica Dirección David Lean Producción Carlo Ponti - David Lean - Arvid Griffen Guión Robert Bolt Música Maurice Jarre Fotografía Freddie Young Montaje Borman Savage Vestuario Phyllis Dalton Reparto Omar Sharif - Julie Christie - Geraldine Chaplin - Tom Courtenay - Alec Guinness - Rod Steiger - Ralph Richardson - Rita Tushingham - Klaus Kinski - Siobhan McKenna - Jeffrey Rockland País Estados Unidos Año 1965 Género Drama Duración 197 minutos Productora Metro-Goldwyn-Mayer
La ventana indiscreta (en inglés: Rear Window) es una película dirigida por Alfred Hitchcock en 1954, protagonizada por James Stewart y Grace Kelly. Está basada en un cuento de William Irish, "La ventana de enfrente". La película obtuvo cuatro nominaciones a los Oscar, al mejor director, mejor fotografía en color, mejor guión y mejor sonido.
Argumento "La ventana indiscreta" es una adaptación de un relato corto de Cornel Woodrich. Se trata de un tributo al cine y al cinéfilo, partícipe de las pequeñas historias cotidianas de un vecindario a través de la mirada que ofrece el director. La película cuenta la historia de un reportero gráfico, L.B. Jeffries, interpretado por James Stewart, que tras un accidente se encuentra convaleciente en una silla de ruedas sin poder moverse. El protagonista, incapaz de moverse, se dedica a observar por la ventana la vida del vecindario como entretenimiento: una bailarina, un matrimonio que duerme en el balcón, un viajante y su doliente esposa, una mujer solitaria, un músico fracasado y una pareja de recién casados. En un momento dado, Jeff sospecha que se haya cometido un crimen en un apartamento de enfrente, y implica a su novia, su enfermera y su amigo policía para que le ayuden a resolver el caso. Por otro lado, la película plantea la narración de la extraña relación entre Jeff y su bella y adinerada novia Lisa (Grace Kelly), donde ella busca que el noviazgo termine en matrimonio, mientras que él es incapaz de comprometerse por su temor a la responsabilidad y la atadura. Se trata de una magnífica puesta en escena de la contidianeidad explotando, no sólo la trama de intriga y asesinato, sino también la inconformidad de los intereses femeninos y masculinos. Las ventanas de la película son visiones cargadas de ironía del comportamiento social americano, lo que le da el tono humorístico al film, y al mismo tiempo pone en solfa la moralidad del fotógrafo o de los periodistas en general a la hora de inmiscuirse en la vida privada de los demás.
Hitchcock que domina el juego de planos, ángulos y movimientos, no deja de presentar situaciones cuando menos inverosímiles para ponerse una vez más a prueba. "La ventana indiscreta" supone la cima de esta inverosimilitud donde tiene que contar una historia a través de la relación de unos personajes que se encuentran en un lugar cerrado. Sin embargo, destaca una magnífica utilización del tiempo y una brillante fotografía, que convierten a ésta, en uno de los mejores trabajos de este director. En cuanto a la interpretación de los actores, todo se nos cuenta a través del punto de vista de un "mirón" instalado en un magnífico James Stewart, y con grandes actuaciones de Grace Kelly, así como del resto de los secundarios.
Cameo Alfred Hitchcock aparece en el minuto 26 de la película, arreglando un reloj en el departamento del compositor, mientras el compositor está tocando una melodía en su piano.
Legado Brian De Palma le hace un homenaje con su filme Body Double (Doble cuerpo) (del cual le agrega toques del filme Vertigo). La película de 2001 "Head Over Heels" protagonizada por Freddie Prinze Jr., trata de una chica que cree que un hombre comete un asesinato, la trama es parecida a este filme, como también la película de 2007, Disturbia (Paranoia, en Latinoamérica) - en esta película no hay accidente sino un arresto domiciliario y el sospechoso no tiene esposa. De Marcos Bernstein "The Other Side of The Street" (2004) también hace una referencia a Rear Window, pero con una vuelta de tuerca en Brasil. Varias series de televisión animadas como Tiny Toon Adventures (Donde el Pato Plucky está con la pierna enyesada en un hospital cree que Elmer Gruñón planta unas plantas mutantes), Rocket Power, Los Simpson (en el episodio Bart of Darkness), La vida moderna de Rocko, Home Movies, That 70's Show, The Venture Bros, Clarissa Explains It All y Alf le rinden homenajes de distintas maneras. De Robert Zemeckis "What Lies Beneath" es otra película que le rinde tributo a ésta y otras películas de Hitchcock. De Woody Allen "Manhattan Murder Mystery", donde Allen y su esposa sospechan que su vecino había asesinado a su esposa son forzados a investigar por sí mismos donde no se lo toman en serio, se dice que está basado también en Rear Window. En "Mujeres al borde de un ataque de nervios", Pedro Almodóvar también le rinde tributo a esta joya cinematográfica cuando el personaje de 'Pepa' (interpretado por Carmen Maura) se sienta en una banca de la calle a espiar el edificio en el que vive su amante. Grace Kelly
Ficha técnica Dirección Alfred Hitchcock Producción James C. Katz, Alfred Hitchcock Guión John Michael Hayes, basado en una historia de Cornell Woolrich Música Franz Waxman Fotografía Robert Burks Montaje George Tomasini Reparto James Stewart - Grace Kelly - Wendell Corey - Thelma Ritter - Raymond Burr - Judith Evelyn País Estados Unidos Año 1954 Género Suspense Duración 112 minutos Productora Paramount Pictures Presupuesto US$ 1,000,000
How Green Was My Valley, conocido en castellano como ¡Qué verde era mi valle! es un drama costumbrista dirigida por el estadounidense John Ford, y resultó la gran triunfadora del año 1941 en los Óscar, al obtener cinco estatuillas. La ganadora del Oscar vencio a la mítica "Ciudadano Kane" (Citizen Kane), fue este magistral melodrama que narra la vida de una familia minera de Gales, vista bajo los ojos de Huw Morgan, su miembro más joven. Un bello canto a los valores familiares que arrancó el alma del best-seller de Richard Llewellyn.
Argumento y Comentarios El propio título y los primeros planos aparecidos junto a una voz en off, ya nos indican que se trata de una película de claro tono nostálgico. No está ambientada en el Monument Valley y sus protagonistas no son John Wayne ni Henry Fonda, pero “¡Qué verde era mi valle!” responde a las mismas características y al mundo personal del resto de la filmografía de John Ford. Con una alegoría de gran belleza, nos presenta el verdor del valle como reflejo del amor sincero y de la unión familiar de entonces… frente a la negrura del carbón, imagen de la pobreza interior que el director vislumbra en una sociedad que se va diluyendo en la búsqueda del bienestar material y la riqueza.
La pelicula comienza con los recuerdos de Huw Morgan (Roddy McDowall) de sus años de infancia, cuando su valle de Gales era aún verde, cuando su familia permanecía unida. Lo hace de un modo sencillo y profundamente agradecido a la figura de su padre, “que no me enseñó ninguna cosa inútil”, añorando aquellos momentos en que todos se reunían en torno a la mesa. Ante todo, es un homenaje a la familia de su querida Irlanda, numerosa y de espíritu cristiano: en todos los personajes se respira verdadero cariño, sentido de servicio y un gran respeto a la autoridad del padre. Mientras la hija mayor ayuda a su madre, los cuatro hermanos trabajan en la mina junto al cabeza de familia para llevar a casa el jornal necesario para el sustento. Son felices aun en condiciones materiales precarias… y eso se ve en sus rostros, en sus bromas, en la convivencia familiar. Solo el abuso del patrón de la mina resquebrajará por momentos esa unidad, cuando dos de los hijos se nieguen, en conciencia, a seguir los dictados del padre: se suman a la huelga y se van de casa, mientras todos sufren esa ruptura como si de una herida en sus propias carnes se tratara.
El padre (Donald Crisp) sufre con resignación la soledad y la incomprensión del pueblo, que le acusa de esquirol. Pero tiene a su lado a Bronwen (Anna Lee), una mujer fuerte y fiel que se enfrenta a todo el vecindario para salvar el honor de su marido. En ese preciso momento, ella y su hijo pequeño sufren un accidente y, como consecuencia, cogen una grave pulmonía que hará temer por su vida. Es algo que la sociedad actual calificaría de desgracia y tragedia, pero… que en los años evocados en “¡Qué verde era mi valle!” supone una ocasión para manifestar su plena confianza en Dios y aceptarlo como venido de Él: no en vano, la enfermedad servirá para volver a unir a la familia y “para aprender a amar y madurar”, como les dirá el nuevo clérigo. En esos momentos duros, el sufrimiento les une más que nunca, y solo la necesidad de buscar trabajo o el devenir de la propia vida les obligará a separarse, siempre con la esperanza de volverse reunirse en el Cielo. A este respecto, resulta elocuente la respuesta dada por Ford cuando, en una entrevista, se le pregunta acerca del motivo por el que daba tanta importancia a la familia en sus películas: “¿Tiene usted madre, ¿no?”, contestó secamente.
Si Ford homenajea a la familia, también lo hace a la comunidad del pueblo unido en solidaridad. Tras unos primeros momentos de disensiones a la hora de acatar las directrices del patrón, al final estarán todos juntos, dispuestos a bajar a la mina a rescatar a los vecinos atrapados arriesgando incluso su vida. La ambientación social e histórica del momento es otro de los grandes logros de Ford. En plena revolución industrial, las minas de Gales suponen un marco geográfico en que las clases sociales están muy diferenciadas y donde se ofrecen los primeros movimientos de resistencia al poder patronal. Esto es una realidad pero sería un error juzgar ese momento con nuestras categorías actuales: los personajes sienten esa injusticia y esa rebeldía natural les lleva a exigir sus derechos, pero lo hacen según la mentalidad del momento, de tímido enfrentamiento o de resignación al lugar en que ocupan en la sociedad, y eso queda bien reflejado por Ford. Es una sociedad de clases porque las diferencias y restricción de derechos es algo evidente, pero se trata de un entorno y una injusticia que no lleva a la revolución sangrienta porque no existía una conciencia de odio ni de enfrentamiento (un director de orientación marxista hubiera dado, sin duda, otro derrotero al conflicto vivido). Junto a ello, contemplamos el fenómeno de la aventura americana que emprenden algunos de los hijos, como tantos otros europeos asumieron por entonces.
Si no fuera por la riqueza interior de la mayoría de los personajes, la película se nos presentaría como cruel y pesimista. Son varias las situaciones duras y dramáticas que van sucediéndose: abusos y una situación laboral difícil, tragedia en el río y muerte en la mina, un matrimonio infeliz y un ambiente de calumnias, emigración y desarraigo familiar… Todo es visto y grabado a fuego en el alma de un niño que lo recuerda ahora sin odio pero con nostalgia.
Los rasgos autobiográficos de la película son muchos y el propio Ford así lo ha reconocido al decir “soy el menor de trece hermanos, y debieron pasarme las mismas cosas; yo siempre me portaba como un niño fresco”. Ciertamente, sabemos que su propia familia conoció lo que suponía la emigración a un país nuevo y que también se apoyó en los valores tradicionales y cristianos para llevar las dificultades de la vida con garbo. Abundan, por otra parte, escenas emotivas y cargadas de humanidad. Podrían destacarse la del reencuentro de madre e hijo después de meses de enfermedad, la de la audacia del joven Huw al ofrecerse como cabeza de familia a la esposa del minero muerto, o aquella en que los hijos mayores parten para América a buscar trabajo. Sin embargo, la más conseguida quizá sea la de la boda de Angharad: todos aparecen en un primer plano, mientras en otro más general se ve al clérigo Mr. Gruffydd, solo e inmóvil, al pie de un árbol, incapaz de hacer nada por evitarlo.
Aunque inicialmente la película estaba pensada para William Wyler e incluso llegó a comenzar la preproducción, “¡Qué verde era mi valle!” tiene todas las características del cine de Ford, con una condensación narrativa digna ya de un maestro, unos ligeros picados y contrapicados con carga expresiva, o una cuidada fotografía en blanco y negro que da dramatismo a las escenas que lo requieren. También destaca el excelente decorado del pueblo, con una profundidad en su calle principal que es digna de elogio. Supuso el segundo Óscar para el director, además de llevarse otros cinco más, entre ellos a la mejor película y mejor guión. Por último, diremos que la película termina al modo teatral, porque a Ford le agradó la idea de que sus personajes volvieran a salir… para despedirse del público. Sin duda un bello final tras la dramática pero bella escena de recuperación de los cuerpos fallecidos en la mina. (miradadeulises.com)
Ficha técnica
Dirección John Ford Ayudante de dirección Edward O'Fearna Producción Darryl F. Zanuck Guión Philip Dunne Música Alfred Newman Sonido Eugene Grossman - Roger Heman Fotografía Arthur C. Miller Montaje James B. Clark Escenografía Thomas Little Vestuario Gwen Wakeling Efectos especiales Fred Sersen Reparto Walter Pidgeon - Maureen O'Hara - Anna Lee - Donald Crisp - Roddy McDowall - John Loder - Sara Allgood - Barry Fitzgerald - Patric Knowles País Estados Unidos Año 1941 Género Drama Duración 118 minutos Productora y Distribución20th Century-Fox
High Noon, conocida en idioma castellano como A la hora señalada (Argentina) y Solo ante el peligro (España), es una película estadounidense de 1952, del género western, dirigida por Fred Zinnemann, protagonizada por Gary Cooper, Grace Kelly, Lloyd Bridges, Katy Jurado, Thomas Mitchell. La acción se desarrolla en el transcurso de un día. Ganó cuatro Premios Óscar y cuatro premios Globo de Oro y otros importantes premios más.
Argumento Will Kane (Gary Cooper), sheriff durante muchos años de un pequeño pueblo llamado Hadleyville, se acaba de casar con Amy (Grace Kelly), una joven cuáquera. Él ha renunciado como sheriff y está realizando los aprontes para abrir un negocio. Pero se esparce la noticia por el pueblo que Frank Miller (Ian MacDonald), un criminal que Kane había atrapado y llevado ante la justicia, llegará al pueblo en el tren del mediodia. Miller había sido sentenciado a prisión, pero su condena le fue perdonada por razones que no se explican en la película. En la corte de justicia, Miller juró vengarse de Kane y de todo el que se entrometiera en su camino. Su banda de pistoleros compuesta por tres forajidos lo esperan en la estación. Los habitantes del pueblo se preocupan por Kane, y le aconsejan que se vaya del pueblo. Lo mismo le dicen los amigos que le rodean.
Kane y su esposa dejan el pueblo, pero Kane sufre una crisis de conciencia considerando que el deber está por encima de todo y regresa. Recupera su insignia y trata de buscar a alguien que lo ayude a enfrentar a los bandidos, pero sus amigos se niegan a involucrarse en la pelea. Su ayudante, Harvey Pell (Lloyd Bridges), renuncia. Sólo su antigua amante, Helen Ramírez (Katy Jurado) lo apoya, pero él considera que es muy poca la ayuda que ella le puede prestar. Enojada, ella vende su negocio y se prepara a irse del pueblo. Su esposa Amy lo amenaza con partir en el tren del mediodía con o sin él, pero él se niega a darse por vencido.
Finalmente, Kane se enfrenta solo a los cuatro pistoleros. Abate a dos de los hombres de Miller, y cae herido en el episodio. Tanto Helen Ramirez como Amy abordan el tren, pero Amy desciende al escuchar el sonido de disparos. Amy finalmente elige entre la vida de su esposo sobre sus creencias religiosas, y mata al tercer pistolero disparándole a la espalda. Miller la toma como rehén y le ofrece a Kane negociar un acuerdo. Kane accede, saliendo al descubierto. Amy, le clava sus uñas en la cara a Miller, con lo cual se libera. Kane le dispara a Miller y lo mata. Luego, cuando los habitantes del pueblo comienzan a salir de sus escondites y refugios, Kane arroja su insignia de sheriff al suelo y se va del pueblo en compañía de su esposa. algunas imagenes de la pelicula
Curiosidades *En septiembre de 1951, durante el rodaje, el guionista Carl Foreman debió presentarse ante el Comité Parlamentario sobre Actividades Antiamericanas. Como se negó a brindar información, pasó a integrar las listas negras. *Como él mismo contó en reiteradas oportunidades, la historia de la película es una alegoría de su situación personal. Cuando tuvo que declarar ante el Comité Parlamentario sobre Actividades Antiamericanas, Foreman se sintió solo, como el sheriff Will Kane en la ficción. *Esta cinta ganó dos Globos de oro por mejor guión y mejor actriz de reparto para Katy Jurado. *Por ser la primera cinta de Grace Kelly, su crédito iba abajo del de la mexicana Katy Jurado con quien tuvo un altercado durante la filmación, ya que no aguantaba la mirada de Katy Jurado y trastabillaba en lo que fue la última escena para ambas, al final tuvieron que filmar sus partes en forma separada. *El corte final de la película estuvo a cargo del montajista Elmo Williams, a quien el director Fred Zinnemann le había dejado algunas indicaciones. *Después del estreno, Howard Hawks y John Wayne se sintieron ofendidos por la película: no les pareció verosímil que un sheriff pidiera ayuda. En las películas clasicas del genero western Río Bravo y El Dorado, realizada por Howard Hawks se cuentan historias en las que los sheriffs se niegan a pedir ayuda para hacer su trabajo.
Ficha técnica Dirección Fred Zinnemann Producción Stanley Kramer - Carl Foreman Guión Carl Foreman Música Dimitri Tiomkin Fotografía Floyd Crosby Reparto Gary Cooper - Grace Kelly - Lloyd Bridges - Katy Jurado - Thomas Mitchell - Ian MacDonald País Estados Unidos Año 1952 Género Western Duración 85 minutos Productora Stanley Kramer Productions Distribución United Artists
Aunque a Graham Greene se le propuso desde el primer momento una película ambientada en la Viena de posguerra, con la firme presencia de las cuatro potencias ocupantes, Greene tuvo en un primer momento que escribirlo en forma de novela, única manera, según él, de planificar mejor el guión. Luego, fue reelaborado en conjunto por Greene y Korda, asegurando el primero que la versión de la película era claramente mejor que la del libro (incluyendo el final, que es distinto), el cual, sin embargo, fue editado de todas maneras, y es también un clásico de la literatura.
La aportación de ideas de Orson Welles a Carol Reed en la película parece evidente. Welles tuvo problemas con sus producciones en Hollywood y decidió dar el salto a Europa donde dirigió y colaboró en diferentes proyectos, entre ellos éste de Carol Reed. Su primera aparición en pantalla (el movimiento de una lámpara que muestra a Harry Lime ante la sorprendida cara de Cotten) ha sido considerada como la mejor presentación de un personaje en la historia del cine. Por otro lado, tampoco se tiene que olvidar la persecución en los alcantarillados de Viena, donde la película alcanza su cenit ante la excelente actuación de Welles.
Esta Pelicula fue rodada en London Film Studios (Shepperton, Inglaterra) y los exteriores en Austria. 
Ilustre aparición de Orson Welles entre las sombras e inolvidable su discurso sobre los Borgias y el reloj de cuco. Un clásico incomparable de la historia del cine. 
