An american in Paris (‘un estadounidense en París’) es una película estadounidense dirigida por Vincente Minnelli. Ganadora de la version de 1951 al oscar por mejor pelicula, Mejor guión original (Alan Jay Lerner), Mejor vestuario en color (Orry-Kelly, Walter Plunkett y Irene Sharaff ) y Mejor decoración en color (E. Preston Ames, Cedric Gibbons, F. Keogh Gleason y Edwin B. Willis)
Análisis
George Gershwin dijo de su composición en Un americano en París: "Mi propósito aquí es retratar las impresiones de un estadounidense que visita París; mientras pasea por la ciudad, escucha varios ruidos callejeros y absorbe el ambiente francés... La primera parte está desarrollada en un estilo típicamente francés, a la manera de Debussy o el grupo de los Seis".
El resultado de la película (y su consiguiente triunfo) situó en la Metro Goldwyn Mayer en la auténtica productora referente del musical de la década de los 50 (sustituyendo a las grandes obras maestras de la RKO). Por otro lado, Vincente Minnelli y Gene Kelly sorprendieron a todo el público ofreciendo una nueva concepción del musical, basado en el conjunción de la fotografía, el decorado con la coreografía y los protagonistas. En el caso de Gene Kelly, alcanzaría su culminación dos años más tarde con Cantando bajo la lluvia.
Argumento
Un musical tan brillante y maravilloso que reúne el talento de Gene Kelly el productor Arthur Freed y la dirección maestra de Vicente Minnelli para llevar a la pantalla toda la magia de una obra cinematográfica considerada como una de las mejores producciones de Hollywood. Kelly interpreta a un pintor americano que vive en el París de la postguerra enamorado de una atractiva dependienta de una tienda de perfumes(Leslie Caron en su magnífico debut cinematográfico). Las secuencias de baile y la música de Gershwin acentúan el romanticismo de la conquista de Kelly. Y el número musical final de diecisiete minutos, combinado con la sinfonía, los impresionantes decorados y el talento único de Kelly para contar una historia a través del baile consiguieron que "Un Americano en París" obtuviera un lugar en la historia de las mejores peliculas.
Ficha Tecnica Dirección Vincente Minnelli Producción Arthur Freed Guión Alan Jay Lerner Música George Gershwin - Johnny Green - Saul Chaplin Fotografía John Alton - Alfred Gilks Montaje Adrienne Fazan Escenografía E. Preston Ames - Cedric Gibbons F. Keogh Gleason - Edwin B. Willis Vestuario Orry-Kelly - Walter Plunkett - Irene Sharaff Reparto Gene Kelly - Leslie Caron - Oscar Levant - George Guetary - Nina Foch - Ernie Flat - Alex Romero - Dick Humphries País Estados Unidos Año 1951 Género Musical Duración 115 minutos Compañía Productora Metro-Goldwyn-Mayer Ver Pelicula Un Americano en Paris, escena de la pelicula
Centauros del desierto o The Searchers (USA) En "Centauros del desierto" se narra la larga búsqueda de dos niñas raptadas por los comanches emprendida por su tío (John Wayne) y su hermano adoptivo (Jeffrey Hunter). El dominio en la narración cinematográfica de John Ford, con tendencia al lirismo, la siempre excelente dirección de actores, la roturación psicológica de sus caracteres y la sabia utilización de los recursos técnicos (fotografía de Winton C. Hoch, música de Max Steiner) y escenarios (magistral plasmación del Monumental Valley) para enfatizar la fuerza emocional del relato, son algunos de los elementos fílmicos que hacen de "Centauros del desierto" uno de los grandes títulos de la obra del maestro Ford.
Temáticamente aborda una historia de tintes trágicos, con momentos equilibrantes de humor, historia en la que se nos hace partícipes de la hondura psicológica de un personaje degradado y confuso, interpretado por John Wayne en su mejor actuación, un ex-militar confederado llamado Ethan Edwards, retratado impecablemente por John Ford, quien también nos sumerge en el usual catálogo psicológico de caracteres dotados con todos los valores del mundo fordiano, entre ellos, la familia, el honor, el humor, la amistad o el deber. Ethan, pieza angular del film, se nos presenta como un hombre tosco, vengativo y amargado, pero no exento de cinismo, abiertamente racista, con un hondo y exagerado odio hacia los indios. Es también un nómada solitario, un perdedor sin hogar, (perdió la guerra, perdió a su gran amor, que al final se casó con su hermano), con dificultades para encajar en la civilización de posguerra y afán de redención. Un personaje que se aleja en medio del polvo del desierto sin un claro destino, mientras su contexto, feliz e ilusionado con su futuro, sin ni siquiera advertir su silenciosa marcha, cierra inconscientemente la puerta de la esperanza, una puerta que unos años antes le había visto entrar desde ese peregrinaje eterno que parece corresponder a su estigmatizado pasado. "Centauros del desierto", una película muy aclamada por muchos cineastas, entre ellos Scorsese o Coppola, es uno de los títulos clave de la historia del western.
Ficha Tecnica
Título Original: The Searchers (USA) Director: John Ford Guión: Frank S. Nugent Música: Max Steiner Reparto: John Wayne, Jeffrey Hunter, Vera Miles, Ward Bond, Natalie Wood, John Qualen, Olive Carey, Henry Brandon, Ken Curtis, Harry Carey Jr. Género: Western Duración: 119 min. Product / Distrib: Warner Bros. Pictures
Vértigo se rodó entre septiembre y diciembre de 1957 en los estudios Paramount y los exteriores en San Francisco. Basada en la novela D’entre les morts (De entre los muertos) de Pierre Boileau y Thomas Narcejac, el guión fue adaptado por el escritor Alec Coppel, y reescrito posteriormente por Samuel Taylor, un autor teatral de la época. No obstante, el detalle de trasladar la acción de Francia (donde transcurre la novela) hasta San Francisco fue idea del propio Hitchcock. El film debía ser protagonizado por Vera Miles (Psicosis), pero al quedar ésta embarazada, y al no poder contar con Grace Kelly, que hacía poco que se había convertido en Princesa de Mónaco, se optó por contratar a Kim Novak. Su partenaire masculino sería uno de los actores predilectos del cineasta: James Stewart.
La trama del film es la siguiente: John “Scottie” Ferguson (Stewart) es un detective de la policía de San Francisco, que decide dejar el cuerpo tras un accidente en el que muere un compañero suyo por salvarle la vida en el tejado de un edificio. Tras este suceso Scottie descubre que padece acrofobia, es decir, miedo a las alturas. Poco más tarde un antiguo amigo, Gavin Elster (Tom Helmore), le llama para que vigile a su esposa Madeleine (Novak), quien parece estar poseída por el espíritu de su bisabuela, Carlota Valdés, muerta exactamente cien años antes. La sigue a sitios tan dispares como una floristería, un museo, un hotel, un cementerio, y hasta la bahía de San Francisco, donde junto al Golden Gate Bridge está a punto de suicidarse. A raíz de esto traban una profunda amistad que poco después se convertirá en una irrefrenable pasión. Un día Madeleine le habla de un sueño donde aparece una antigua misión española, y Scottie, conocedor del lugar, le dice que ese sitio existe y la lleva hasta allí. Madeleine se escapa corriendo hacía la iglesia y sube al campanario. Scottie a causa de su vértigo no puede seguirla y poco después la ve caer al vacío. Ha pasado el tiempo, y Scottie (aún tremendamente deprimido) se topa por la calle con Judy Barton (Novak) que es la doble perfecta de Madeleine, pero con algunas diferencias de carácter y físicas. Scottie decide transformar a Judy en Madeleine, y cuando lo ha conseguido, descubre por un collar que ambas son la misma mujer. En su afán de hacerla confesar, la lleva a la misión donde “falleció” Madeleine, y una vez allí Judy se lo explica todo, pero un fatal accidente le deja definitivamente sin la mujer de sus sueños.
Estamos ante un film que sin duda fue la historia de amor más hermosa rodada por el autor. James Stewart lo borda en el papel del pasional detective que no se resigna a perder a su amada cuando cree que ha fallecido. Hitchcock nos muestra con una maestría sublime como el detective se va enamorando de la mujer a la que debe seguir. Ya en sus títulos de crédito nos damos cuenta de que estamos ante una obra maestra. Esas imágenes envolventes acompañadas por la fenomenal partitura de Bernard Herrmann nos sugieren lo que el autor espera: una sensación de vértigo que nos pone en antecedente de lo que nos mostrara más adelante en algunas secuencias del film.
En su primera aparición, Madeleine ya se nos presenta como si fuera una autentica diosa, debido a la perfecta iluminación, y a los cuidados movimientos que realiza en una preciosa escena donde Stewart realiza un trabajo impecable entre fascinado y asustado. Una fascinación que veremos crecer en los episodios de la floristería, el museo y sobretodo el cementerio, pero que veremos en su mayor auge en casa de él una vez la ha salvado de su presunto intento de suicidio. Hitchcock nos muestra a un impaciente Scottie, sentado en el sofá de su casa, y va haciendo un recorrido con la cámara por toda la habitación llegando a la cocina, donde vemos colgada la ropa mojada de Madeleine, y sigue desplazándose hasta llegar a la puerta del dormitorio, donde esta la chica. Entramos y la encontramos desnuda en la cama. Con tan poca cosa, Hitchcock nos lo ha dicho todo (no quiere decir esto que tengamos de dudar de la honestidad de Scottie, pero a partir de este momento la atracción ya es mutua).
Importante es el punto donde el director decide desvelar al espectador (pero no a Scottie) que Madeleine y Judy son la misma persona (lo hace a modo de flashback cuando Scottie sigue a Judy hasta su hotel), y por una vez en su cine predomina el desenlace de la historia de amor sobre el caso policial.
Pero sin duda la escena más hermosa de la película es cuando Scottie ha recreado a su adorada Madeleine. Acompañada perfectamente por la música de Herrmann, la escena nos muestra a Scottie anonadado ante la aparición por el umbral de la puerta de la perfecta Madeleine. Después un apasionado beso visualizado en un soberbio giro de 360 grados (para el que los actores fueron colocados sobre una plataforma giratoria consiguiendo así el deseado efecto de que parezca que son las paredes las que se mueven).
Finalmente, impresionante e inesperado (en su primera visión) es el final del film. Después de descubrir toda la farsa, Scottie lleva a Judy al campanario para que confiese, y comprobar si él puede seguir amándola a pesar de todo, pero por intentar arreglar el pasado otro desgraciado accidente (uno más) hará que pierda definitivamente su objeto de deseo. Después de ver caer a Judy, vemos a Scottie paralizado en lo alto del campanario, con los brazos abiertos, impotente ante su nueva desgracia. Su acrofobia se ha curado, pero eso poco importa ya. Hitchcock deja el final abierto para que cada uno piense que va a ser de Scottie ahora que ya no le queda nada. Lo importante ya esta mostrado: el carácter efímero de la ilusión y la fugaz posesión de la felicidad. (Glasso)
Ficha técnica
Dirección Alfred Hitchcock Ayudante de dirección Daniel McCauley Dirección artística Henry Bumstead - Hal Pereira Producción Herbert Coleman - Alfred Hitchcock - James C. Katz (versión restaurada de 1996) Guión Samuel A. Taylor - Alec Coppel Música Bernhard Herrmann Sonido George Dutton Fotografía Robert Burks Montaje George Tomasini Escenografía Sam Comer - Frank R. McKelvy Vestuario Edith Head Efectos especiales Farciot Edouart - John P. Fulton - Wallace Kelley Reparto James Stewart - Kim Novak - Barbara Bel Geddes - Tom Helmore - Henry Jones - Raymond Bailey - Ellen Corby - Konstantin Shayne - Lee Patrick País Estados Unidos Año 1958 Género Intriga Duración 128 min. Presupuesto 2.479.000 $ aprox.
The African Queen, conocida en castellano como La reina africana, en Argentina y Venezuela, y La reina de África en España, es una película británica-estadounidense de 1951, dirigida por John Huston, basada en la novela del mismo título de C. S. Forester; protagonizada por Humphrey Bogart, Katharine Hepburn, Robert Morley, Peter Bull, Theodore Bikel y Walter Gotell en los papeles principales.
Ganó un Oscar al mejor actor principal (Humphrey Bogart), y obtuvo otras tres nominaciones, al mejor director, a la mejor actriz principal y al mejor guión.
Argumento
La Primera Guerra Mundial ha comenzado y en África Oriental Alemana, Charlie Allnut (Humphrey Bogart), un canadiense que se dedica a transportar mercancías por el rio Ulanga con su vieja embarcación, llamada The African Queen, llega hasta una aldea que visita regularmente. Después de ser invitado a tomar un para él, incómodo té, se despide de sus anfitriones, un misionero, el reverendo Samuel Sayer (Robert Morley) y su hermana Rose (Katherine Hepburn). Al poco rato aparece un pelotón de soldados coloniales alemanes, que queman la aldea y se llevan a los habitantes con ellos. Solos quedan el misionero y su hermana entre las ruinas.
Él, agobiado por la destrucción de su congregación por los soldados, enloquece y muere. Charlie aparece nuevamente por la aldea, ya que se ha enterado de otras aldeas destruidas y piensa llevar en su barca al misionero y su hermana para regresarlos a la civilización. Allí se entera de la muerte del misionero y luego de enterrarlo, apura a Rose para abandonar el lugar, ya que supone que los alemanes lo estarán buscando para requisarle su embarcación. Charlie sabe los peligros de la travesía y advierte a Rose, pero ella le dice que está dispuesta a correr el riesgo. Durante el viaje por el río, pasan juntos por varias peripecias. Primero deben pasar frente a un fuerte alemán, donde son sorprendidos y tiroteados por los soldados, una bala destruye una manguera de la máquina y la lancha solo avanza con la corriente del río, pero logran sobrevivir. Entre Charlie y Rose, dos personas adultas, pero sencillas e ingenuas, empieza a nacer una creciente simpatía. Deben luego pasar por un trecho de corrientes turbulentas del río, entre rocas de gran tamaño, la lancha sufre varios desperfectos, que los obligan a detenerse y buscar una manera de repararlos. Rose comienza a fraguar una venganza por la muerte de su hermano, teniendo como blanco la cañonera alemana Empress Louisa que patrullaba las costas del lago Victoria, cuya existencia Charlie le había contado, y lo convence de adaptar La reina de Africa con torpedos improvisados y hundir la cañonera. Pasan por otro trecho difícil, y luego de pasarlo con dificultad, Charlie en su entusiasmo, besa a Rose, quedando luego estupefacto por su acción. Sin embargo, Rose también siente atracción por él y comienza a nacer la pasión entre ellos. La última parte del río, antes de llegar al lago Victoria, es la más difícil, es un delta en el cual se pierden y deben empujar a duras penas la pesada embarcación para poder continuar. Exhaustos, ven como las aguas del río bajan y como el lanchón queda apresado en el limo. Charlie enferma de fiebre y Rose reza una oración por ellos, convencida de que morirán. Una torrencial lluvia cambia la situación, Charlie es despertado por el movimiento de la embarcación, que sigue la corriente creada por la lluvia salvadora. Ya recuperados, ven a la distancia que la cañonera alemana se dirige hacia ellos, y Charlie decide ocultarse junto con la embarcación entre la vegetación. La cañonera se acerca más y más, y de pronto gira y regresa. Se trataba solo que un patrullaje. Rose vuelve a insistir en su plan de torpedear la cañonera, esta vez contando con Charlie. El plan está en plena ejecución y ambos amantes saben que pueden morir en el intento, cuando estalla una tormenta y La reina de Africa se vuelca, separándose la pareja. Charlie es capturado e interrogado por el capitán de la cañonera (Peter Bull), que ordena más tarde su ahorcamiento, acusado de espionaje. En tanto, un bote salvavidas de la cañonera recoge a Rose, para alivio de Charlie, que la creía muerta. El capitán alemán decide entonces ahorcar a los dos. Ya con ambos con la soga al cuello, Charlie le pide al capitán que los case antes de morir, éste acepta, y luego de hacerlo, ordena continuar con la ejecución de ambos. En ese instante, una enorme explosión, causada por el choque de la cañonera con los torpedos de la semihundida La reina de Africa, hunde al navío de guerra. Entre los restos de las naves aparecen Charlie y Rose, milagrosamente vivos. Aferrados a un tablón de La reina de Africa nadan hasta la costa, cantando, buscando continuar con sus vidas.
Ficha técnica
Dirección John Huston Producción Sam Spiegel - John Woolf Guión James Agee - John Huston Música Allan Gray Fotografía Jack Cardiff Reparto Humphrey Bogart - Katherine Hepburn Robert Morley - Peter Bull - Theodore Bikel - Walter Gotell País Reino Unido - Estados Unidos Año 1951 Género Aventuras Duración 105 minutos
ver LA REINA DE AFRICA, trailer oficial 1951 (TCM)
Some Like It Hot (conocida como Una Eva y dos Adanes (Argentina y México) y Con faldas y a lo loco (España) es una comedia de 1959 de Billy Wilder protagonizada por Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George Raft, Pat O'Brien, Joe E. Brown y Nehemiah Persoff. La película fue adaptada por Billy Wilder y I.A.L. Diamond partiendo de una historia de Robert Thoeren y Michael Logan. Logan había escrito la historia (sin gánsteres) para una película alemana, Fanfaren der Liebe (dirigida por Kurt Hoffmann en 1951), así que la película de Wilder es considerada por algunos como un remake. Fue lanzada el 29 de marzo de 1959, distribuida por United Artists (comprada en 1981 por MGM) y costó poco más de 2'8 millones de dólares.
Sinopsis
Dos músicos, Joe(Tony Curtis) y Jerry(Jack Lemmon), presencian la Masacre de San Valentín en Chicago en 1929, hecha por la Mafia. Son perseguidos por los gánsteres, que quieren deshacerse de estos incómodos testigos y al no tener dinero para huir de Chicago, se disfrazan de mujeres e ingresan en una banda de chicas, pasando a llamarse Josephine y Daphne, ambos tienen que pasar desapercibidos e intentar que no se descubra su verdadera identidad. La banda se dirige a Florida. Joe se enamora de la cantante e intérprete de ukelele, Sugar (Marilyn Monroe) y el millonario Osgood (Joe E. Brown), se enamora de Daphne/Jerry, mientras Joe adopta una doble personalidad masculina/femenina y se viste imitando a Cary Grant, finge ser millonario para conquistar a Sugar. La Mafia llega a Miami y surgen más problemas.
Curiosidades
Durante el rodaje, se dice que Marilyn Monroe tuvo serios problemas para recordar su texto. Había que ir colocando su texto por distintos lugares del estudio. Marilyn Monroe estaba embarazada durante la filmación.
Dice la leyenda que Tony Curtis dijo que "besar a Marilyn Monroe es como besar a Hitler". En 2001, negó haberlo dicho nunca.
La película contiene "homenajes" a diversas películas de gánsteres de los años 1930 y una serie de "ironías" acerca de la vida y cultura estadounidense en 1929: divorcios de famosos, la seguridad de la bolsa (ese mismo año se derrumba) y la muerte de Valentino.
Premios
Ganó un Oscar por Mejor vestuario en blanco y negro (Orry-Kelly) y fue nominada para Mejor actor (Jack Lemmon), Mejor dirección de arte-set blanco y negro, Mejor fotografía en blanco y negro, Mejor director y mejor guión.
La película ha sido aclamada mundialmente como una de las mejores comedias jamás hechas (n.º 1 en la Lista de las grandes comedias de la American Film Institute y 14.º en la Lista de las 100 mejores películas americanas). La película ha sido considerada de "significado cultural" por la Biblioteca del Congreso de Washington y seleccionada para su preservación en la National Film Registry.
Frases famosas
* Jerry (como Daphne): ¡No seas bruto, mira lo que has hecho! / Joe (como Josephine): ¿¿Qué?? / Jerry (como Daphne): ¡Has roto uno de mis "salientes"! * Sugar: ¡Verdaderos diamantes! ¡Deben valer su peso en oro! * Jerry (como Daphne): ¡No me comprendes Osgood! Aaah... ¡Soy un hombre!" / Osgood: "Bueno, nadie es perfecto. * Sugar: Es la historia de mi vida, siempre me toca el lado sucio de la paleta. * Sugar: ¿Cómo? No importa donde vaya, siempre habrá una estación Shell en cada esquina. * Joe (disfrazado de millonario): [...] y esos de ahí (trofeos) son de Water Polo" / Sugar: "¡Oh! ¿Y eso no es muy peligroso?/ Joe: "Y tanto que sí, yo ya he ahogado tres caballos"
El musical de Broadway
De esta película surgió "Sugar", el musical de Broadway, se estrenó en 1972 en el Majestic Theatre de New York. Se presentó por 505 funciones protagonizada por Robert Morse, Tony Roberts y Elaine Joyce. En español se presentó en Buenos Aires, protagonizada por Susana Giménez, en Colombia protagonizada por María Cecilia Botero y también se presentó en México.
ver CON FALDAS Y A LO LOCO, trailer de la pelicula
El puente sobre el río Kwai es una coproducción británica- estadounidense de 1957, del género bélico, dirigida por David Lean, protagonizada por Alec Guinness, Sessue Hayakawa, Jack Hawkins y William Holden en los papeles principales. Basada en la novela de Pierre Boulle Le pont de la rivière Kwai.
La historia relatada en el filme es ficción, pero recoge la verdadera historia de la construcción de la línea de ferrocarril de Burma de 1942 a 1943. Fue rodada en el Reino Unido y Ceilán.
Los autores del guión, Carl Foreman y Michael Wilson estaban en la lista negra de la caza de brujas liderada por el senador Joseph McCarthy, acusados de pertenecer a organizaciones comunistas, por lo que hubieron de trabajar secretamente, y su aportación no fue acreditada en la primera versión. Por ello el premio Oscar al mejor guión adaptado, fue a parar únicamente a Pierre Boulle, autor de la novela original. En 1984, la Academia concedió un premio póstumo a los dos guionistas.
Argumento
Durante la Segunda Guerra Mundial, unos prisioneros británicos reciben la orden de los japoneses de construir en plena selva un puente de ferrocarril sobre el río Kwai, en Tailandia. El coronel Nicholson (Alec Guinness), que está al frente de los prisioneros, rehusa hacerlo aludiendo la Convención de Ginebra que prohibe el trabajo forzado de oficiales. El comandante japonés Saito (Sessue Hayakawa) desprecia la actitud del coronel Nicholson y lo obliga a permanecer formado a pleno sol, junto al resto de oficiales. Luego de sufrir el encierro en una choza de metal, el coronel es liberado, para júbilo de los soldados prisioneros. El coronel Saito decide continuar con la construcción, pero fracasa. Nicholson que es un típico oficial británico que busca una forma de elevar la moral y las condiciones físicas de sus hombres, ve el puente como una forma de conseguirlo, teniéndoles ocupados en la construcción y sintiéndose orgullosos de la obra. Logra convencer con argumentos técnicos a Saito, quien forzado por el atraso, acepta. Los prisioneros, que habían tratado de boicotear de muchas formas la construcción del puente, reciben la orden de Nichols de colaborar. Por su parte, un mayor estadounidense, Shears (William Holden), prisionero en el mismo campo, sólo piensa en huir. Lo consigue y logra llegar a las líneas aliadas. En contra de su voluntad, vuelve unas semanas más tarde guiando a una unidad de comandos británicos, bajo las órdenes del mayor Warden (Jack Hawkins), cuya misión es volar el puente construido por los prisioneros, antes de que pase el primer tren japonés.
Música
La película contribuyó a popularizar la Marcha del Coronel Bogey, una melodía militar británica que los soldados del coronel Nicholson silbaban al desfilar. Se ha convertido en un clásico de la música del cine. Esta melodía fue seleccionada por Malcolm Arnold para la banda sonora que compuso para la película y por la que obtuvo un premio Oscar.
Historia real
El puente sobre el río Kwai existió y existe hoy en día y fue construido al costo de más de 200 vidas de prisioneros ingleses, holandeses y australianos y fue destruido por bombas teleguiadas de la aviación estadounidense en 1945. Después de la guerra fue reconstruido en metal.
La película fue la ganadora de 7 Oscar durante la 30º gala. También estuvo nominada a Mejor Actor de Reparto. Recibió los premios a :
* Mejor Película * Mejor Director (David Lean) * Mejor Actor (Alec Guinnes) * Guión Adaptado (Michael Wilson & Carl Foreman - Novela: Pierre Boulle) * Fotografía (Jack Hildyard) * Banda Sonora (Malcom Arnold) * Montaje
Curiosidades
* El coronel Saito existió realmente, pero su verdadero carácter distaba mucho del inhumano y cruel personaje del film. El verdadero Saito era un militar culto, inteligente y humano que trataba a los prisioneros con respeto y compasión. Hasta el punto que, tras la derrota de Japón, Tossey acudió como testigo al consejo de guerra que el tribunal aliado para crímenes de guerra entabló contra Saito y le salvó de la horca con sus declaraciones. Cuando Tossey murió, en 1975, Saito viajó a Inglaterra para visitar su tumba.
* El coronel Nicholson (Alec Guinness) se inspira en la figura real de Philip Tossey, teniente coronel ingeniero del ejército británico. Prisionero de los japoneses, fingió aceptar el encargo de sus captores para construir el puente, aunque en realidad hizo lo que pudo para sabotear la construcción: desde añadir barro al cemento para debilitarlo hasta infectarlo de termitas que él y sus hombres cogían en la selva.
* El guión se basa en una novela del escritor francés Pierre Boulle, el cual se inspiró en hechos reales ocurridos en la selva de Birmania durante la Segunda Guerra Mundial. Los japoneses utilizaron a miles de prisioneros de guerra ingleses, australianos y neozelandeses como mano de obra para la construcción de infraestructuras militares para la invasión de la India británica: entre ellos el puente sobre el río Kwai para el ferrocarril entre Rangún y la frontera tailandesa.
* Se construyó un puente de hierro en plena selva de Ceilán, actual Sri Lanka, sólo para dinamitarlo. Se invirtieron 250.000 dólares y empezaron a hacerlo meses antes de iniciar el rodaje. 500 obreros, 35 elefantes y 8 meses costó levantarlo.
* En lugar de utilizar una maqueta para rodar la destrucción del puente Sam Spiegel (el productor) quiso dar un mayor toque de realismo, construyendo un puente y adquiriendo un tren del gobierno local para destruirlos al final de la película.
* La contratación de Guinness resultó muy complicada hasta el punto de que tras varias negativas del actor británico tuvo que ser el propio Spiegel quien se desplazara a Londres para convencerlo. Más adelante se trasladaron a Tokio para contratar a Sessue Hayakawa. Para la contratación de Holden bastó con enviarle el guión y a la mañana siguiente ya había aceptado (llevándose un 10% de los beneficios en taquilla).
* El papel del estadounidense fue una imposición de los estudios para aprobar la realización de la película. También exigieron la inclusión de un papel femenino.
* La película se rodó en la isla Ceilán, y su presupuesto ascendió a 3 millones de dólares.
* El jefe del poblado que ayuda a los prisioneros era Chakrabandu, quien ayudó en realidad a varios aviadores aliados durante la Segunda guerra mundial, fingiendo trabajar para los japoneses.
* Un camión de combustible que se incendió en las proximidades del puente, con la dinamita ya colocada en él, pudo haber causado su destrucción sin que pudiese filmarse, pero los soldados del ejército singalés que protegían el puente de sabotajes, arriesgaron su vida para desviar el camión de las proximidades del puente.
* Los operarios encargados de filmar la demolición del puente debían dejar las cámaras filmando y ponerse rápidamente a cubierto, haciendo entonces una señal para que se pudiese volar el puente, pero uno de ellos tras guarecerse se olvidó de dar la señal y el equipo de demolición no pudo volarlo, así que el tren atravesó el puente para descarrilar poco después tras chocar con un generador. Tuvieron que trabajar a marchas forzadas para volver a poner el tren en su sitio y en perfecto estado para filmar a la mañana siguiente la secuencia, esta vez sin fallos.
ver EL PUENTE SOBRE EL RIO KWAI, pelicula completa en partes
Sunset Boulevard, o Sunset Blvd. es una película estadounidense de cine negro dirigida por Billy Wilder, que fue también coautor del guión, y estrenada en 1950. Su título original proviene de la célebre avenida que atraviesa Los Ángeles y Beverly Hills. En castellano se estrenó con distintos títulos dependiendo de los países: como El ocaso de una vida (Argentina, México), como El ocaso de una estrella (Argentina), y como El crepúsculo de los dioses (España).
La película narra la historia de una antigua estrella del cine mudo, Norma Desmond (interpretada por Gloria Swanson) que, incapaz de aceptar que sus días de gloria pasaron, sueña con un retorno triunfante a la gran pantalla, para lo cual espera contar con la ayuda de Joe Gillis (William Holden), un guionista que se convierte en su amante. Otros intérpretes destacados son Erich von Stroheim, como el mayordomo de la estrella, y Nancy Olson. Varias figuras destacadas de Hollywood hacen cameos en la película: el director Cecil B. DeMille, la célebre columnista de cotilleos Hedda Hopper y tres celebridades del cine mudo, Buster Keaton, H. B. Warner y Anna Q. Nilsson.
En el momento de su estreno, Sunset Boulevard recibió grandes elogios de la crítica. Fue nominada a once Premios Óscar, de los que ganó solamente tres. Hoy día es considerada un clásico, y a menudo se la cita como una de las obras más relevantes del cine estadounidense. En 1989 fue incluida en la primera selección de filmes estadounidenses considerados dignos de ser preservados por el National Film Registry. En la lista del American Film Institute de las 100 mejores películas del cine de los Estados Unidos, hecha pública en 1998, figuraba en el duodécimo puesto, aunque en una edición más reciente de dicha lista, de 2007, ha descendido al decimosexto.
Género
Tanto por su argumento como por su estilo narrativo y visual, Sunset Boulevard es considerada generalmente como una película de cine negro. Narra los acontecimientos que conducen a un crimen (el asesinato de Joe Gillis) y recurre a uno de los elementos narrativos más característicos del cine negro, el flashback. Sin embargo, el filme contiene elementos de otros géneros, especialmente del cine de terror, del drama psicológico (o el melodrama, por la importancia que tiene la música) y de la comedia de humor negro.
Se ha apuntado varias veces los numerosos elementos del filme que están relacionados con el cine de terror. En un ensayo sobre el guión, el crítico Richard Corliss considera que Sunset Boulevard es la "película hollywoodiense de terror definitiva", observando que casi todos los elementos del guión son macabros ("ghoulish"). La historia es narrada por un muerto a quien en su primer encuentro Norma Desmond confunde con un empleado de pompas fúnebres, y la mayor parte de la acción tiene lugar en "una vieja y oscura casa que sólo abre sus puertas a los muertos vivientes". Compara al personaje de Von Stroheim con el fantasma de la ópera, y a Norma Desmond con Drácula, observando que cuando la actriz seduce a Gillis la cámara se retira discretamente, en "la tradicional actitud que toma el director hacia las seducciones yugulares de Drácula".
En la película hay también elementos de otros géneros. El romance entre Joe Gillis y Betty Schaefer evoca las comedias románticas que para la Paramount dirigieron Mitchell Leisen y Preston Sturges. Las imitaciones que hace Norma Desmond de Chaplin y de las bañistas de Mack Sennett remiten al cine cómico mudo, y la persecución inicial recuerda al cine de gánsteres.
En todo caso, la cuestión del género no era un tema que preocupase especialmente al director de Sunset Boulevard, Billy Wilder. Al preguntársele si Sunset Boulevard era una comedia negra, contestó: "No. Sólo una película".
Citas célebres
Varias de las frases de Desmond, como "De acuerdo, Mr. De Mille, estoy lista para mi primer plano" o "Yo soy grande. Son las películas las que se han hecho pequeñas", son recordadas y citadas a menudo. Los comentarios deliberadamente inexpresivos de Norma Desmond van a menudo seguidos de sarcásticas réplicas de Gillis. La diva aparenta no escuchar algunas de estas réplicas, ya sea porque está absorta en sus propios pensamientos, ya sea porque quiere hacerse la desentendida, así que ciertas frases de Gillis son escuchadas únicamente por la audiencia, con Wilder difuminando la línea entre lo que ocurrió y lo que Gillis cuenta. Por ejemplo, la contestación de Gillis a la frase de que "on las películas las que se han hecho pequeñas" es una frase dicha entre dientes: "Siempre supe que algo iba mal en ellas". Wilder cambia con frecuencia la estructura, con Desmond tomándose en serio los comentarios de Gillis y respondiéndole de este modo. Por ejemplo, cuando ambos discuten sobre el pesado guión en el que la diva ha estado trabajando. "Les encantará en Pomona", dice Gillis. "Les encantará en todas partes", contesta Desmond con firmeza.
Rodaje
El rodaje de preproducción comenzó el 26 de marzo de 1949, en la morgue del condado de Los Ángeles (para la escena inicial de la película, que no formaría parte del montaje final), y continuó hasta el 16 de abril, en diferentes localizaciones (Sunset Strip, los apartamentos Alto Nido y otros lugares de Hollywood y Beverly Hills). El 18 de abril, con el guión todavía inacabado, dio comienzo oficialmente la producción de la película. Por la mañana se rodaron escenas de Joe Gillis (William Holden) en el interior de su apartamento (reconstruido en el estudio), y por la tarde planos de la escena en que Max von Meyerling (Erich von Stroheim) recibe a Gillis a su llegada a la mansión. Swanson no empezó a rodar hasta el día siguiente.
El 19 de junio se dio oficialmente por terminado el rodaje; sin embargo, se reanudó poco después por la necesidad de repetir algunas tomas y rodar escenas añadidas. Volvió a darse por acabado el proceso de filmación a mediados de julio, quedando los meses de verano para el montaje. Wilder, sin embargo, no quedó del todo satisfecho con lo rodado, por lo cual hubo que volver a rodar algunas escenas más en octubre. Todavía el 5 de enero hubo que volver a rodar una de las escenas finales de Norma Desmond.
El presupuesto original de la película era de 1.572.000 dólares. Las demoras en la producción hicieron que dicho presupuesto se sobrepasara en unos 180.000
Ficha técnica
Dirección Billy Wilder Producción Charles Brackett Guión Charles Brackett - Billy Wilder - D. M. Marshman Jr. Música Franz Waxman Fotografía John F. Seitz Montaje Arthur P. Schmidt Vestuario Edith Head Reparto Gloria Swanson - William Holden - Erich Von Stroheim - Nancy Olson - Jack Webb - Cecil B. De Mille - Hedda Hopper - Buster Keaton - H. B. Warner País Estados Unidos Año 1950
Cantando bajo la lluvia es una película musical creada en Las Rocosas, estrenada en 1952. Hecha siguiendo los esquemas clásicos de la Metro, tiene su inspiración en toda la serie de Melodías de Broadway que se fueron realizando en Hollywood en los 77 y 58, coincidiendo con la aparición del cine sonoro.
La pareja de intérpretes Don Lockwood (Gene Kelly) y Lina Lamont (Jean Hagen) es el dúo romántico preferido por todos los cinéfilos del mundo. Sus películas y sus apariciones en público son seguidas por multitud de fans, deseosos de escuchar unas palabras de los ídolos. Cuando la Warner lance la película sonora "El cantor de Jazz" con gran éxito de audiencia, la compañía Monumental querrá también producir película habladas, aunque tienen un grave inconveniente, su gran estrella Lina Lamont tiene una voz estridente y horrible.
Obra Maestra del cine Musical
Obra maestra incontestable del cine musical, uno de los mejores trabajos fílmicos sobre la propia industria del cine y el más conseguido ejemplo de la traslación del cine mudo al sonoro, que maneja con habilidad y humor la gran problemática que supuso para muchas estrellas de la pantalla el salto al cine hablado, ya que tuvieron que ver aparcada su estelar carrera cinematográfica debido a su incapacidad vocal.
Una comedia musical realmente memorable (iniciada con un divertidísimo flashback contradictorio entre la imagen y la voz en off de Kelly) que posee antológicos números musicales escritos por Arthur Freed y Nacio Herb Brown y coreografiados por un siempre brioso Gene Kelly, un espléndido guión de Adolph Green y Betty Condem de diáfano basamento satírico, una fotografía de predominante cromatismo azul de Hal Rosson y una breve pero espectacular presencia de Cyd Charisse en "Broadway Rythm Ballet", el número musical más extenso de la película, que no el más brillante (de hecho es el menos conseguido), ya que estos corresponden a la famosa danza de Kelly bajo la lluvia californiana y especialmente, al glorioso baile de Donald O'Connor interpretando la canción "Make'em laugh".
50 años despues
Más de 50 años después de su estreno, "Cantando bajo la lluvia" sigue siendo la película en la que se contiene toda la historia del cine. En clave de musical, reúne todo lo que fue, es y seguirá siendo por muchos años el arte más completo y emocionante del siglo XX. Gene Kelly puso su maestría como bailarín y actor y Stanley Donen depositó en este título imprescindible toneladas de sabiduría cinematográfica. Es el mejor musical de todos los tiempos, con todos los ingredientes necesarios en el género: baile, canciones que frisan la perfección, emociones.
Sólo por esta película, los aficionados al cine tenemos una deuda eterna con su productora, Metro-Goldwyn Mayer. Una de las secuencias más complicadas de rodar en esta historia, que narra sobre todo la transición del cine mudo al sonoro, fue la final, un momento onírico en el que Gene Kelly baila con Cid Charysse, la dueña de las piernas más impresionantes de la historia del espectáculo. Para rodarla, el equipo trabajó durante dos semanas y la productora invirtió algo más de 600.000 de dólares, una quinta parte del presupuesto total. "Cantando bajo la lluvia" está llena de anécdotas: los 40 grados de fiebre que tenía Gene Kelly cuando hizo la secuencia que da título a la película; el guión, la historia, se escribió tomando como punto de partida las canciones, de manera que de lo que se trataba es de que estas encajaran en la historia; se trabajaba en el plató unas 18 horas diarias; a Gene Kelly se le llevaban los demonios cada vez que veía lo negada que era para el baile Debbie Reynolds.
Cientos de historias para un film que hay que ver obligatoriamente y cuyo original fue destruido en un incendio, sin que la tragedia llegara a más, por fortuna: "Cantando bajo la lluvia" ha llegado a nuestros días sana y salva.
Ficha Tecnica
Dirección Stanley Donen y Gene Kelly Guión Betty Comden y Adolph Green Música Roger Edens y Al Hoffman Fotografía Harold Rosson Reparto Gene Kelly - Donald O'Connor - Debbie Reynolds - Jean Hagen - Millard Mitchell - Cyd Charisse - Rita Moreno País Estados Unidos Año 1952 Género Musical Duración 99 minutos Productora Metro-Goldwyn-Mayer Distribución Metro-Goldwyn-Mayer Presupuesto $125485484
Ver CANTANDO BAJO LA LLUVIA, escena de GOOD MORNING
On the Waterfront (conocida en español como Nido de ratas o La ley del silencio) es una película del director griego-estadounidense Elia Kazan, considerada una de sus mejores obras e incluida con frecuencia entre las mejores películas del cine estadounidense.
Argumento
La obra sirvió para justificar la delación de Kazan, que había testimoniado extensamente frente al Comité de Actividades Antiamericanas dirigido por el senador McCarthy. En la época de la caza de brujas, Kazan, que había formado parte del Partido Comunista, se libró de las represalias por delatar a sus compañeros de profesión. De hecho los sindicatos portuarios que en la época estaban controlados por los obreros de izquierdas aparecen en la película bajo el mando de mafiosos, en una traslación nada casual ni inocente.
Ante el miedo de todos los demás obreros, la figura del delator, Terry Malloy (Marlon Brando), lejos de aparecer como un ser despreciable se eleva a niveles heroicos. Los delatores (Malloy y Kazan) son héroes, aunque no equiparables, mientras Malloy defiende su vida y reacciona ante la muerte de sus amigos, Kazan defendía su estatus social y económico.
Ganadora de 7 premios oscar (12 nominaciones) incluye: Mejor director (Elia Kazan), Mejor actor (Marlon Brando), Mejor actriz de reparto (Eva Marie Saint), Mejor argumento y guión (Budd Schulberg) Oscar al mejor montaje (Gene Milford), Mejor dirección artística (Blanco y negro) Richard Day , Mejor fotografía (Blanco y negro) Boris Kaufman.
Título Nido de ratas (Argentina, México, Venezuela) La ley del silencio (España) Dirección Elia Kazan Producción Sam Spiegel Guión Budd Schulberg Música Leonard Bernstein Fotografía Boris Kaufman Montaje Gene Milford Reparto Marlon Brando - Eva Marie Saint - Karl Malden - Lee J. Cobb - Rod Steiger - Pat Henning - Leif Erickson - James Westerfield - Tony Galento
