Godzilla (1954)

Godzilla (ゴジラ, "Gojira") es una película japonesa de ciencia ficción de 1954, producida y distribuida por Toho Company Ltd., dirigida por Ishiro Honda con efectos especiales a cargo de Eiji Tsuburaya. Fue la primera de muchas películas del “monstruo gigante” (conocidas como kaiju) que se producirán en Japón, en muchas de las cuales Godzilla es el protagonista.

Argumento
El barco de pesca japonés Eiko-Maru es atacado por un relámpago que surge del agua cerca de la Isla de Odo, y se hunde. Envian 2 embaracaciones para investigar y tambien les pasa lo mismo.
Mientras tanto, en la Isla de Odo, los pescadores no logran capturar peces: "Entonces… debe de haber sido Godzilla", dice un anciano. Godzilla es considerado un dios monstruo que vive en las profundidades abisales y asciende para alimentarse de humanos. Durante la antigüedad, siempre que la pesca fuera pobre, los nativos sacrificaban muchachas para evitar que Godzilla atacara la aldea.

Todos los nativos creen que los desastres recientes fueron causados por un monstruo, pero los reporteros siguen siendo escépticos. Mientras que los nativos están durmiendo, una tormenta llega y un monstruo oscuro ataca a la pequeña aldea, causando muerte y destrucción.

El día siguiente, los testigos van al Diet Building en Tokio. El paleontólogo Dr. Kyohei Yamane solicita que un grupo investigador sea enviado a la Isla de Odo, Yamane encuentra huellas gigantes contaminadas con radiactividad junto con un trilobite. Repentinamente, la cabeza rugiente de una criatura enorme, espantosa, parecida a un dinosaurio, se ve sobre la colina. Los aldeanos huyen por sus vidas. El monstruo entonces vuelve nuevamente dentro del océano. (Una escena original de esto era que aparecieron los aldeanos que huyeron para las colinas adonde Godzilla levantó una vaca muerta en su mano. No hay copias sabidas que sobrevivieron de esta escena y solamente algunos cuadros prueban su existencia).

Yamane estudia la evidencia y descubre que las explosiones atómicas recientes despertaron al monstruo, que sobrevivió de alguna manera a los tiempos prehistóricos. El sedimento del monstruo, a que Yamane nombró “Godzilla" por la leyenda de Isla de Odo, contenía una cantidad masiva de Strontium-90, que podía solamente haber venido de una bomba atómica. Después de la presentación de Yamane, un hombre de la muchedumbre sugiere que la información sea hecha pública. Puesto que Godzilla es el producto de armas atómicas, la verdad pudo causar algunas malas consecuencias, puesto que los asuntos en el mundo siguen siendo delicados. Sin embargo, una mujer se opone a la sugerencia de Sr. Ooyama porque la verdad debe ser dicha. Sin embargo, los orígenes de Godzilla son revelados al público.

A la noche, Godzilla aparece otra vez en la Bahía de Tokio y ataca la ciudad. Mientras que el ataque del monstruo fue relativamente corto, causó mucha destrucción y muerte. La mañana próxima, los militares construyen una alta línea de cerca de alambre de púas de 30 metros a lo largo de la costa de Tokio que le dará un shok de 50.000 voltios de electricidad a Godzilla cuando llegue otra vez. Evacúan la ciudad y ponen a los civiles en refugios antibomba. Los militares entonces preparan un bloqueo a lo largo de la línea de la cerca.

Cuando cae la noche, Godzilla emerge en la Bahía de Tokio otra vez. El monstruo pasa fácilmente a través de la cerca eléctrica gigante, sin recibir ninguna lesión. Mientras que Godzilla se abre paso a través de los alambres de alta tensión, arroga un rayo atómico que enciende cualquier cosa en su trayectoria. Los tanques y los militares están desesperados contra Godzilla. Para el final de la noche, la ciudad entera está en un mar del fuego, matanza y los millares de civiles inocentes heridos en la trayectoria del monstruo. Mientras que Godzilla vadea en el mar, una escuadrilla de los Misiles de Fuego lanzados por jets golpean al monstruo, pero éste resulta ileso mientras que desciende de nuevo desde la Bahía de Tokio.

Por la mañana próxima, la ciudad está en ruinas absolutas. Los hospitales están llenos con las víctimas, muchas expuestas a grandes dosis de radiación. Cuando Emiko ve a las muchas víctimas del ataque de Godzilla, ella toma a Ogata a un lado y le dice el secreto oscuro de Serizawa, en esperanza de que pueda hacer algo contra Godzilla. Serizawa le había revelado a Emiko un superarma destructiva llamada "El Destructor de Oxígeno", un arma que disuelve todo el oxígeno en el agua y desintegra cualquier forma de vida que rodea su trayectoria. El arma es aún más destructiva que una bomba atómica. Al conducir su investigación sobre el oxígeno, Serizawa descubrió la energía destructiva del Destructor de Oxígeno. Shokeado por el descubrimiento, Serizawa se había hecho la promesa de nunca revelar su investigación en su forma actual, de modo que pueda encontrar algo que pueda beneficiar a sociedad y no destruirla.

Un serio programa de televisión aparece en el aire, demostrando la devastación causada por Godzilla, junto con los rezos para la esperanza y la paz. Rasgado por lo que él está atestiguando, Serizawa decide en última instancia utilizar su Destructor de Oxígeno, pero solamente una vez. Serizawa entonces quema su investigación, sabiendo que esto será para el beneficio de la sociedad.

El día siguiente, una nave de la marina de guerra se lleva a Ogata y Serizawa para utilizar el dispositivo en la Bahía de Tokio. Serizawa solicita que lo lleven para cerciorarse de que el dispositivo será utilizado correctamente. Ogata rechaza al principio pero pronto acepta. Ogata y Serizawa entonces descienden en el agua y pronto encuentran a Godzilla despierto pero reclinándose. Aparentemente inconsciente de los zambullidores, el monstruo camina lentamente alrededor del suelo marino. Serizawa señala Ogata para emerger cuando él planta el Destructor de Oxígeno. Cuando Serizawa ve morir a Godzilla por el arma destructiva, corta su cuerda y muere con Godzilla, sacrificándose de modo que su conocimiento del arma horrible no sea revelado al mundo. Un Godzilla agonizante emerge, da un rugido final, y cae al fondo, muriendo en el océano.

Aunque Godzilla es muerto, el sonido sigue siendo escuchado. “No puedo creer que Godzilla era el único miembro que sobrevivía de su especie,” dice el Dr. Yamane. “Si seguimos con pruebas nucleares, es posible que otro Godzilla pueda aparecer en alguna parte en el mundo, otra vez.” Pues la gente a bordo de la nave mira al sol, es incierto si la muerte de Godzilla es el final o el principio de una era apocalíptica. Pero eso era justo el principio. Godzilla reapareció en Godzilla Raids Again que fue lanzado en 1955. Y la gente japonesa, especialmente Emiko, recordará siempre al sacrificio del Dr. Serizawa en sus corazones.

Curiosidades
Durante fotografía en una piscina para los efectos especiales, la electricidad fluyó bajo el agua por error, y Haruo Nakajima casi es electrocutado al entrar.
Los fans japoneses llaman a Godzilla en esta película “SYODAI GOJIRA” o "Godzilla de Primera Generación".

Masaaki Tachibana (anunciador de una escena de una torre de acero) pintó su cara con aceite de oliva para aparentar la expresión que sudó por el miedo.
Katsumi Tezuka, un actor de Godzilla, era un jugador profesional de béisbol.

En Japón, la película vendió aproximadamente 9.610.000 boletos, y era la octava película mejor recibida en Japón del año. Sigue siendo la segunda película mejor recibida de Godzilla en Japón, detrás de King Kong vs. Godzilla. Ganó en total aproximadamente 152 millones de Yenes ($2.25 millones USD).

El disfraz de Godzilla pesaba unos 90 kilos y llevarlo puesto era como estar metido en un horno. Haruo Nakajima, el hombre bajo el disfraz, sufrió desmayos, electrocuciones y quemaduras varias, y aún así, repitió papel en entregas posteriores.
La película cuenta con una versión americanizada, estrenada en 1956, en la que el principal cambio es la inclusión de un locutor norteamericano (Raymond Burr, el Perry Mason de la tele), que iba narrando todo lo que hacía Godzilla, por si el espectador estaba tan ciego como para no verlo por sí mismo. La distribuidora también eliminó toda mención a las bombas de Hiroshima y Nagasaki, con lo que se rompía el eslabón de la cadena que convertía a los estadounidenses en “los malos”.

Banda sonora
La cuenta de Akira Ifukube fue lanzada 3 veces durante 13 años. La primera grabación fue lanzada por Futureland Toshiba en 1993, y contuvo casi la cuenta completa de la película, faltando solamente una breve señal de la fuente usada para la escena del barco de placer. El tracklist es como sigue:

- Comienzo de la película.
- Pasos (SFX).
- El hundimiento del Eiko-Maru.
- El hundimiento del Bingo-Maru.
- Inquietud en la Isla Odo.
- Rituales de la Isla Odo (Source Music).
- La Tormenta en la Isla Odo.
- Tema de la Isla Odo.
- Marcha de la fragata I.
- Horror del Tanque Acuático.
- Godzilla va a tierra.
- Furia de Godzilla.
- Difusión mortífera.
- Godzilla va a la Bahía de Tokio.
- ¡Godzilla ataca!
- Tokio devastado (Contains SFX).
- El Destructor de Oxígeno.
- Rezo por la Paz.
- Marcha de la fragata II.
- Godzilla Bajo el Océano.
- Final.


Ficha técnica
Dirección Ishiro Honda
Producción Tomoyuki Tanaka
Guión Ishiro Honda - Takeo Murata
Historia Shigeru Kayama
Música Akira Ifukube
Editor Kazuji Taira
Reparto Akira Takarada - Momoko Kochi - Akihiko Hirata - Takashi Shimura
País Japón
Año 1954
Género ciencia ficción
Duración 98 minutos.
Compañías Distribución Toho

VER TRAILER ORIGINAL DE GODZILLA

FELICES FIESTAS!!!!

Hola CINEATICOS, espero que la hayan pasado muy bien el año pasado y que las fiestas fueren sin novedad, este año se nos viene cargado de emocion, accion, aventuras, ficcion, drama, melancolia y mucho mas... espero sinceramente que disfrutemos juntos del mejor arte del mundo y que nos ayudemos mutuamente, a que seamos mejores hombres y mujeres y que Dios nos ayude (a los que tenemos la dicha de creer) a vivir y a disfrutar mejor de esta vida. FELIZ AÑO 2010

El Tercer Hombre (1949)

El tercer hombre es un película del Reino Unido del año 1949, dirigida por Carol Reed.
Sinopsis
El norteamericano Holly Martins, un escritor de novelas policíacas, llega a Viena cuando la ciudad está dividida en cuatro zonas ocupadas por los aliados de la Segunda Guerra Mundial. Holly llega reclamado por un amigo de la infancia, Harry Lime, que le ha prometido trabajo. Pero el mismo día de su llegada coincide con el entierro de Harry, quien ha sido atropellado por un coche. El jefe de la policía militar británica le insinúa que su amigo se había mezclado en la trama del mercado negro.

Antecedentes
Aunque a Graham Greene se le propuso desde el primer momento una película ambientada en la Viena de posguerra, con la firme presencia de las cuatro potencias ocupantes, Greene tuvo en un primer momento que escribirlo en forma de novela, única manera, según él, de planificar mejor el guión. Luego, fue reelaborado en conjunto por Greene y Korda, asegurando el primero que la versión de la película era claramente mejor que la del libro (incluyendo el final, que es distinto), el cual, sin embargo, fue editado de todas maneras, y es también un clásico de la literatura.

Análisis y crítica
La aportación de ideas de Orson Welles a Carol Reed en la película parece evidente. Welles tuvo problemas con sus producciones en Hollywood y decidió dar el salto a Europa donde dirigió y colaboró en diferentes proyectos, entre ellos éste de Carol Reed. Su primera aparición en pantalla (el movimiento de una lámpara que muestra a Harry Lime ante la sorprendida cara de Cotten) ha sido considerada como la mejor presentación de un personaje en la historia del cine. Por otro lado, tampoco se tiene que olvidar la persecución en los alcantarillados de Viena, donde la película alcanza su cenit ante la excelente actuación de Welles.

Comentarios
Esta Pelicula fue rodada en London Film Studios (Shepperton, Inglaterra) y los exteriores en Austria.
Galardonada con el Gran Premio del Festival de Cannes y con el Oscar a la mejor fotografía en blanco y negro (Robert Krasker), además de estar nominada en las categorías de mejor director (Sir Carol Reed) y mejor montaje (Oswald Hafenrichter ).
Inolvidable banda sonora firmada por Anton Karas. Ilustre aparición de Orson Welles entre las sombras e inolvidable su discurso sobre los Borgias y el reloj de cuco. Un clásico incomparable de la historia del cine.
También es de destacar la fotografía en blanco y negro y los exteriores seleccionados, que muestran diversas facetas de Viena, la hermosa capital austríaca a orillas del Danubio, como la archiconocida noria gigante del Prater (donde tiene lugar el encuentro entre los dos protagonistas masculinos), y la persecución entre las impresionantes cloacas vienesas.

Por todo ello, la película fue considerada la mejor película británica de la historia del cine.

Ficha técnica
Dirección Carol Reed
Producción Alexander Korda
Guión Graham Greene - Alexander Korda
Música Anton Karas
Fotografía Robert Krasker, B y N
Reparto Orson Welles - Joseph Cotten - Alida Valli - Trevor Howard - Paul Hörbiger - Ernst Deutsch
País Reino Unido
Año 1949
Género Drama
Duración 93 minutos

Ver una escena de la pelicula El Tercer Hombre (1949)

Asalto y robo a un tren (1903)

Asalto y robo de un tren (The Great Train Robbery, título original en inglés) es una película rodada en 1903 por Edwin S. Porter

La Pelicula
Oficina del ferrocarril. Unos ladrones sorprenden al radiotelegrafista, lo atan, lo dejan en el suelo y se marchan. Detrás del depósito de agua que sirve para alimentar la máquina se esconden los ladrones, llega el tren, se provee de agua y los ladrones suben. En el interior de uno de los vagones, un empleado escucha el ruido de los ladrones, trata de impedir el robo cuando aquéllos irrumpen disparando sus armas, lo hieren y cae al suelo. Intentan abrir la caja y no pueden. Colocan un explosivo y salen del encuadre. La caja se abre tras la explosión y se hacen con el botín.

El tren se ha parado y los ladrones dan instrucciones al maquinista para que separe la locomotora del resto del convoy. Los viajeros descienden de los ladrones y se colocan en las vías con las manos en alto; los atracadores van robando sus pertenencias. Uno de los viajeros intenta huir corriendo, pero cae abatido por los disparos de los ladrones. Mientras que los ladrones llegan a la máquina, que se pone en marcha y abandona el lugar.
El tren para, se apean los ladrones y bajan por un terraplén en dirección a un bosque. En el bosque se acercan los ladrones, atraviesan un arroyo y llegan hasta los caballos.

En la oficina, el radiotelegrafista trata de incorporarse para dar la voz de alarma, pero cae al suelo. Llega una niña, lo intenta reanimar y desatar.
Por otro lado en un local se celebra un baile de estilo country. Llega el radiotelegrafista, avisa del atraco y salen los hombres corriendo. En un camino en medio del bosque los atracadores huyen perseguidos por otros hombres; se intercambian disparos. Los ladrones están repartiéndose el botín cuando son sorprendidos por sus perseguidores; se produce un tiroteo y los ladrones mueren.
Además, la película se distribuía junto con un plano medio donde el jefe de los bandidos mira a la cámara y dispara, el cual los exhibidores podía insertar al principio o al final de la película, según su propio criterio.

Interés y novedad del filme
En sólo una docena de planos y casi diez minutos de duración (al menos en la versión restaurada por el British Film Institute), Asalto y robo de un tren plantea una historia completa con un desarrollo narrativo y una tensión dramática nuevas para el espectador de la época. El interés y la novedad de este filme en relación con sus contemporáneos radica en su capacidad para articular un lenguaje audiovisual de forma coherente; es decir, para superar la acumulación de tableaux en beneficio de la sucesividad de las acciones. A ello contribuye el raccord entre los planos y las secuencias, como cuando se observa la continuidad de la dirección entre planos B y C de la secuencia 4 (los ladrones salen del encuadre por la izquierda y entran por la derecha) o entre la sec. 4 y la 5 (en ambos casos el tren se mueve de derecha a izquierda). La inserción de las secuencias 6 y 7 en medio de la huida de los ladrones establece una acción paralela que proporciona tensión dramática al texto; tensión incrementada por la ralentización del ritmo mantenido hasta ese momento que supone la secuencia del baile. Por su parte, las imágenes de exteriores insertadas en ventanas en las secuencias primera y tercera otorgan realismo y desteatralización al relato. Los movimientos de cámara, aunque breves, muestran el interés en que sea el encuadre quien esté subordinado a la acción y no al contrario (como era entonces habitual), al mismo tiempo que dirigen la mirada del espectador en función de la acción dramática. A pesar de que el encuadre se mantiene en todo momento en plano general, la puesta en escena permite que los movimientos de los personajes otorguen dinamismo a la acción y varíe la escala, como es evidente en la secuencia 7.
imagen del final de la pelicula

Ficha técnica
Dirección Edwin S. Porter
GuiónScott Marble - Edwin S. Porter
Fotografía Edwin S. Porter - Blair Smith
Reparto A.C. Abadie - Gilbert M. «Bronco Billy» Anderson - George Barnes - Walter Cameron - Frank Hanaway - Morgan Jones - Tom London - Marie Murray - Mary Snow
País Estados Unidos
Año 1903
Género Western
Duración 12 min
Compañía Productora Edison Company

Ver escenas de la Pelicula, Asalto y robo de un Tren (1903)

Nosferatu (1922)

Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (Nosferatu, una sinfonía del horror), conocida en castellano como Nosferatu y Nosferatu el vampiro (España) es una película muda de 1922 dirigida por F.W. Murnau.

Sinopsis
Thomas Hutter es un empleado de una compañía inmobiliaria en Wismar, Alemania, que vive tranquilamente con su esposa. Un día su jefe, Knock, recibe una extraña carta escrita con símbolos que reconoce como del Conde Orlok, quien desea comprar una casa en Wismar. Knock envía a Hutter a los Cárpatos para concretar con el Conde Orlok la venta de la casa. Hutter deja a su esposa Ellen en casa de su amigo Harding y se embarca.

Cerca de su destino, Hutter se hospeda en una posada en la cual menciona que se dirige a ver al Conde Orlok. Todos los presentes se aterran de sólo escuchar el nombre del Conde y tratan de convencerlo de no ir. Hutter encuentra en su cuarto un libro sobre vampiros el cual tilda de supersticioso, pero que mantiene consigo como material de lectura. Al día siguiente parte hacia el castillo. Un cochero contratado lo lleva hasta el bosque que rodea el castillo, pero se niega a cruzar el puente que cruza hacia este. Al rato, un cochero misterioso se identifica como cochero del Conde. Este lo lleva a una velocidad naturalmente imposible. En el castillo es recibido por el Conde Orlok quien le invita una cena, pero mientras Hutter come, éste se dedica a leer la carta de parte de Knock. En un momento, Hutter se corta el dedo y Orlok trata de chuparle la sangre, pero es detenido por el crucifijo que portaba en el cuello. Hutter se queda finalmente dormido y al despertar amanece con dos heridas en el cuello que atribuye a los mosquitos.


La casa de Orlok en Wisborg, para la que se utilizó un almacén de Lübeck.A la noche siguiente concreta la firma de los documentos legales para la transacción de la casa. Hutter encuentra el libro sobre vampiros en su maleta y empieza a sospechar que Orlok es un vampiro. Conforme la noche avanza, Hutter se esconde en su habitación, pero la puerta es abierta por Orlok, quien entra. Al mismo tiempo, Ellen es descubierta caminando dormida y cae en un estado como de coma precisamente después de gritar el nombre de su esposo. El grito parece provocar que Orlok deje de lado a Hutter.


A la mañana siguiente, Hutter explora el castillo y descubre la cripta donde Orlok duerme en un ataúd durante el día. Paralizado por el miedo, logra llegar a su cuarto donde observa, por la ventana, que se están llevando los ataúdes y que en el último va el Conde Orlok. Finalmente, se descuelga por una ventana, pero cae herido. Durante el viaje a Wismar, el barco en que Orlok viaja es invadido por ratas que salen de los ataúdes y sus tripulantes mueren misteriosamente. Por otro lado, Hutter se encuentra en un hospital, del cual trata de escapar para avisar a los pobladores de Wismar acerca de la amenaza que les acecha.

En Wismar, la llegada del vampiro causa una plaga de ratas que causa la muerte de sus pobladores. Hutter también llega y se reúne con su esposa. Ella lee el libro sobre vampiros, a pesar de la negativa de su esposo, y aprende que para matar al vampiro una mujer de corazón puro debe entregarse voluntariamente antes de que cante el gallo. Finalmente, Nosferatu se dirige hacia ella, quien se entrega voluntariamente a él precisamente cuando el gallo inicia su canto. Nosferatu muere en una nube de polvo y con él, la plaga.

Historia
Murnau quiso realizar una adaptación cinematográfica de la novela Drácula, de Bram Stoker, pero su estudio no logró hacerse con los derechos de la historia. De modo que decidió filmar su propia versión de la novela y el resultado es una película que tiene un gran parecido con la historia original de Stoker. El nombre de "Drácula" se cambió por el de "Nosferatu" y también se cambiaron los nombres de los personajes: el Conde Drácula es aquí el Conde Orlok, por ejemplo. Su papel fue interpretado por Max Schreck (Schreck significa terror en alemán). Harker es Hutter, Mina es Ellen y la Inglaterra victoriana es la ciudad de Viborg, o de Bremen en la versión francesa, así como también en la inglesa. Sin embargo, la viuda de Stoker demandó la película por infracción de derechos de autor y ganó el juicio.

El tribunal ordenó que se destruyeran todas las cintas de Nosferatu, pero un reducido número de copias de la película ya había sido distribuido por todo el mundo y permanecieron escondidas por particulares hasta la muerte de la viuda de Bram Stoker.

Con el paso de los años se hicieron más copias de esas cintas (algunas de muy baja calidad y con cortes importantes). Nosferatu se labró la reputación de ser una de las mejores películas sobre el mito del vampiro y uno de los máximos exponentes del Expresionismo alemán. Rodada en escenarios naturales, una práctica poco habitual ésta que la aleja de los postulados del cine expresionista alemán, abundantes planos de Nosferatu están inspirados en pinturas románticas.


Ahora, la obra Nosferatu de Murnau pertenece al dominio público y existe un gran número de copias en vídeo, generalmente de muy baja calidad ya que provienen de copias hechas a partir de otras copias de las primeras cintas distribuidas para la exhibición internacional. Muchas de ellas presentan diferencias notables de metraje, puesto que en cada país se exhibió una versión diferente de la película. Así pues, la copia francesa no es la misma que la alemana, por dar un ejemplo. No obstante, recientemente se han publicado ediciones restauradas de la película en las que se ha recuperado casi todo el metraje completo de la película original. La reconstrucción más fiel de la película fue presentada en el Festival de Berlín de 1984.

Etimología
El significado original de la palabra nosferatu es difícil de determinar. No hay duda de que alcanzó difusión popular a través de la novela de Bram Stoker; Stoker halló el término en cierta obra del escritor y orador británico del siglo XIX Emily Gerard, quien la introdujo en un capítulo de su obra Supersticiones de Transilvania (1885) y en su crónica de viajes La tierra más allá del bosque (1888) (la “tierra más allá del bosque” es literalmente lo que significa Transilvania en latín). Se alude a ella simplemente como el vocablo rumano para designar al vampiro; Stoker empleó el término como un calco del inglés undead o no-muerto. Esta atribución es patentemente falsa, puesto que la palabra nosferatu carece de significado conocido (aparte del introducido por la novela y las películas) en ninguna fase histórica del rumano.


Una etimología alternativa sugiere que el término proviene originalmente de los nosóforos griegos (*νοσοφορος), es decir, de los agentes transmisores de enfermedades. Esta derivación podría tener sentido cuando se observa que en varias naciones de Europa Central los vampiros eran considerados difusores de epidemias. La película de Murnau incide particularmente en el tema de la enfermedad, y su creatividad como director pudo haber sido influenciada por esta etimología. Otra teoría sugiere que la palabra significa “respiración,” un derivado del spirare latino. Una posibilidad final es que la forma que Gerard ofrece sea un término rumano bien conocido pero mal transcrito, o posiblemente un mala interpretación de los sonidos de la palabra debido a la familiaridad limitada de Gerard con la lengua. Dos candidatas a servir de origen a nosferatu son necurat (“sucio”, asociado generalmente con lo oculto) y nesuferit (“insufrible”). La forma determinada masculina nominativa de un sustantivo rumano en la declinación a la cual ambas palabras pertenecen se corresponde con la terminación ” - UL ", así que habría que hablar con propiedad del necuratul y el nesuferitul (traducibles como “el diablo” y “el insufrible”, respectivamente).

Homenajes
En 1979, Werner Herzog dirigió una revisión de Nosferatu, Nosferatu, el vampiro de la noche. Filmado con un presupuesto escaso, como era habitual en Alemania durante los años 1970, el Nosferatu de Herzog fue un éxito de crítica y es considerado un sentido homenaje a la película original de Murnau, con Klaus Kinski en el papel principal, acompañado de Isabelle Adjani y Bruno Ganz.

En el año 2000 se rodó La sombra del vampiro, que es una historia ficticia sobre el rodaje de la versión muda de Nosferatu. Protagonizada por John Malkovich y Willem Dafoe, se trata de una historia fantástica de horror en la que un director (Murnau, interpretado por Malkovich) crea una película de vampiros completamente realista gracias a que contrata a un auténtico vampiro (interpretado por Dafoe) para que interprete el papel del vampiro.

Ficha técnica
Dirección F.W. Murnau
Producción Enrico Dieckmann - Albin Grau
Guión Henrik Galeen y (sin acreditar) Günther Krampf
Fotografía Fritz Arno Wagner
Escenografía Albin Grau
Vestuario Albin Grau
Reparto Max Schreck - Gustav von Wangenheim - Greta Schröder - Alexander Granach - Georg H. Schnell - Ruth Landshoff - John Gottowt - Gustav Botz - Max Nemetz - Wolfgang Heinz - Albert Venohr
País Alemania
Año 1922
Género Terror
Duración 94 minutos

Ver Pelicula completa en video google, Nosferatu 1922 (dominio libre)

Un Hombre para la Eternidad (1966)

A Man for All Seasons (titulos en castellano: "Un hombre para la eternidad" (España) y "Un hombre de dos reinos" en México y el resto de Hispanoamérica), película dirigida por Fred Zinnemann en 1966, narra los últimos años de la vida del hombre de leyes, estadista, escritor, humanista, traductor y filósofo Santo Tomás Moro (Londres, 1478-1535), padre, junto a Maquiavelo y otros, del pensamiento político moderno gracias a su libro "Utopía".

La película ganó 6 Óscar en 1966 y 7 BAFTA en 1968. Está basada en una obra de teatro de Robert Bolt, guionista también de la película. Se representó con éxito durante años en Londres. De hecho, el actor principal, Paul Scofield, un veterano actor teatral, representaba a Tomás Moro también sobre el escenario. La primera versión de esta obra fue escrita por Bold en 1954 para la BBC Radio. Adaptada para la escena, se estrenó en Londres en el Globe Theatre (hoy Gielgud Theatre) el 1 de julio de 1960. En Broadway, el estreno tuvo lugar el 22 de noviembre de 1961, en el ANTA Playhouse. Paul Scofield, que ya había representado el papel protagonista en el West End londinense, también actuó en Broadway en el año 1962, ganando un Tony Award.

Argumento
En la película se ve a Tomás Moro, negándose a reconocer a pesar de su fidelidad al rey Enrique VIII, la nulidad de su matrimonio con Catalina de Aragon (quien solo le había dado una hija sana) para que éste pudiera casarse con Ana Bolena ("Ana de los 1000 días" en otra película), hecho que acaba provocando la ruptura entre la Iglesia de Roma y la Iglesia de Inglaterra en 1534.

Muestra la encrucijada de Moro por tener unos fuertes principios morales y religiosos que le impedían dejar de reconocer a la iglesia y al Papa de Roma; y a la vez sentir fidelidad hacia la corona y a su patria, ceder a los chantajes que le venian por parte de Enrique VIII, rey que hacía la ley a su medida y que estaba tan dispuesto a ejecutar a los que consideraba traidores, como sumamente dolido de que su principal pensador le llevara la contraria.

A pesar de ser el mas valioso consejero real, tiene que renunciar a sus cargos publicos (fue canciller), luego es acusado de alta traición al no reconocer a su rey como maxima autoridad de la iglesia por una ley escrita “ex profeso” para que así lo hiciera, después fue encarcelado en la Torre de Londres, “juzgado” (es un decir...) y condenado a muerte. Otros dirigentes europeos presionaron para que se le salvara la vida, como el Papa o el rey Carlos I de España (V de Alemania), quien veía en él al mejor pensador del momento, pero no sirvió de nada y fue decapitado el 6 de julio de 1535. La Iglesia Católica Romana le concede el título de Santo por su defensa de la fe.

Comentarios sobre la Pelicula
Un hombre para la eternidad es el tercer gran icono de la carrera cinematográfica de Zinnemann (”Solo ante el peligro”, “De aquí a la eternidad”) y la segunda de estas tres en cuanto a galardones se refiere, seis Oscar en total para esta producción estadounidense.

Nuestro hombre para la eternidad es Thomas More (Santo Tomás Moro para la Iglesia Católica) y sobre él y su conflicto con el rey de Inglaterra, Enrique VIII, versa toda la película. Desde el inicio del conflicto matrimonial hasta su desenlace final, Zinnemann nos lleva de la mano a través de caminos oscurecidos por las intrigas políticas y las luchas de intereses entre personajes clave de la Historia, en un mundo alejado del nuestro en el tiempo pero no en esencia. Quizá este camino pueda parecer, a ojos del espectador acostumbrado a ritmos vertiginosos y florituras técnicas, un tanto farragoso y espeso pero en verdad, la cinta, por cierto adaptación de una obra teatral de Robert Bolt, nos muestra con claridad y eficacia cómo se desarrolló la trama del cisma anglosajón. Tal vez la única pega la encontremos en la excesiva carga moral de la película, encumbrando sin medidas la figura de More como incorruptible hombre y mejor cristiano. Si bien es cierto que su forma de actuar puede ser ejemplo atemporal en un mundo movido por el interés, el film no duda en acrecentar y ensalzar hasta convertir la moral de Thomas en el centro y fin de la obra.

Aunque la película en sí pueda parecer aburrida, lenta o pesada (la sucesión de movimientos en el tablero político se alarga necesariamente) se trata en realidad de un acercamiento interesante y veraz al conflicto matrimonial que desencadenó en la aparición de la tradición anglicana que todavía hoy perdura en las Islas Británicas. Especialmente destacable en ella son los papeles de los protagonistas, entre los que encontramos un breve pero intenso Orson Welles en el papel del Canciller y Cardenal Walsey; un genial Paul Scofield en el papel protagonista, después de haber sido recuperado para el cine por Zinnemann; y un incomparable Robert Shaw que nos deleita con una colección de matices interpretativos entre los que destaca su especial énfasis en mostrarnos los cambios de humor y las veleidades del monarca Enrique.

Por último me resulta inevitable acudir al recurrente y facilón juego de palabras a la hora de loar la obra de este gran director. Pues Zinnemann demostró en estas tres citadas obras ser un verdadero Cine-man, aunque en su Austria natal hubiésemos de llamarlo Kino-Mann.

Premios Oscar
Een la entrega de los oscar de 1966 recibe los siguientes premios: Oscar a Mejor película; Mejor director (Fred Zinnemann); Mejor actor (Paul Scofield); Mejor guión adaptado (Robert Bolt); Mejor fotografía ((color) Ted Moore); Mejor diseño de vestuario ((color) Elizabeth Haffenden y Joan Bridge)

Ficha técnica
Dirección Fred Zinnemann
Producción Fred Zinnemann
Guión Robert Bolt
Música Georges Delerue
Fotografía Ted Moore
Montaje Ralph Kemplen
Reparto Paul Scofield - Wendy Hiller - Leo McKern - Orson Welles - Robert Shaw - John Hurt
País Reino Unido
Año 1966
Género Drama
Duración 120 min.
Distribución Columbia Pictures

Ver Trailer de la Pelicula Un Hombre para la Eternidad (1966)

Con la muerte en los talones (1959)

Con la muerte en los talones supone el cuarto trabajo de dos grandes figuras del cine de todos los tiempos, el director Alfred Hitchcock y el actor Cary Grant. Anteriormente habían realizado juntos "Encadenados", "Sospecha" y" Atrapa a un ladrón", aunque la que ha obtenido mayor éxito de público y crítica ha sido ésta.

Argumento

Roger Thornill (Cary Grant) es un publicista que es confundido con un agente de los servicios secretos estadounidenses que le persiguen. Intentando buscar una explicación, acude a la sede de la ONU para hablar con un diplomático que puede aclarar la confusión, pero mientras hablan es asesinado, y todas las sospechas recaen sobre él. Desde ese momento se verá obligado a intentar resolver el crimen a la vez que huye de los espías y de la policía. A ello le ayudará una bella joven (Eva Marie Saint), perteneciente a los servicios secretos.

Lo mejor

Algo que no hace falta ni decirlo: disfrutar de una de las mejores películas de un genio del cine como es Hitchcock y de un gran actor como Cary Grant. Y si encima tienes la ocasión de verlos juntos, no se puede pedir más.
- La edición en DVD contiene un documental de cómo se rodó en el que se cuentan varias curiosidades, como el hecho de que la escena en el Monte Rushmore se hizo en plató con una réplica porque no les dieron permiso al considerar un sacrilegio que se rodasen escenas con disparos y persecuciones en tan mítico lugar, o que la entrada de Cary Grant en la ONU se grabó a escondidas desde una furgoneta porque estaba prohibido por razones de seguridad.

Lo peor

La censura. Desde Estados Unidos se evitó todo tipo de referencias sexuales. España tampoco se quedó atrás. Cuando los dos protagonistas están en el compartimento del tren besándose de una forma no muy "casta", las voces de los dobladores son distintas. Al menos tenemos la suerte de que la edición recuperada para el DVD sea la original.
- Puede resultar poco creíble la relación entre los dos protagonistas, ya que se ve que él es bastantes años mayor que ella, o con la madre, que se ve que en la realidad no podrían ser madre e hijo (de hecho la diferencia de edad entre ellos era de sólo un año).

Escenas resaltables

La de la persecución de la avioneta fumigadora. Si normalmente en una película de suspense el protagonista se ve acorralado en sitio cerrado y oscuro, Hitchcock decidió darle la vuelta y coloca a Cary Grant a pleno sol, en mitad de un campo de maíz, sin diálogo y prácticamente sin ningún sonido, y siendo perseguido por una avioneta que intenta matarle, consiguiendo así una de las escenas más logradas y recordadas de la historia del cine.

Concluimos

"Con la muerte en los talones" es una película típicamente hitchcockiana en la que encontramos todos los elementos característicos en la obra de este director: hombre inocente que es confundido con alguien culpable y que es perseguido sin saber qué hacer y sin poder acudir a la policía, quien también le persigue; el personaje de la mujer rubia que ayuda al protagonista y de la que se enamora; el clásico mac-guffin, en esta ocasión el título (North by northwest, es decir, Norte al noroeste, no tiene nada que ver con la película); los típicos detalles cómicos, como la escena de la subasta de arte...
Esta película ha sido en muchas ocasiones considerada como una de las mejores de la historia del cine, cosa que no es exagerada en absoluto. De hecho, pocas películas han conseguido tener escenas tan recordadas como ésta: el vuelo de la avioneta fumigadora, la entrada en la sede de la ONU o la persecución en el monte Rushmore.

Curiosidades

En el inicio de la película, se hace referencia a que está rodada en formato Vistavisión, que sólo es ofrecido en cines. Se trata de una referencia clara a la competencia que por aquel entonces (1959) comenzaba a hacer la televisión. Por este motivo comenzaron a rodarse las películas en formatos panorámicos y con gran colorido, ya que la televisión del momento no podía competir con esto.
- Si, como yo, tienes la manía en cada película de Hitchcock de buscar en qué escena aparece, en ésta la búsqueda acaba muy pronto, en los rótulos de inicio. Desde que Hitchcock comenzó a tener éxito en Hollywood, se fue adelantando su aparición en las películas porque decía que en ocasiones la gente estaba más pendiente de encontrarle a él que de seguir la trama, y saliendo en los primeros minutos hacía que el espectador dejase de buscarle y así se concentrase en la historia que se le contaba.
- La frase de Eva Marie Saint "nunca discuto de amor con el estomago vacio" fue doblada posteriormente en la versión original de la película. Si se leen sus labios podemos verla decir "nunca hago el amor con el estómago vacio" (por ROCIO VALLADARES)

- Oscar al mejor guión original
- Estreno (USA): 17 de julio de 1959.

Ficha técnica
Dirección Alfred Hitchcock
Producción Herbert Coleman - Alfred Hitchcock
Guión Ernest Lehman
Música Bernard Herrmann
Fotografía Robert Burks
Reparto Cary Grant - Eva Marie Saint - James Mason- Martin Landau
País Estados Unidos
Año 1959
Género Suspenso
Duración 136 minutos

ver un trozo de la pelicula