Gladiador es una película del género péplum estrenada en el año 2000.
Fue todo un éxito y recibió críticas positivas debido a que ayudo a revivir este tipo de género que estaba perdido en el cine. Tiene muchas influencias de otro tipo de películas, por lo que resulta interesante su contenido y su trama.
Considerada una pieza del diseño audiovisual porque cuida muchos aspectos y se preocupan por la cronología e historia de la trama, aspecto importante a resaltar.
Dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Russell Crowe, Joaquin Phoenix y Connie Nielsen. Crowe interpreta a Máximo Décimo Meridio, un leal general hispano del ejército del Imperio romano que es traicionado por Cómodo, el ambicioso hijo del emperador Marco Aurelio, quien ha asesinado a su padre y se ha hecho con el trono. Forzado a convertirse en esclavo, Máximo triunfa como gladiador mientras anhela vengar la muerte de su familia y la del emperador.
Inspirado en un libro sobre los gladiadores del escritor estadounidense Daniel P. Mannix, el primer guion de Gladiator fue escrito por David Franzoni y comprado por el estudio de cine DreamWorks, que fichó a Ridley Scott para dirigir la película. El rodaje empezó en enero de 1999, antes de que el guion estuviera completo, y se extendió hasta mayo de ese año. Las escenas de la Roma antigua se filmaron en el Fuerte Ricasoli de Malta; las imágenes generadas por ordenador fueron creadas por la empresa británica de efectos visuales The Mill, que además tuvo la tarea inesperada de crear un doble digital para las escenas que Oliver Reed no pudo filmar antes de su muerte debida a un infarto.
Estrenada el 5 de mayo de 2000, Gladiator fue un éxito tanto entre la crítica especializada como entre el público y contribuyó al breve resurgir del cine épico ambientado en la Antigüedad clásica. La película recibió numerosos premios y nominaciones, incluidos cinco premios Óscar en la 73º edición de los Premios de la Academia estadounidense, entre los que se destaca el de mejor película y mejor actor para Crowe.
Maximo Decimo Meridio
Gladiator se basó en una historia original de David Franzoni, autor del primer borrador. Franzoni llegó a un acuerdo con DreamWorks para escribir y coproducir tres películas gracias a la solidez de su anterior trabajo, el guion de la película Amistad de Steven Spielberg, un filme que le dio gran reputación a DreamWorks. Franzoni no era un erudito en el mundo de la antigüedad clásica, por lo que se inspiró del ensayo de 1958 de Daniel P. Mannix, Those About to Die, y decidió basar su historia en Cómodo tras leer la Historia Augusta, que recopila biografías de emperadores romanos.
PREMIOS
Gladiator fue nominada a los premios de 36 ceremonias distintas, incluyendo la 73ª edición de los premios Óscar, los premios BAFTA y los Globos de Oro. De un total de 119 nominaciones, la película ganó 48 premios. La película ganó cinco premios de la Academia y fue nominada en otras siete categorías, incluyendo Mejor Actor de Reparto (Joaquin Phoenix) y Mejor Director (Ridley Scott). Recibió seis nominaciones para los Globos de Oro. Hubo cierta controversia en su nominación a Mejor Banda Sonora, pues el premio fue propuesto únicamente para Hans Zimmer y no para Lisa Gerrard debido a las normas de la Academia norteamericana. Sin embargo, finalmente, los dos ganaron el Globo de Oro por Mejor banda sonora como co-compositores.
Reparto principal
Russell Crowe como Máximo Décimo Meridio, un legado —general — hispanorromano que goza de la total confianza de Marco Aurelio y el amor y admiración de Lucila.
Joaquin Phoenix como Cómodo, el corrompido, perverso e inmoral hijo de Marco Aurelio. Asesina a su padre cuando se entera de que Máximo tendrá poderes de emperador en funciones hasta que se formase una nueva república.
Connie Nielsen como Galeria Lucila, primera amante de Máximo e hija mayor de Marco Aurelio que, recientemente, se había quedado viuda. Ella se resiste a los anticipos incestuosos de su hermano, al cual odia, al tiempo que debe proteger a su hijo, Lucio, de la ira y corrupción de este.
+Oliver Reed como Antonio Próximo, un anciano y áspero entrenador de gladiadores que compra a Máximo en el norte de África. Es un antiguo gladiador que fue liberado por Marco Aurelio. Le regala a Máximo su armadura y una oportunidad de liberarse.
+Derek Jacobi como el senador Graco, un miembro del senado romano que se opone al gobierno de Cómodo. Es aliado de Máximo y Lucila.
+Djimon Hounsou como Juba, un miembro de una tribu numidia que es atrapado en su casa, junto a su familia, por comerciantes de esclavos. Llega a ser el mejor aliado y amigo de Máximo.
+Ralf Möller como Hagen. Gladiador germánico, el mejor luchador de Próximo. Se hará amigo de Máximo y morirá defendiéndolo.
+Spencer Treat Clark como Lucio Vero, hijo del coemperador Lucio Vero y de Lucila, y por tanto nieto de Marco Aurelio.
+Richard Harris como Marco Aurelio. El anciano emperador romano, quiere a Máximo como a un hijo y le pide que vuelva a convertir a Roma en una república. Es asesinado por su hijo Cómodo.
+Tommy Flanagan como Cicerón. Fiel sirviente de Máximo, al que intenta ayudar en su huida.
Tomas Arana como Quinto. General romano que traiciona a Máximo. Se convierte en jefe de la guardia pretoriana de Cómodo, pero no le presta ayuda al emperador en su combate final contra Máximo.
+John Shrapnel como Gaio. Otro senador, cercano a Graco.
+David Schofield como el senador Falco. Enemigo de Graco, ayuda a Cómodo a consolidar su poder.
+Sven-Ole Thorsen como Tigris de la Galia. Gladiador invicto que combate contra Máximo.
+David Hemmings como Casio. Organizador de las luchas de gladiadores en el Coliseo.
+Giannina Facio como esposa de Máximo.
+Giorgio Cantarini como hijo de Máximo.
Comodo, hijo de Marco Aurelio
BANDA SONORA
La célebre banda sonora de Gladiator, nominada al Óscar, fue compuesta por Hans Zimmer y Lisa Gerrard y dirigida por Gavin Greenaway. Zimmer en principio tuvo intención de recurrir a la vocalista israelí Ofra Haza, con la que había trabajado en El príncipe de Egipto, pero la intérprete falleció en febrero de 2000 antes de que pudiera empezar a grabar. En su lugar eligió a la australiana Lisa Gerrard. La música de muchas de las escenas de batalla se han comparado por su similitud con Mars: The Bringer of War de Gustav Holst, y en 2006 la Holst Foundation demandó a Zimmer por un supuesto plagio. Otra clara evocación musical se puede escuchar en la escena de la entrada triunfal de Cómodo en Roma, realzada por una composición musical que claramente recuerda a dos secciones de El anillo del nibelungo de Richard Wagner, el El oro del Rin y El ocaso de los dioses.
El 27 de febrero de 2001, casi un año después de la puesta en venta de la banda sonora de la película, Decca Records produjo Gladiator: More Music From the Motion Picture, y en 2005 la misma discográfica estrenó Gladiator: Special Anniversary Edition, con dos CD que recopilaban las dos anteriores ediciones. En 2003, Luciano Pavarotti hizo pública una grabación de sí mismo interpretando una canción de la película y dijo que lamentaba haber rechazado en su día una oferta que le hicieron para cantarla para el filme.
Todos los que alguna vez la hemos visto, nos damos cuenta de querer parecerse al protagonista, y de querer vengarse de este Comodo, la pelicula en general es buena y bastante recomendable, claro que hay quienes la encuentran lenta y aburrida, pero no entienden el tinte de tipo pelicula Clasica que se esta demostrando, magistralmente por el Director Ridley Scott, ademas de lanzar a la fama a Rusell, quien merecidamente obtiene su galardon. La pelicula merece estar y ser comentada por los que aprecian las buenas peliculas.
Joseph Levitch nacio un 16 de marzo de 1926, conocido como Jerry Lewis, es un icono en el cine comico estadounidense entre los años 40 y 60 aprox. que revitalizo con ingenio y talento la antigua tradicion del slapstick y el absurdo.
Hijo de padres judíos, Lewis nació en Newark, en el estado de Nueva Jersey. Sus padres trabajaban en el mundo del espectáculo, su padre Rae Rotherberg, pianista de variedades, y Danny Lewis cantante de cabaret. Antes de seguir la tradición familiar, Jerry Lewis, trabajó de tendero, camarero, portero y botones. Acompaña a una orquesta de jazz como showman y en 1946 empieza a actuar en clubes nocturnos de la costa oeste de los EE.UU. junto con Dean Martin. El pequeño Lewis ya cantaba en giras cuando tenía sólo cinco años. Dejó el colegio un año antes de terminar sus estudios, y se dedicó a practicar la interpretación, simulando detrás de los escenarios que hablaba o cantaba moviendo la boca en consonancia.
Sus inicios A finales de los años 40 y principios de los 50, Lewis formó pareja con Dean Martin (actor y cantante), resultando esta unión en uno de los dúos más cómicos de la historia del cine. Su humor, si bien reconoce raíces en el duo de Abbot y Costello era especial y diferente a lo visto hasta entonces. Los dos llevaban las situaciones a extremos maníacos y absurdos, lo que impactó fuertemente en un segmento importante del público, aunque es cierto que no a todos les agradó este tipo de comedias.
Su debut lo hicieron en 1949 de la mano del productor Hal Wallis, en la película My Friend Irma. A esta película siguió una secuela, y otras varias durante los siguientes seis años, en los que Lewis y Martin permanecieron juntos. Si bien es cierto, hubo un grado de amistad entre Martin y Lewis, Martin usaba a Lewis para escalar dentro del ambiente hollywodense y mientras el ego de Lewis iba creciendo debido a que Martin no podía robar cámara a Lewis, la ruptura era cada vez más inminente, hasta que se separaron abruptamente en 1956. Sólo veinte años después y gracias a la intervención de Frank Sinatra (un amigo en común) el duó haría las paces en el Teleton de Jerry Lewis. En total hicieron 17 peliculas juntos.
El duo se separa En 1957, tras la separación con Dean Martin, Lewis interpretó su primera película en solitario, "The Delicate Delinquent", en la que demostró que podía triunfar sin la participación de un compañero. En los siguientes años intervino en una serie de películas que fueron todas ellas grandes éxitos de taquilla. Después de esta larga experiencia en el cine Lewis quiso también dirigir, y realizó en 1960 el filme "The Bellboy", rodado en un hotel de lujo en Miami donde se producen numerosas situaciones cómicas. A partir de entonces Lewis fue alternando entre películas concebidas y dirigidas por él mismo, y otras en las que se limitaba a actuar. Su primer esfuerzo como guionista y director fue complementado con la estimable pelicula "El botones" (1960), un film alabado incluso por el mismisimo Charles Chaplin.
La película "The Nutty Profesor" (El profesor chiflado) de 1963, fue considerada por la crítica francesa como su mejor película. Sin embargo, los críticos de otros países comenzaron a opinar que Lewis estaba cayendo en el error de considerarse a sí mismo infalible en sus actuaciones. Tal vez coincidió que el público ya estaba algo cansado de los gags de Lewis, que últimamente eran exagerados y se repetían de una u otra forma. La buena estrella del actor comenzó a declinar, y sus películas ya no tuvieron el éxito acostumbrado en taquilla.
A la vista de esta situación, Lewis probó en televisión, donde se emitió un show de dos horas los sábados por la noche " El Show de Jerry Lewis". También aquí el ego de Lewis resultó negativo, de forma que el programa fracasó y tuvo que ser retirado de la programación. Lewis hizo una película más en 1970, pero después se retiró del cine durante diez años. Durante ese tiempo apareció en un programa de televisión que duró dos años y en espectáculos en directo, entre ellos en Las Vegas. Sin embargo, aquello por lo que cosechó mayor popularidad fue su trabajo desinteresado por la Asociación Americana de Distrofia Muscular haciendo o dirgiendo el famoso teleton, donde reunian fondos para la ayuda de esta institucion hecho por el cual fue nominado para el premio nobel de la Paz en 1977.
Su retorno al cine El año 1980 marcó su vuelta al cine. Intervino en varias películas, algunas más serias que de costumbre, y con directores y actores co-protagonistas importantes, como Martin Scorsese y Robert De Niro. Ello le llevó a actuar también en películas de televisión, y a convertirse nuevamente en un actor solicitado. En 1991 debutó incluso en Broadway, en la reedición de la obra Damn Yankees, en la que interpretó al diablo, papel por el que cosechó un éxito notable. Con los años, Lewis ha sido reivindicado por parte de la crítica, la que no puede soslayar que el cómico ha sido el referente de exitosos comediantes contemporáneos, como Jim Carrey, Adam Sandler o Will Ferrell, en tanto precursor del gag físico y desmesurado, creador de sus propias rutinas y hacedor de un estilo visual a veces sutil y otras sobreexpresivo.
Lewis se casó dos veces, la primera en 1944 con Patti Palmer. Después de 38 años el matrimonio se divorció en 1982 y se volvio a casar en 1983 con Sandee Pitnick y adoptó una hija. De su primera esposa tiene cinco hijos, destacando su hijo Gary que durante la mitad de la década de 1960 tuvo una serie de éxitos importantes en el Hit Parade con el grupo Gary Lewis & The Playboys.
Lewis y la Teleton La primera Teletón del actor Jerry Lewis fue el año 1966, a beneficio de la Asociación de la Distrofia Muscular (MDA), el Día del Trabajo. Jerry Lewis es considerado el padre de la Teletón. Fue un evento televisado por un canal de televisión de Nueva York y recaudó más de $1 millón de dólares. Con los años creció sostenidamente y en los 70s ya participaban 65 estaciones en todo Estados Unidos. Hoy en día, la maratón televisiva de recaudación de fondos dura 21,5 horas y reúne a 200 estaciones de MDA “Love Network”. Se ha transformado en una tradición en el Día del Trabajo para 60 millones de televidentes estadounidenses. Este Mismo ejemplo lo han tomado varios paises (Chile, Mexico ejemplos) donde han podido lograr cifras millonarias para la ayuda de las instituciones que representan. El Premio Humanitario Jean Hersholt se entrega anualmente en la ceremonia de los Premios de la Academia en reconocimiento a la labor en causas humanitarias, le debe su nombre al actor Jean Hersholt. El trofeo es una estatuilla "Óscar". En el 2008 se lo adjudica este gran personaje de la historia del cine y el espectaculo.
Filmografía * Funny Bones (1995) * Arizona Dream (1993) * Mr. Saturday Night (1992) * Cookie (1989) * How Did You Get In? We Didn't See You Leave (1984) * To Catch a Cop (1984) * Cracking Up (1983) * The King of Comedy (1983) * Slapstick (Of Another Kind) (1982) * Rascal Dazzle (1980) * Hardly Working (1980) * The Day the Clown Cried (1972) * Which Way to the Front? (1970) * Hook, Line & Sinker (1969) * Silent Treatment (1968) * Don't Raise the Bridge, Lower the River (1967) * The Big Mouth (1967) * Way... Way Out (1966) * Three on a Couch (1966) * Boeing Boeing (1965) * The Family Jewels (1965) * The Disorderly Orderly (1964) * The Patsy (1964) * Who's Minding the Store? (1963) * El profesor chiflado (1963) * It's Only Money (1962) * The Errand Boy (1961) * The Ladies' Man (1961) * Cinderfella (1960) * The Bellboy (1960) * Visit to a Small Planet (1960) * Don't Give Up the Ship (1959) * The Geisha Boy (1958) * Rock-a-Bye Baby (1958) * The Sad Sack (1957) * The Delicate Delinquent (1957) * Hollywood or Bust (1956) * Pardners (1956) * Artists and Models (1955) * You're Never Too Young (1955) * Jerrico, the Wonder Clown (1954) * Living It Up (1954) * Money from Home (1954) * The Caddy (1953) * Scared Stiff (1953) * The Stooge (1953) * Road to Bali (1952) * Jumping Jacks (1952) * Sailor Beware (1952) * That's My Boy (1951) * At War with the Army (1950) * My Friend Irma Goes West (1950) * How to Smuggle a Hernia Across the Border (1949) * My Friend Irma (1949)
Ver algunos videos de Jerry Lewis
Detras de camaras y trailer de El Profesor Chiflado
Fortino Mario Alfonso Moreno Reyes (12 de agosto de 1911 – 20 de abril de 1993), mejor conocido como Cantinflas, fue uno de los mejores actores y comediantes mexicanos que he podido ver y escuchar.
Ganó una enorme popularidad con la interpretación de su personaje Cantinflas, un vago salido de los barrios pobres que se originó del típico pelado. El personaje se asoció con la identidad nacional de México y le permitió a Moreno establecer una larga y exitosa carrera cinematográfica que incluyó una participación en Hollywood. Se dice que el estilo de salir a hacer comedia, disfrazado de "peladito", lo tomó del comediante Manuel Medel. Charlie Chaplin una vez lo llamó "el mejor comediante del mundo" y Mario Moreno a veces es referido como el "Charlie Chaplin de México". Mientras que algunas de sus películas fueron dobladas al inglés para las audiencias estadounidenses y su trabajo fue bien recibido entre la gente de Francia, el juego de palabras que usaba en español no se traducía bien a otras lenguas. Sin embargo, tuvo un estruendoso éxito en Latinoamérica y en España, donde todavía tiene muchos admiradores devotos. De su vida intima personal no voy a hablar prefiero recordar al personaje que me hizo reir muchisimas veces con sus intervenciones lunguisticas, etc., hoy escribiremos del personaje que cautivo y cautiva con su sencillez y humor particular.
Carrera en el mundo del espectáculo Antes de comenzar su vida profesional, exploró un número de posibles carreras como la medicina y el boxeo profesional antes de unirse al mundo del espectáculo como bailarín. Para 1930, ya se había unido al circuito de carpas de la Ciudad de México, turnándose entre las carpas Ofelia, Sotelo de Azcapotzalco, y finalmente la carpa Valentina, donde conoció a su futura esposa. Al principio trató de imitar a Al Jolson pintándose la cara con pintura negra, pero después se separó para formar su propia identidad como un habitante de un barrio pobre con pantalones holgados, una soga como cinto y un bigote muy particular. En las carpas bailaba, realizaba acrobacias y otros varios oficios.
Carrera cinematográfica Estrella con el nombre de Cantinflas en el Salón de la Fama de Hollywood A mediados de la década de 1930, Cantinflas conoció al productor ruso Jacques Gelmany posteriormente se asoció con él para formar su propia compañía productora cinematográfica. Gelman, producía, dirigía y distribuía, mientras Cantinflas actuaba.
Cantinflas hizo su debut en 1936 en la película No te engañes corazón pero la película recibió poca atención. En 1939 estableció Posa Films, produciendo películas cortas que le permitieron desarrollar el personaje de Cantinflas, pero fue en 1940 cuando finalmente se convirtió en una estrella después de rodar Ahí está el detalle. La frase que le dio su nombre a la película se convirtió en su principal frase por el resto de su carrera. La película fue un éxito en Latinoamérica y fue reconocido por la revista "Somos" como una de las 10 más grandes producciones de México.
En 1941, hizo primero el papel de un oficial de policía en la película El gendarme desconocido. Para entonces ya se había distinguido bastante del típico "peladito" de la década de 1920 y su personaje pasaba cómodamente de ser el hombre marginado de clase baja a poderoso servidor público. La naturaleza política de la retórica del cantinflismo facilitó esta fluidez. Volvería a tomar el papel del agente 777 y sería homenajeado por las fuerzas policíacas en toda América Latina por su imagen positiva de la aplicación de la ley.
Ni sangre ni arena, una película satírica acerca del toreo en 1941, rompió niveles de taquilla de películas mexicanas en varios países de América. En 1942 se unió con Miguel M. Delgado y Jaime Salvador para producir una serie de parodias, incluyendo una de El circo de Chaplin.
Las décadas de 1940 y 1950 fueron las mejores para Cantinflas. En 1946 dejó de trabajar con las compañías mexicanas y firmó contratos con Columbia Pictures. Para entonces, su popularidad era tal, que pudo prestar su prestigio a la causa de los trabajadores mexicanos, representando a la Asociación Nacional de Actores en conversaciones con el presidente Manuel Ávila Camacho. Sin embargo las pláticas no dieron buenos resultados y como resultado de un escándalo, decidió retractarse y regresar al teatro. El 30 de agosto de 1953, Cantinflas inició la presentación de su obra teatral "Yo Colón" en el Teatro de los Insurgentes, el mismo teatro que se había visto envuelto en una controversia sobre un mural de Diego Rivera que incorporaba imágenes de Cantinflas y de la Virgen de Guadalupe. Los críticos, incluyendo ciertos grupos conservadores y el arzobispo Luis María Martínez, tildaron la obra como "blasfemia" y eventualmente fue pintada sin la imagen de la Virgen.
Yo Colón colocaba a Cantinflas en el personaje de Cristóbal Colón quien, mientras continuaba "descubriendo América" hacía observaciones cómicas, históricas y contemporáneas desde diferentes perspectivas. Las bromas cambiaban cada noche y Moreno continuó empleando su juego de palabras y doble sentido para atacar a los políticos.
En 1956, La Vuelta al Mundo en 80 Días, el debut estadounidense de Cantinflas, lo hizo ganar una nominación al premio Globo de Oro en la categoría de mejor actor de musical o comedia, en esta cinta actúa junto al actor inglés David Niven. La revista Variety dijo en 1956 que su calidad chaplinesca contribuyó al éxito de la película. Esta película recaudó la cantidad de $42 millones de dólares en taquilla. Mientras que Niven fue el principal actor en los países de habla inglesa, Cantinflas lo fue en el resto de los países. Como resultado de la película, Cantinflas se convirtió en el actor mejor pagado del mundo.
La segunda película estadounidense de Cantinflas, Pepe, intentó replicar el éxito de la primera. La película incluyó apariciones relámpago o cameos, de Frank Sinatra, Judy Garland, y otras estrellas. Su humor, profundamente arraigado en la lengua española, no se pudo traducir bien para las audiencias estadounidenses y la película fue una notable decepción taquillera. A pesar de eso, recibió otra nominación al Globo de Oro por su actuación. En 1992, durante una entrevista estadounidense, Mario Moreno confesó que el principal impedimento para su éxito en los Estados Unidos era la barrera de la lengua. Después de regresar a México, Cantinflas creó su propia compañía, Cantinflas Films, y continuó haciendo películas hasta su última, que fue El Barrendero, realizada en 1981.
Como Charlie Chaplin, Cantinflas era un satírico social. Hacía el papel de el peladito, un don nadie, con esperanzas de tener éxito. Con admiración mutua, Cantiflas fue influenciado por las primeras películas de Chaplin así como por su ideología. El Circo era una "sombra" del cine mudo de Chaplin. El Circo y Si yo fuera diputado tenían muchas cosas en común con la película de 1940, El Gran Dictador.
Las películas de Cantinflas, hasta la fecha le siguen generando ganancias a Columbia Pictures. En el 2000, Columbia informó un aproximado de $4.000.000,00 de dólares generado por las ganancias de la distribución en otros países.
Impacto Entre las cosas que lo hicieron querido por el público estaba el uso cómico del lenguaje en sus películas; sus personajes (los cuales casi todos era una variación del mismo personaje, pero en diferentes papeles y situaciones) entablaban una conversación normal para después complicarla al punto de que nadie entendía lo que estaba diciendo. El personaje de Cantinflas era particularmente adepto para ofuscar la conversación cuando le debía dinero a alguien, al cortejar señoritas o al tratar de salir de problemas con las autoridades, arreglándoselas para humillarlas sin que se dieran cuenta. A esta forma de hablar se le llamó cantinfleada y se convirtió en español en una forma de decir ¡estás cantinfleando! cada vez que a alguien le era difícil entender la conversación. La Real Academia Española incluyó el verbo cantinflear y las palabras cantinflas y cantinfleada en su diccionario en 1992.
En el campo de las artes visuales, artistas de la talla de Rufino Tamayo y Diego Rivera pintaron a Cantinflas como un símbolo del hombre mexicano. La banda de punk estadounidense Mindless Self Indulgence grabó una canción sobre Cantinflas llamada Whipstickagostop.
El estilo de Cantinflas y el contenido de sus películas llevó a muchos estudiantes a concluir que él había influenciado los muchos teatros que pasaban el mensaje del Movimiento Chicano durante las décadas de 1960 y 1970 en los Estados Unidos, de los cuales, el más importante era El Teatro Campesino. El movimiento del teatro era una parte importante del renacimiento cultural que era la contraparte social del movimiento político por los derechos civiles de los méxico-estadounidenses. Su uso de los estilos y temas sociales es visto como un precursor del teatro Chicano.
En la década de 1970 apareció una serie de dibujos animados llamado El Show de Cantinflas protagonizada por una caricatura animada. El show estaba dirigido a los niños y tenía un propósito educativo. El personaje animado era llamado "Amigo" y se concentraba en una variedad de temas para educar a los niños que iban desde el origen del fútbol hasta el origen de la Línea internacional de cambio de fecha.
Aunque Cantinflas nunca logró en Estados Unidos el mismo éxito que cosechó en México, fue homenajeado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Recibió dos nominaciones al premio Globo de Oro en la categoría de mejor actor y el reconocimiento a los logros de su vida por parte de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.
El premio Mario Moreno Cantinflas es entregado anualmente a los actores que "representan a la comunidad latina con el mismo humor y distinción que el legendario Cantinflas" y que, como Cantinflas, usan su poder para ayudar a los más necesitados.
En el 2002, el estadounidense-salvadoreño (aunque él se describe como chicano) Herbert Sigüenza, artista, comediante y miembro de Culture Clash, comenzó a actuar en un monólogo acerca de Cantinflas que hizo gira por todo el país. La obra, hablada en inglés y español, incorporó rasgos comunes en las películas de Cantinflas y recreó muchas de las rutinas de comedia del actor, tal como su caminar característico. Las películas de Cantinflas son distribuidos en Estados Unidos por Laguna Films.
Respuesta crítica Cantinflas a veces es visto como el personaje Groucho Marx, el que con sus habilidades lingüísticas ataca a los ricos, los poderosos, la policía e incluso al gobierno. El historiador y autor de Cantinflas y el Caos de la Modernidad Mexicana escribe: "Cantinflas simboliza el peladito que triunfa sobre los poderosos usando sus trucos" y presenta a Cantinflas como la imagen misma del México de la transición.
Gregorio Luke, director ejecutivo del Museo de Arte Latinoamericano dijo: "entender a Cantinflas es entender lo que ha pasado en México en todo el siglo pasado".
Por su parte, Monsiváis interpreta sus representaciones en términos de la importancia de la palabra hablada en el contexto del "analfabetismo reinante" de México (70% en 1930). Particularmente en la película El Analfabeto, "Cantinflas es el iletrado que toma control del lenguaje como puede".
El periodista Salvador Novo interpreta el papel de los personajes de Moreno totalmente en términos de cantinflismo: "En condensarlos: en entregar a la saludable carcajada del pueblo la esencia demagógica de su vacuo confusionismo, estriba el mérito y se asegura la gloria de este hijo cazurro de la ciudad ladina y burlona de México, que es Cantinflas".
En su biografía de la comicidad, el estudiante de cultura mexicana Jeffrey M. Pilcher, ve a Cantinflas como una metáfora del "caos de la modernidad mexicana", una realidad que estaba fuera del alcance para la mayoría de los mexicanos. "Su lenguaje enredoso expresaba elocuentemente las contradicciones de la modernidad como 'el momento palpitante de todo lo que quiere ser y no puede'. De igual forma 'las jerarquías sociales, los patrones del lenguaje, las identidades étnicas, y las formas masculinas de comportamiento, todos cayeron ante su humor caótico para ser reformuladas en nuevas formas revolucionarias".
Filmografía y personajes Películas a color El barrendero (1981) — Napoleón Pérez García, barrendero (última película) El patrullero 777 (1977) — Diógenes Bravo, policía El ministro y yo (1975) — Mateo Melgarejo, burócrata y evangelista Conserje en condominio (1973) — Úrsulo, conserje Don Quijote cabalga de nuevo (1972) — Sancho Panza (coproducción con España) El profe (1970) — Sócrates García, profesor Un Quijote sin mancha (1969) — Justo Leal y Aventado, abogado Por mis pistolas (1968) — Fidencio Barrenillo, boticario Su Excelencia (1966) — López o Lopitos, diplomático (canciller y embajador) El señor Doctor (1965) — doctor Salvador Medina (Chava de cariño), médico El padrecito (1964) — padre Sebastián o Sebas, sacerdote El extra (1962) — Rogaciano El analfabeto (1960) — Inocencio Prieto y Calvo Pepe (1960) — Pepe (coproducción con los Estados Unidos) Sube y baja (El ascensorista) (1958) — Cantinflas La vuelta al mundo en ochenta días (1956) — Paspartout (producción estadounidense) El bolero de Raquel (1956) — Cantinflas, bolero
Películas en blanco y negro Entrega inmediata (1963) — Feliciano Calloso, cartero y Agente Secreto Ama a tu prójimo (1958) — Luis Abajo el telón (1954) — Cantinflas, limpiaventanas Caballero a la medida (1953) — Cantinflas, sastre. mejor película de todas El señor fotógrafo (1952) — Cantinflas, fotógrafo Lluvia de estrellas (1951) — participación Si Yo fuera diputado... (1951) — Cantinflas, peluquero El bombero atómico (1950) — El bombero atómico, el 777, bombero y policía El Siete Machos (1950) — Margarito/El Siete Machos Puerta, joven (El portero) (1949) — Cantinflas, portero El mago (1948) — Cantinflas El supersabio (1948) — Cantinflas, asistente del científico ¡A volar joven! (1947) — Cantinflas, piloto Soy un prófugo (1946) — Cantinflas Un día con el Diablo (1945) — el voceador, soldado Gran Hotel (1944) — Cantinflas, Bell Boy Romeo y Julieta (1943) — ruletero/Abelardo del Monte-Romeo Montesco El circo (1942) — el zapatero Los tres mosqueteros (1942) — Cantinflas/D'Artagnan Carnaval en el trópico (Fiesta en Veracruz) (1941) — participación involuntaria El gendarme desconocido (1941) — Cantinflas, el 777 Ni sangre ni arena (1941) — El Chato & Manuel Márquez "Manolete" Ahí está el detalle (1940) — Cantinflas/"Leonardo del Paso" Cantinflas y su prima (La prima de Cantinflas) (1940) — Cantinflas (cortometraje) Cantinflas ruletero (1940) — Baldomero (cortometraje publicitario) Cantinflas boxeador (1940) — Cantinflas (cortometraje publicitario) Cantinflas en los censos (1940) — Cantinflas (cortometraje publicitario) Jengibre contra dinamita (1939) — Bala Fría (cortometraje publicitario) Siempre listo en las tinieblas (1939) — Chencho Albondigón (cortometraje publicitario) El signo de la muerte (1939) — Cantinflas Águila o sol (Cara o cruz) (1937) — Polito Sol ¡Así es mi tierra! (1937) — El Tejón No te engañes corazón (1936) — "Canti" Cantinflas Show (2006), Cantinflas
Premios En 1957 obtuvo Globo de Oro al mejor actor - Comedia o musical por La vuelta al mundo en ochenta días
Bibliografía : Moreno, Mario Cantinflas: Su Excelencia. México, D. F.: Gráficas Menhir, 1969.
fuente: wikipedia
Ahora para el deleite de los que leyeron hasta aca, veamos algunas de las mejores escenas de humor del cine mexicano, el de cantinflas A VOLAR JOVEN Y que viva el novio¡¡¡
EL BOMBERO ATOMICO
ENTREGA INMEDIATA
SI YO FUERA DIPUTADO Rapsodia Hungara #2 de Franz Liszt.
La saga de Fritz Lang Mabuse y la parábola del mal eterno
Aunque no tenga la popularidad de Metrópolis, ni la perfección de La muerte cansada, la serie de películas sobre el Dr. Mabuse es absolutamente trascendente en la carrera de Fritz Lang. Las razones no son sólo cinematográficas. A su manera, Mabuse refleja las inquietudes políticas del director austríaco, o más específicamente, sus temores sobre el poder. Además las tres partes cruzan toda la trayectoria fílmica de Lang. Desde el período mudo hasta el sonoro, desde su partida a Estados Unidos hasta el término definitivo de su carrera. El testamento del Dr. Mabuse (1933) marca la fuga de Lang de la Alemania nazi, en parte por la censura a la película y en parte por los ofrecimientos que Joseph Goebbels, el ministro de propaganda de Hitler, hiciera a nombre del Führer para que encabezara los estudios germanos. Por otro lado, Los mil ojos del Dr. Mabuse (1960) es el último título del cineasta, donde queda explícito tanto la convicción de su puesta en escena (el aprovechamiento de la profundidad de campo, la luz contrastada), la influencia de su paso por Hollywood (regresó a Alemania un año antes para filmar El tigre de Bengala) y su visión sobre un período álgido en el contexto de la guerra fría (la crisis atómica y el espionaje). Dr. Mabuse, el jugador Las teorías que hay sobre el origen del Dr. Mabuse -basada en el personaje de la novela de Norbert Jacques y que se infiere es una denuncia soterrada a la ideología nacionalsocialista- puede que hayan condimentado las dos secuelas de Lang, pero no es una lectura tan clara en su primera cinta. Cuando en 1922 el director realiza Dr. Mabuse, Der Spieler (que traducido del alemán significa tanto jugador como actor), el nazismo era un promisorio e inquietante movimiento, pero aún intrascendente en la vida política en Alemania. En la extensísima cinta original (270 minutos), que para facilitar su exhibición fue dividida en dos partes -El jugador e Infierno-, el Dr. Mabuse es un artista del disfraz, un destacado psicoanalista que utilizando su conocimiento de la psiquis humana y sus habilidades hipnóticas, domina la mente de sus víctimas para que se desprendan de sus riquezas. Pero los bienes que va reuniendo con su red de delincuentes comunes, no es para solazarse sino para acrecentar su poder con la única meta de destruir el sistema financiero. Justamente en El testamento del Dr. Mabuse, uno de sus secuaces no logra entender por qué el doctor los obliga a hacerles la vida imposible a ciertas personas para que le den dinero, y una vez que después de grandes esfuerzos, penurias y mucho miedo lo reúnen, no quiere que lo recauden dejando a las víctimas en un estado de pavor e incertidumbre. "Hay que cometer crímenes inútiles con la única meta de aterrorizar a la población" dice el hijo putativo del Dr. Mabuse en Los mil ojos. Para el pérfido doctor, el fin no justifica los medios, los medios son el fin en sí mismo. El mal por el mal. El testamento de hecho es un manual del crimen y una declaración de principios cuyo principal objetivo es la destrucción del mundo "porque el mundo se lo merece". A diferencia de las cintas norteamericanas de gangsters de los años 30, donde el mafioso es un marginal que quiere enriquecerse al mismo tiempo que vengarse del Estado y las instituciones comerciales que son responsables de su condición (por la gran depresión económica del 29), Mabuse es un burgués que tiene la arrogancia de un "padrino" como Tony Camonte (Scarface, 1932), pero que desprecia a la humanidad desde su palco de intelectual. En ese sentido, un psicópata mucho más parecido a Hannibal Lecter que a Hitler. Dr.Mabuse, el jugador
"No existe amor, sólo hay deseo. Nada es interesante salvo jugar con las personas y su destino" –dice Mabuse en El jugador. Cuando la novia del doctor, Cara Carozza, es apresada (y a la que además no duda en utilizar como señuelo erótico), él sufre, pero no duda un segundo en reemplazarla. Esa desafección tan característica del poderoso, junto a su habilidad camaleónica para ocultarse, creció en el perfil de sus cintas finales. Tanto en El testamento como en Los mil ojos se puede colegir lecturas políticas en una estructura argumental cercana al policial. En ambas, Mabuse es más una figura omnipresente que un personaje en sí. En Los mil ojos, el Hotel Luxor está lleno de cámaras y micrófonos ocultos desde donde el criminal lo vigila todo, en El testamento detrás de una cortina el doctor da instrucciones que deben aceptarse sin chistar. Afiches originales de las películas de Mabuse
Mabuse reunió un perfil único de villano y por eso no es raro que su figura trascendiera a Lang. Otras cintas se valieron de su legado como el Im Stahlnetz des Dr. Mabuse (1961) –también conocida como El FBI contra el Dr. Mabuse- y Die Unsichtbaren Krallen des Dr. Mabuse (1962), ambas dirigidas por Harald Reinl; Das Testament des Dr. Mabuse (1962, remake de la cinta de Lang), Scotland Yard jagt Dr. Mabuse (1963, con Klaus Kinski), Die Todesstrahlen des Dr. Mabuse (del argentino Hugo Fregonese, 1964), todas con el fantasma del último Mabuse langiano, Wolfang Preiss, y varias con Gert Fröbe, el detective Lohmann. Posteriormente, el español Jesús Franco -director de casi 200 películas de terror y que sigue en actividad- dirigió en 1972 la última de las secuelas, La venganza del Dr. Mabuse.
En este ciclo se mostrarán El testamento y Los mil ojos en sus versiones originales, y Dr. Mabuse, el jugador, estupendamente restaurada por la Fundación Murnau y que tiene una nueva y notable partitura musical del compositor Aljoscha Zimmermann que hizo un trabajo similar hace unos años con El Golem (Paul Wegener, 1920). Curiosamente, la música del Dr. Mabuse tiene la única conexión chilena con el trabajo de Lang: Osmán Pérez Freire, nieto del Presidente Ramón Freire y autor de clásicos como "El Ayayay", fue el autor del tema original de la película que se tocaba simultáneamente a la exhibición. El tema tiene ritmo de shimmy, un jazz bailable antecesor del foxtrot, y que fue popularizado por Mae West en los años 20.
La serie Mabuse es una parábola sobre el poder en las sombras, pero también es una mirada al mal en su estado puro. Maldad que Lang sentía como una expresión latente de la época, ya que subtituló su primer Mabuse como Ein Bild der Zeit, es decir, Una visión sobre este tiempo.
"Cada película define su propio estilo según su tema", era una frase que Fritz Lang repetía con frecuencia y encerraba de modo rotundo su concepción del cine, pero podía llevar a engaños. Porque si bien el "estilo" de Lang era adaptarse a las historias, es cierto también que estas historias trataban un único y gran tema: la indefensión del hombre ante fuerzas poderosas e incontrolables.
Ya sea la maldad en estado puro (Mabuse), las clases sociales depredadoras (Metrópolis), el destino inexorable (La muerte cansada) o los individuos enfrentándose a sus miedos más profundos (M, el vampiro de Dusseldorf), Lang elevó a categoría de arte superior sus reflexiones en torno a la fatalidad del hombre ante estas fuerzas que pueden destruir la existencia.
Cuando el propio cineasta escribió el prólogo del libro Fritz Lang de Lotte H. Eisner, que se centra precisamente en sus comienzos en el mudo, explicó que nunca pensó dirigir, por lo que en su caso el cine no fue una vocación largamente acariciada. Él era pintor; ésa era su pasión. Pero también escribió y vendió algunos guiones. La decisión de dirigir vino de la decepción al ver la primera película basada en un texto suyo, y sentir que lo habría hecho todo de otro modo. De lo que se sabe de esos primeros guiones, dirigidos principalmente por Joe May y Otto Rippert, es que ya se destacaba la presencia sistemática de mujeres fatales, que conducían a los hombres a su perdición.
Der müde tod
Fue el célebre productor Erich Pommer (quien también estaba iniciando su prolífica carrera), quien tras haberlo contratado como actor le permitió debutar en la dirección en 1919 con El mestizo (Halbblut). Durante ese año, realizó seis películas, entre ellas El amo del amor (Der Herr der Liebe, en que también actuó) y una adaptación de Madame Butterfly llamada Harakiri. Pero debieron pasar ocho títulos para que con La muerte cansada (Der mude Tod) lograra acariciar el éxito. El impacto de La muerte cansada fue enorme, y en Francia, Luis Buñuel reconoció que esta cinta le despertó el deseo de convertirse en director de cine. Y al otro lado del Atlántico, el famoso actor Douglas Fairbanks compró los derechos del filme por cinco mil dólares y copió los efectos especiales para usarlos en El ladrón de Bagdad. Aunque, según Lang, este los hizo aún mejores.
Quienes trabajaron con él en esta época lo recordaban ya como un dictador obsesivo, dedicado en cuerpo y alma e interviniendo en cada aspecto de la realización, rasgo que se haría palpable con el tortuoso rodaje de Metrópolis, con sus 310 días de filmación, sus 37 mil extras y su perfeccionismo ilimitado que hizo subir el presupuesto de 1,5 a seis millones de marcos.
Un poco antes, en 1921, con el guión de La tumba india (que terminó siendo dirigido por May y del que haría su propia versión en 1959), comenzó su colaboración con la escritora Thea von Harbou, quien se transformaría en su esposa y coguionista habitual. Algunas críticas de la época adjudicaban a Von Harbou los elementos más "sensibleros" de los textos comunes, mientras que querían ver la mano de Lang, que ya se había hecho fama de metódico y riguroso, en los aspectos mejor armados. Porque el drama no faltaba, como en la trágica La muerte cansada, en que Eisner ve claras referencias a Hans Christian Andersen, aunque Lang diría que quería reflejar la familiaridad de los vieneses con la muerte al modo de sus canciones tradicionales. Metrópolis El fracaso económico de Metrópolis hizo que su posición privilegiada al interior de la UFA comenzara a tambalear. El propio Lang no había quedado muy conforme con el resultado. En especial, le desagradaba el final de la película, con las clases antagónicas conminadas a olvidar sus diferencias y trabajar en conjunto, a través de la "buena voluntad" de sus líderes, detalle presumiblemente ideado por Von Harbou. Es por ello que para la realización de Espías (Spione, 1927), Lang fundó su propia productora, la Fritz Lang Gesellschaft, la que contaba con distribución UFA y entera libertad creativa. Aunque la búsqueda de autonomía sólo le duró para este filme y la siguiente, Una mujer en la luna.
Pero fue con el advenimiento del sonoro (al que le entregó visionarios recursos sonoros como el énfasis dramático de la música o el uso intencionado del fuera de cuadro sonoro) que Lang cerraría de forma contundente los rasgos esbozados en Dr. Mabuse: la presencia de un poder totalitario y maligno que ya empezaba a tomar forma bajo los ropajes del nacionalsocialismo. No por nada, en ambos títulos la sombra de la censura comenzaba a acechar al cineasta. Si en M, Lang logró que su filme fuera estrenado (no sin dificultades, como una serie de amenazas y la inquietud nazi por el subtítulo "Un asesino entre nosotros"), en El testamento del Dr. Mabuse, lo enfrentó directamente a la cúpula del poder hitleriano, razón por la que Lang huyó precipitadamente a Francia luego de una casi legendaria reunión en que Joseph Goebbels le ofreció la dirección del naciente cine nazi. Cosa curiosa ya que Lang aseguró que varios monólogos de Mabuse fueron tomados estrictamente de los discursos de Adolf Hitler.
M, su primer film sonoro
Aunque sus películas del primer período en Alemania suelen ser tomadas como ejemplos del expresionismo alemán, él nunca aceptó esa filiación y se identificaba más bien con Berthold Brecht. Pero sí reconocía que inevitablemente iba a tomar elementos de la tendencia que marcó el espíritu de su tiempo. Por lo demás, Eisner lo recuerda diciendo a menudo que "toda película tiene que nacer de su época para ser eficaz". Y la suya fue una oscura, triste. En su texto Happily Ever After decía que la Primera Guerra hizo que los jóvenes artistas de todo el mundo hicieran de la tragedia un fetiche, pasando al pesimismo por el pesimismo. Aunque el contenido de cada película determinara su estilo, los tiempos que corrían dejaron indiscutiblemente su marca.
escrito por Por Pamela Biénzobas y Jorge Letelier (www.mabuse.cl)
Fritz Lang en Hollywood El sueño americano bajo el filtro expresionista Amigos comenzaremos ahora con una serie de comentarios sobre Fritz Lang, si no lo conoce aqui sabra quien fue para el cine.
A diferencia de otros europeos célebres trasplantados a Hollywood, como Billy Wilder, Alfred Hitchcock o Ernst Lubistch, el vienés Fritz Lang siempre ha transitado en la historia del cine americano con un perfil menor e incluso decididamente de clase B. Las razones no están muy claras, pero el carácter insobornable de su filmografía puede explicar su resistencia a trabajar bajo los códigos éticos y estéticos de Hollywood. Y eso sin duda tuvo un costo.
La relación de Lang con Estados Unidos comenzó durante la génesis de Metrópolis (1924), cuando el entonces principal cineasta de la UFA viajó para imbuirse del sistema de producción hollywoodense. Más allá de los hallazgos técnicos aprendidos, fue la fascinación por los rascacielos de Nueva York los que marcaron en forma definitoria la depurada imaginería futurista de la cinta. Una década después, cuando había acumulado una admirable filmografía a sus espaldas (Los Nibelungos, Espías, M, el vampiro de Dusseldorf y El testamento del Doctor Mabuse), el otrora hombre ancla de la UFA, ahora convertido en un fugitivo del régimen nazi, regresó a las colinas de Los Ángeles gracias al interés del omnipresente productor de la MGM, David O. Selznick. Furia
La siempre tensa y distante relación de Lang con los estudios quedó reflejado casi inmediatamente después de su llegada a Estados Unidos: a los pocos meses de su arribo, Selznick dejó la Metro y el cineasta perdió a su único apoyo. Un liberal de raigambre progresista en el más conservador estudio de Hollywood era un problema, y el propio Lang lo experimentó al estar cerca de un año inactivo, con un par de proyectos abortados, hasta que dio con el caso de un frustrado linchamiento y posterior venganza del acusado (un falso culpable, uno de sus obsesiones más recurrentes): Furia.
En este año de inactividad, Lang estudió a fondo la idiosincrasia del país, recorriéndolo de costa y costa y devorando la realidad circundante a través de los periódicos. Por ello este filme inicial mantiene una notable coherencia ideológica con sus crudos alegatos anteriores: es la asunción en pleno Hollywood de un extranjero de mirada crítica que no va a dejar pasar la oportunidad para subvertir a su manera el sueño americano.
En Furia y la siguiente Sólo se vive una vez (You only live once, 1937), Lang estaba elaborando algunas de las premisas fundacionales de lo que unos años más tarde se llamaría cine negro: el verismo objetivo y social (a menudo documentalista), el fatalismo que rodea a sus falsos culpables y la ambigüedad de sus mujeres. Y por supuesto, la herencia expresionista que se haría palpable con sus elaboradas composiciones abstractas y sus violentos juegos de luz y sombra. No es casualidad que luego de sus interludios en el western (El regreso de Frank James entre ellos) y su trilogía antinazi, Lang esté listo para entrar en gloria y majestad a los terrenos más complejos del film noir. Secreto tras la puerta
Inmerso de lleno en la producción independiente de clase B, Lang inauguró una trilogía plena de resonancias sicológicas con La mujer del cuadro (1944), para luego crear su propia productora, Diana, asociado al productor Walter Wanger y la actriz Joan Bennett, con quienes firmó Perversidad (1945) y Secreto tras la puerta (1947). Retomando una raíz onírica que estaba presente en sus primeros trabajos alemanes, Lang dotó de manifiesta ambigüedad moral estos relatos, apuntando sus dardos al relativismo de la justicia y donde el destino fatalista de los protagonistas se enfrenta explícitamente a un entorno inmisericorde, a menudo con la muerte como gran telón de fondo.
Como era de esperar, Lang despertó sospechas en el maccarthismo por su inclaudicable visión crítica sobre la justicia, la corrupción policial y la opresión institucional sobre los individuos. Por esta vez, las negras tragedias de sus protagonistas, lo tenían ahora a él en la mira de los administradores del mal. Y eso tuvo su efecto. Tal como recordaría tiempo después Lotte Eisner, Lang vivía sumido en el constante terror de ser acusado de algo, luego que en su juventud fuera sindicado como posible sospechoso de la muerte de su primera esposa. Eso hizo que el director escribiera detalladamente todo lo que hacía, como un diario de pruebas que demostraría su inocencia ante cualquier eventualidad.
Si bien oficialmente no era un blacklisted, la Caza de Brujas lo mantuvo tres años sin dirigir, tiempo en que perdió proyectos como el western Winchester 73 (Anthony Mann) y el ganador del Oscar de 1950 Todos los hombres del rey (Robert Rossen). Y entre encargos puramente alimenticios como House by the river (1950) y American guerrilla in the Philippines (1950), entró a la última fase de su carrera, un epílogo brillante en que al igual que el protagonista de Furia, Lang utilizaría como su venganza afilados filmes que recogerían el histerismo ideológico de su patria adoptiva. Rancho Notorius Uno de ellos es el western Rancho notorious (1952), una historia de venganza con Marlene Dietrich al frente de un rancho habitado por proscritos de la ley. Sufriendo indecibles humillaciones para terminarlo (un tercio del metraje fue cercenado por el productor, se cambió el título sin avisarle y la Dietrich se le enfrentó en el set), Lang ya avizoraba el término de su periplo americano, pero aún le quedarían fuerzas para cerrar su aportación al cine negro con el trío de filmes más cínicos y amargos de su filmografía, en perfecta concordancia con la caza de brujas que llegaba a su fin: Los sobornados (1953), que examina a una sociedad fracturada por la violencia y la corrupción; Mientras la ciudad duerme (1956), su ajuste de cuentas con el periodismo que cerró los ojos ante la persecución, y Más allá de toda duda razonable (1956), donde vuelve a poner en tela de juicio la idoneidad de la justicia y los valores de una sociedad que se juzga a sí misma virtuosa e íntegra. Lang abandonó Estados Unidos con un sabor amargo, dejando una serie de interrogantes sobre un país que pese a acogerlo, no lo adoptó entre sus favoritos. Escrito por Jorge Letelier (continuara...)
Russell Crowe como Máximo Décimo Meridio, un legado —general — hispanorromano que goza de la total confianza de Marco Aurelio y el amor y admiración de Lucila. 
Connie Nielsen como Galeria Lucila, primera amante de Máximo e hija mayor de Marco Aurelio que, recientemente, se había quedado viuda. Ella se resiste a los anticipos incestuosos de su hermano, al cual odia, al tiempo que debe proteger a su hijo, Lucio, de la ira y corrupción de este.
