Kramer vs. Kramer (también conocida como Kramer contra Kramer) es una película estadounidense dirigida por Robert Benton en el año 1979, ganadora de 5 premios de la academia.
Argumento y Comentarios Lo que a partir de los años 60 surge como un derecho básico de la mujer que, además de madre y esposa, quiere realizar un trabajo remunerado, obligó a la sociedad urbana a ver con mayor aceptación esta doble dimensión femenina y puso de relieve la otra parte de la cuestión: el derecho del hombre a ocupar su lugar como padre en el cuidado de los hijos. Kramer contra Kramer es la película que rompió el esquema fuertemente arraigado en la sociedad cuando se da un rompimiento matrimonial; que, por el solo hecho de ser mujer, automáticamente la custodia de los hijos deben pasar a la madre; y resaltó el importante papel del padre y su derecho a ser él quien permanezca en el hogar y al cuidado de la cotidianeidad del niño.
La película no deja indiferente al espectador, que ve de cerca la relación entre trabajo, desarrollo personal y rol de padre y madre, y a quien se le obliga a plantear el derecho del hombre para quedar al cuidado de sus hijos. Ganadora de 5 Oscares en 1979, tuvo gran impacto en la percepción que tenía la sociedad sobre los derechos de los varones a la custodia de los hijos.
El argumento plantea el abandono del hogar de Joanna (Merryl Streep), esposa y madre quien, en su desesperación existencial, y tras el fracaso de su relación con Ted, entra en una crisis de identidad personal, misma que la obliga a irse en busca de sus propias certezas. El personaje central, Ted (Dustin Hoffman), es un publicista con indiscutible éxito profesional y un buen proveedor que jamás cuestionó cómo su mujer le resolvía los pequeños pero imprescindibles detalles cotidianos, sin los cuales no es factible la vida familiar ni la posibilidad de dedicarse de tiempo completo a su realización personal.
El conflicto principal entre ellos parte del desconocimiento por parte de Ted de las necesidades afectivas y de realización profesional de su mujer y la incapacidad de ambos para poderse comunicar. Existe afecto entre ellos pero la vida se ha tornado imposible para Joanna, que se ha convertido en testigo mudo de los éxitos del esposo, perdiendo sus posibilidades de desarrollo personal.
Ted obtiene un triunfo profesional largamente anhelado: la mejor cuenta publicitaria de la agencia. Coincidentemente ese mismo día sufre el abandono de su esposa, por lo que se encuentra con una gran carga de trabajo, solo y al cuidado de su hijo Billy, de 5 años.
La película lo muestra en este doble proceso, donde por una parte el éxito profesional se le desmorona llegando incluso a perder el empleo al no poder cumplir con las expectativas y exigencias de su jefe; y, por otro lado, descubriéndose a sí mismo en su dimensión de padre.
Lo vemos al principio como un "amo de casa" nefasto: no sabe ni romper un huevo para el pan francés del desayuno del niño, pero poco a poco logra un encuentro con éste, descubre su ternura y los gozos y las sombras que le deparan su cuidado.
Probablemente el mayor acierto de la película es mostrar el lado emocional del hombre, que descubre en los cotidianos cuidados de Billy la paternidad que no consiste sólo en proveer de lo necesario o de ser el que engendro en la mujer, sino en compartir con él su vida, gozar en la bicicleta, sus éxitos escolares, sufrir la angustia y el dolor de una caída, y permitiendo la identificación del pequeño al compartir la cotidianidad que los une para reorganizar su vida y juntos salir adelante. Tiene escenas memorables, como aquella en la cual Bill y —en vez de sus verduras— desea comer helado y desafía al padre hasta que éste se enfurece y entran en conflicto: situación que los ayuda a descargar tensiones, el niño expresa su sentimientos por el abandono de la madre y ambos pueden decirse que se aman.
La verdadera crisis surge cuando Joanna regresa por amor a su hijo, reclama sus derechos de madre y desea llevarlo a vivir con ella. Entonces Ted se enfrenta a una lucha jurídica para retenerlo.
Una película que no es de buenos ni malos, sino de seres de carne y hueso que muestra el doloroso proceso del divorcio, la lucha por la custodia de los hijos, el impacto emocional que tienen sobre los niños los problemas paternos y la dimensión humana de hombres y mujeres que tienen los mismos derechos, en el sentido total y equitativo de este concepto. (IRENE MARTINEZ ZARANDONA)
ALGO MAS... Es una película basada en la novela Kramer contra Kramer de Avery Corman. Antes de seleccionar a Dustin Hoffman, los productores habían considerado darle el papel a Al Pacino. Por su parte, Jane Fonda rechazó el papel interpretado finalmente por Meryl Streep. Dustin Hoffman ayudó en gran manera al actor novel Justin Henry, analizando y comentando con él cada escena antes de su rodaje. El decorado del apartamento montado en el interior del estudio tuvo las medidas exactas resultantes del exterior del edificio que aparece en la película. El director de fotografía, Néstor Almendros, utilizó en los interiores luz cenital y en los exteriores la luz disponible para las tomas. La versión inicial tuvo una duración de 43 minutos adicionales respecto a la duración definitiva. Se suprimieron sobre todo escenas con Jane Alexander y con JoBeth Williams
Ganadora de 5 premios oscar (9 nominaciones) mejor pelicula, mejor actor (Dustin Hoffman), mejor Director (Robert Benton), mejor actriz de reparto (Meryl Strep)y mejor guion adaptado.
Ficha técnica Dirección Robert Benton Producción Stanley R. Jaffe - Richard Fischoff Guión Robert Benton Música Herb Harris - John Kander Fotografía Néstor Almendros Montaje Gerald B. Greenberg Vestuario Ruth Morley Reparto Dustin Hoffman - Meryl Streep - Jane Alexander - Justin Henry - Howard Duff - George Coe País Estados Unidos Año 1979 Género Drama Duración 105 minutos
Ver Trailer de la Pelicula "Kramer vs Kramer (1979)"
Grease (Grease Vaselina (Hispanoamerica)Brillantina (España)) es una película musical inspirada en los años 50, rodada en 1978 en Estados Unidos bajo la dirección de Randal Kleiser. Se basa en el musical creado por Jim Jacobs y Warren Casey, del mismo título y que data de 1972. Fue la película que lanzó al estrellato a Olivia Newton-John y que ayudó a consolidar el suyo a John Travolta.
Argumentos y Comentarios El film comienza con la canción "Grease", añadida expresamente para la película y escrita por Barry Gibb, de los Bee Gees e interpretada por Frankie Valli en un segmento animado que recrea la epoca de los 50s en estados unidos con todos sus detalles de la cultura pop significativos. Danny Zuko (John Travolta) y Sandy Dee (Olivia Newton-John)se enamoran durante las vacaciones de verano. Cuando el verano termina, se despiden pensando que no se van a volver a ver, ya que Sandy ha de volver a Australia.
La familia de Sandy cambia de opinión y se quedan en los Estados Unidos y se inscríbe en el instituto Rydell, donde estudia su amiga Frenchy, miembro de una pandilla llamada Las Damas Rosas (The Pink Ladies en el original en inglés). Lo que no sabe es que en ese mismo instituto también estudia Danny.
Danny, por su parte, es el líder de una pandilla, los T-Birds (Thunder Birds). Kenickie, segundo al mando de los T-Birds, anima a Danny para que les cuente su experiencia de vacaciones, mientras que las Damas Rosas interrogan a Sandy. Este escenario desemboca en la canción "Summer Nights" ("Noches de Verano", en español), en la que ambos relatan su punto de vista sobre su relación de verano con el otro. Se ve claramente que Danny exagera, y ninguno de los dos sabe de la presencia del otro en el instituto. Noches de Verano
Animada por Patty Simcox, una chica popular del instituto, Sandy se apunta al equipo de animadoras de Rydell. Las Damas Rosas hacen coincidir a Danny y a Sandy, pero Danny tiene que proteger su imagen de tipo duro y su comportamiento hacia Sandy hace que ésta se vaya corriendo entre lágrimas. Danny la observa unos instantes pero rápidamente vuelve a su pose de chico duro y se va con sus amigos.
Frenchy intenta animar a Sandy invitándola a una pijamada en su casa con el resto de la pandilla. Sandy se apunta, pero su comportamiento de niña buena que-nunca-ha-roto-un-plato termina con la paciencia de Rizzo, ya que Sandy se atraganta con un cigarrillo, no le gusta el sabor del vino y le aterroriza la idea de que Frenchy le perfore los lóbulos de las orejas para llevar pendientes. Ante la insistencia de Frenchy, Sandy se va con ella al baño y allí se pone enferma con sólo ver la sangre. Frenchy comunica a sus amigas que va a dejar el instituto para ir a una escuela de belleza. Rizzo no puede más y se mofa de Sandy junto con todas las demás cantando la sarcástica "Look at me, I'm Sandra Dee".
Los T-Birds llegan a la casa de Frenchy y Rizzo se desliza por el tejado para irse con ellos. Ella y Kenickie flirtean un poco y Kenickie la invita a subir al coche. Danny se va por su cuenta y Kenickie y Rizzo se van en el coche, dejando tirados a los demás T-Birds, que deciden irse a comer una pizza. Marty, la miembro que más flirtea de las Damas Rosas, decide escribir a uno de sus numerosos novios por carta, mientras que Sandy sale fuera y decide que, a pesar de todo, sigue enamorada de Danny, cantando la canción "Hopelessly Devoted to You", una conmovedora canción de amor añadida expresamente para la película y que fue un gran éxito como single.
La escena cambia a Rizzo y Kenickie besándose apasionadamente en el asiento trasero del coche. Quieren llevar las cosas un paso más allá, pero el condón que Kenickie llevaba en la cartera se rompe. Rizzo, incapaz de resistir a los encantos de Kenickie, se lanza sobre Kenickie y siguen adelante sin protección. Pronto son interrumpidos por Leo, líder de la banda de los Escorpiones (The Scorpions), rivales de los T-Birds, que causa algunos daños al coche de Kenickie e insulta a ambos. Mientras trabajan en la reparación del coche, los T-Birds fantasean sobre cómo quedará el coche una vez esté puesto a punto y pintado, cantando "Grease Lightning". Danny se encuentra más tarde en el Palacio del Helado (Frosty Palace) y se intenta disculpar con ella por su actitud. Al ver que Sandy está compartiendo un refresco con Tom Chisum, un deportista, decide que si ese es el tipo de hombre que a ella le gusta, él puede convertirse en uno apuntándose a algún deporte en el instituto.
Lo siguiente que vemos es la desastrosa exhibición de Danny en baloncesto, lucha libre y béisbol, disciplinas en las que siempre pierde la paciencia y termina pegando a alguien. Finalmente ve que su deporte ideal es el atletismo, por la falta de contacto con el oponente, principalmente. Mientras Danny está entrenando en carrera de vallas, ve a Sandy y tropieza. Sandy deja a Tom Chisum para ver si Danny está bien, reconciliándose con él.
Danny intenta ir al Palacio del Helado con Sandy para estar solos y no preocuparse por arruinar su imagen delante de sus amigos. Allí descubre que tanto los T-Birds como las Damas Rosas ya están allí, y a Danny le resulta muy complicado seducir a Sandy sin parecer un mariquita delante de su pandilla. Cuando todo el mundo se ha ido de la heladería, Frenchy, que ha estado ocultando el color de su pelo bajo un pañuelo, revela que está teniendo problemas en la escuela de belleza ya que tiene el pelo de color rosa por un error en el tinte. Entonces se imagina que tiene un ángel de la guarda que le dice qué debe hacer con su vida. Este ángel resulta ser Frankie Avalon, que la anima a volver al instituto cantando "Beauty School Dropout".
El programa de Televisión National Bandstand tiene pensado hacer su programa en directo precisamentre desde el gimnasio del instituto Rydell, motivo por el cual se organiza un concurso de baile al que Danny lleva a Sandy. Rizzo, enfadada con Kenickue, lleva al baile a Leo, el líder de la banda rival, obligando a Kenickie a llevar a la novia de éste, ChaCha DiGregorio, quien a su vez fue novia de Danny hace tiempo. El presentador del programa, Vince Fontaine, tiene un flechazo con Marty, de las Damas Rosas. el baile presenta muchas canciones conocidas de los años 1950 versionadas por el grupo Sha Na Na. Durante el baile, Rizzo abandona el recinto enfadada cuando ve a Kenickie con ChaCha, mientras que Danny y Sandy son de las pocas parejas que van quedando en el concurso. En un momento dado, Sonny tira de Sandy dejando a Danny bailando con ChaCha. Sandy se da cuenta de que ChaCha es una ex-novia de Danny y mucho mejor bailarina que ella, abandonando el gimnasio enfadada. Danny y ChaCha ganan el concurso de baile y, mientras están bailando solos, tres de los T-Birds se ponen delante de la cámara y hacen una desastrosa escena cómica de bajarse los pantalones y enseñar sus traseros.
Más tarde, Danny lleva a Sandy a un autocinema donde se disculpa por haberla dejado de esa manera. La disculpa no significa demasiado para Sandy, de modo que Danny intenta quitarse el anillo que lleva para dárselo a ella pero al hacerlo, accidentalmente le clava el codo en el pecho. Al dárselo, Sandy le besa en la mejilla diciendo que ahora se dé cuenta de que en verdad la respeta. El plano cambia a Marty y Rizzo en los lavabos del mismo cine. Allí, Rizzo le dice a Marty que tiene una falta y está aterrada ya que tuvo sexo con Kenickie sin protección. Al salir de los lavabos a Marty se le escapa un comentario con respecto al embarazo de Rizzo, que Sonny oye de casualidad. El cotilleo se propaga como la pólvora hasta llegar al propio Kenickie. Cuando éste le pregunta a Rizzo si es verdad, ella le pregunta por qué le preocupa y el dice que el no escapa de sus errores, y Rizzo le dice que no se preocupe, que no fue su error. Él le da las gracias sarcásticamente y la deja allí, donde la encuentra Marty que se lamenta porque ha pillado a Vince Fontaine poniéndole una aspirina en su Coca Cola.
De nuevo en el coche, Danny tiene el brazo alrededor de Sandy, e intenta descaradamente meterle mano a Sandy y enrollarse con ella. A ella no parece entusiasmarle la idea y sale del coche enfadada dando un portazo que golpea a Danny en la entrepierna. Tras tirarle de vuelta el anillo, abandona el cine. Danny se lamenta por haber perdido de nuevo a Sandy y revela el auténtico alcance de sus sentimientos hacia ella en la canción "Sandy".
La siguiente escena es la carrera entre Leo y Kenickie en el canal. Kenickie le pide a Danny que sea su padrino en el desafío, y Marty le da a Kenickie un penique que se ha encontrado para que le dé suerte. Al dejarlo caer, Kenickie se agacha a recogerlo y uno de los T-Birds abre la puerta sin verle, golpeándolo en la cabeza. Deciden que Danny correrá en su lugar y mientras, Sandy ve el espectáculo desde la distancia. La carrera (que resulta ser una parodia de la famosa carrera de Ben-Hur) está muy disputada aunque finalmente Danny gana. Alegrada por el triunfo de Danny, Sandy se da cuenta de sus sentimientos hacia Danny y considera que su imagen y su actitud son demasiado puritanas, con la canción "Look at Me, I'm Sandra Dee (reprise)". Mientras Danny va a celebrar la carrera con los T-Birds, Frenchy ve a Sandy y quedan para hacerle a Sandy un completo cambio de imagen.
Es ya el último día de clase y se ha organizado una feria en el instituto Rydell.
Rizzo está montada en el carrusel con Frenchy y Kenickie le dice que se baje porque está en una condición y ella le dice que es una falsa alarma. Kenickie y Rizzo se reconcilian.
Danny aparece allí con la sudadera deportiva del equipo de atletismo, y Doody, Sonny y Putzie le dicen que ahora es un atleta y que eso significa que dejará a los T-Birds. Él dice que sí porque eso es lo que Sandy quiere. De repente Sandy aparece con una chaqueta de cuero negro, sandalias de tacón alto, un top con los hombros al aire, el pelo rizado y fumando un cigarrillo. Danny la encuentra extremadamente atractiva, cayendo a sus pies. Ambos vuelven a estar juntos y cantan "You're the One That I Want" (otra canción añadida para la película y un gran éxito incluso antes de que la película se estrenase).
Todos cantan el gran finale, "We Go Together", y Danny y Sandy se van volando en un descapotable, desapareciendo en el cielo (versión más larga).
Durante los créditos, que tiene la forma de un anuario escolar, puede escucharse "Grease (reprise)".
Curiosidades * Originalmente fue estrenada en España bajo el título de Brillantina, pero luego se recuperó el título original. En Hispanoamérica se la conoce también como Vaselina, que es la traducción más aproximada de la palabra Grease. * Olivia Newton-John era reacia a actuar en la película debido a sus malas experiencias anteriormente en el cine, pero John Travolta se presentó en su casa y le pidió que hiciera la película con él, lo que la hizo cambiar de parecer. * Jeff Conaway (Kenickie) es más alto que John Travolta (Danny), por lo que tenía que andar de manera especial para parecer más bajo. * El sueño de Stockard Channing (Rizzo) siempre fue rodar un musical donde ella tuviera un peso en la historia, y pudo verlo cumplido al rodar la película. * El personaje de Sandy Olson (interpretado por Olivia Newton-John) estaba basado en la actriz Sandra Dee y a su vez Rizzo (Stockard Channing) en Marilyn Monroe. * Sólo Lorenzo Lamas (Tom, nuevo novio de Sandy) y Dinah Manoff (Marty, de las Pink Ladies) tenían una edad aproximada a los personajes que interpretaban en todo el reparto: 19 años. El resto de estudiantes superaban los 24. John Travolta tenía 24, Olivia Newton-John tenía 30, Stockard Channing tenía 34 y ya se había casado 3 veces, Jeff Conaway tenía 28 y ya se había casado 1 vez, Barry Pearl tenía 28, Michael Tucci tenía 32, Kelly Ward tenía 22 y llevaba 1 año casado, Didi Conn tenía 27 y Jamie Donnelly tenía 31. * You're The One That I want, una de las más exitosas y recordadas canciones de Grease, estuvo a punto de no aparecer porque el director la aborrecía. También ocurrió con la canción principal, Grease, compuesta por Barry Gibb, miembro de los Bee Gees. * Marie Osmond renunció a interpretar el papel de Sandy. * La escena en la que Rizzo cita a Elvis Presley fue rodada el día en que éste falleció. * Jeff Conaway se casó con la hermana de Olivia Newton-John en 1980, 2 años después del rodaje. Se divorciaron en 1985. * El pantalón que lleva Olivia Newton-John en la escena final fue una aportación propia. * En una escena de la película dos de las Pink Ladies cantan la canción de La Bamba, popular en aquella época. * Cuando cantan "You're the one that i want", Olivia lleva un conjunto que encontró en un baúl de atrezzo, ya que el director le permitió que escogiera la ropa que quisiera, la cremallera del pantalón estaba rota porque le estaba tan estrecho que la reventó antes de grabar la escena, así que lo arreglaron como pudieron. En la siguiente canción "We go together" Cuando Danny Y Sandy de un salto aparecen en la pantalla, ella está descalza porque no podía saltar con semejantes taconazos. * La banda sonora original produjo dos singles Números 1: La canción principal "Grease" (interpretada por Frankie Valli) y "You're the One That I Want" (interpretada por John Travolta y Olivia Newton-John). IMDb * Durante el baile grabado para la televisión, aparece un cámara con una camiseta de la marca Lacoste. * La serie Somos tú y yo: un nuevo día, fue inspirada en esta película y su secuela
Este Musical sin duda, a mi gusto, es lejos el mejor, porque, juntan muy bien la historia con las canciones, las cuales son muy pegajosas, es entretenida, te logra atraer con toda tu atencion, y hasta el dia de hoy escucho sus canciones, Excelente y recomendable. Y saludos a Olivia que por estos dias viene a Chile a Estadio lleno.
Ficha técnica Dirección Randal Kleiser Producción Allan Karr - Robert Stigwood Guión Jim Jacobs (musical) - Warren Casey (musical) - Allan Carr (adaptación)- Bronte Woodard (guión) Música John Farrar - Barry Gibb - Louis St. Louis Fotografía Bill Butler Reparto John Travolta: Danny - Olivia Newton-John: Sandy - Stockard Channing: Rizzo - Jeff Conaway: Kenickie - Barry Pearl: Doody - Michael Tucci: Sonny - Kelly Ward: Putzie - Didi Conn: Frenchy - Jamie Donnelly: Jan - Dinah Manoff: Marty - País(es) Estados Unidos Año 1978 Genero Comedia Musical
Mario Puzo's The Godfather: Part II, conocida en castellano como El Padrino II (Sudamérica) o El Padrino, parte II (España), película estadounidense de 1974 dirigida por Francis Ford Coppola, que continúa la película El Padrino, siendo la segunda parte de la trilogía.
Argumento La película cuenta dos historias paralelas en diferentes tiempos. La historia principal es la continuación de la primera película, siguiendo a la familia Corleone dirigida por Michael en los años 50; la otra es un flashback que sigue a su padre, Vito, desde su juventud en Sicilia a la fundación de la familia criminal Corleone en Nueva York, y de los nacimientos de Michael y de sus hermanos. Esta versión de Vito es actuado por diversos actores en diversas edades, pero Robert De Niro, que representa a Vito adulto, ganó un Oscar al mejor actor de reparto, en un papel en el cual, interesantemente, consiste casi enteramente en diálogos en italiano.
En una reconstrucción meticulosa de la “Pequeña Italia” (Little Italy) de Nueva York a principios del siglo XX, la audiencia experimenta los primeros años de Vito Andolini (que posteriormente pasa a ser Corleone). En Sicilia, un capo local llamado Don Ciccio ordena matar al padre y hermano mayor del niño Vito Andolini. La madre de Vito pide audiencia a Don Ciccio y suplica por la vida de su hijo. Don Ciccio se niega a perdonarlo argumentando que cuando crezca lo buscará para matarlo (lo que se convierte en una profecía). Su madre toma de rehén a Don Ciccio y le grita a Vito que huya. Vito Andolini logra huir a Nueva York, Estados Unidos. Durante una entrevista con Inmigración cambia su apellido a Corleone debido a una confusión. Una vez crece, la historia narra su lucha contra la Mafia en su nuevo hogar; sus inicios como pequeño ladrón, su elevación a ser el nuevo “Don” y su venganza contra el asesino de su familia en Sicilia, donde asesina a Don Ciccio de una puñalada en el estomago.
La historia “actual” de la película ocurre varios años después de la muerte de Vito Corleone, con su hijo Michael Corleone como el nuevo “Don”. Frío y calculador, Michael en sus intentos de consolidar los intereses de la familia Corleone, pierde contacto con su familia y acaba perdiéndola. A pesar de su creciente poder, está siendo investigado por un comité del Senado de los Estados Unidos. Además está nervioso por una inversión prevista en Cuba bajo dirección de Hyman Roth (Strasberg), quien había instigado un intento de asesinato en su contra, junto con alguien cercano a él. El ataque falla, y Michael sobrevive y procura descubrir al traidor, quien resulta ser su hermano Fredo (Cazale).
La película alcanza su clímax en las escenas de asesinato al igual que el clímax de la primera película. Los dos asesinados son Fredo Corleone y Hyman Roth. Además, se presenta el suicidio de Frank Pentangelli, un ex socio de Michael, que al sentirse traicionado, accede a hablar ante el Congreso contra la Familia Corleone.
El aclamado director Francis Ford Coppola, junto con el célebre escritor Mario Puzo, nos muestran una precuela y una secuela, primero de lo que fue la llegada de Vito Corleone a Estados Unidos, específicamente al vecindario de Little Italy (obteniendo un Oscar en escenografía; Dean Tavoularis) y segundo lo que vino a consagrar como el sucesor de la Familia a Michael. Podemos deducir que Mario Puzo mucho fue lo que debió escribir en la elaboración de la segunda parte, ya que, si bien en el libro "El Padrino" sólo dedicaba un capítulo a la juventud de Vito, en donde narra su llegada del pueblo de Corleone a Estados Unidos, y trata de manera somera los primeros lazos que tuvo con el joven Clemenza y Tessio, y como llega a posicionarse como el "Don" una vez que logra eliminar a Fanucci que pertenecía a una organización conocida como la "Mano Negra".
Dentro de los datos curiosos que se pueden destacar, es la gran cantidad de escenas que fueron suprimidas, Vito transita por uno de los callejones del vecindario y observa como tres jóvenes le ponen una navaja en el cuello a Fanucci, y éste escapa pidiendo auxilio, también donde Clemenza presenta a Hyman Roth a Vito, éste sería el mecánico encargado de la reparación de los camiones distribuidores de aceite de oliva, Roth que en ese momento ostentaba otro apellido (judío) le pide a Don Vito que lo rebautice a lo que accede preguntándole que nombre querría llevar y Roth le responde que desea ostentar el apellido de Roth en honor a un dirigente que arregló de manera fraudulenta la liga de béisbol.
También existen curiosidades de escenas en la secuela de la película, como el final que se había pensado para ésta, en donde aparece Kay rezando por el alma de Michael, pero que después fue cambiada por el recuerdo familiar que le viene a Michael en el momento de encargar a Neri la ejecución de Fredo; si bien en ese momento Michael recuerda que Fredo fue el único que lo apoyó en su decisión de enrolarse en el ejército, lo más destacable como lo dijo después Robert Duvall es que si bien no aparece Brando, (existieron problemas legales con Paramount Pictures) se siente su presencia en todo instante. Cabe destacar la excelente actuación de Michael V. Gazzo que interpretaba al carismático y cómico mafioso Frank Pentangelli, que muchos sostienen que de no habérsele suprimido escenas hubiese sido fiel aspirante a competir con Robert De Niro por el Oscar a mejor actor de reparto.
Robert De Niro que hasta ese entonces no era un actor muy considerado (nótese que fue rechazado en el "casting" para interpretar a Sonny en la primera parte, y que en las pruebas de cámara parece que intenta hacer el mismo papel que en Malas Calles de Martin Scorsese), hizo un papel más que considerable en la encarnación de Vito en su juventud, ganando, a la postre (como ya se menciona anteriormente), el Oscar al mejor actor de reparto.
En la entrega de los Premios Oscar de ese año tuvo 11 nominaciones a la maxima estatuilla y logro 6 de ellas : Oscar a la mejor película; Oscar al mejor director Francis Ford Coppola; Oscar al mejor actor de reparto Robert De Niro; Oscar al mejor guión adaptado Francis Ford Coppola y Mario Puzo; Oscar a la mejor banda sonora Nino Rota y Carmine Coppola; Oscar a la mejor dirección artística Dean Tavoularis, Angelo Graham y George R. Nelson
Ficha técnica Dirección Francis Ford Coppola Producción Francis Ford Coppola Guión Francis Ford Coppola - Mario Puzo Fotografía Gordon Willis Reparto Al Pacino - Robert De Niro - Robert Duvall - Diane Keaton John Cazale - Talia Shire - Lee Strasberg - Michael V. Gazzo - G.D. Spradlin - Richard Bright - Gastone Moschin - Tom Rosqui - Bruno Kirby - Frank Sivero - Francesca De Sapio - Dominic Chianese País Estados Unidos Año 1974 Género Drama Duración 200 minutos Distribución Paramount Pictures
Taxi Driver es una película estadounidense de 1976 dirigida por Martin Scorsese y escrita por Paul Schrader. El filme está ambientado en Nueva York, poco después de que terminara la guerra de Vietnam, y está protagonizado por Robert de Niro, quien interpreta a Travis Bickle, un ex combatiente solitario y mentalmente inestable que comienza a trabajar como taxista, incorporándose a la turbia vida nocturna de la ciudad. La película obtuvo varios premios, entre ellos la Palma de Oro del Festival de Cannes, y cuatro nominaciones al Oscar; en la actualidad se la considera una de las mejores de su década. El reparto cuenta también con la presencia de Cybill Shepherd, como la mujer de quien Bickle está enamorado; Jodie Foster, como una prostituta de 13 años de edad con quien el protagonista forja cierto lazo; y Harvey Keitel, como su proxeneta. El propio Scorsese realiza un pequeño cameo.
Argumento Travis Bickle (Robert de Niro) es un ex combatiente de Vietnam, actualmente residente en Nueva York, que sufre de depresión y ansiedad al sentirse progresivamente rechazado por la sociedad. Adicionalmente sufre de insomnio, lo que le lleva, tras pasar las noches en salas X y demás, a apuntarse como taxista nocturno para aprovechar el tiempo muerto y ganar dinero. Sin embargo, mientras conduce su taxi, es testigo silencioso de todas las maldades existentes en la gran ciudad: la prostitución, la violencia, los prejuicios, las locuras, los barrios bajos... A medida que pasan los días Travis va enfureciendo y llega a la paranoia. Anota todo en un cuaderno, decidido a pasar a la acción algún día, respondiendo a la violencia con violencia. Entretanto conoce a una jovencita (Jodie Foster) e intenta convencerla de que abandone la vida que está llevando como prostituta; esta joven, llamada Iris, comparte el mismo nombre que la niña de la ópera homónima de Pietro Mascagni donde la protagonista fue engañada e inducida a prostituirse.
Análisis de la Pelicula Malas Calles, de 1973, deja ver a un diamante en bruto tras las cámaras, opacado en gran medida por las deficiencias del guión y, tal vez, por su propia inmadurez. Atrevidos movimientos de cámara, ralentización de planos, uso abundante del zoom (y en casos del zolly), explotación de la música popular estadounidense (mayormente rock e indie) y sutiles distorsiones de la perspectiva, son algunos de los elementos que caracterizan el estilo de Martin Scorsese, quien ha impactado con gran fuerza sobre el cine de las últimas décadas, dejando notables huellas en directores tan reconocidos como Wong-Kar Wai o Quentin Tarantino. Este estilo, aunque no culminaría su desarrollo hasta la obra maestra del director, Toro Salvaje (1980), puede decirse que alcanza su madurez en Taxi Driver, cinta que, aunque resultó un éxito de taquilla y obtuvo la Palma de Oro del Festival de Cannes, fue prácticamente ignorada por la Academia de Hollywood (perdió frente a Rocky), convirtiéndose en obra de culto para muchos y, con el tiempo, en uno de los títulos más aclamados y representativos de su década. La cinta también supuso la consagración de Robert De Niro y el descubrimiento de Jodie Foster como una de las intérpretes más sólidas de su generación, con sólo catorce años.
Confesando haberse inspirado en Pickpocket de Robert Bresson, Paul Schrader, habitual colaborador de Scorsese, elaboró un guión que insiste sobre varias constantes del director: la violencia en la cultura occidental, el machismo, el abuso, y su clásica línea de “hombres que buscan la redención”. El controvertido personaje protagónico, Travis Bickle, genialmente encarnado por Robert de Niro, es en gran medida el narrador de esta historia, desde su voz en off hasta sus pantomimas, sin olvidar su célebre “You talking to me?” (¿Me estás hablando a mí?). Las influencias perceptibles en Taxi Driver resultan muy variadas, desde el más puro Sergio Leone hasta Los Siete Samuráis, de Akira Kurosawa. Sus incontables matices nos permiten catalogarla como una mixtura de géneros. La fotografía expresionista de Michael Chapman, altamente estilizada desde el plano inicial, que muestra el taxi de Travis surgiendo de entre el humo de las alcantarillas, así como la excelente partitura del gran Bernard Herrmann, quien legó aquí su última obra al cine, nos remiten a las más depresivas atmósferas del cine negro. El hábil uso de los primeros planos, las similitudes de la trama con la obra maestra de John Ford, Centauros del desierto (Más corazón que odio o The Searchers), así como la posible equivalencia del personaje de Travis con un jinete del oeste, hacen de Taxi Driver también una especie “western urbano”.
En Taxi Driver encontramos el origen psicológico de psicópatas como el que atentó contra Ronald Reagan (quien declaró en su juicio haberse inspirado en la cinta). ¿Qué se puede esperar de un hombre que es insertado en una comunidad tan agitada y corrupta luego de la experiencia traumática de la guerra? Scorsese retrata su New York natal como un antro de perdición, como muestra de una sociedad tan disparatada que, en uno de los finales más controvertidos del cine (posiblemente de carácter onírico), hace de un psicópata como Travis, un héroe popular, dando lugar también a interrogantes sobre “quién está más loco”, si nuestro protagonista que salva a una niña corrompida, o los personajes del proxeneta Amoroso o el senador Palantine (quien enuncia que “nosotros somos el pueblo”), ya de por sí corruptos. Taxi Driver constituye una crónica perfecta de los Estados Unidos luego de la aventura de Vietnam, así como una severa crítica a la violencia y corrupción resultantes.
Curiosidades * En el guión original el personaje del proxeneta interpretado por Harvey Keitel era de raza negra. Dado que ya habían aparecido numerosos personajes antagonistas que también eran negros, se decidió que el proxeneta fuera blanco para no deteriorar la imagen de la población afroamericana.
* Robert De Niro se presentó al rodaje con la característica cresta que luce al final de la misma, a Scorsese no le pareció del todo mal y la incluyó en el film.
* Robert de Niro trabajó como taxista cuatro semanas antes de la filmación, con el fin de meterse de lleno en su papel.
* Es la primera película en la que se introdujo un primer plano de un vaso de agua, cuando Travis dialoga con los otros taxistas del turno de noche en la cafetería.
* En una de las escenas finales, Robert de Niro mantiene una conversación con Jodie Foster sentados en un bar. En un momento dado Jodie Foster se quita las gafas de sol que lleva puestas y las deja encima de la mesa. Cuando al poco rato se las vuelve a poner son unas gafas completamente distintas.
* Hay dos intervenciones de Scorsese en el film: la primera y la más conocida, es la del cliente cornudo de Travis que amenaza con matar a su mujer con una magnum; la segunda es un breve cameo, en la primera aparición de Betsy le vemos sentado en un banco dirigiendo la mirada a la chica.
* En la escena del cliente cornudo en el Taxi, aparecen cinco tomas que muestran el contador de tarifa del taxi. Cuando Travis baja la bandera y el contador reinicia su avance, la primera lectura que se ve es de 065, más adelante vuelve a verse 065 (es decir, no avanzó), más adelante hay un close up al contador y se ve 275, en la cuarta toma se puede leer 075 y en la quinta de nuevo 065.
Ficha técnica
Título Taxi Driver Dirección Martin Scorsese Producción Julia Phillips - Michael Phillips Guión Paul Schrader Música Bernard Herrmann Editor Tom Rolf - Melvin Shapiro Fotografía Michael Chapman Reparto Robert De Niro - Cybill Shepherd - Jodie Foster - Peter Boyle - Albert Brooks - Harvey Keitel País Estados Unidos Año 1976 Género Drama Duración 113 minutos Distribución Columbia Pictures Ver Taxi Driver, pelicula por partes
Patton, película estadounidense de 1970 que relata las hazañas militares del general George Patton, desde la derrota estadounidense en el paso de Kasserine, hasta la entrega de una parte de Alemania a los rusos al terminar la Segunda Guerra Mundial, aunque el filme se enfoca en describir su peculiar personalidad. El filme muestra a un hombre extravagante, carismático, severo, perseverante, romántico (como Don Quijote), quien basaba sus exitosas estrategias en las historias de guerras antiguas, y creía ser las reencarnaciones de un mariscal de Napoleón y de un guerrero cartaginés.
Hubo intentos de hacer el filme, iniciando en 1953. Los productores se mantuvieron en estrecha relación con la familia de Patton para ayudarles con la historia de la película. Los productores querían leer los diarios de los familiares y conocer relatos íntimos del general Patton, y los pidieron el día del funeral de Beatrice Ayer Patton, viuda del general, pero la familia se opuso al filme y rehusaron proporcionar cualquier información.
Debido a la escasez de información, Francis Ford Coppola y Edmund H. North escribieron el guión del filme basados en dos biografías: Patton: Ordeal and Triumph de Ladislas Farago y A Soldier's Story de Omar Bradley. En el año 2005, la familia Patton permite la publicación del manuscrito de la finada viuda de Patton. La hija del general, Ruth Ellen Patton Totten, escribió el libro The Button Box: A Daughter's Loving Memoir of Mrs. George S. Patton (en inglés) donde relata el contenido del manuscrito. George C. Scott ganó el oscar al mejor actor (que él rechazó) por la excelente y conmovedora interpretación del General Patton. En 1986, se produjo una secuela hecha para la televisión llamada Los últimos días de Patton, que relata los últimos días de vida de Patton y el accidente que le propició su muerte. George C. Scott reinterpretó al personaje.
En el 2003 la Biblioteca del Congreso estadounidense consideró al filme culturalmente importante y se preservan copias en el Registro Nacional de Filmes estadounidense.
El discurso de Patton
Una de las partes más famosas del filme es el discurso que el general Patton pronuncia al principio. Los guionistas lo escribieron basados en una investigación histórica. En 1970, fue controvertido para los estadounidenses, porque manifiesta claramente ideas anti-políticas en una época donde muchos jóvenes compatriotas peleaban o pelearían en la Guerra de Vietnam. Tal diálogo fue traducido del Wikipedia inglés, tan crudo y vulgar como fue escrito. Discurso de Patton en Wikisource
Discurso Inicial
"Sentaos.
Quiero que recordéis que ningún bastardo ganó jamás una guerra muriendo por su patria. La ganó haciendo que otros pobres estúpidos bastardos murieran por ella.
Muchachos, todas esas historias de que América no quiere luchar, que pretende estar al margen de la guerra, son un montón de mierda de caballo. A los americanos por tradición les entusiasma luchar, todo verdadero americano ama el acicate de la pelea. Cuando erais niños todos admirabais a los campeones de canicas: al corredor más veloz, a los ases del futbol, a los boxeadores más duros. Los americanos aman al ganador y no pueden soportar al que pierde. Todo americano juega siempre para ganar, yo no apostaría el pellejo por un hombre que estando perdiendo, se riera. Por eso los americanos nunca hemos perdido ni perderemos una guerra, porque la sola idea de perder nos resulta odiosa. Ahora nuestro ejército es un equipo, vive come, duerme y lucha como un equipo. Todo eso de la individualidad es solo basura. Los que escribieron esa majadería sobre el individualismo para el Saturday Evening Post no conocen de una verdadera batalla más de lo que saben de fornicación. Ahora tenemos la mejor comida y equipo, el mejor espíritu y los mejores hombres del mundo.
Todos sabéis, y es la verdad, que compadezco a esos pobres contra los que vamos a luchar, por Dios que así es, ya que no sólo vamos a disparar contra ellos, ¡nuestra intención es arrancarles las entrañas y usarlas después para engrasar las ruedas de nuestros tanques, vamos a matar a esos miserables teutones por millares!
Bien, algunos de vosotros estáis dudando de si tendréis miedo bajo el fuego, eso no debe preocuparos, estoy convencido de que todos cumpliréis con vuestro deber, los nazis son el enemigo, ¡cargad contra ellos, derramad su sangre, disparadles en el vientre! Cuando pongáis vuestra mano sobre una masa informe que momentos antes era el rostro de vuestro mejor amigo… ya no dudaréis. Deseo recordaros otra cosa, no quiero recibir ningún mensaje que diga: “estamos aguantando nuestra posición”. ¡No aguantamos nada!, ¡que aguante el enemigo!. Nosotros avanzamos constantemente y no tenemos ningún interés en aguantar nada excepto al enemigo, vamos a agarrarle por la nariz y a darle una patada en el culo, ¡a patadas enviaremos a esos teutones al infierno acabando así con ellos en un santiamén! Bueno, sin duda habrá algo que podréis contar cuando volváis a vuestras casas, y dar gracias a Dios por ello, y si dentro de treinta años sentados junto al hogar y con vuestro nieto sobre las rodillas, él os pregunta qué es lo que hicisteis en la Segunda Guerra Mundial, no tendréis que contestarle: “pues... paleaba mierda en Louisiana”. Bien, ahora, hijos de perra, ya sabéis cómo pienso. Ehh... estaré muy orgulloso de dirigiros en esta lucha muchachos, siempre y en todo lugar. Esto es todo."
Curiosidades * El filme fue nominado a otros 3 premios oscar en 1970 que no ganó: mejor fotografía, mejores efectos visuales, mejor banda sonora, en contraste con eso obtubo 7 Oscar ganados: Mejor Película, Mejor Director : Franklin J. Schaffner, Mejor Actor : George C. Scott, mejor Guión Original : Francis Ford Coppola , Edmund H. North, mejor Montaje : Hugh S. Fowler, mejor sonido y mejor Dirección Artística
* Varias escenas de la película fueron filmadas en la desaparecida zona militar de Pamplona y en la sierra navarra de Urbasa, Almería, Segovia y Madrid, con el apoyo de equipos de producción españoles. [cita requerida] * Al final del filme, Patton está a punto de ser arrollado por una carreta y dice, ¡Imagínelo, después de todo lo que he pasado, imagíneme muriendo por esto!. En diciembre de 1945, Patton muere unas semanas después de sufrir severas heridas que le produjo un accidente automovilístico. * Los escritores del famoso diálogo de Patton tuvieron que suavizar las palabras y declaraciones reales.
Ficha técnica Dirección Franklin J. Schaffner Dirección artística Gil Parrondo - Urie McCleary Producción Frank McCarthy Guión Francis Ford Coppola - Edmund North Música Jerry Goldsmith Fotografía Fred J. Koenekamp Montaje Hugh Fowler Reparto George C. Scott - Karl Malden - Karl Michael Voguel- Michael Bates - Jack Gwillim - Paul Stevens - Edward Binns - Michael Strong- Richard Muench - Lawrence Dobkin - John Doucette - Frank Latimore - Siegfried Rauch - James Edwards País Estados Unidos Año 1970 Género Biográfico Duración 170 min. Compañías Distribución 20th Century Fox
El golpe (título original "The Sting") es una película de cine dirigida por George Roy Hill en 1973. La película reunió de nuevo a Paul Newman y Robert Redford después de haber protagonizado conjuntamente "Dos hombres y un destino". La película ganó siete Oscar, entre ellos el Oscar a la Mejor Película, y obtuvo otras tres nominaciones. Argumento
Los setenta son, sin lugar a dudas, la época que marco un cambio en el cine. El paso del cine clásico a cine moderno, de la mano de jovencísimos directores con ganas de comerse el mundo, como eran Francis Ford Coppola, William Friedkin, George Lucas, Martin Scorsese… con un trabajo que empezó a ser reconocido tanto por el gran público como por la crítica. Pero en 1973 nos encontramos uno de los últimos resquicios de lo que fue el gran cine clásico, con una película que arraso en la ceremonia de los Oscar de 1974. Con competidoras como ‘American Graffiti’, ‘El Exorcista’, ‘El Ultimo Tango en Paris’… la película de George Roy Hill se alzo con siete estatuillas, un excelente botín para una fenomenal película, que posee la característica que ensalza a las grandes producciones: con el paso de los años, el film no pierde ni un ápice de emoción, sorprendiendo incluso a los que la hayan visto antes, en cada nuevo visionado
Hooker y Luther son dos timadores de poca monta en los EEUU de los años 30. Como cada día, proceden a su timo habitual, pero esta vez consiguen un valioso botín ya que timan a un lacayo de un mafioso llamado Lonnegan. Este, enfurecido con la perdida de su dinero, manda asesinar a los timadores, teniendo éxito con Luther pero no con Hooker, que huirá a Chicago. Allí conocerá a Gondorff, otro timador de altos vuelos, con el que ideara un plan para vengar la muerte de Luther dejando desplumado al mafioso.
Aroma a clásico
George Roy Hill fue un director que cosecho sus mayores éxitos durante la década de los 70, en donde grabo dos muy buenas películas, ‘Dos Hombres y Un Destino’ y la que hoy tratamos ‘El Golpe’. Excepto el género, dichas películas tienen muchas cosas en común empezando desde el corte clásico que poseen y acabando por la pareja de actores que la protagoniza.
Y es que desde el momento en el que comienza la película, esta destila un olor a clásico que lo impregna todo. Empezando desde los títulos de crédito, y acabando con el último fotograma de la cinta, la cámara plantada en el trípode no se moverá como en producciones de acción y aventuras de la actualidad. Aquí el protagonista no es el director con su cámara, sino el guión.
Este es, siguiendo los cánones clásicos, perfecto. Tiene un McGuffin bien definido (los timos, que serán desarrollados de excepcional forma durante la cinta), una presentación de los personajes estupenda, con un villano que llega a dar escalofríos en algún momento, una trama en la que sumerge al espectador dentro de la película, y un desenlace que no hace más que redondear esta excepcional cinta.
Si Funciona… ¿Porque Cambiar?
Esto debió ser lo que pensó el director de la película, que decidió repetir la dupla de actores protagonistas con respecto a su ultimo film de éxito, ‘Dos Hombres y Un Destino’, una cinta de escenas inolvidables en la que veíamos a unos Paul Newman y Robert Redford en la plenitud de sus respectivas carreras.
En esta cinta, un Robert Redford rozando con la punta de los dedos los cuarenta, nos ofrece una interpretación bastante sólida, bastante sobreactuada por otra parte, pero que queda genial dentro de la película. Su personaje, el de Hooker, es el del joven pillastre que tiene una técnica infalible a la hora de timar, pero que le falta algo para estar a la altura de los grandes y realizar timos a gran escala, como bien le apunta su amigo Luther.
Esto se lo puede ofrecer Henry Gondorff, un estafador de altos vuelos perseguido por las agencias de investigación más importantes debido a timos realizados en el pasado. Con la muerte de Luther, Hooker acude a aprender del maestro para estafar al mafioso asesino de su amigo. El personaje de Gondorff, sin lugar a dudas el más carismático de la cinta, lo lleva a cabo Paul Newman. A pesar de ser secundario a lo largo y ancho de la película, nos propina las mejores escenas de la misma. La borrachera inicial, la partida de cartas a bordo del tren… Paul Newman nos ofrece una soberbia actuación en la cual se come a Redford con patatas.
Como ultimo personaje importante para la trama tenemos a Lonnegan, un mafioso tullido con muy, pero que muy mala baba. No tiene escrúpulos ni remordimientos a la hora de mandar a sus tocayos que asesinen a aquel que se le cruce por delante. Robert Shaw, actor que veríamos también en ‘Tiburón’ junto a Spielberg, es el encargado de interpretarlo muy sobriamente, consiguiendo un carácter muy creíble dentro de la película, y, sobretodo, que intimida.
Guión al Servicio del Espectador
Esa es la máxima de la película: un guión hecho a medida para el divertimiento del espectador, para que este se sienta identificado con alguno de los muchos personajes que se pasearan por delante de la pantalla en sus cerca de dos horas de metraje.
Porque este es otro de los grandes meritos tanto de la película como del guión. Por ella pasaran más de una decena de secundarios de todas las clases, todos ellos con su aparición y sus frases justas en pantalla. Gran merito del guionista introducir en la cinta tal baile de secundarios sin quitar ni un ápice de protagonismo a quien lo debe tener, que son la dupla de timadores y el gangster.
Así pues, encontraremos en ella a Luther, la mujer del mismo, el amigo cobarde de Hooker, la madame que protege a Gondorff en su prostíbulo, decenas de timadores, los guardaespaldas de Lonnegan… un sinfín de personajes que ayudan a completar un guión redondo. (fuente: www.cortenblog.es)
Ficha técnica
Dirección George Roy Hill Producción Tony Bill - Robert L. Crawford - Julia Phillips - Michael Phillips Guión David S. Ward Música Marvin Hamlisch Editor William Reynolds Fotografía Robert Surtees Reparto Paul Newman - Robert Redford - Robert Shaw - Charles Durning - Ray Walston - Eileen Brennan - Dana Elcar País Estados Unidos Año 1973 Género Comedia Duración 129 minutos Distribución Universal Pictures
Annie Hall conocida en castellano como Dos extraños amantes (Argentina / Venezuela), es una de las más célebres películas dirigidas por Woody Allen, por la que ganó el Oscar al mejor director en 1977. Se trata de una comedia romántica protagonizada por Diane Keaton y por el propio Woody Allen. Con un guión que ha sido imitado, parodiado y homenajeado a lo largo de los años, el cineasta se da el lujo de jugar con las reglas cinematográficas: sus personajes le hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo, digresiones y hasta una secuencia de animación parodiando la cinta animada Blancanieves y los siete enanitos de Walt Disney.
Sinopsis
La cinta es un relato sobre un comediante neurótico neoyorquino, Alvy Singer (Allen), y su compañera sentimental, Annie Hall (Diane Keaton), tan neurótica como él. Comienza con su primer encuentro y nos cuenta la historia de su relación afectiva a lo largo de los años, a modo de documento sobre el amor en los años 1970. Se dice que la historia habla de la ruptura real entre Allen y Keaton, quienes fueron pareja en la vida real.
Comentarios
La película ganó cuatro Oscar, a la mejor película, al mejor director, a la mejor actriz principal (Keaton), y al mejor guión original, y obtuvo una nominación al mejor actor principal (Allen), premios que el cineasta no fue a recoger, ya que ni siquiera se presentó en la ceremonia (cosa que repitió todos los años, hasta el 2003 cuando pisó por primera vez la alfombra roja de este evento), aquella vez dijo que se le había olvidado, ese día se quedó tocando el clarinete.
Destacan también las actuaciones de Paul Simon (músico, integrante del dueto vocal folk Simon & Garfunkel) y un joven Christopher Walken, quien un año después ganaría el Oscar por su papel en El cazador del Michael Cimino.
Annie Hall es una cinta emblemática. Años después, Rob Reiner la homenajeó abiertamente en su película When Harry Met Sally.... Antes de adquirir el título por el que es conocida, Annie Hall llegó a llamarse Anhedonia (incapacidad de disfrutar la vida, es una enfermedad psicológica, la productora no permitió que se le colocase un nombre tan poco atractivo) o Una montaña rusa llamada deseo, referencia doble a la montaña rusa que aparece en la película y a la obra de Tennessee Williams (Un tranvía llamado deseo). fuente: wikipedia
Ficha técnica
Dirección Woody Allen Producción Charles H. Joffe - Jack Rollins Guión Woody Allen - Marshall Brickman Fotografía Gordon Willis Montaje Wendy Greene Bricmont Ralph Rosenblum Vestuario Ralph Lauren - Ruth Morlen Reparto Woody Allen - Diane Keaton - Tony Roberts - Carol Kane - Paul Simon - Shelley Duvall - Janet Margolin - Colleen Dewhurst - Christopher Walken - Donald Symington - Helen Ludlam País Estados Unidos Año 1977 Género Comedia dramática Duración 93 minutos Ver Pelicula Annie Hall, escena inicial
Argumento Unos jóvenes delincuentes, Alex (Malcolm McDowell), Dim (Warren Clarke), Georgie (James Marcus), y Pete (Michael Tarn) viven en una futurista ciudad inglesa y se hallan sumergidos en una espiral de peleas, palizas, violaciones, y, tal y como lo llaman ellos, “ultraviolencia". Una de sus primeras víctimas es el escritor Mr. Alexander (Patrick Magee), a quien apalean sin compasión, quedando como consecuencia postrado en una silla de ruedas, y a cuya atractiva mujer (Adrienne Corri) violan brutalmente hasta matarla. Después de una violenta reyerta de Alex contra los miembros de su misma banda, ellos le responden con una traición durante el ataque a otra casa, dejándolo sin sentido y avisando a la policía. En la prisión él acepta ser el “conejillo de indias” en el experimento de una nueva terapia de aversión, para así poder rebajar su pena. Al cabo de un tiempo, asqueado por el mero hecho de ver violencia y más violencia, él es absuelto y se integra en el mundo exterior. Allí sufre venganza tras venganza a causa de su vida anterior, pero ahora se somete, es tal la adversión que tiene contra la violencia, que se queda parado incluso cuando sus antiguos “amigos” y miembros de la banda, ahora policías, le acosan. Un día vuelve por casualidad a la mansión de Mr. Alexander, y recibe otro castigo y medio loco, intenta suicidarse. Despedimos en el hospital a un Alex que vuelve a sus orígenes violentos y desde donde (se supone) nos cuenta su historia. Adaptada de la novela del autor Anthony Burguess, esta obra ganadora de cuatro Óscars, Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Adaptado, y Mejor Edición y también galardonada por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York con premios a la mejor Película y al Mejor Director, es una película que sigue fielmente a su libro predecesor, aunque Kubrick añade algunas escenas, como la de la llegada de Alex a la cárcel, o no introduce tantas palabras de esa jerga “nadsat” ya que no puede contar con un traductor en la película como sí se podía contar con un diccionario en el libro. Aún así , la película capta toda la esencia satírica, violenta y esperpéntica de la novela y de uno de los personajes más violentos y desequilibrados de la historia del cine y de la literatura. En esta película, Kubrick nos hace partícipes de uno de sus más grandes temores, al que está también expuesta toda la sociedad, el temor a que la ya tan trivial y común violencia por la violencia se vuelva contra el hombre, miedo a que el hombre renuncie a su identidad ante la tiranía de otros hombres. Moral Una de las principales preguntas moralistas de la película -como en otros libros de Burgess- es la definición de "bondad". Después de la terapia de aversión, Alex se comporta como un buen miembro de la sociedad, pero no por opción; su bondad es involuntaria y mecánica, como lo dice el título de naranja mecánica. En prisión, el sacerdote critica al Tratamiento Ludovico alegando que la verdadera bondad debe venir de adentro. Debe ser genuina. Otra lectura que se puede hacer es a nivel macrosocial, la de una metáfora de las sociedades, en las que nos comportamos bien muchas veces obligados desde la "tortura massmediática" que modela nuestra psiche. Como en el caso del tratamiento ludovico que modela a Alex y es también un mecanismo audiovisual de dominación, en este caso de una sola persona. Psicología
Otro tema central es el ultraje a la psicología conductual propuesta por los psicólogos John B. Watson y B.F. Skinner. Burgess desaprobaba el conductismo, llamando al libro más famoso de Skinner, Beyond Freedom and Dignity (Más Allá de la Libertad y la Dignidad), "uno de los libros más peligrosos jamás escrito". Aunque Watson concedía limitaciones al conductismo, Skinner argumentaba que la modificación de la conducta (aprender técnicas de recompensa sistemática y castigo) era la clave para un sociedad ideal. El tratamiento Ludovico es la forma de modificación de conducta que los científicos aplicaron a Alex, condicionándolo a asociar actos de violencia con malestar físico, previniéndolo de ser violento. La película incorpora una desconfianza al conductismo, enfocándose en la deshumanización y falta de opción en los métodos de modificación de conducta.
Lo que se pretende es modificar la conducta del protagonista, que es desadaptada socialmente, a través de un sistema de reforzamiento y castigo, de modo tal que las conductas disruptivas se fueran "extinguiendo" y él pudiese integrarse rehabilitado a la sociedad. Pero al respecto hay una gran crítica: la sociedad en el que él vive ya está distorsionada y alterada en valores y normas, siendo este protagonista solo un representante de un ámbito mucho más amplio.
Respuestas y controversia
La película fue nominada a cuatro premios de la Academia (perdiendo contra The French Connection) y revitalizó las ventas de la Novena Sinfonía de Beethoven. También causó controversia y no fue permitida su exposición en el Reino Unido. Para el tiempo de su re-estreno en el 2000, ya había ganado una reputación de clásico de culto. Muchos críticos y aficionados la consideran como una de las mejores películas jamás hechas. El film ha sido criticado por su violencia excesiva y la falta de aparente humanidad, por grupos moralistas y religiosos, pregonando que sirve como un pésimo ejemplo de ideal de comportamiento para la actual juventud ávida de referentes en que basarse. En hispanoamérica, el film fue exhibido en 1977, calificado para mayores de 21 años y fue recibido con una mezcla de criticas, por un lado, alabando la visión futurista de Kubrick y por otro lado la viiolencia frontal y extrema exhibida calificándose por algunos grupos conservadores como un mal ejemplo de comportamiento social para las jóvenes generaciones.
Censura estadounidense
La película fue calificada X en su estreno original en los Estados Unidos. Más tarde, Kubrick cortó, voluntariamente, 30 segundos de la película para su re-estreno, entonces se calificó como R y estrenada en los Estados Unidos en 1973. Retirada británica
En el Reino Unido, la violencia sexual de la película fue considerada extrema. Más adelante, se dijo que había inspirado imitaciones. La prensa culpó la influencia de la película en un ataque a un indigente y de una violación en la cual los atacantes cantaron "Singin' in the Rain (Cantando bajo la Lluvia)". Kubrick pidió a la Warner Brothers retirar el filme del Reino Unido.
Título Original: A Clockwork Orange Año: 1971 Director: Stanley Kubrick Guión: Stanley Kubrick, Anthony Burgess Reparto: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates, Warren Clarke, John Clive, Adrienne Corri, Carl Duering, Paul Farrell, Clive Francis, Michael Gover, Miriam Karlin, James Marcus, Aubrey Morris, Godfrey Quigley, Sheila Raynor ver pelicula La Naranja Mecanica, mejores escenas
Silvio Caiozzi marcó un nuevo hito dentro de la cinematografía nacional con la realización de "Julio comienza en Julio", una obra que, aparte de representar las costumbres de comienzos de siglo entre la burguesía del país, sirvió como una crítica velada a una sociedad represiva.
Entre sus méritos, más allá de la película como tal, el filme se hizo merecedor del Colón de Oro del jurado y del público en el Festival de Huelva en el año 1979, y estuvo en la Quincena de Realizadores de Cannes del mismo año. Toda una hazaña para un cine que aparecía deprimido luego del advenimiento del gobierno militar.
Realizada con un escaso capital, la piedra de tope histórica de todo el cine chileno, ganado fundamentalmente por la labor como creador publicitario de Caiozzi, la película comenzó sus filmaciones en 1976 en un proceso que duraría tres años para recién lograr dar a luz en 1979 su estreno.
Argumento
La historia de la película se ambienta en 1917, presentando la figura de Julio García del Castaño, un típico terrateniente que, aferrado a una larga tradición de machismo y de manejo de una imagen paternalista dura, coloca su poder desde su propio hijo hasta el más olvidado de los peones.
Siguiendo con los elementos atávicos de su herencia, Don Julio (Felipe Rabat) decide llevar a su hijo (Juan Cristóbal Meza), que acaba de cumplir los 15 años, al rito de iniciación que le espera a todo hombre: tener la primera relación sexual con una prostituta. Situación que además se transforma en el primer paso en el camino que lleva hacia el patriarcado.
La película entonces se desenvuelve mostrando la verdadera procesión que genera Don Julio, quien invita a sus amigos para compartir el acto de iniciación de su hijo junto a las pupilas de un prostíbulo cercano, una de las cuales (Schlomit Baytelman) se convertirá en el centro del conflicto al convertirse en el amor del joven novato.
Situación que obviamante se volverá intolerable para el conservadurismo religioso y la hipocresía que soterradamente convive con ese medio de entretención burgués, el cual sabe que la imagen y las apariencias deben seguir una determinada lógica en quienes detentan el poder.
De hecho, el centro de la cinta será ése en el cual queda de manifiesto el origen de muchas intolerancias y doble estándar que arraigan en el centro de nuestra sociedad.
Titulo: Julio comienza en Julio Pais: Chile Año: 1979 Dirección: Silvio Caiozzi Guión: Gustavo Frías Reparto: Felipe Rabat, Juan Cristóbal Meza, Schlomit Baytelman, Luis Alarcón, Gloria Münchmayer (fuente:www.mabuse.cl)
Apocalypse Now (en castellano Apocalipsis now o Apocalipsis ahora) es una película bélica dirigida por Francis Ford Coppola en 1979. El guión está basado en El corazón de las tinieblas (Heart of Darkness), una novela de Joseph Conrad ambientada en el África de finales del S. XIX., aunque trasladando la acción a la invasión estadounidense de Vietnam. Ganó dos Oscar, a la mejor fotografía y al mejor sonido, y obtuvo seis candidaturas, al mejor director, a la mejor película, al mejor actor de reparto (Robert Duvall), al mejor guión adaptado, a la mejor dirección artística y al mejor montaje. También fue merecedora de la Palma de Oro del Festival de Cannes de ese año.
En 2001 Coppola presentó, también en el Festival de Cannes, un nuevo montaje de la película, ampliada hasta las tres horas y media de duración, con el nombre de Apocalypse Now Redux. Si la primera película se convirtió en una película de culto, la versión de 2001 logró no defraudar a la crítica ni a los antiguos admiradores.
Argumento
El capitán Willard (Martin Sheen) es enviado a Vietnam a un lugar de la jungla donde deberá localizar y matar al Coronel Kurtz (Marlon Brando), un ex boina verde que ha organizado su propio ejército y se deja adorar por los nativos. A medida que se adentra en la jungla en su viaje por el río, Willard se ve afectado fuertemente por los poderes de la naturaleza, por diversos conflictos bélicos, y por las infecciones y enfermedades. Sus compañeros se encuentran bajo el efecto de las drogas o sus propios miedos. Poco a poco Willard se convierte en un hombre similar a aquél que tiene que matar.
A lo largo de la historia tanto los escenarios como la acción se van volviendo cada vez menos realistas, y adquieren una complicada simbología con referencias a la obra de T. S. Eliot y a mitos referidos en La rama dorada, de James George Frazer. Tiene momentos memorables dentro de la historia del cine, como el inicio, en el que la imagen del capitán Willard, tendido sobre la cama y mirando el ventilador de techo, se une a la de los helicópteros sobrevolando la selva y bombardeándola con napalm, mientras la canción de The Doors, "The End", sirve como nexo de unión y da significado a las imágenes. Memorable es también la escena en que los helicópteros del Noveno batallón de la Primera División de Caballería (Aerotransportada) bombardean el poblado vietnamita, todo ello ambientado con la música de Wagner, "La Cabalgata de las Walkirias", tal cual hacían los audiovisuales de la Luftwaffe, para instrucción de los cadetes, que se pueden observar en Youtube. Esta escena inmortalizó al helicóptero UH-1 Huey en muchas de las mentes de las personas que vieron la película.
El rodaje de esta película en las Islas Filipinas se convirtió en un verdadero infierno. De hecho cuando F.Coppola la presentó en Cannes comentó: "«Ésta no es una película sobre la Guerra de Vietnam, esto es Vietnam». Se cuenta como anécdota, que el propio Martin Sheen estuvo a punto de morir de un ataque al corazón durante el rodaje de la misma, así como el hecho de que algunas de las imágenes de helicópteros bombardeando con napalm fueron en realidad los helicópteros prestados por el Ejército filipino para el rodaje, que hubieron de volver rápidamente a bombardear posiciones de la guerrilla.
Ficha técnica
Título Apocalypse Now - Apocalipsis ahora Dirección Francis Ford Coppola Producción Francis Ford Coppola, Kim Aubrey, y otros Guión John Milius, Francis Ford Coppola Música Carmine Coppola, Francis Ford Coppola, Mickey Hart, The Doors, Richard Wagner Fotografía Vittorio Storaro RepartoMartin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Frederic Forrest, Dennis Hopper, Harrison Ford, Scott Glenn País Estados Unidos Año 1979 Género Drama bélico Duración 153 minutos
