The Best Years of Our Lives (también conocida como Los mejores años de nuestra vida y Lo mejor de nuestra vida) es una película dirigida por William Wyler en el año 1946, y protagonizada por Frederic March, Myrna Loy, Teresa Wright, Virginia Mayo y Dana Andrews. Está basada en la novela Glory For Me de MacKinley Kantor. Una historia sencilla y emotiva, narrada e interpretada con maestría. Harold Russell, verdadero mutilado, se interpretó a sí mismo. La película ganó siete Oscar, a la mejor película, al mejor director, al mejor actor principal (Frederic March), al mejor actor de reparto (Harold Russell), al mejor guión, a la mejor música, y al mejor montaje, y obtuvo una nominación al mejor sonido. Además, Harold Russell se convirtió en la primera y única persona en conseguir dos Oscar por el mismo papel, ya que además consiguió un Oscar especial honorífico ese mismo año.
Argumento
Tres hombres que regresan de la guerra a su ciudad realizan juntos la etapa final del viaje y entablan amistad. Cada uno se encuentra, a su manera, con dificultades para adaptarse de nuevo a una vida normal. Trata de la esperanza es lo que mantiene a un soldado con vida; el sueño de volver a casa, para siempre. Pero cuando ese día llega, estos tres veteranos de la Segunda Guerra Mundial ven sus sueños convertidos en pesadillas: el Capitán Fred Derry (Dana Andrews) vuelve a un matrimonio sin amor; el Sargento Al Stephenson (Fredric March) se ha convertido en un extraño para su familia; y el joven marino Homer Parrish (Harold Russell) vive atormentado por la pérdida de sus manos. ¿Podrán estos tres hombres reunir el coraje necesario para recomponer su mundo? ¿O acaso los mejores años de sus vidas serán ya cosa del pasado?
Comentarios
El proyecto de rodaje de esta película fue encargado al guionista Robert Sherwood y William Wyler cuando éstos estaban en un momento profesional bastante poco creativo. Sherwood se dedicaba a escribir los discursos de Roosevelt y Wyler había estado haciendo documentales sobre la primera línea de fuego, motivo por el que se había quedado parcialmente sordo. A pesar de ser un gran éxito de público y de crítica, en la Caza de brujas de Joseph McCarthy fue una de las películas vigiladas por considerarla de contenido subversivo, al hablar de la adaptación a la paz y lo complicado que puede resultar. El Comité de Actividades Antiamericanas planteó convocar a Robert Sherwood, el guionista, por el contenido sospechoso de ciertas escenas, pero finalmente no llegó a más por la intervención directa de Samuel Goldwyn, uno de los creadores de la MGM, y amigo íntimo de Sherwood.
Ficha técnica
Dirección William Wyler Producción Samuel Goldwyn Guión Robert E. Sherwood Música Hugo Friedhofer Fotografía Gregg Toland Reparto Fredric March -Myrna Loy - Dana País Estados Unidos Año 1946 Género Drama Duración 172 minutos
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El tercer hombre es un película del Reino Unido del año 1949, dirigida por Carol Reed. Sinopsis El norteamericano Holly Martins, un escritor de novelas policíacas, llega a Viena cuando la ciudad está dividida en cuatro zonas ocupadas por los aliados de la Segunda Guerra Mundial. Holly llega reclamado por un amigo de la infancia, Harry Lime, que le ha prometido trabajo. Pero el mismo día de su llegada coincide con el entierro de Harry, quien ha sido atropellado por un coche. El jefe de la policía militar británica le insinúa que su amigo se había mezclado en la trama del mercado negro.
Antecedentes Aunque a Graham Greene se le propuso desde el primer momento una película ambientada en la Viena de posguerra, con la firme presencia de las cuatro potencias ocupantes, Greene tuvo en un primer momento que escribirlo en forma de novela, única manera, según él, de planificar mejor el guión. Luego, fue reelaborado en conjunto por Greene y Korda, asegurando el primero que la versión de la película era claramente mejor que la del libro (incluyendo el final, que es distinto), el cual, sin embargo, fue editado de todas maneras, y es también un clásico de la literatura.
Análisis y crítica La aportación de ideas de Orson Welles a Carol Reed en la película parece evidente. Welles tuvo problemas con sus producciones en Hollywood y decidió dar el salto a Europa donde dirigió y colaboró en diferentes proyectos, entre ellos éste de Carol Reed. Su primera aparición en pantalla (el movimiento de una lámpara que muestra a Harry Lime ante la sorprendida cara de Cotten) ha sido considerada como la mejor presentación de un personaje en la historia del cine. Por otro lado, tampoco se tiene que olvidar la persecución en los alcantarillados de Viena, donde la película alcanza su cenit ante la excelente actuación de Welles.
Comentarios Esta Pelicula fue rodada en London Film Studios (Shepperton, Inglaterra) y los exteriores en Austria. Galardonada con el Gran Premio del Festival de Cannes y con el Oscar a la mejor fotografía en blanco y negro (Robert Krasker), además de estar nominada en las categorías de mejor director (Sir Carol Reed) y mejor montaje (Oswald Hafenrichter ). Inolvidable banda sonora firmada por Anton Karas. Ilustre aparición de Orson Welles entre las sombras e inolvidable su discurso sobre los Borgias y el reloj de cuco. Un clásico incomparable de la historia del cine. También es de destacar la fotografía en blanco y negro y los exteriores seleccionados, que muestran diversas facetas de Viena, la hermosa capital austríaca a orillas del Danubio, como la archiconocida noria gigante del Prater (donde tiene lugar el encuentro entre los dos protagonistas masculinos), y la persecución entre las impresionantes cloacas vienesas.
Por todo ello, la película fue considerada la mejor película británica de la historia del cine.
Ficha técnica Dirección Carol Reed Producción Alexander Korda Guión Graham Greene - Alexander Korda Música Anton Karas Fotografía Robert Krasker, B y N Reparto Orson Welles - Joseph Cotten - Alida Valli - Trevor Howard - Paul Hörbiger - Ernst Deutsch País Reino Unido Año 1949 Género Drama Duración 93 minutos
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"The Philadelphia Story", conocida en castellano como "Pecadora equivocada" en Argentina y como "Historias de Filadelfia" en España, es una película basada en la obra teatral del mismo título de Philip Barry.
Argumento y Comentarios La acción de Historias de Filadelfia tiene lugar en una mansión señorial de Filadelpia (Pensilvania), en 1939, durante 24 horas. Narra la historia de Tracy Lord (Katharine Hepburn), hija de una familia acaudalada, muy conocida en la ciudad, divorciada de C.K. Dexter Haven (Cary Grant). Es de temperamento indómito, mandón, vanidoso y caprichoso. Dos años después del divorcio está a punto de volver a contraer matrimonio con George Kittredge (John Howard), un hombre oscuro, aburrido y mediocre. Para inmortalizar la celebración una pareja de periodistas, Macauley Connor (James Stewart) y Elizabeth Imbrie (Ruth Hussey), son invitados por C.K. Dexter Haven a tan esperado evento.
La historia comienza con una escena retrosprectiva -rodada bajo los cánones del cine mudo y que ya forma parte de la historia del cine- que explica el acalorado final del primer matrimonio de Tracy, que rompe un palo de golf de Dexter y éste, irritado, la empuja haciéndole caer al suelo. Esta escena deja claras las líneas en las que se basa el film: el carácter ingobernable y obstinado de Tracy y las ansias de venganza de Dexter.
Dexter, confabulado con una revista sesacionalista del corazón -Spy-, perpetra un montaje que permite el acceso a la casa de los Lord, el día antes de la boda, de un periodista, Macauley "Mike" Connor (James stewart), y de una reportera gráfica, Elizabeth "Liz" Imbrie (Ruth Hussey).
Tracy se verá enfrentada a una inesperada situación, en la que cree que ha de elegir entre un novio del que no está enamorada, un admirador entrañable y un ex-marido que la irrita con su forma de ser . Pero en realidad, el problema al que se enfrenta Tracy es otro: la alternativa de madurar, adquirir tolerancia y comprensión, contener sus arrebatos de furia y convertirse en un ser humano -como ella dice al final-, o seguir igual. El proceso de reflexión y decisión es complejo por la falta de tiempo, los prejuicios y la guerra de sexos que mantiene con varios hombres. La trama y la subtrama -el lío escandaloso del padre con una jovencita y la amenaza de su publicación- son conducidas por el director con delicadeza, gracia e ingenio.
Magnífico guión que constituye el plato fuerte del film junto a las interpretaciones y perfecta dirección de actores de George Cukor, al que la genialidad del equipo le permitió rodar la película en ocho semanas sin necesidad de repetir tomas. La trama y subtrama están perfectamente dibujadas. Los diálogos son polifónicos, rapidísimos y brillantes, irónicos y llenos de sofistificación, gracias al extraordinario trabajo de J. L Mankiewicz. Con una música excelente, un fotografía que sobresale por su magnífico dibujo y el manejo del color -claroscuro, fondos oscuros, negros/blancos intensos, brillos, etc.-, y una dirección que impone elegancia, sutileza y un fino sentido del humor - hablo de sonrisas-.
Poco hay que decir de las interpretaciones. Con tres de sus actores nominados por la película: Ruth Hussey -me encanta su personaje, y además está guapísima-, James Stewart -impecable, ganó el Óscar- y Katharine Hepburn -quizás el papel de su vida-; un Cary Grant imponente -todavía no entiendo cómo nunca ganó un Óscar- y con toda una galeria de fantásticos secundarios, esta comedia alcanzó el grado de clásico imperecedero.
El final, y como buena comedia romántica sofisticada, como no, tenía que ser el mejor posible, con una Tracy dispuesta a cambiar y donde la historia termina de poner a cada uno en su sitio. (fuente: guionoriginal.blogspot.com)
Ficha técnica Dirección George Cukor Ayudante de dirección Edward Woehler Dirección artística Cedric Gibbons Producción Joseph L. Mankiewicz Guión Donald Ogden Stewart Música Franz Waxman Sonido Douglas Shearer Fotografía Joseph Ruttenberg Montaje Frank Sullivan Vestuario Adrián Reparto Cary Grant, Katharine Hepburn, James Stewart, Ruth Hussey, John Howard País Estados Unidos Año 1940 Género Comedia Duración 112 min.
How Green Was My Valley, conocido en castellano como ¡Qué verde era mi valle! es un drama costumbrista dirigida por el estadounidense John Ford, y resultó la gran triunfadora del año 1941 en los Óscar, al obtener cinco estatuillas. La ganadora del Oscar vencio a la mítica "Ciudadano Kane" (Citizen Kane), fue este magistral melodrama que narra la vida de una familia minera de Gales, vista bajo los ojos de Huw Morgan, su miembro más joven. Un bello canto a los valores familiares que arrancó el alma del best-seller de Richard Llewellyn.
Argumento y Comentarios El propio título y los primeros planos aparecidos junto a una voz en off, ya nos indican que se trata de una película de claro tono nostálgico. No está ambientada en el Monument Valley y sus protagonistas no son John Wayne ni Henry Fonda, pero “¡Qué verde era mi valle!” responde a las mismas características y al mundo personal del resto de la filmografía de John Ford. Con una alegoría de gran belleza, nos presenta el verdor del valle como reflejo del amor sincero y de la unión familiar de entonces… frente a la negrura del carbón, imagen de la pobreza interior que el director vislumbra en una sociedad que se va diluyendo en la búsqueda del bienestar material y la riqueza.
La pelicula comienza con los recuerdos de Huw Morgan (Roddy McDowall) de sus años de infancia, cuando su valle de Gales era aún verde, cuando su familia permanecía unida. Lo hace de un modo sencillo y profundamente agradecido a la figura de su padre, “que no me enseñó ninguna cosa inútil”, añorando aquellos momentos en que todos se reunían en torno a la mesa. Ante todo, es un homenaje a la familia de su querida Irlanda, numerosa y de espíritu cristiano: en todos los personajes se respira verdadero cariño, sentido de servicio y un gran respeto a la autoridad del padre. Mientras la hija mayor ayuda a su madre, los cuatro hermanos trabajan en la mina junto al cabeza de familia para llevar a casa el jornal necesario para el sustento. Son felices aun en condiciones materiales precarias… y eso se ve en sus rostros, en sus bromas, en la convivencia familiar. Solo el abuso del patrón de la mina resquebrajará por momentos esa unidad, cuando dos de los hijos se nieguen, en conciencia, a seguir los dictados del padre: se suman a la huelga y se van de casa, mientras todos sufren esa ruptura como si de una herida en sus propias carnes se tratara.
El padre (Donald Crisp) sufre con resignación la soledad y la incomprensión del pueblo, que le acusa de esquirol. Pero tiene a su lado a Bronwen (Anna Lee), una mujer fuerte y fiel que se enfrenta a todo el vecindario para salvar el honor de su marido. En ese preciso momento, ella y su hijo pequeño sufren un accidente y, como consecuencia, cogen una grave pulmonía que hará temer por su vida. Es algo que la sociedad actual calificaría de desgracia y tragedia, pero… que en los años evocados en “¡Qué verde era mi valle!” supone una ocasión para manifestar su plena confianza en Dios y aceptarlo como venido de Él: no en vano, la enfermedad servirá para volver a unir a la familia y “para aprender a amar y madurar”, como les dirá el nuevo clérigo. En esos momentos duros, el sufrimiento les une más que nunca, y solo la necesidad de buscar trabajo o el devenir de la propia vida les obligará a separarse, siempre con la esperanza de volverse reunirse en el Cielo. A este respecto, resulta elocuente la respuesta dada por Ford cuando, en una entrevista, se le pregunta acerca del motivo por el que daba tanta importancia a la familia en sus películas: “¿Tiene usted madre, ¿no?”, contestó secamente.
Si Ford homenajea a la familia, también lo hace a la comunidad del pueblo unido en solidaridad. Tras unos primeros momentos de disensiones a la hora de acatar las directrices del patrón, al final estarán todos juntos, dispuestos a bajar a la mina a rescatar a los vecinos atrapados arriesgando incluso su vida. La ambientación social e histórica del momento es otro de los grandes logros de Ford. En plena revolución industrial, las minas de Gales suponen un marco geográfico en que las clases sociales están muy diferenciadas y donde se ofrecen los primeros movimientos de resistencia al poder patronal. Esto es una realidad pero sería un error juzgar ese momento con nuestras categorías actuales: los personajes sienten esa injusticia y esa rebeldía natural les lleva a exigir sus derechos, pero lo hacen según la mentalidad del momento, de tímido enfrentamiento o de resignación al lugar en que ocupan en la sociedad, y eso queda bien reflejado por Ford. Es una sociedad de clases porque las diferencias y restricción de derechos es algo evidente, pero se trata de un entorno y una injusticia que no lleva a la revolución sangrienta porque no existía una conciencia de odio ni de enfrentamiento (un director de orientación marxista hubiera dado, sin duda, otro derrotero al conflicto vivido). Junto a ello, contemplamos el fenómeno de la aventura americana que emprenden algunos de los hijos, como tantos otros europeos asumieron por entonces.
Si no fuera por la riqueza interior de la mayoría de los personajes, la película se nos presentaría como cruel y pesimista. Son varias las situaciones duras y dramáticas que van sucediéndose: abusos y una situación laboral difícil, tragedia en el río y muerte en la mina, un matrimonio infeliz y un ambiente de calumnias, emigración y desarraigo familiar… Todo es visto y grabado a fuego en el alma de un niño que lo recuerda ahora sin odio pero con nostalgia.
Los rasgos autobiográficos de la película son muchos y el propio Ford así lo ha reconocido al decir “soy el menor de trece hermanos, y debieron pasarme las mismas cosas; yo siempre me portaba como un niño fresco”. Ciertamente, sabemos que su propia familia conoció lo que suponía la emigración a un país nuevo y que también se apoyó en los valores tradicionales y cristianos para llevar las dificultades de la vida con garbo. Abundan, por otra parte, escenas emotivas y cargadas de humanidad. Podrían destacarse la del reencuentro de madre e hijo después de meses de enfermedad, la de la audacia del joven Huw al ofrecerse como cabeza de familia a la esposa del minero muerto, o aquella en que los hijos mayores parten para América a buscar trabajo. Sin embargo, la más conseguida quizá sea la de la boda de Angharad: todos aparecen en un primer plano, mientras en otro más general se ve al clérigo Mr. Gruffydd, solo e inmóvil, al pie de un árbol, incapaz de hacer nada por evitarlo.
Aunque inicialmente la película estaba pensada para William Wyler e incluso llegó a comenzar la preproducción, “¡Qué verde era mi valle!” tiene todas las características del cine de Ford, con una condensación narrativa digna ya de un maestro, unos ligeros picados y contrapicados con carga expresiva, o una cuidada fotografía en blanco y negro que da dramatismo a las escenas que lo requieren. También destaca el excelente decorado del pueblo, con una profundidad en su calle principal que es digna de elogio. Supuso el segundo Óscar para el director, además de llevarse otros cinco más, entre ellos a la mejor película y mejor guión. Por último, diremos que la película termina al modo teatral, porque a Ford le agradó la idea de que sus personajes volvieran a salir… para despedirse del público. Sin duda un bello final tras la dramática pero bella escena de recuperación de los cuerpos fallecidos en la mina. (miradadeulises.com)
Ficha técnica
Dirección John Ford Ayudante de dirección Edward O'Fearna Producción Darryl F. Zanuck Guión Philip Dunne Música Alfred Newman Sonido Eugene Grossman - Roger Heman Fotografía Arthur C. Miller Montaje James B. Clark Escenografía Thomas Little Vestuario Gwen Wakeling Efectos especiales Fred Sersen Reparto Walter Pidgeon - Maureen O'Hara - Anna Lee - Donald Crisp - Roddy McDowall - John Loder - Sara Allgood - Barry Fitzgerald - Patric Knowles País Estados Unidos Año 1941 Género Drama Duración 118 minutos Productora y Distribución20th Century-Fox
Hamlet es una película británica dirigida por Laurence Olivier adaptando la obra homónima de William Shakespeare. En la entrega de los oscar del mismo año logro 4 estatuillas a : Mejor película, Mejor actor (Laurence Olivier), Mejor dirección Artística (Blanco y Negro: Roger K. Furse - Carmen Dillon) Mejor diseño de vestuario (Blanco y Negro) Roger K. Furse.
Argumento
El padre de Hamlet, rey de Dinamarca, ha sido asesinado secretamente por su tío Claudius, que ha asumido el trono. Pero Hamlet sabe del asesinato porque el fantasma de su padre se le ha aparecido y se lo ha confesado. Hamlet, clamando venganza, encuentra a una banda de actores errantes y los contrata para interpretar una obra en la corte real, mostrando a un rey siendo asesinado por su hermano, en circunstancias idénticas a las Claudius asesinó al padre de Hamlet... esperando así poder confirmar la culpa de Claudius viendo su reacción.
Hamlet y el lenguaje cinematográfico
Desde el principio, la película trata de introducirnos en el texto teatral pero utilizando técnicas específicamente cinematográficas.
En primer lugar, nos encontramos con un uso frecuente de la grúa, o bien para acompañar a los personajes o bien para recorrer las estancias vacías y tenebrosas del Castillo de Elsinore. La cámara se mueve constantemente, con gran agilidad. Así, al principio de la película, cuando Marcelo, uno de los guardias, dice la famosa frase “Algo huele a podrido en Dinamarca”, un movimiento de grúa acompañado por su mirada nos guía a través de las murallas del castillo, bajando las sinuosas escaleras, pasando a través de sus muros de piedra, hasta llegar a la silla vacía del trono. Ahí se detiene unos segundos y sigue recorriendo la fortaleza hasta quedarse frente al lecho de la reina Gertrudis (¿Un adelanto de lo que se nos hablará?) y justo en ese momento encadena con un primer plano del nuevo rey, Claudio -magnífico Basil Sydney- , bebiendo y riendo sonriente.
Este recurso de mover la cámara a través de las habitaciones vacías de castillo es utilizado frecuentemente. Muchas veces, la cámara se aleja de los personajes para recorrer el recinto, subiendo las escaleras de caracol hacia la muralla, saliendo hacia el exterior lleno de niebla. Otras, los sigue moviéndose a través del espacio, como en una coreografía, haciendo que los actores compongan los planos con sus movimientos. De hecho, serán utilizados los primeros términos de unos personajes sobre otros o través de elementos significativos, como la copa envenenada en la secuencia del duelo final, que constantemente mira Gertrudis -aquí Elieen Herlie, de nuevo, nos demuestra su gran talento como actriz- , consiente de su contenido.
Destaco la escena de la representación de “La muerte de Gonzago”, en la que vemos a los cómicos a través de travellings semicirculares que van descubriendo en primer término a los personajes principales, viendo sus reacciones a medida que avanza la pantomima.
Otro uso brillante de la grúa es cuando ésta adopta el punto de vista del fantasma del padre de Hamlet. En la secuencia con su madre en la habitación, nuestro héroe ve de nuevo al espectro y éste se mueve a través de la estancia adoptando un punto de vista alto, dejando a Hamlet y Gertrudis en un plano general picado, haciendo que el príncipe hable a cámara, para hacernos más patente la presencia del espíritu. “¡Miradle donde va, aún por el pórtico!!!”.El fantasma se aleja y la cámara deja a Olivier en el suelo, metiéndose entre los muros de piedra. Ésta se convierte en un personaje más de la obra.
La película se mete en la mente de los personajes
Los monólogos internos de los personajes, que en la obra teatral suelen ser largos soliloquios, se transforman en voces en off, que recrean sus pensamientos y así, tal y como sucede a veces en la vida real, vemos como un personaje está pensando algo y de pronto comienza a expresarlo en voz alta, de manera inconsciente, haciendo salir afuera ese pensamiento, como si se le escapara. De esto es un buen ejemplo el momento en que Hamlet, al principio de la historia, se queda sólo. Gertrudis, su madre y su reciente marido, su tío Claudio, se retiran. En un primer plano, Olivier observa como salen y permanece pensativo mientras comienzan a oírse en off sus pensamientos, su pesar por la muerte de su padre, pero sobretodo, su malestar porque su madre no haya esperado ni dos meses para casarse con su tío. Se levanta de su asiento en un impulso “¡Oh, Dios!, ¡Dios!” y la cámara le sigue por la habitación mientras fluyen sus ideas hasta que se sienta de nuevo, teniéndole, como al principio, en un primer plano. De vez en cuando, alguno de estos pensamientos se le escapa y lo escuchamos decir en voz alta: “¡Antes de un mes!” “ Fragilidad, tu nombre es de mujer!”. Estas frases sueltas son como impulsos.
El famoso monólogo “ser o no ser” está resuelto de la misma manera; Hamlet sobre un acantilado mirando como las olas rompen sobre las rocas. Y sobre este plano del mar revuelto, comienza su monólogo. Poco a poco se va encadenando con un primerísimo primer plano del actor, del que solo vemos sus ojos y de nuevo el mismo proceso: asomado en el acantilado, a Hamlet se le escapan sus ideas. A veces las oímos en off, y otras vemos como las recita en voz alta.
Es interesante el juego que se hace con el tiempo mezclando los flashbacks con las voces en off. Esto es utilizado de manera muy hermosa en secuencias relacionadas con el personaje de Ofelia, a la que Jean Simmons dota de una especial belleza y fragilidad. Así, por ejemplo, la primera aparición de Hamlet tras haber hablado con el espíritu de su padre y enterarse del crimen de su tío Claudio, es mediante un flashback. Ofelia cose en su habitación y la cámara se acerca en travelling hasta un primer plano. Entonces empezamos a escuchar su voz en off recordando, como si se lo contara a sí misma. La imagen se oscurece y mediante un encadenado vemos aparecer en la habitación la figura de un Hamlet con ropas descuidadas y mirada de loco. La voz de Ofelia ilustra la escena y cuando ésta termina, la imagen vuelve a oscurecerse y de nuevo, mediante un encadenado, regresamos al primer plano de ella. Es entonces cuando la cámara vuelve alejarse con un travelling. Mediante este recurso, un parlamento dicho por Ofelia en la obra a otro personaje, es utilizado para meterse en su mente, en sus recuerdos.
Su muerte, que en la obra es relatada por la reina Gertrudis a Laertes, su hermano, aquí se nos aparece de manera totalmente distinta. Es ésta una de las secuencias más hermosas de la película, con un aire de cuento, casi mágico, al que ayuda bastante la música de William Walton. Tras ver en la escena anterior a Ofelia totalmente perturbada, nos encontramos con las imágenes de un lago en un bosque cuya atmósfera es de lugar encantado, además de ser uno de las pocas secuencias que hay en el exterior del castillo. La voz en off de Gertrudis nos ilustra las imágenes, como si de un relato se tratara y así, vemos aparecer a Ofelia flotando en el agua y rodeada de flores mientras se la lleva la corriente. La estampa recuerda muchísimo al cuadro prerrafaelista de Millais, “Ofelia”. La voz de Jean Simmons cantando una tonadilla y riendo inconsciente de su destino, contribuye a sentirnos como en un cuento. En ningún momento veremos a Gertrudis contando esta historia, sino que de estas imágenes se pasa directamente al cementerio y la secuencia del entierro de la joven.
A todos estos elementos debo añadir la naturalidad de los intérpretes que hacen que el texto shakespeariano sea mucho más cercano. El Claudio de Basil Sydney es fantástico, sin caer en el arquetipo del “malo maloso”; la reina de Eileen Herlie está llena de sensualidad y sabiduría; Jean Simmons le da a su Ofelia una fragilidad y dulzura que se convierten en inquietantes cuando la vemos totalmente loca, y por supuesto Olivier está soberbio como ese Hamlet atormentado, problemático, lleno de dudas… Lo que sí recomiendo es que se vea la película en su versión original, pues el doblaje al castellano consigue todo lo contrario, haciendo que el texto suene engolado y rancio. Como curiosidad destacar la aparición en papeles muy secundarios de Peter Cushing y Christopher Lee, que años más tarde actuarían juntos en diversas películas de la Hammer.
Este Hamlet de Laurence Olivier es una adaptación muy amena de la obra original, y consigue aportarnos un punto de vista con el que (puede) muchos de los lectores de la obra no estén de acuerdo, pero que considero cuanto menos interesante, y sobre todo, llevada inteligentemente a la pantalla. Se ve claramente como el director trató, de algún modo, “reconciliar la vieja antinomia entre lenguaje teatral y cinematográfico”.
La película fue la primera no americana en ganar el Oscar a mejor película y fue premiada en Venecia con el León de Oro. Pasarían, sin embargo, siete años para que Olivier volviese a llevar a Shakespeare al cine con Ricardo III. Pero como diría Michael Ende, esa es otra historia que ha de contarse en otra ocasión…
Ficha técnica Dirección Laurence Olivier Producción Laurence Olivier Música William Walton Fotografía Desmond Dickinson Reparto Laurence Olivier - Basil Sydney - Eileen Herlie - Jean Simmons País Reino Unido Año 1948 Género Drama Duración 155 minutos
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Si lo que de verdad te gusta son las películas de misterio y eres fiel a los clásicos de Alfred Hitchcock, vas a disfrutar de esta película. Trata sobre un melancólico noble inglés perseguido por los recuerdos de su primera esposa Rebeca, con la consiguiente frustración de su flamante desposada. Es la primera película que este grandioso director filmó en Estados Unidos (recordando que en Inglaterra ya habia grabado otras) y está basada en la elegante novela gótica del mismo nombre de Daphne Du Maurier. .
La película, narrada en forma de flash-back, cuenta la historia de una joven tímida y poco experimentada (Joan Fontaine), que ejerce como dama de compañía de una rica norteamericana de viaje por Europa. En Montecarlo, conoce a un rico viudo, Maxim de Winter, cuando este parece estar a punto de lanzarse por un acantilado para poner fin a su vida.
Tras una breve y extraña relación, finalmente de Winter pide a la chica que se case con él. Cuando la joven acepta, regresan a Manderley, la enorme y fantasmal residencia familiar de Maxim en Cornualles. La nueva Sra. de Winter es acogida con frialdad por la ama de llaves, la Srta. Danvers, una mujer espectral que estaba muy unida con la anterior Sra. de Winter (la Rebeca que da título al film).
Primera película de Hitchcock en Hollywood, a donde acudió contratado por el excéntrico y megalómano productor de Lo que el viento se llevó David O. Selznick. Consiguió dos Oscars a la mejor película del año 1940 y a la mejor fotografía en B/N, obteniendo nueve nominaciones más.
Comentario y curiosidades
“Anoche soñé que volvía a Manderley”. Parafraseando el primer monólogo de la película, es un honor rescatar esta fascinante película de Hitchcock, para mí una de las tres mejores de este genial director y que recomiendo fervientemente a todo el mundo. Esta película es curiosa en varios aspectos. En primer lugar, porque se divide claramente en tres partes. La primera, más distendida, en Mónaco. La segunda, casi de terror, en Manderley. Y la tercera, más policíaca, en el balandro encontrado. El propio director decía que la película engloba tres estilos literarios “el cuento de hadas, el cuento de misterio y el tradicional cuento policíaco”. En segundo lugar, es curiosa porque Hitchcock no emplea prácticamente en ningún momento el tradicional humor negro a que nos tiene acostumbrados. En tercer lugar, porque convierte una mansión y a una muerta (la primera esposa de Winter) en los personajes centrales de la película.
Sobre Judith Anderson, la fantasmagórica Sra. Danvers, ama de llaves de Manderlay y fiel guardiana de la fallecida Rebeca podemos decir que este personaje secundario es quizás el más importante de la película, pues es el único medio que nos permite aproximarnos a la figura de la fallecida primera esposa de Winter. Este es el personaje más tenebroso, por varias razones. En primer lugar, por su vestuario. Vestida de riguroso negro con un vestido rígido por arriba y de vuelo por abajo, hasta los pies. Ello propicia, que la Sra. Danver mantenga los brazos flexionados, cogiéndose las manos, como lo haría un cura, al mismo tiempo que apenas vemos los pies, dando una sensación de que se desplaza sin tocar el suelo, como un espíritu. A ello se añade que nunca se la ve entrar en la escena, sino que cuando la cámara capta un plano suyo, ella ya había aparecido silenciosamente, como por arte de magia. La vestimenta tiene también un ligero toque monacal, íntimamente relacionado con un ligero toque lésbico que Hitckcock quiso imprimir al personaje. Para eludir la censura, Hitchcock utilizó artificios inteligentes, mostrando por ejemplo a la señora Danvers quieta junto a la nueva señora de Winter, acariciando la lencería de Rebeca, apoyada por una frase añadida por Hicthcock (que no aparece en la novela) sobre la ropa interior tejida a mano por unas monjas de clausura, que sobre el papel parecía muy casta, pero que en la pantalla produce el efecto contrario. El carácter intrigante del personaje se acrecienta por la obsesión de la Sra. Danvers por Rebeca, que la mantiene viva en todas y cada una de las habitaciones de Manderlay, reservando para ella el ala este de la casa, e incluso induciendo a la protagonista a que se vista como ella en una fiesta de disfraces. Esa necrofilia, desde luego, no puede menos que causar cierto desasosiego en el espectador.
Como curiosidad, destacar que la aparición del director se produce casi al final, cuando Jack Favell llama a Danvers desde una cabina. Aparece caminado con una gabardina clara mientras Favell habla con el policía. En las primeras películas el cameo del director se produce al final; pero con el tiempo las colocaría al principio, ya que la gente estaba más atenta a localizar su aparición que a la propia película.
Ficha Tecnica
Director : Alfred Hitchcock Producción: Selznick International Pictures Guión: Robert E. Sherwood y Joan Harrison, según la novela de Daphne du Marier Música: Franz Waxman Reparto: Laurence Olivier (Maxime de Winter), Joan Fontaine (Sra. de Winter), Judith Anderson (Sra. Danvers), George Sanders (Jack Fawell), Nigel Bruce (Mayor Giles Lacey), Cecil Aubrey Smith (Coronel Julyan) Duración: 130 minutos, B/N
El tesoro de Sierra Madre (THE TREASURE OF THE SIERRA MADRE)es una película estadounidense de 1948, escrita y dirigida por John Huston. Protagonizada por Humphrey Bogart, Walter Huston, Robert Blake, Tim Holt, Bruce Bennett y Barton MacLane. Basada en una novela homónima de Bruno Traven. Ganadora de 3 Premios Oscar los cuales son: Mejor director (John Huston), Mejor actor de reparto (Walter Huston), Mejor guión adaptado (John Huston) y ganadora de 3 Globos de Oro los cuales son: Mejor película – Drama, Mejor director (John Huston y Mejor actor de reparto (Walter Huston) Argumento
En la década de 1920, Fred Dobbs (Humphrey Bogart) es un estadounidense que mal vive en la ciudad mexicana de Tampico. Es engañado por un capataz sin escrúpulos junto a otros incautos. Conoce entonces a Bob Curtin (Tim Holt) y a Howard (Walter Huston), un anciano buscador de oro, con los que sale en expedición a buscar el preciado metal. Lo encuentran, pero Dobbs enloquece por la codicia y quiere quedarse con todo. Tienen que enfrentarse a unos bandidos capitaneados por Gold Hat (Alfonso Bedoya), y consiguen sobrevivir. De regreso, deben separarse de Howard, y Dobbs le dispara a Curtin, y lo abandona creyéndolo muerto. Dobbs es nuevamente atacado por los bandidos, que le dan muerte para robarle los burros, y destrozan los sacos con el oro, creyéndolos arena. Howard se queda a vivir en la aldea india como doctor mientras que Curtin regresa a Estados Unidos.
La Novela
La novela que sirvió de base para el film es un relato de Bernard Traven, enigmático escritor de origen escandinavo que había recorrido el Pacífico antes de llegar a Méjico en 1923, donde ejerció como buscador de oro, y cuyas experiencias trasladó a las páginas de su obra. Las posibilidades que ese material ofrecía para que Huston desarrolara a partir de él una historia cuyas implicaciones le eran considerablemente cercanas, le lleveron a madurar el guión durante varios años. Ello hizo posible una fructífera y enriquecedora convivencia con los personajes a los que hizo suyos, y retrató como si fueran criaturas directamente engendradas por él. El guión definitivo estuvo listo en tan sólo tres meses.
A medio camino entre el western y la aventura, El Tesoro de Sierra Madre desborda los estrechos márgenes de un género cualquiera porque tras sus imágenes llevan tras de sí un lúcida reflexión sobre la lucha desesperada del hombre por recuperar su identidad. Cuando Huston afrontó su realización, estaba poniendo boca arriba todas sus cartas, y después de esta película su universo poético había alcanzado ya tal grado de concreción que podía empezar a hablarse con toda propiedad del nacimiento de un nuevo autor. Ficha Tecnica
Director: John Huston Productora: Warner Bros. Productor: Henry Blanke Argumento: según la novela de B. Traven Guión: John Huston Fotografía: Ted McCord Música: Max Steiner Dirección musical: Leo F. Forbstein Decorados: John Hughes Montaje: Owen Marks Ayudante de dirección: Dick Mayberry Efectos especiales: William McGann y H.F. Koenekamp Sonido: Robert B. Lee Duración: 133 minutos. Pais Estados Unidos año: 1948
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El Halcón maltés es una película estadounidense de 1941, dirigida por John Huston, basada en la novela del mismo nombre de Dashiell Hammett. Protagonizada por Humphrey Bogart, Mary Astor, Peter Lorre y Gladys George en los papeles principales. Es la tercera versión de la novela de Hammett, ya que se llevó al cine en el año 1931 y en 1936. Y la primera película de John Huston como director. Se la suele considerar como la película que marca el comienzo del cine negro.
Argumento
El detective privado Sam Spade (Humphrey Bogart) estaba sentado en su oficina, mirando la ciudad de San Francisco por la ventana, cuando irrumpió una misteriosa dama, la señorita Ruth Wonderly (Mary Astor}. La elegante mujer quería investigar el paradero de su hermana, quien supuestamente había huido de casa con un vividor de origen británico. El socio de Sam (Jerome Cowan) se ofrece para buscar al hombre y seguirá discretamente a la mujer, pero es asesinado. Sam confronta a la clienta, la señorita Ruth Wonderly confiesa que realmente ella es Brigid O’Shaugnessy (Mary Astor) y resulta que el asunto de la desaparición de su hermana era mentira: el hombre que buscaba era su socio y puede tener en su poder una valiosa estatua de oro de un halcón, incrustada con piedras preciosas de un valor inmenso, que se supone que era el tributo que los Caballeros de Malta pagaron por la isla al rey Carlos V. Ella no es la única tras el Halcón Maltés, ya que un grupo de maleantes internacionales está también tratando de conseguir la estatua, dispuestos a engañar, robar o matar, para apropiarse del tesoro. Un hombre llamado Fat Man (Sydney Greenstreet), el engañoso Joel Cairo (Peter Lorre), Wilmur (Elisha Cook Jr.) y la seductora señora O’Shaughnessy quieren aprovecharse del genio y el ingenio de Sam Spade para sus propios intereses, pero al detective le preocupa más salir ileso de las peligrosas situaciones y sacar el mayor provecho para sí mismo.
Comentarios
En un principio se ofreció el papel de Sam Spade a George Raft, pero este no quería trabajar con un director novato, así que se lo ofrecieron a Humphrey Bogart como segunda opción.
Walter Huston, padre de John Huston, interviene en un pequeño papel, como el marinero que lleva el halcón al despacho de Sam Spade.
El filme fue nominado al premio Oscar 1942
* al mejor actor de reparto: Sydney Greenstreet. * a la mejor película * al mejor guión adaptado: John Huston
The Grapes of Wrath, en castellano Las viñas de la ira (Venezuela), Las uvas de la ira (España) y Viñas de ira (Argentina), es una película de 1940 de John Ford.
Argumento
Historia de una familia de granjeros de Oklahoma, Henry (Henry Fonda) y Ma Joe (Jane Darwell), ubicada en la década de los 30 que tras el crack del 29 son expulsados de su tierra y tienen que emigrar a California. Realizan un duro viaje en un viejo Ford, pasando por diversas vicisitudes en el que creían muy erróneamente que era el paraíso.
Comentarios
"El más impresionante retrato de la depresión que asoló los Estados Unidos en los años treinta viene firmado por la mano maestra de John Ford. Un canto a la solidaridad. Cotidiana, lírica y comprometida, una película inolvidable, necesaria y magistral" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
¿Alguien dijo por ahí que John Ford fue un carca dedicado al género machista del western?.
Pues bien, nos encontramos ante una de las obras más socialmente comprometidas en la historia no sólo de la literatura (gracias a la inestimable colaboración del autor de la obra epónima, John Steinbeck), sino de la cinematografía mundial, por delante o al mismo nivel de autores como Eisenstein o Visconti.
Uno de los mejores papeles encarnados por Henry Fonda sin lugar a dudas, y una de las mejores y más convincentes interpretaciones en la historia del celuloide.
Tom Joad emerge en la pantalla por los áridos desiertos de Oklahoma camino de casa, al igual que lo hiciera Travis en la obra de Wim Wenders; Paris, Texas.
La diferencia radica en que al contrario que con Travis (Harry Dean Stanton), con Tom Joad sí sabemos lo que sucede. Acaba de salir de la cárcel bajo la condicional por homicidio (prodigiosa escena inicial en la que Fonda nos brinda todo un alarde de contención interpretativa).
Como el personaje de Wayne en centauros del desierto (Ethan), Joad encuentra que en su pueblo no queda NADA ni NADIE. El tempestuoso tiempo impide las cosechas en régimen de aparcería, por lo que los verdaderos propietarios de las tierras, las sociedades cooperativas agrícolas se quedan sin financiación por parte de los bancos.
Por el camino Ford nos narra a través de su asombrosa técnica y maestría habitual y siguiendo de manera fidedigna la obra maestra de Steinbeck la penosa historia de continua lucha por la supervivencia, la identidad y la pertenencia no sólo a un lugar sino a lo material como privativo de uno mismo.
Al final, hartos de las incipientes y opresivas maneras capitalistas, nuestros protagonistas, se dan cuenta de que California no es la panacea. Recoger melocotones está bien para los que no tiene nada, pero como diría Casey (el peculiar predicador reconvertido a lider del agit pop obrero), si "unimos nuestras fuerzas haremos presión y nuestra dignidad se verá fortalecida...".
Todo se resume en las inolvidable frases que Tom Joad refiere a su madre antes de partir por última vez: "... Allí donde haya un policía pegando a un muchacho, allí donde un recién nacido llore porque tiene hambre, allí donde haya una lucha contra la sangre y el odio en el mundo, mírame allí mamá porque allí estaré. Allí donde haya alguien luchando por asentarse en algún lugar, o por un trabajo decente o una mano amiga, allá donde haya alguien que luche por la libertad, míra en sus ojos mamá porque allí estaré yo...".
Magnífica también como siempre la fotografía del maestro Tolland.
Parece como si el espacio temporal durante el que se desarrolla la película no hubiera pasado...En pleno siglo XXI aún andamos con las mismas historias y los mismos personajes...
Inmigración, racismo, desconfianza hacia lo de fuera, precariedad en el trabajo, insolidaridad....Reflexión algo está pasando y no hemos actuado. (burton)
Ficha técnica
Dirección John Ford Producción Darryl F. Zanuck Guión Nunnally Johnson Música Alfred Newman Fotografía Gregg Toland Reparto Henry Fonda - Jane Darwell - John Carradine - Charley Grapewin - Dorris Bowdon - Russell Simpson - O. Z. Whitehead País Estados Unidos Año 1940 Género Drama social Duración 128 minutos
¡Qué bello es vivir!, llamada It's a Wonderful Life en la versión original, es una película estadounidense de 1946. Se trata de un clásico del cine norteamericano, y es la película que más se ha emitido en las televisiones de todo el mundo durante las fechas navideñas[cita requerida]. Fue dirigida por Frank Capra y está protagonizada por James Stewart y Donna Reed.
Argumento
La película comienza el día de Nochebuena cuando por las peticiones recibidas de los habitantes del pequeño pueblo de Bedford Falls, una corte celestial se reúne para cumplir con lo que le piden en aquel pequeño pueblo. La gente le pide a Dios que se acuerde de George Bailey, y le ayude a ser feliz. San José encarga el trabajo de ayudar a George a Clarence, un ángel de segunda clase, que es el que más tiempo lleva intentado ganarse las alas. Antes de enviar a Clarence a la tierra, San José le muestra lo que ha sido la vida de George Bailey.
George Bailey tuvo un sueño toda su vida, dejar el mísero pueblo en que le había tocado vivir, viajar por todo el mundo y estudiar una carrera universitaria. Pero el destino, la fortuna esquiva y el estar dispuesto siempre a hacer lo que es correcto le impiden llevar a cabo su sueño.
Era todavía un niño, cuando rescata a su hermano pequeño que había caído al hielo; esa acción heroica le costó perder la audición en uno de sus oídos. Unos años más tarde evitó que el boticario para él que trabajaba envenenara a un niño por accidente. A pesar de ello, y antes de que el farmacéutico se lo agradeciera le dio un buen golpe. Pero lo que llevaría a George a encadenar su vida a la de su pueblo era la compañía de emprestitos creada por su padre, y que estaba destinada a dejar dinero a aquellas personas que no podían pedírselo al banco. Su padre, junto con su tío, tío Billy, luchan por mantener a flote su compañía, más dedicada al altruismo que a los negocios, de los ataques del señor Potter, un tiburón de los negocios que es dueño del banco, de la prensa, de los hoteles y de todo los negocios rentables de la ciudad.
Justo antes de que George vaya a salir en su primer viaje alrededor del mundo, en uno de los enfrentamientos verbales entre su padre y el señor Potter, el padre de George sufre un ataque al corazón y muere. George tiene que suspender su viaje. Y unos meses más tarde, cuando el señor Potter solicita que se disuelva la compañía de emprestitos de la que el también es accionista, George hace un brillante discurso, con la que convence a los accionistas de que no disuelvan la compañía, pero estos le piden que debe dirigirla él, o la empresa se disolverá. Una vez más, George cumplirá con su deber, y mandará a su hermano a la universidad con el dinero que era destinado para él, con la promesa de que cuando vuelva, será el quien vaya a la universidad y su hermano ocupe su puesto. Pero cuando su hermano vuelve, está casado y su suegro le ha ofrecido un buen empleo, aunque él está dispuesto a cumplir con lo pactado con George, este no le dejará, y quedará una vez más atado a Bedford Falls y a la pequeña compañía de empréstito.
Un oasis en sus infortunios será la bella Mary. Ella enamorada de él desde que eran niños, fue novia de Sam un amigo de George que ha hecho fortuna en Nueva York y que le ha ofrecido un buen empleo a George. Sin embargo, George rechazará su oferta y se casará con Mary. Tendrán cuatro hijos.
Durante toda su vida George no va a cesar de tener que luchar contra Potter y sus ansias por arruinar la compañía de emprestitos, el mismo día de la boda de George, y cuando este iba de luna de miel y por fin a salir de su odiada ciudad natal, ocurre una crisis, que cierra el banco. La gente acude a la compañía de emprestitos y el tío Billy, asustado, cierra las puertas, sabiendo que eso será la quiebra. George abandona el taxi que le lleva a la estación y se enfrenta ante sus asustados inversores. Pero el pánico por la miseria no se supera con brillantes discursos y para contentar a sus inversores tiene que empeñar el dinero que iba a gastar en su luna de miel. Apenas le sobran dos dólares, y no podrá dejar Bedfordfalls.
La lucha continua, entre el tiburón de los negocios y el desafortunado George Bailey, desesperado ante la obstinación de George, Potter trata de comprarlo ofreciéndole un buen empleo, y por un momento parece haberle hipnotizado, haciéndole ver que fácil es cumplir todos sus sueños. Pero justo en ese momento y cuando estrechan las manos, George comprende que le están comprando y rectifica, rechaza la oferta y la lucha continua.
Llegan tiempos difíciles, la segunda guerra mundial pone a prueba a todos los americanos, y también a los ciudadanos de aquella pequeña ciudad perdida. Unos en el servicio activo, participaron en la contienda, meintras que otros están en la acción civil. A George debido a su oído le tocó quedarse en casa. Pero tuvo la satisfacción de que su hermano Harry, que fue a la guerra como piloto, derribó a unos Kamikazes justo antes de que se lanzaran contra un convoy, salvando la vida a muchos soldados americanos por lo que fue premiado con la medalla del congreso.
Tras contar toda la vida de George, llegamos al día de nochebuena cuando empieza nuestra historia. Aquel día, el presidente concedía la medalla a Harry, y George compró casi todos los periódicos y los fue regalando a sus paisanos. George tenía una inspección de hacienda esa jornada, y tío Billy tenía que ingresar ocho mil dólares en el banco en la cuenta de la compañía. Pero cuando iba a hacer el ingreso se encuentra con Potter, y le increpa con la noticia de Harry, así que deja el dinero en el periódico que lleva Potter.
George y tío Billy buscan el dinero por todas partes, pero no lo encuentran. Sumido en la desesperación y sin poder pedir el dinero a nadie, George acude a Potter, pero este que sabe la verdad aprovecha la desesperación de George, y le amenaza con denunciarlo, desesperado, y con un seguro de vida como única propiedad George piensa en suicidarse, pensando que vale más muerto que vivo.
Cuando está a punto de lanzarse al río, ve como un anciano cae al agua, y una vez más olvida todos sus problemas y acude a salvar al pobre anciano, y mientras este se seca las ropas mojadas, el viejo le dice que se llama Clarence y que es su ángel de la guarda. George no le cree, pero en la conversación le dice que desearía no haber nacido, Clarence se lo concede, y cuando regresan al pueblo, todo ha cambiado.
La visión que Clarence hace ver a George es desoladora, el pueblo ha dejado de llamarse Bedfordfalls y ahora se llama Poterville, los vecinos y amigos a los que ha ayudado no le reconocen, ve la tumba de su hermano al que no pudo salvar por no haber nacido, y piensa en los que murieron en la guerra porque su hermano no estuvo allí para salvarlo, las casas que ayudó a construir con sus emprestitos nunca se construyeron, su tío Billy estaba en un manicomio, su madre viuda y sin hijos regentaba una pensión y finalmente su esposa era una bibliotecaria solterona. Desesperado por la visión, George regresa al puente donde había intentado suicidarse, y pide a Dios que le devuelva su vida.
Cuando un amigo lo encuentra, y le llama por su nombre, George sabe que la visión ha terminado, y que ha recuperado su vida, a pesar de que sabe que irá a la cárcel por desfalco pero no le importa porque ha recuperado su vida, su hermano, su esposa, sus hijas, su madre y sus vecinos por quien tanto se ha sacrificado.
Como un loco regresa corriendo a su casa deseando feliz navidad a todo lo que encuentra incluida la compañía de emprestitos e incluso al señor Potter, hasta llegar a su casa. Allí abraza a todos sus hijos, y saluda al inspector de policía y al Sheriff que le están esperando para detenerlo.
Entonces llega a tío Billy, y anuncia que un milagro ha sucedido, Mary ha hablado con algunos amigos contándoles que George tenía problemas y toda la ciudad había hecho una gran colecta, aparecen todos los que George ha ayudado durante toda su vida y por los que se ha sacrificado dando todo lo que tienen para que George pueda salir adelante, y finalmente aparece su hermano que al saber que su hermano tenía problemas ha dejado plantado al presidente y ha volado bajo una tormenta para estar junto a su hermano en aquellos momentos, y llega a tiempo para brindar por su hermano, para él y para sus amigos, el hombre más rico de la ciudad.
Del árbol de navidad suenan unas campanitas, que anuncian que Clarence ha ganado sus alas.
Ficha Tecnica
Título ¡Qué bello es vivir! Dirección Frank Capra Producción Frank Capra Guión Philip Van Doren Stern -Frances Goodrich Música Dimitri Tiomkin Fotografía Joseph F. Biroc - Joseph Walker - Victor Milner Reparto James Stewart - Donna Reed - Lionel Barrymore - Thomas Mitchell - Henry Travers - Beulah Bondi - Frank Faylen - Ward Bond Gloria Grahame - H.B. Warner - Frank Albertson - Todd Karns - Samuel S. Hinds - Mary Treen - Virginia Patton País Estados Unidos Año 1946 Género Drama - Familiar - Fantasía Duración 130 minutos
Casablanca (1942) es una película estadounidende dirigida por Michael Curtiz. Narra una historia romántica en la ciudad marroquí de Casablanca bajo el control del gobierno de Vichy. La película, basada en la obra teatral Todos vienen al Café de Rick (Everybody Comes to Rick's) de Murray Burnett y Joan Alison, está protagonizada por Humphrey Bogart en el papel de Rick Blaine e Ingrid Bergman como Ilsa Lund. El desarrollo de la película se centra en el conflicto de Rick entre —usando las palabras de uno de los personajes— el amor y la virtud: Rick deberá escoger entre su amada Ilsa o hacer lo correcto. Su dilema es ayudarla o no a escapar de Casablanca junto a su esposo, uno de los líderes de la resistencia, para que éste pueda continuar su lucha contra los nazis.
Es una de las películas mejor valoradas de la cinematografía norteamericana,ganadora de 3 premios Óscar, (8 nominaciones)incluyendo el de mejor película en 1943. En su tiempo el filme tenía todo para destacar ampliamente, con actores renombrados y guionistas notables, sin embargo ninguno de los involucrados en su producción esperaba que éste pudiese ser algo fuera de lo normal. Se trataba simplemente de una de las docenas de producciones anuales de la maquinaria hollywoodense. Casablanca tuvo un inicio sólido pero no espectacular y, sin embargo, fue ganando popularidad a medida que pasó el tiempo y se fue colocando siempre entre los primeros lugares de las listas de mejores películas. La crítica ha alabado las actuaciones carismáticas de Bogart y Bergman y la química entre ellos, así como la profundidad de las caracterizaciones, la intensidad de la dirección, el ingenio del guión y el impacto emocional de la obra en su conjunto.
Música
La música fue escrita por Max Steiner, compositor que había saltado a la fama por haber sido el artífice de la música de la película Lo que el viento se llevó. La canción As Time Goes By de Herman Hupfeld había sido escogida para formar parte de la obra de teatro original, y Steiner tenía previsto reemplazarla por una obra propia. Sin embargo, cuando el compositor quiso crear su propia obra para remplazarla, se encontró con que Ingrid Bergman ya se había cortado el cabello para protagonizar su siguiente papel cinematográfico (María, en Por quién doblan las campanas), por lo que no se podían volver a rodar las escenas en las que aparecía la canción. Por otra parte, cuando se estrenó la película la canción gozó de un resurgimiento que la posicionó 21 semanas en los primeros puestos de las listas de éxitos. Así que Steiner basó por completo la música de la película en dicha canción y en La Marsellesa, el himno nacional francés, transformándolos para que reflejaran diversas situaciones.[35] De nota excepcional es el «duelo de canciones» en que La Marsellesa compite —interpretada a todo pulmón por una orquesta completa— contra un pequeño grupo de alemanes que cantan «Die Wacht am Rhein» (El guardia sobre el río Rín) en el piano. Originalmente se había pensado para esta secuencia maestra en la canción «Horst Wessel Lied» (Canción de Horst Wessel), que era de facto el segundo himno nacional de la Alemania Nazi, pero éste se encontraba todavía bajo derechos reservados al menos en los países no aliados.
Otras canciones incluidas en la película son It Had to Be You, de 1924, con letra de Gus Kahn y música de Isham Jones; Knock on Wood, con música de M.K. Jerome y letra de Jack Scholl, y Shine de 1910 de Cecil Mack y Lew Brown, con música de Ford Dabney.
Reparto
Un punto notable del reparto de Casablanca es la amplia variedad de nacionalidades de los actores. De hecho, sólo tres de los actores con créditos fueron actores estadounidenses.
Tres actores encabezan la cinta: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman y Paul Henreid.
Humphrey Bogart como Rick Blaine. El neoyorquino Bogart se consagró en el estrellato gracias a Casablanca. Al inicio de su carrera, Bogart se había encasillado en papeles de gángster, interpretando personajes en los que recibía nombres como: Bugs, Rocks, Turkey, Whip, Chips, Gloves y Duke (en dos ocasiones). En la película High Sierra de 1941 se le permitió interpretar un papel con cierto carisma, pero ciertamente Rick fue su primera interpretación en un rol verdaderamente romántico.
* Ingrid Bergman como Ilsa Lund. El sitio web oficial de Bergman menciona a Ilsa como su «papel más famoso y perdurable».[36] El debut hollywoodense de la actriz sueca en Intermezzo en 1939, había sido bien recibido, pero sus películas posteriores no fueron nada extraordinario hasta Casablanca. Ebert la califica como «luminosa», y comenta la química entre ella y Bogart: «ella pinta la cara de él con sus ojos.»[20] Otras actrices consideradas para interpretar a Ilsa habían sido Ann Sheridan, Hedy Lamarr y Michèle Morgan; Wallis adquirió los servicios de Bergman mediante un contrato con David O. Selznick, a cambio de prestarle a Olivia de Havilland.[37]
* Paul Henreid como Victor Laszlo. Henreid, actor austríaco que había abandonado su país natal en 1935, rechazó en un principio el papel (ya que pensaba que éste «lo encasillaría para siempre», según declaraciones de Pauline Kael),[38] y sólo lo aceptó cuando recibió la promesa de encabezar el reparto junto a Bogart y Bergman. Henreid no se llevó muy bien con sus compañeros actores y, de hecho, consideraba a Bogart solo «un actor mediocre», mientras que Bergman calificó a Henreid como una «prima donna».[39]
Los actores secundarios fueron: Claude Rains, Sydney Greenstreet, Peter Lorre y Conrad Veidt.
* Claude Rains como el capitán Louis Renault. Rains, actor londinense, curiosamente había servido en la Primera Guerra Mundial, en donde efectivamente había alcanzado el grado de capitán. Además como actor había trabajado previamente con Michael Curtiz en Robin de los bosques. Curtiz fue su maestro y se dice que le enseñó «qué no hacer frente a una cámara».[40]
* Sydney Greenstreet como el Señor Ferrari, propietario de un club de la competencia. También él era un actor inglés y había protagonizado previamente El halcón maltés junto a Lorre y Bogart.
* Peter Lorre como el Señor Ugarte. Lorre fue un actor judío austrohúngaro que había trabajado en Alemania, de la cual emigró tras la llegada de los nazis al poder en 1933. También él había trabajado en El halcón maltés.
* Conrad Veidt como el Mayor Strasser de la Luftwaffe. Veidt, actor alemán, había aparecido en El gabinete del Doctor Caligari, en 1920, antes de huir de los nazis (una semana después de haberse casado con una mujer judía) y terminar su carrera interpretando nazis en los filmes estadounidenses.
Otros actores con créditos en la película fueron: Dooley Wilson, Joy Page, Madeleine LeBeau, S. Z. Sakall, Curt Bois y John Qualen. Otros actores dignos de mención cuyos créditos no aparecen en la película son: Marcel Dalio, Helmut Dantine, Norma Varden, Jean Del Val, Torben Meyer, Dan Seymour y Gregory Gaye.
Gran parte del impacto emocional de la película se atribuye a la numerosa proporción de exiliados europeos y refugiados que participaron como extras y en roles menores. Un testigo de la filmación de la secuencia del «duelo de canciones» afirmó haber visto a muchos de los actores llorando y haberse dado cuenta de «que todos eran en realidad verdaderos refugiados».[42] Harmetz afirma que estos «le brindaron en una docena de papeles pequeños a Casablanca la comprensión y la desesperación que jamás hubieran podido proveerle los actores centrales del reparto».[43] Los ciudadanos alemanes que había entre ellos, por ejemplo, debieron guardar el toque de queda al ser considerados como extranjeros enemigos. Irónicamente, además, casi siempre fueron requeridos para la interpretación de soldados nazis, de los cuales ellos mismos habían huido.
Sinopsis
Durante la Segunda Guerra Mundial Rick Blaine (Humphrey Bogart), un estadounidense cínico y amargado, expatriado por causas desconocidas, administra el local nocturno más popular de Casablanca (Marruecos), el «Café de Rick». Éste es un lugar exclusivo y un antro de juego que atrae una clientela variada: gente de la Francia de Vichy, oficiales de la Alemania nazi, asilados políticos y ladrones. A pesar de que Rick asegura ser neutral en todos los campos, se revelará más tarde su participación en el tráfico ilegal de armas hacia Etiopía —que tendría como objetivo combatir la invasión italiana de 1935— y en la Guerra Civil Española, del lado republicano.
Una noche, un criminal menor llamado Ugarte (Peter Lorre), llega al club de Rick portando unas tales «cartas de tránsito» (literalmente, «letters of transit»), documentos valiosos que ha conseguido tras asesinar a dos mensajeros alemanes. Se trata de una especie de salvoconductos que permiten a su poseedor el libre tránsito a través de la Europa controlada por los nazis y llegar, incluso, a la neutral Lisboa (Portugal), de la cual se podría partir hacia los Estados Unidos. Por eso los documentos tienen un valor incalculable para cualquiera de los refugiados que esperan en Casablanca su oportunidad de escapar. Ugarte planea vender los salvoconductos esa misma noche pero, antes de que la compra-venta tenga lugar, Ugarte es arrestado por la policía local al mando del Capitán Louis Renault (Claude Rains), un corrupto oficial de la Francia de Vichy que sólo quiere complacer de todas las formas posibles a los nazis. De manera subrepticia, Ugarte deja las cartas al cuidado de Rick porque «de algún modo, debido a que tú me desprecias, eres el único en quien yo confío». Escena del trailer que muestra a Paul Henreid y Humphrey Bogart conversando sobre el personaje de Ingrid Bergman, Ilsa.
Entretanto la razón de la amargura de Rick llega de nuevo a su vida. Se trata de su ex-amante, Ilsa Lund (Ingrid Bergman) quien le había abandonado en París sin dar explicaciones y quien, junto a su esposo Victor Laszlo (Paul Henreid), entra al Café esa noche para comprar las cartas. Laszlo es un renombrado líder de la resistencia checa que enfrenta a los nazis. La pareja necesita las cartas para dejar Casablanca y salir hacia los Estados Unidos, desde donde él podría continuar su labor. A la noche siguiente Laszlo, sospechando que Rick tiene las cartas, se entrevista con éste, pero Rick se niega a partir viajando con él, pidiéndole que le pregunte a su esposa el motivo. (Es decir, sólo dos personas pueden salir, pero en este punto hay tres personas que lo desean.) El diálogo se ve interrumpido cuando un grupo de oficiales nazis, bajo las órdenes del Mayor Stresser (Conrad Veidt), comienza a cantar «Die Wacht am Rhein» (El guardia sobre el río Rín), que era considerado un himno patriótico durante la Alemania nazi. Enfurecido, Laszlo solicita a la banda del local que interprete La Marsellesa, el himno nacional francés hasta antes de la ocupación del país. Cuando el maestro de la banda busca a Rick con la mirada, éste asiente con la cabeza. Laszlo comienza a cantar, solo al inicio, y enseguida el largamente reprimido fervor patriótico se adueña de la muchedumbre y todos se unen al canto, ahogando el de los alemanes. Como represalia, Strasser manda clausurar el club.
Rick sigue resentido con Ilsa, pero esa noche, ella lo confronta una vez que el Café ha quedado desierto. Cuando él se niega a darle los documentos, ella lo amenaza con una pistola, pero siendo incapaz de disparar, le confiesa que sigue amándolo y le explica que cuando lo encontró por primera vez y se enamoró de él en París, pensaba que su marido había sido asesinado en un campo de concentración nazi. Pero en cuanto descubrió que Laszlo en realidad había logrado escapar —continua ella explicando—, dejó a Rick sin explicación alguna y regresó a su marido. Le dice, además, que fingió haber abandonado la ciudad para prevenir que Rick no se fuera y lo capturasen los alemanes, porque así él no se quedaría a buscarla. Rick cambia de actitud al conocer el motivo por el cual ella se marchó de su lado y la induce a pensar que se quedará con él cuando Laszlo se vaya.
Laszlo llega al Café una vez que se ha ido Ilsa y le dice a Rick que se ha dado cuenta de que «algo» sucede entre ella y Rick. De hecho, intenta provocar que Ilsa y Rick tomen las cartas de libre tránsito, con tal de salvar la vida de ella. Como sea, la policía llega y Laszlo es arrestado bajo un cargo menor. Rick interviene y convence al capitán Renault de liberar a Laszlo, prometiéndole que lo podrá acusar ante la Gestapo por un delito mucho más serio: la posesión de las cartas. Cuando Renault le cuestiona sobre la razón por la que él está haciendo esto, Rick le explica que Ilsa y él partirán para los Estados Unidos.
Más tarde, Laszlo recibe las cartas de parte de Rick, mas cuando Renault trata de arrestarlo Rick traiciona a Renault, obligándolo a punta de pistola a permitir el escape. En el último momento, Rick conduce a Ilsa a que aborde el avión para Lisboa con su marido diciéndole que si ella se queda se arrepentirá. «Tal vez no hoy. Tal vez no mañana, pero pronto y para el resto de tus días.»
El Mayor Strasse llega en su vehículo, habiendo recibido el chivatazo por parte de Renault, pero Rick le dispara cuando trata de intervenir. Cuando la policía llega, el capitán Renault salva la vida de Rick al ordenar que «capturen a los sospechosos de siempre». Enseguida recomienda que Rick deje Casablanca, sugiriéndole incluso que se una a la Francia Libre en Brazzaville (República del Congo). Ellos se alejan caminando en medio de la neblina con una de las más memorables líneas finales en la historia del cine: «Louis, creo que este es el principio de una gran amistad».
Tres hombres que regresan de la guerra a su ciudad realizan juntos la etapa final del viaje y entablan amistad. Cada uno se encuentra, a su manera, con dificultades para adaptarse de nuevo a una vida normal. Trata de la esperanza es lo que mantiene a un soldado con vida; el sueño de volver a casa, para siempre. Pero cuando ese día llega, estos tres veteranos de la Segunda Guerra Mundial ven sus sueños convertidos en pesadillas: el Capitán Fred Derry (Dana Andrews) vuelve a un matrimonio sin amor; el Sargento Al Stephenson (Fredric March) se ha convertido en un extraño para su familia; y el joven marino Homer Parrish (Harold Russell) vive atormentado por la pérdida de sus manos. ¿Podrán estos tres hombres reunir el coraje necesario para recomponer su mundo? ¿O acaso los mejores años de sus vidas serán ya cosa del pasado?
El proyecto de rodaje de esta película fue encargado al guionista Robert Sherwood y William Wyler cuando éstos estaban en un momento profesional bastante poco creativo. Sherwood se dedicaba a escribir los discursos de Roosevelt y Wyler había estado haciendo documentales sobre la primera línea de fuego, motivo por el que se había quedado parcialmente sordo. A pesar de ser un gran éxito de público y de crítica, en la Caza de brujas de Joseph McCarthy fue una de las películas vigiladas por considerarla de contenido subversivo, al hablar de la adaptación a la paz y lo complicado que puede resultar. El Comité de Actividades Antiamericanas planteó convocar a Robert Sherwood, el guionista, por el contenido sospechoso de ciertas escenas, pero finalmente no llegó a más por la intervención directa de Samuel Goldwyn, uno de los creadores de la MGM, y amigo íntimo de Sherwood.
