Nosferatu (1922)

Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (Nosferatu, una sinfonía del horror), conocida en castellano como Nosferatu y Nosferatu el vampiro (España) es una película muda de 1922 dirigida por F.W. Murnau.

Sinopsis
Thomas Hutter es un empleado de una compañía inmobiliaria en Wismar, Alemania, que vive tranquilamente con su esposa. Un día su jefe, Knock, recibe una extraña carta escrita con símbolos que reconoce como del Conde Orlok, quien desea comprar una casa en Wismar. Knock envía a Hutter a los Cárpatos para concretar con el Conde Orlok la venta de la casa. Hutter deja a su esposa Ellen en casa de su amigo Harding y se embarca.

Cerca de su destino, Hutter se hospeda en una posada en la cual menciona que se dirige a ver al Conde Orlok. Todos los presentes se aterran de sólo escuchar el nombre del Conde y tratan de convencerlo de no ir. Hutter encuentra en su cuarto un libro sobre vampiros el cual tilda de supersticioso, pero que mantiene consigo como material de lectura. Al día siguiente parte hacia el castillo. Un cochero contratado lo lleva hasta el bosque que rodea el castillo, pero se niega a cruzar el puente que cruza hacia este. Al rato, un cochero misterioso se identifica como cochero del Conde. Este lo lleva a una velocidad naturalmente imposible. En el castillo es recibido por el Conde Orlok quien le invita una cena, pero mientras Hutter come, éste se dedica a leer la carta de parte de Knock. En un momento, Hutter se corta el dedo y Orlok trata de chuparle la sangre, pero es detenido por el crucifijo que portaba en el cuello. Hutter se queda finalmente dormido y al despertar amanece con dos heridas en el cuello que atribuye a los mosquitos.


La casa de Orlok en Wisborg, para la que se utilizó un almacén de Lübeck.A la noche siguiente concreta la firma de los documentos legales para la transacción de la casa. Hutter encuentra el libro sobre vampiros en su maleta y empieza a sospechar que Orlok es un vampiro. Conforme la noche avanza, Hutter se esconde en su habitación, pero la puerta es abierta por Orlok, quien entra. Al mismo tiempo, Ellen es descubierta caminando dormida y cae en un estado como de coma precisamente después de gritar el nombre de su esposo. El grito parece provocar que Orlok deje de lado a Hutter.


A la mañana siguiente, Hutter explora el castillo y descubre la cripta donde Orlok duerme en un ataúd durante el día. Paralizado por el miedo, logra llegar a su cuarto donde observa, por la ventana, que se están llevando los ataúdes y que en el último va el Conde Orlok. Finalmente, se descuelga por una ventana, pero cae herido. Durante el viaje a Wismar, el barco en que Orlok viaja es invadido por ratas que salen de los ataúdes y sus tripulantes mueren misteriosamente. Por otro lado, Hutter se encuentra en un hospital, del cual trata de escapar para avisar a los pobladores de Wismar acerca de la amenaza que les acecha.

En Wismar, la llegada del vampiro causa una plaga de ratas que causa la muerte de sus pobladores. Hutter también llega y se reúne con su esposa. Ella lee el libro sobre vampiros, a pesar de la negativa de su esposo, y aprende que para matar al vampiro una mujer de corazón puro debe entregarse voluntariamente antes de que cante el gallo. Finalmente, Nosferatu se dirige hacia ella, quien se entrega voluntariamente a él precisamente cuando el gallo inicia su canto. Nosferatu muere en una nube de polvo y con él, la plaga.

Historia
Murnau quiso realizar una adaptación cinematográfica de la novela Drácula, de Bram Stoker, pero su estudio no logró hacerse con los derechos de la historia. De modo que decidió filmar su propia versión de la novela y el resultado es una película que tiene un gran parecido con la historia original de Stoker. El nombre de "Drácula" se cambió por el de "Nosferatu" y también se cambiaron los nombres de los personajes: el Conde Drácula es aquí el Conde Orlok, por ejemplo. Su papel fue interpretado por Max Schreck (Schreck significa terror en alemán). Harker es Hutter, Mina es Ellen y la Inglaterra victoriana es la ciudad de Viborg, o de Bremen en la versión francesa, así como también en la inglesa. Sin embargo, la viuda de Stoker demandó la película por infracción de derechos de autor y ganó el juicio.

El tribunal ordenó que se destruyeran todas las cintas de Nosferatu, pero un reducido número de copias de la película ya había sido distribuido por todo el mundo y permanecieron escondidas por particulares hasta la muerte de la viuda de Bram Stoker.

Con el paso de los años se hicieron más copias de esas cintas (algunas de muy baja calidad y con cortes importantes). Nosferatu se labró la reputación de ser una de las mejores películas sobre el mito del vampiro y uno de los máximos exponentes del Expresionismo alemán. Rodada en escenarios naturales, una práctica poco habitual ésta que la aleja de los postulados del cine expresionista alemán, abundantes planos de Nosferatu están inspirados en pinturas románticas.


Ahora, la obra Nosferatu de Murnau pertenece al dominio público y existe un gran número de copias en vídeo, generalmente de muy baja calidad ya que provienen de copias hechas a partir de otras copias de las primeras cintas distribuidas para la exhibición internacional. Muchas de ellas presentan diferencias notables de metraje, puesto que en cada país se exhibió una versión diferente de la película. Así pues, la copia francesa no es la misma que la alemana, por dar un ejemplo. No obstante, recientemente se han publicado ediciones restauradas de la película en las que se ha recuperado casi todo el metraje completo de la película original. La reconstrucción más fiel de la película fue presentada en el Festival de Berlín de 1984.

Etimología
El significado original de la palabra nosferatu es difícil de determinar. No hay duda de que alcanzó difusión popular a través de la novela de Bram Stoker; Stoker halló el término en cierta obra del escritor y orador británico del siglo XIX Emily Gerard, quien la introdujo en un capítulo de su obra Supersticiones de Transilvania (1885) y en su crónica de viajes La tierra más allá del bosque (1888) (la “tierra más allá del bosque” es literalmente lo que significa Transilvania en latín). Se alude a ella simplemente como el vocablo rumano para designar al vampiro; Stoker empleó el término como un calco del inglés undead o no-muerto. Esta atribución es patentemente falsa, puesto que la palabra nosferatu carece de significado conocido (aparte del introducido por la novela y las películas) en ninguna fase histórica del rumano.


Una etimología alternativa sugiere que el término proviene originalmente de los nosóforos griegos (*νοσοφορος), es decir, de los agentes transmisores de enfermedades. Esta derivación podría tener sentido cuando se observa que en varias naciones de Europa Central los vampiros eran considerados difusores de epidemias. La película de Murnau incide particularmente en el tema de la enfermedad, y su creatividad como director pudo haber sido influenciada por esta etimología. Otra teoría sugiere que la palabra significa “respiración,” un derivado del spirare latino. Una posibilidad final es que la forma que Gerard ofrece sea un término rumano bien conocido pero mal transcrito, o posiblemente un mala interpretación de los sonidos de la palabra debido a la familiaridad limitada de Gerard con la lengua. Dos candidatas a servir de origen a nosferatu son necurat (“sucio”, asociado generalmente con lo oculto) y nesuferit (“insufrible”). La forma determinada masculina nominativa de un sustantivo rumano en la declinación a la cual ambas palabras pertenecen se corresponde con la terminación ” - UL ", así que habría que hablar con propiedad del necuratul y el nesuferitul (traducibles como “el diablo” y “el insufrible”, respectivamente).

Homenajes
En 1979, Werner Herzog dirigió una revisión de Nosferatu, Nosferatu, el vampiro de la noche. Filmado con un presupuesto escaso, como era habitual en Alemania durante los años 1970, el Nosferatu de Herzog fue un éxito de crítica y es considerado un sentido homenaje a la película original de Murnau, con Klaus Kinski en el papel principal, acompañado de Isabelle Adjani y Bruno Ganz.

En el año 2000 se rodó La sombra del vampiro, que es una historia ficticia sobre el rodaje de la versión muda de Nosferatu. Protagonizada por John Malkovich y Willem Dafoe, se trata de una historia fantástica de horror en la que un director (Murnau, interpretado por Malkovich) crea una película de vampiros completamente realista gracias a que contrata a un auténtico vampiro (interpretado por Dafoe) para que interprete el papel del vampiro.

Ficha técnica
Dirección F.W. Murnau
Producción Enrico Dieckmann - Albin Grau
Guión Henrik Galeen y (sin acreditar) Günther Krampf
Fotografía Fritz Arno Wagner
Escenografía Albin Grau
Vestuario Albin Grau
Reparto Max Schreck - Gustav von Wangenheim - Greta Schröder - Alexander Granach - Georg H. Schnell - Ruth Landshoff - John Gottowt - Gustav Botz - Max Nemetz - Wolfgang Heinz - Albert Venohr
País Alemania
Año 1922
Género Terror
Duración 94 minutos

Ver Pelicula completa en video google, Nosferatu 1922 (dominio libre)

El maquinista de la General (1927)

El maquinista de la general (título original en inglés: The General) es una de las películas más famosas en la historia del cine mudo. Siguiendo con lo que en él era habitual, Buster Keaton, realiza un film lleno de humor y situaciones embarazosas, entre cabriolas y equilibrios. Con una buena fotografía y una planificación minuciosa, consigue crear una cinta llena de comicidad, emoción y poesía.

La película está basada en un hecho real sucedido durante la Guerra Civil. Se trata de una adaptación del libro de William Pittenger: Daring and Suffering: A History of the Great Railway Adventure (Audacia y sufrimiento: Una historia de la gran aventura ferroviaria), el cual fue publicado en 1863.


Basándose libremente en un episodio de la guerra civil americana, el robo por parte de unos espías de la Unión de una locomotora sureña, Keaton creó uno de los espectáculos más imaginativos y trepidantes que alguien haya concebido jamás para una película de cualquier género. Johnny Gray (Buster Keaton) es maquinista en un estado del Sur y tiene dos grandes amores: una chica (Anabelle Lee) y una locomotora (La General). Al estallar la guerra de secesión, Johnny trata de alistarse, pero el ejército considera que será más útil trabajando en la retaguardia. Sin embargo, Anabelle cree que no va a luchar porque es un cobarde y, por ello, decide rechazarlo. El maquinista sólo podrá demostrar su auténtico valor cuando un comando nordista infiltrado tras las líneas confederadas le robe "La General" y rapte a Anabelle. Johnny no dudará un segundo en subirse a otra locomotora y perseguir a los yanquis para recuperar a sus dos amadas.


El maquinista de la General ha sido considerada como la obra maestra de Buster Keaton, en la cual no sólo participa como actor, sino como director y escritor. En la película podemos apreciar las técnicas de las que hacía uso para desarrollar un lenguaje cinematográfico adecuado a lo que el quería transmitir. Varios autores consideran que Keaton supera a Chaplin debido a que el primero demostró conocer perfectamente el medio en el que se desenvolvía y así lo demuestran aquellas escenas en las que se observa a Johnnie corriendo por la parte superior de la máquina o cuando va en la bicicleta. El principio esencial en el que se basa el montaje y el contenido de las escenas en general es el de veracidad y fidelidad. Keaton procura que lo que graba se vea lo más real y creíble posible, no importándole gastar hasta un millón setecientos mil dólares para dejar caer una locomotora al río. Igualmente, Buster no acepta el uso de dobles ni en las escenas más peligrosas, como la de Johnnie sentado en la biela de la locomotora que de pronto empieza a avanzar.

El montaje busca explicar las causas de todo lo que sucede en la historia, no oculta nada, al menos no al público. Se muestran mayormente las acciones paralelas para mostrar lo que hace un bando y lo que hace el otro.


Keaton se basa en la inexpresividad de su rostro para emitir gran cantidad de emociones a través de los distintos encuadres, los juegos de luz y las expresiones de los demás personajes. Su personalidad está completamente definida, así como el uso que hace del lenguaje cinematográfico para alcanzar su más grande objetivo: hacer reír a la gente.

Ficha técnica
Dirección Buster Keaton - Clyde Bruckman
Producción Buster Keaton
Guión Buster Keaton y Clyde Bruckman
Fotografía Bert Haines
Reparto Buster Keaton (Johnnie Gray), Marion Mack (Annabelle Lee), Charles Henry Smith (Mr. Lee), Richard Allen (Frank Barnes), Glen Cavender (capitán de la Unión Anderson)
País Estados Unidos
Año 1927
Género Comedia
Duración 75 minutos
Productora Buster Keaton Productions Inc. y United Artists

Esta Película es de dominio público y por gentileza de Google video aqui esta la pelicula completa, que la disfruten.

El Acorazado Potemkin (1925)

El acorazado Potemkin (Броненосец Потемкин, o Bronenósets Potyomkin, en ruso), es una película de 1925 dirigida por el cineasta ruso Serguéi Eisenstein. Es considerada una de las más grandes películas de la historia del cine.

Comentarios y alcance actual

En 1925 se le encargó al director Eisenstéin el llevar a cabo esta obra para elevar el espíritu de la revolución social creada en 1917 por la revolución bolchevique.

El acorazado Potemkin es una obra que significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Eisenstein observa otra función que puede realizar la cámara, introduciendo inclinaciones de cámara que dan como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata.

Por otro lado, se trata de una película que refleja el espíritu de la época en que es realizada, donde todo elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica de una revolución naciente. En este sentido es valorable la exaltación del hombre común, sobre todo del oprimido que decide romper sus cadenas.

Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película, cuando los cosacos disparan contra el pueblo inocente para acabar con el apoyo a los rebeldes. En ese momento, una madre es alcanzada por una bala mientras corría con un coche de bebé que rodará escaleras abajo al morir la madre. Esta escena ha sido homenajeada por directores famosos, como Francis Ford Coppola en El Padrino, Brian De Palma en Los intocables de Elliot Ness, Woody Allen en Bananas, Terry Gilliam en Brazil, Peter Segal en la tercera entrega de Agárralo como puedas, George Lucas en su última entrega de Star Wars (aunque los soldados de asalto, en esta cinta, marchen subiendo las escaleras) e incluso en Los Simpson en dos situaciones, en una Homer rescatando al bebe y en otra, con una estética igual a la de la película, con Lisa lanzando a Maggie.



Argumento

El acorazado Potemkin es una película parcialmente basada en hechos reales, que acontecieron en el puerto de Odesa (Ucrania) durante la semana del 26 de junio de 1905.

Los marineros del acorazado Potemkin ya están hartos de malos tratos, y cuando se les intenta obligar a comer carne con gusanos, deciden sublevarse. Llena de imágenes expresivas, casi como un álbum fotográfico, El acorazado Potemkin representa la magnificación por la figura de las masas y las causas colectivas.

Estrenada en la primera década de la Revolución Rusa (1925) constituye un rescate de la importancia del Potemkin en el proceso de la revolución fallida de 1905, antecedente de la rebelión de octubre de 1917.

Este film esta compuesto de cinco episodios:
* Hombres y gusanos (Люди и черви)
* Drama en el Golfo Tendra (Драма на тендре)
* El muerto calma (Мёртвый взывает)
* La escalera de Odesa (Одесская лестница)
* Encuentro con la escuadra (Встреча с эскадрой).

Hombres y gusanos

Como el propio Eisenstein explica en el texto sobre la «Unidad orgánica y pathos en El acorazado Potemkin», incluido en el libro de Georges Sadoul sobre este film, la película está trabajada como un todo orgánico en el que cada uno de sus elementos funciona en pos de una composición que mantiene en su núcleo lo particular en función del todo. Cada una de las partes en las que puede ser dividida la cinta, es funcional en un nivel superior de lectura, es decir, en la generalidad. Por otra parte, el trabajo patético (pathos) en tanto que la sucesión y cambio constante en las cualidades de la acción, generan en el espectador una emoción que lo llevan a realizar mediante un proceso psicológico, una reflexión intelectual de acuerdo al tema propuesto.

Divulgación, censura y restauración

Después de su estreno en la Unión Soviética, la película fue exhibida en los Estados Unidos. Se exhibió en Alemania una versión con ediciones en las escenas extremadamente violentas. Una introducción de León Trotsky fue omitida en las versiones soviéticas, por la oposición de éste con Josef Stalin. La película fue prohibida en la Alemania (durante el régimen Nazi), Gran Bretaña, España (aunque se levantó la prohibición durante la Segunda República), Francia y otros países por su contenido revolucionario. También fue prohibida en territorio soviético durante un corto período cuando el Comintern (por razones diplomáticas) dejó de apoyar deserciones en los barcos de países capitalistas.

En 2004 se terminó la restauración de la película y está ya disponible en DVD. Muchas escenas violentas excluidas y la introducción de Trotsky fueron restauradas, y las traducciones desde el ruso no tienen la retórica revolucionaria del idioma original.

Música
La música fue escrita originalmente por Edmund Meisel en un período de 12 días debido a una tardía aprobación por causa de la censura impuesta, lo que se reflejó en largas repeticiones de diversas partes de la composición a fin de completar la obra para una orquesta de salón compuesta por flauta, trompeta, trombón, percusiones y cuerdas. Mark-Andreas Schlingensiepen depuró la obra para el piano en la versión actual del filme.

En la versión en formato de DVD, la trama es acompañada con piezas de música clásica de compositores tales como Dmitri Shostakóvich y Nikolai Kriukov. En un intento de hacer el filme mas acorde con el siglo XXI, los integrantes del grupo Pet Shop Boys compusieron una nueva pista de audio en 2004, acompañada por la Orquesta Sinfónica de Dresde. La música fue lanzada como Battleship Potemkin en 2005, y fue ejecutada en septiembre de 2004 al aire libre en un concierto en el Trafalgar Square de Londres.

Referencias
1. Si bien existieron varias manifestaciones y represión contra los manifestantes en Odessa, la matanza es una ficción creada por Eisenstein contra el zar. El crítico de cine Roger Ebert escribió «no existió la masacre zarista en las escaleras de Odessa... es irónico que [Eisenstein] lo haya hecho tan bien que en la actualidad muchos creen que en realidad ocurrió»

Ficha técnica
Dirección Sergei M. Eisenstein
Producción Jacob Bliokh
Guión Nina Agadzhanova - Sergei M. Eisenstein
Música Edmund Meisel - Nikolai Krinkov
Fotografía Eduard Tisse
Montaje Sergei M. Eisenstein
Reparto Aleksandr Antonov -Vladimir Barskij - Grigori Aleksandrov - Ivan Bobrov - Mikhail Gomorov - Aleksandr Levshin - Beatrice Vitoldi - Julia Eisenstein
País URSS
Año 1925
Género Drama social
Duración 77 minutos


Fragmento de la Pelicula Acorazado Potemkin

El Husar de la Muerte (1925)

Mucho se ha hablado sobre la pérdida patrimonial del cine mudo chileno (tema también abordado en Mabuse ), particularmente porque de la prolífica industria cinematográfica que caracterizó a ese período, sólo nos queda El húsar de la muerte , la única película de esa época que se conserva todavía en condiciones materiales de ser exhibida. Por lo tanto, y como es natural, el filme tiene un valor que excede sus méritos meramente cinematográficos, lo que podría en consecuencia hacer que la nostalgia suavice la mirada sobre su real calidad.

Sin embargo, y por fortuna, El húsar de la muerte tiene más de un argumento con que defenderse, como se desprende del exhaustivo análisis que hace Alicia Vega y su grupo de jóvenes colaboradores (todos cineastas –entre los que se incluye el documentalista Ignacio Agüero- egresados de la desaparecida carrera de cine de la también extinta Escuela de Artes de la Comunicación de la Universidad Católica de Chile) en el libro Re-visión del cine chileno (1979) , del que reproducimos el párrafo dedicado a la película de Sienna en sus Conclusiones Generales:


El húsar de la muerte es exactamente contemporánea de El acorazado de Potemkim de Eisenstein, y La quimera del oro de Chaplin, sin embargo la coincidencia no es sólo cronológica; Pedro Sienna evidencia una genuina intuición por los mismos elementos de vanguardia (la realidad) que interesa a los maestros mundiales y aborda la recreación histórica igual que ellos, con entera libertad y falta de convencionalismos. Su lenguaje es ingenuo en comparación con la operatividad de Eisenstein y Chaplin, pero no es menos creativo. Sienna maneja un punto de vista personal desligado de la necesidad de copiar a los europeos y a los norteamericanos, proponiendo cualidades chilenas como sentido del humor, pasión por la libertad y aceptación de una producción técnica con medios económicos insuficientes. Modestamente Sienna incorpora al manejo de actores y a la estructura del relato una serie de contenidos que conforman de un modo u otro, una idiosincrasia fílmica nacional vigente hasta hoy".


Críticas de la época
Crítica de Catón en La Estrella de Valparaíso, 19 de Noviembre de 1925

"El filme venía precedido de gran fama: era el mejor filme chileno. La acción se va desarrollando fácil. El argumento no está bien definido. Es más bien la relación de las hazañas de Manuel Rodríguez dentro de las cuales se teje un corto idilio. La fotografía está bien sin ser sobresaliente, aunque hay momentos en que hay cuadros muy precisos. Pedro Sienna está muy bien, tal vez es el mejor trabajo de Sienna. Piet Van Ravenstein igual cosa y el papel del muchacho que hace de Huacho Pelao es admirable. Damos un aplauso a El húsar de la muerte " .
Crítica de Ex en la Revista Zig-Zag, 19 de Noviembre de 1925

"No tiene propiamente intriga, lo que le presta unidad es Manuel Rodríguez en torno del cual se suceden las anécdotas, las aventuras rápidas, una serie de emboscadas, equivocaciones, golpes de mano y otras escenas que mantienen el interés. Hay mucho movimiento y un gran despliegue de recursos ingeniosos. El autor ha usado muy bien el recurso de materializar los relatos y no ha confiado todo a las letras . Esto se ve con el despertar del muchacho guerrillero cuando sueña que derrota a una docena de Talaveras y de repente le cae un chorro de agua fría. Su actuación en general es muy buena y se destaca especialmente el robo de la corneta. Hay muchas concesiones sí, a la galería, pero en resumen da la impresión de un argumento personal, desarrollado con inteligencia. Al principio choca la imagen de Pedro Sienna, pero poco a poco se le siente mejor en su papel y termina por emocionar. Dos o tres fotografías malogran el efecto del último cuadro que pudo ser soberbio, pero sólo resulta bueno".


Ficha Tecnica

Titulo: El húsar de la muerte
Pais: Chile
Año: 1925
Dirección: Pedro Sienna
Guion: Pedro Sienna
Dirección de fotografía: Gustavo Bussenius
Reparto: Pedro Sienna, Piet Van Ravenstein, Clara Werther.

Ver Pelicula Husar de la Muerte, imagenes de la Pelicula

La Melodia de Broadway (1929)

"La Melodía de Broadway" (en E.E.U.U., The Broadway Melody de 1929) es el primer "gran musical": La primera película íntegramente hablada con canciones y bailes, auspiciada por una gran productora y elaborada sobre un argumento melodramático -característico del género-. La Academia lo recompensó con el Oscar a la mejor película en 1929 (el primero ganado para el cine sonoro). Es considerada un hito en la historia del cine.

Argumento

Dos hermanas, Hank y Queenie Mahoney, llegan a Nueva York soñando con ganarse un lugar en Broadway. Eddie, el novio de Hank, las ayuda a conseguir un número en la compañía en la que él trabaja, pero pronto se enamora de Queenie, la exuberante e ingenua hermana menor, quien conquista a su vez al público y a los productores.

La canción tema es fabulosa y las actuaciones de Bessie Love y Anita Page son el estándar de lo que se espera de una película de 1929. Si realmente gusta del cine clásico, entonces es un film que no debe faltar en su colección.



Crítica

"La Melodía de Broadway" tiene los ingredientes de una película (musical) muy buena: Un director correctísimo (fue candidato al Óscar); un guión bien escrito y bien llevado, aunque poco profundo; y unos números musicales memorables.

En su contra; las coreografías no son nada destacables, y en general, la película acusa esa falta de "efecto experiencia" inevitable en las obras innovadoras.

El logro fue hacer una buena película que incorporase todos los avances técnicos del sonido. El resultado fue un éxito de taquilla y el nacimiento de un género. La industria en Hollywood tomó nota de lo que el público demandaba.

Ficha Tecnica

Dirección Harry Beaumont
Guión Norman Houston - James Gleason - (Historia: Edmund Goulding)
Música Nacio Herb Brown
Fotografía Arthur Edeson
Reparto Charles King - Anita Page - Bessie Love - Jed Prouty - Kenneth Thomson - Edward Dillon - Mary Doran - Eddie Kane - J. Emmett Beck
País Estados Unidos
Año 1929
Género Musical
Duración 110 minutos

Ver Pelicula Melodia de Broadway (1929), por partes

Alas (1928)

Alas, es una película del cine mudo del director de cine estadounidense William A. Wellman, estrenada en 1928.



Argumento

Jack Powell (Charles 'Buddy' Rogers) y David Armstrong (Richard Arlen), dos hombres enfrentados por el amor de Sylvia (Jobyna Ralston) (enamorada en realidad de David (Richard Arlen), con quien comparte clase social y riqueza), se alistan en la Aviación al estallar la Primera Guerra Mundial. Aunque no lo sabe, Powell deja un amor en el humilde barrio de donde procede: Mary Preston (Clara Bow), su mejor amiga y vecina, que suspira por él en secreto y que pronto, animosamente, se presentará voluntaria para hacer trabajos humanitarios en el frente.

La rivalidad inicial entre los dos hombres se verá superada por la necesaria amistad que han de tener en el frente, donde son compañeros.

Comentarios

Tiene el honor de haber sido la primera película que obtuvo el Óscar a la mejor película en la primera entrega de estos premios, en 1928.

Wellman estaba muy interesado en la aviación. La película tuvo un éxito extraordinario, y prueba de ello fue que obtuviera dos Óscar de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood. De hecho, el éxito fue tal que poco tiempo después se realizó una sonorización parcial de la película, y el propio director volvió sobre el tema en 1928 con La legión de los condenados ("The Legion of the Condemned") y 1930 con Aguiluchos ("Young Eagles").

Obtubo un premio Óscar a la mejor película y uno por Mejores efectos de ingeniería

Ver pelicula Alas, Trailer original 1928

El Mago de OZ (1939)

El Mago de Oz de 1939 es una película musical de fantasía producida por Metro-Goldwyn-Mayer. Cuenta con las actuaciones de Judy Garland, Frank Morgan, Ray Bolger, Jack Haley, Bert Lahr, Billie Burke y Margaret Hamilton. En la actualidad es considerada una película de culto, a pesar de su antigüedad y de su intento creativo inicial de ser una fábula cinematográfica para niños.

La cinta esta basada en la novela para niños El Maravilloso Mago de Oz de L. Frank Baum, en la cual una joven estadounidense es arrastrada por un tornado en Kansas y dejada en una fantástica tierra donde habitan brujas buenas y malas, un espantapájaros que habla, un león cobarde, un hombre de hojalata y otros seres extraordinarios.

Trama

La huérfana Dorothy Gale (Dorita en el doblaje español) vive una simple vida en Kansas con su tía Emma Clara Blandick, su tío Henry, Enrique y tres pintorescos peones; Hunk (Ray Bolger), Zeke (Bert Lahr) y Hickory (Jack Haley). Un día la severa vecina Miss Gulch (Margaret Hamilton) es mordida por el perro de Dorothy, Toto. Miss Gulch se lo lleva, por orden del sheriff, a pesar de las apasionadas protestas de tía Em y el tío Henry. Toto escapa y regresa a Dorothy, la cual se alegra momentáneamente, pero pronto se da cuenta de que Miss Gulch regresará. Ella decide llevarse a Toto y fugarse en busca de una vida mejor "en algún lugar sobre el arcoiris".



En su viaje Dorothy se encuentra al Professor Marvel (Frank Morgan), un cautivador, pero falso adivino que, sín preocupación por Dorothy, la engaña haciéndola creer que tía Em está enferma. Dorothy se apresura de vuelta a la granja, pero cae inconsciente por un golpe, dentro de la casa, debido a un repentino tornado que ya había forzado a su familia a esconderse en un sótano detrás de la casa.


Una confundida Dorothy despierta para descubrir que la casa ha sido atrapada dentro del tornado. A través de la ventana de la habitación ella ve a Miss Gulch transformarse en una bruja montada en una escoba. Momentos después, el tornado deja caer la casa, Dorothy y Toto sobre el arcoiris y en Oz. Glinda, la Bruja Buena del Norte (Billie Burke), llega e informa a Dorothy de que se encuentran en Munchkinland (pequeñilandia en la versión española). Ella le dice a Dorothy que ha matado a la Bruja Mala del Este "dejando caer una casa" encima de ella. La bruja calzaba unos zapatos o chupines de rubí.

Animados por Glinda, los tímidos munchkins salen de sus escondites y celebran el deceso de la bruja hasta que su hermana, la Bruja Mala del Oeste (también interpretada por Margaret Hamilton) aparece para reclamar las poderosas zapatillas de rubí. Glinda mágicamente transporta los zapatos en los pies de Dorothy y le recuerda a la bruja que su poder no tiene efectos en Munchkinland. La bruja jura vengarse de Dorothy y se va de la misma forma en que llegó, en un resplandor de fuego y humo. Glinda le dice a Dorothy, quien está ansiosa de regresar a casa, que la única manera de regresar a Kansas es pidiéndole ayuda al misterioso Mago de Oz en Ciudad Esmeralda. Glinda le advierte a Dorothy que nunca se quite las zapatillas y que "siga el camino de baldosas amarillas" para llegar a Ciudad Esmeralda.

En su camino Dorothy se hace amigo de un espantapájaros sin cerebro, (también interpretado por Ray Bolger), un hombre de hojalata sin corazón (también interpretado por Jack Haley), y un león cobarde (también interpretado por Bert Lahr). Los tres deciden acompañar a Dorothy donde el mago con las esperanzas de obtener sus deseos (un cerebro, un corazón y coraje, respectivamente). Durante el camino son atormentados por un bosque de furiosos árboles de manzana y numerosos intentos fallidos de la bruja para detenerlos.



Ellos llegan a Ciudad Esmeralda y les es permitido ver al mago sólo después de que la bruja vuele sobre ellos, escribiendo en el cielo con su escoba humeante, "RINDETE DOROTHY" ("SURRENDER DOROTHY"). El mago (también interpretado por Frank Morgan) aparece como una terrorífica cabeza flotante rodeado de fuego y humo. Él acepta ayudarlos sólo si demuestran ser dignos, obteniendo la escoba voladora de la bruja.

En su camino al castillo de la bruja son atacados por unos monos voladores que se llevan a Dorothy y Toto y los entregan a la bruja, la cual reclama las zapatillas de rubí. Cuando Dorothy se niega, la bruja trata de quitárselos pero es detenida por una lluvia de chispas. Ella se da cuenta de que las zapatillas no pueden ser quitadas mientras Dorothy esté viva y trama cómo destruirla.



Toto escapa y encuentra al espantapájaros, al hombre de hojalata y el león y los guía hacia el castillo. Allí mientras permanecen escondidos, tres soldados les atacan, el león cobarde luego de atacarlos, él y sus otros dos amigos aprovechan la oportunidad para vestirse con sus ropas y así poder entrar en el castillo. Una vez dentro liberan a Dorothy e intentan escapar. La bruja y sus soldados arrinconan al grupo en una baranda, la bruja prende fuego al espantapájaros, Dorothy para apagar el fuego toma una cubeta de agua y accidentalmente moja a la horrorizada bruja, la cual a causa de esto se derrite. Para la sorpresa del grupo los soldados están felices. Ellos le dan a Dorothy la escoba de la bruja para agradecerle por liberarlos de la bruja. De regreso con el mago, él les dice "Váyanse y vuelvan mañana." Gracias a Toto ellos descubren que el mago no es realmente un mago, sólo un hombre detrás de una cortina. Ellos se sienten estafados con la decepción, pero el mago resuelve sus deseos a través del sentido común. Al espantapájaros le da un diploma, al hombre de hojalata le da un reloj con forma de corazón y al león le entrega una medalla al valor.


El mago les explica que él también nació en Kansas y que su presencia en Oz es el resultado de un escape en un globo aerostático. Él promete llevar a Dorothy a casa en el mismo globo después de dejar al espantapájaros, al hombre de hojalata y al león a cargo de Ciudad Esmeralda. Justo antes de despegar Toto salta fuera de la canasta del globo detrás de un gato. Dorothy salta para atraparlo y el mago, incapaz de controlar el globo, se va sin ella. Dorothy se resigna tristemente a pasar el resto de su vida en Oz hasta que Glinda aparece y le dice que ella puede usar las zapatillas de rubí para regresar a casa con Toto. Glinda le explica que ella no se lo dijo en un principio porque ella necesitaba aprender que "Si no puedes encontrar el deseo de tu corazón en tu propio patio, entonces nunca lo perdiste realmente".

Dorothy y Toto se despiden de sus amigos, y siguen las instrucciones de Glinda de "golpea tus talones juntos y repite las palabras, 'No hay lugar como el hogar' (en la versión en español dice 'Se está mejor en casa que en ningún sitio'.") Ella se despierta en su habitación en casa rodeada de su familia y amigos y les cuenta de su viaje. Todos se ríen y le dicen que todo fue un mal sueño. Una feliz Dorothy, todavía convencida de que el viaje fue real, abraza a Toto y le dice "Realmente no hay lugar como el hogar".

Música

Música y letras fueron escritas por Harold Arlen y E.Y. "Yip" Harburg, quienes ganaron premios Óscar por mejor música original y mejor canción por "Over the Rainbow".

Datos Curiosos

* La película es considerada "de culto" por los círculos gays, y se han hecho múltiples interpretaciones sobre el simbolismo gay que se oculta en varios personajes. Se considera que los compañeros de Dorothy, "freaks" o inadaptados para su propio mundo, esconden alusiones a la marginación que sufrían los gays en la época. Por otro lado, el Hollywood de los años 30 tenía un notable porcentaje de estrellas y cineastas de dicha condición sexual, que la encubrían ante el público pero que la expresaban con bastante libertad en su círculo de amistades.[cita requerida]
* Cuando la película es vista simultáneamente con la música del disco Dark Side of the Moon de Pink Floyd, numerosas imágenes del filme parecen estar sincronizadas con la música y las letras. Este fenómeno es llamado The Dark Side of the Rainbow por los fanáticos.
* Existe un extraño rumor que dice que uno de los munchkins (habitantes de Oz) se ahorcó en una de las escenografías de bosque durante una de las escenas de la película.[cita requerida] Al inspeccionar de forma detenida la escena se puede comprobar que en realidad se trata del movimiento de una grulla viva que desde lejos parece ser un cuerpo colgando desde un árbol, lo más posible es que la escena entre dentro del territorio de incitación subliminal, debido a su parecido con la acción anteriormente descrita.
* El cabello de Judy Garland en muchas escenas lo tiene largo y en otras más corto. En la escena donde mas se nota es en la que se encuentra con el espantapajaros.
* En la versión latina, el personaje de Judy Garland, fue doblado por la actríz mexicana María Antonieta de las Nieves.
* El maquillaje que se usó con la bruja mala, estuvo a punto de envenenarla gravemente, debido a que este estaba hecho de cobre y en una escena entró en contacto con el fuego. La piel le habría absorbido el cobre de no ser por la ayuda inmediata de uno de los colaboradores que la desmaquilló. En el caso del hombre de hojalata ocurrió algo parecido, ya que al estar hecho su maquillaje de aluminio, después de varios días de usarlo no podía respirar, por lo que estuvo hospitalizado varios meses. Este actor fue reemplazado por el actor que interpreta al hombre de hojalata en la película de 1939.[cita requerida]
* En la película Australia (película) del director Baz Luhrmann se hace mención a esta película cuando Lady Sarah Ashley ( Nicole Kidman ) le cuenta al pequeño indígena la historia y le canta una canción. Después él va a ver la película en un cine.
* El grupo de español de Folk metal Mägo de Oz toma su nombre gracias a que el fundador del grupo "Txus" mencionó: "Elegí este nombre porque, como en la película, la vida es un camino de baldosas amarillas, en la que andamos en compañía de otros buscando nuestros sueños...".

ver EL MAGO DE OZ, pelicula completa por partes

Metropolis (1926)

Metrópolis es un filme alemán realizado por la productora UFA. Se trata de una película de ciencia ficción dirigida por Fritz Lang, cuya trama se desarrolla en una distopía urbana futurista. Este filme fue lanzado originalmente en el año de 1927, antes de la cinematografía sonorizada. Se lo considera uno de los máximos exponentes del expresionismo alemán en las artes cinematográficas.

ARGUMENTO

En una megalópolis del siglo XXI los obreros viven en un gueto subterráneo donde se encuentra el corazón industrial con la prohibición de salir al mundo exterior. Incitados por un robot se rebelan contra la clase intelectual que tiene el poder, amenazando con destruir la ciudad que se encuentra en la superficie. pero Freder (Gustav Frölich), hijo del dirigente de Metrópolis, con la ayuda de la hermosa María (Brigitte Helm) de origen humilde, intentarán evitar la destrucción apelando a los sentimientos y al amor.

El filme se desarrolla en el año 2026, en una ciudad-estado de enormes proporciones llamada Metrópolis. La sociedad se ha dividido en dos grupos antagónicos y complementarios: una élite de propietarios y pensadores, que viven en la superficie, viendo el mundo desde los grandes rascacielos y paisajes urbanos, y una casta de trabajadores, que viven bajo la ciudad y que trabajan sin cesar para mantener el modo de vida de los de la superficie. El presidente-director de la ciudad es Johhan 'Joh' Fredersen (interpretado por el actor Alfred Abel).


Una figura carismática y pacificadora llamada María defiende la causa de los trabajadores. Pero en lugar de incitar a una revuelta, insta a los trabajadores a buscar una salida pacífica y tener paciencia, esperando la llegada del "Mediador", que unirá ambas mitades de la sociedad. El hijo de Fredersen, Freder (Gustav Fröhlich) conoce a María y queda prendado de ella. Al seguirla sin que ésta se dé cuenta, penetra en el mundo subterráneo de los trabajadores y mira con sus propios ojos las pésimas condiciones en que éstos viven y trabajan, así como el desdén absoluto de los propietarios, que prefieren traer más trabajadores para que las máquinas no se detengan, que auxiliar a los que sufren accidentes en ellas. Asqueado por lo que ve, Freder decide unirse a la causa de María.

Sin embargo Fredersen se ha dado cuenta ya de las actividades de María, y temiendo una revuelta de los obreros, decide solicitar la ayuda del científico Rotwang (en el papel de Rudolf Klein-Rogge), quien a su vez le muestra un robot antropomorfo de su invención. El robot creado por Rotwang puede tomar tanto la conducta como la apariencia de una persona, así que deciden suplantar a María. El robot tiene como órdenes promover los disturbios y el descontento, para así permitir a Fredersen lanzar una represión violenta contra los trabajadores. Lo que desconoce Fredersen es que el robot contiene el espíritu de Hel - la ex mujer de Rotwang, que tuvo un amorío con el dueño de la ciudad, y falleció al dar a luz a su hijo Freder -, y que Rotwang utilizará al ser máquina como instrumento de venganza contra el presidente de Metrópolis, su hijo, y toda la ciudad.

La verdadera María es hecha prisionera en la mansión de Rotwang, en Metrópolis, mientras el robot la suplanta y lanza discursos incendiarios. Además, el robot comienza a seguir las iniciativas de Rotwang en su plan de venganza, y se transforma en bailarina exótica en el prestigioso cabaret Yoshiwara, excitando y nublando la razón de los asistentes, promoviendo la discordia y la decadencia entre los jóvenes adinerados. Siguiendo los malos consejos del Robot-María, los trabajadores inician una revuelta y destruyen la "Máquina Corazón", que proporciona la energía que hace funcionar toda la demás maquinaria de Metrópolis. La destrucción de dicha máquina también provoca que los tanques de agua de la ciudad se aneguen, e inunden el submundo de los trabajadores, quienes cegados por el discurso del robot, han descuidado la seguridad de sus hijos, quienes terminan siendo rescatados por Freder y la verdadera María. Al darse cuenta de su grave error, los trabajadores desesperados salen a la superficie en busca de su "enemiga en la ciudadela", la presunta María. La muchedumbre invade el distrito de diversiones de la ciudad y captura a la falsa María, a la cual atan a una estaca y prenden fuego, mientras Freder observa todo y desespera. Pero pronto se dan cuenta que esa María es una impostora, al arder sus carnes falsas y quedar al descubierto el robot, y al ver a María ser perseguida por el enloquecido Rowang en los tejados de la catedral de la ciudad. Freder persigue a Rotwang, y lo enfrenta hasta que éste último se precipita del tejado hacia su muerte. María y Freder retornan a la calle y van al encuentro de Joh y Grot (líderes de la ciudad y de los trabajadores) y dejan entrever el comienzo de una nueva sociedad.

Bajo el lema "Mittler zwischen Hirn und Hand muss das Herz sein" (mediador entre el cerebro y la mano ha de ser el corazón), que debe interpretarse como la necesidad de que la capacidad de amar del Ser Humano reúna a la razón y la fuerza, se reconcilian el magnate Joh Fredersen y los trabajadores de Metrópolis gracias a Freder, que encarnarían los tres términos de esa ecuación: razón, trabajo y corazón.

FICHA TECNICA
Título Metrópolis
Dirección Fritz Lang
Producción Erich Pommer
Guión Fritz Lang - Thea von Harbou
Música Gottfried Huppertz
Fotografía Karl Freund - Gunther Rittau
Reparto Brigitte Helm - Gustav Fröhlich - Alfred Abel Rudolf Klein-Rögge
País Alemania
Año 1926
Género Ciencia ficción
Duración 210 minutos
(premiere alemana) 123 minutos
(restauración año 2002) 92 minutos
(versión EEUU año 1927)
Compañías
Productora UFA
Distribución UFA
Presupuesto 7.000.000 marcos

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