CINEATICO

Kramer v/s Kramer (1979)

2010-11-30T01:27:00.010-03:00

Kramer vs. Kramer (también conocida como Kramer contra Kramer) es una película estadounidense dirigida por Robert Benton en el año 1979, ganadora de 5 premios de la academia.

Argumento y Comentarios
Lo que a partir de los años 60 surge como un derecho básico de la mujer que, además de madre y esposa, quiere realizar un trabajo remunerado, obligó a la sociedad urbana a ver con mayor aceptación esta doble dimensión femenina y puso de relieve la otra parte de la cuestión: el derecho del hombre a ocupar su lugar como padre en el cuidado de los hijos.
Kramer contra Kramer es la película que rompió el esquema fuertemente arraigado en la sociedad cuando se da un rompimiento matrimonial; que, por el solo hecho de ser mujer, automáticamente la custodia de los hijos deben pasar a la madre; y resaltó el importante papel del padre y su derecho a ser él quien permanezca en el hogar y al cuidado de la cotidianeidad del niño.

La película no deja indiferente al espectador, que ve de cerca la relación entre trabajo, desarrollo personal y rol de padre y madre, y a quien se le obliga a plantear el derecho del hombre para quedar al cuidado de sus hijos.
Ganadora de 5 Oscares en 1979, tuvo gran impacto en la percepción que tenía la sociedad sobre los derechos de los varones a la custodia de los hijos.

El argumento plantea el abandono del hogar de Joanna (Merryl Streep), esposa y madre quien, en su desesperación existencial, y tras el fracaso de su relación con Ted, entra en una crisis de identidad personal, misma que la obliga a irse en busca de sus propias certezas.
El personaje central, Ted (Dustin Hoffman), es un publicista con indiscutible éxito profesional y un buen proveedor que jamás cuestionó cómo su mujer le resolvía los pequeños pero imprescindibles detalles cotidianos, sin los cuales no es factible la vida familiar ni la posibilidad de dedicarse de tiempo completo a su realización personal.

El conflicto principal entre ellos parte del desconocimiento por parte de Ted de las necesidades afectivas y de realización profesional de su mujer y la incapacidad de ambos para poderse comunicar. Existe afecto entre ellos pero la vida se ha tornado imposible para Joanna, que se ha convertido en testigo mudo de los éxitos del esposo, perdiendo sus posibilidades de desarrollo personal.

Ted obtiene un triunfo profesional largamente anhelado: la mejor cuenta publicitaria de la agencia. Coincidentemente ese mismo día sufre el abandono de su esposa, por lo que se encuentra con una gran carga de trabajo, solo y al cuidado de su hijo Billy, de 5 años.

La película lo muestra en este doble proceso, donde por una parte el éxito profesional se le desmorona llegando incluso a perder el empleo al no poder cumplir con las expectativas y exigencias de su jefe; y, por otro lado, descubriéndose a sí mismo en su dimensión de padre.

Lo vemos al principio como un "amo de casa" nefasto: no sabe ni romper un huevo para el pan francés del desayuno del niño, pero poco a poco logra un encuentro con éste, descubre su ternura y los gozos y las sombras que le deparan su cuidado.

Probablemente el mayor acierto de la película es mostrar el lado emocional del hombre, que descubre en los cotidianos cuidados de Billy la paternidad que no consiste sólo en proveer de lo necesario o de ser el que engendro en la mujer, sino en compartir con él su vida, gozar en la bicicleta, sus éxitos escolares, sufrir la angustia y el dolor de una caída, y permitiendo la identificación del pequeño al compartir la cotidianidad que los une para reorganizar su vida y juntos salir adelante.
Tiene escenas memorables, como aquella en la cual Bill y —en vez de sus verduras— desea comer helado y desafía al padre hasta que éste se enfurece y entran en conflicto: situación que los ayuda a descargar tensiones, el niño expresa su sentimientos por el abandono de la madre y ambos pueden decirse que se aman.

La verdadera crisis surge cuando Joanna regresa por amor a su hijo, reclama sus derechos de madre y desea llevarlo a vivir con ella. Entonces Ted se enfrenta a una lucha jurídica para retenerlo.

Una película que no es de buenos ni malos, sino de seres de carne y hueso que muestra el doloroso proceso del divorcio, la lucha por la custodia de los hijos, el impacto emocional que tienen sobre los niños los problemas paternos y la dimensión humana de hombres y mujeres que tienen los mismos derechos, en el sentido total y equitativo de este concepto. (IRENE MARTINEZ ZARANDONA)

ALGO MAS...
Es una película basada en la novela Kramer contra Kramer de Avery Corman.
Antes de seleccionar a Dustin Hoffman, los productores habían considerado darle el papel a Al Pacino. Por su parte, Jane Fonda rechazó el papel interpretado finalmente por Meryl Streep. Dustin Hoffman ayudó en gran manera al actor novel Justin Henry, analizando y comentando con él cada escena antes de su rodaje. El decorado del apartamento montado en el interior del estudio tuvo las medidas exactas resultantes del exterior del edificio que aparece en la película. El director de fotografía, Néstor Almendros, utilizó en los interiores luz cenital y en los exteriores la luz disponible para las tomas. La versión inicial tuvo una duración de 43 minutos adicionales respecto a la duración definitiva. Se suprimieron sobre todo escenas con Jane Alexander y con JoBeth Williams

Ganadora de 5 premios oscar (9 nominaciones) mejor pelicula, mejor actor (Dustin Hoffman), mejor Director (Robert Benton), mejor actriz de reparto (Meryl Strep)y mejor guion adaptado.

Ficha técnica
Dirección Robert Benton
Producción Stanley R. Jaffe - Richard Fischoff
Guión Robert Benton
Música Herb Harris - John Kander
Fotografía Néstor Almendros
Montaje Gerald B. Greenberg
Vestuario Ruth Morley
Reparto Dustin Hoffman - Meryl Streep - Jane Alexander - Justin Henry - Howard Duff - George Coe
País Estados Unidos
Año 1979
Género Drama
Duración 105 minutos

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Grease (1978)

2010-11-12T03:43:00.005-03:00

Grease (Grease Vaselina (Hispanoamerica)Brillantina (España)) es una película musical inspirada en los años 50, rodada en 1978 en Estados Unidos bajo la dirección de Randal Kleiser. Se basa en el musical creado por Jim Jacobs y Warren Casey, del mismo título y que data de 1972. Fue la película que lanzó al estrellato a Olivia Newton-John y que ayudó a consolidar el suyo a John Travolta.

Argumentos y Comentarios
El film comienza con la canción "Grease", añadida expresamente para la película y escrita por Barry Gibb, de los Bee Gees e interpretada por Frankie Valli en un segmento animado que recrea la epoca de los 50s en estados unidos con todos sus detalles de la cultura pop significativos.
Danny Zuko (John Travolta) y Sandy Dee (Olivia Newton-John)se enamoran durante las vacaciones de verano. Cuando el verano termina, se despiden pensando que no se van a volver a ver, ya que Sandy ha de volver a Australia.

La familia de Sandy cambia de opinión y se quedan en los Estados Unidos y se inscríbe en el instituto Rydell, donde estudia su amiga Frenchy, miembro de una pandilla llamada Las Damas Rosas (The Pink Ladies en el original en inglés). Lo que no sabe es que en ese mismo instituto también estudia Danny.

Danny, por su parte, es el líder de una pandilla, los T-Birds (Thunder Birds). Kenickie, segundo al mando de los T-Birds, anima a Danny para que les cuente su experiencia de vacaciones, mientras que las Damas Rosas interrogan a Sandy. Este escenario desemboca en la canción "Summer Nights" ("Noches de Verano", en español), en la que ambos relatan su punto de vista sobre su relación de verano con el otro. Se ve claramente que Danny exagera, y ninguno de los dos sabe de la presencia del otro en el instituto.
Noches de Verano

Animada por Patty Simcox, una chica popular del instituto, Sandy se apunta al equipo de animadoras de Rydell. Las Damas Rosas hacen coincidir a Danny y a Sandy, pero Danny tiene que proteger su imagen de tipo duro y su comportamiento hacia Sandy hace que ésta se vaya corriendo entre lágrimas. Danny la observa unos instantes pero rápidamente vuelve a su pose de chico duro y se va con sus amigos.

Frenchy intenta animar a Sandy invitándola a una pijamada en su casa con el resto de la pandilla. Sandy se apunta, pero su comportamiento de niña buena que-nunca-ha-roto-un-plato termina con la paciencia de Rizzo, ya que Sandy se atraganta con un cigarrillo, no le gusta el sabor del vino y le aterroriza la idea de que Frenchy le perfore los lóbulos de las orejas para llevar pendientes. Ante la insistencia de Frenchy, Sandy se va con ella al baño y allí se pone enferma con sólo ver la sangre. Frenchy comunica a sus amigas que va a dejar el instituto para ir a una escuela de belleza. Rizzo no puede más y se mofa de Sandy junto con todas las demás cantando la sarcástica "Look at me, I'm Sandra Dee".

Los T-Birds llegan a la casa de Frenchy y Rizzo se desliza por el tejado para irse con ellos. Ella y Kenickie flirtean un poco y Kenickie la invita a subir al coche. Danny se va por su cuenta y Kenickie y Rizzo se van en el coche, dejando tirados a los demás T-Birds, que deciden irse a comer una pizza. Marty, la miembro que más flirtea de las Damas Rosas, decide escribir a uno de sus numerosos novios por carta, mientras que Sandy sale fuera y decide que, a pesar de todo, sigue enamorada de Danny, cantando la canción "Hopelessly Devoted to You", una conmovedora canción de amor añadida expresamente para la película y que fue un gran éxito como single.

La escena cambia a Rizzo y Kenickie besándose apasionadamente en el asiento trasero del coche. Quieren llevar las cosas un paso más allá, pero el condón que Kenickie llevaba en la cartera se rompe. Rizzo, incapaz de resistir a los encantos de Kenickie, se lanza sobre Kenickie y siguen adelante sin protección. Pronto son interrumpidos por Leo, líder de la banda de los Escorpiones (The Scorpions), rivales de los T-Birds, que causa algunos daños al coche de Kenickie e insulta a ambos. Mientras trabajan en la reparación del coche, los T-Birds fantasean sobre cómo quedará el coche una vez esté puesto a punto y pintado, cantando "Grease Lightning". Danny se encuentra más tarde en el Palacio del Helado (Frosty Palace) y se intenta disculpar con ella por su actitud. Al ver que Sandy está compartiendo un refresco con Tom Chisum, un deportista, decide que si ese es el tipo de hombre que a ella le gusta, él puede convertirse en uno apuntándose a algún deporte en el instituto.

Lo siguiente que vemos es la desastrosa exhibición de Danny en baloncesto, lucha libre y béisbol, disciplinas en las que siempre pierde la paciencia y termina pegando a alguien. Finalmente ve que su deporte ideal es el atletismo, por la falta de contacto con el oponente, principalmente. Mientras Danny está entrenando en carrera de vallas, ve a Sandy y tropieza. Sandy deja a Tom Chisum para ver si Danny está bien, reconciliándose con él.

Danny intenta ir al Palacio del Helado con Sandy para estar solos y no preocuparse por arruinar su imagen delante de sus amigos. Allí descubre que tanto los T-Birds como las Damas Rosas ya están allí, y a Danny le resulta muy complicado seducir a Sandy sin parecer un mariquita delante de su pandilla. Cuando todo el mundo se ha ido de la heladería, Frenchy, que ha estado ocultando el color de su pelo bajo un pañuelo, revela que está teniendo problemas en la escuela de belleza ya que tiene el pelo de color rosa por un error en el tinte. Entonces se imagina que tiene un ángel de la guarda que le dice qué debe hacer con su vida. Este ángel resulta ser Frankie Avalon, que la anima a volver al instituto cantando "Beauty School Dropout".

El programa de Televisión National Bandstand tiene pensado hacer su programa en directo precisamentre desde el gimnasio del instituto Rydell, motivo por el cual se organiza un concurso de baile al que Danny lleva a Sandy. Rizzo, enfadada con Kenickue, lleva al baile a Leo, el líder de la banda rival, obligando a Kenickie a llevar a la novia de éste, ChaCha DiGregorio, quien a su vez fue novia de Danny hace tiempo. El presentador del programa, Vince Fontaine, tiene un flechazo con Marty, de las Damas Rosas. el baile presenta muchas canciones conocidas de los años 1950 versionadas por el grupo Sha Na Na. Durante el baile, Rizzo abandona el recinto enfadada cuando ve a Kenickie con ChaCha, mientras que Danny y Sandy son de las pocas parejas que van quedando en el concurso. En un momento dado, Sonny tira de Sandy dejando a Danny bailando con ChaCha. Sandy se da cuenta de que ChaCha es una ex-novia de Danny y mucho mejor bailarina que ella, abandonando el gimnasio enfadada. Danny y ChaCha ganan el concurso de baile y, mientras están bailando solos, tres de los T-Birds se ponen delante de la cámara y hacen una desastrosa escena cómica de bajarse los pantalones y enseñar sus traseros.

Más tarde, Danny lleva a Sandy a un autocinema donde se disculpa por haberla dejado de esa manera. La disculpa no significa demasiado para Sandy, de modo que Danny intenta quitarse el anillo que lleva para dárselo a ella pero al hacerlo, accidentalmente le clava el codo en el pecho. Al dárselo, Sandy le besa en la mejilla diciendo que ahora se dé cuenta de que en verdad la respeta. El plano cambia a Marty y Rizzo en los lavabos del mismo cine. Allí, Rizzo le dice a Marty que tiene una falta y está aterrada ya que tuvo sexo con Kenickie sin protección. Al salir de los lavabos a Marty se le escapa un comentario con respecto al embarazo de Rizzo, que Sonny oye de casualidad. El cotilleo se propaga como la pólvora hasta llegar al propio Kenickie. Cuando éste le pregunta a Rizzo si es verdad, ella le pregunta por qué le preocupa y el dice que el no escapa de sus errores, y Rizzo le dice que no se preocupe, que no fue su error. Él le da las gracias sarcásticamente y la deja allí, donde la encuentra Marty que se lamenta porque ha pillado a Vince Fontaine poniéndole una aspirina en su Coca Cola.

De nuevo en el coche, Danny tiene el brazo alrededor de Sandy, e intenta descaradamente meterle mano a Sandy y enrollarse con ella. A ella no parece entusiasmarle la idea y sale del coche enfadada dando un portazo que golpea a Danny en la entrepierna. Tras tirarle de vuelta el anillo, abandona el cine. Danny se lamenta por haber perdido de nuevo a Sandy y revela el auténtico alcance de sus sentimientos hacia ella en la canción "Sandy".

La siguiente escena es la carrera entre Leo y Kenickie en el canal. Kenickie le pide a Danny que sea su padrino en el desafío, y Marty le da a Kenickie un penique que se ha encontrado para que le dé suerte. Al dejarlo caer, Kenickie se agacha a recogerlo y uno de los T-Birds abre la puerta sin verle, golpeándolo en la cabeza. Deciden que Danny correrá en su lugar y mientras, Sandy ve el espectáculo desde la distancia. La carrera (que resulta ser una parodia de la famosa carrera de Ben-Hur) está muy disputada aunque finalmente Danny gana. Alegrada por el triunfo de Danny, Sandy se da cuenta de sus sentimientos hacia Danny y considera que su imagen y su actitud son demasiado puritanas, con la canción "Look at Me, I'm Sandra Dee (reprise)". Mientras Danny va a celebrar la carrera con los T-Birds, Frenchy ve a Sandy y quedan para hacerle a Sandy un completo cambio de imagen.

Es ya el último día de clase y se ha organizado una feria en el instituto Rydell.

Rizzo está montada en el carrusel con Frenchy y Kenickie le dice que se baje porque está en una condición y ella le dice que es una falsa alarma. Kenickie y Rizzo se reconcilian.

Danny aparece allí con la sudadera deportiva del equipo de atletismo, y Doody, Sonny y Putzie le dicen que ahora es un atleta y que eso significa que dejará a los T-Birds. Él dice que sí porque eso es lo que Sandy quiere. De repente Sandy aparece con una chaqueta de cuero negro, sandalias de tacón alto, un top con los hombros al aire, el pelo rizado y fumando un cigarrillo. Danny la encuentra extremadamente atractiva, cayendo a sus pies. Ambos vuelven a estar juntos y cantan "You're the One That I Want" (otra canción añadida para la película y un gran éxito incluso antes de que la película se estrenase).

Todos cantan el gran finale, "We Go Together", y Danny y Sandy se van volando en un descapotable, desapareciendo en el cielo (versión más larga).

Durante los créditos, que tiene la forma de un anuario escolar, puede escucharse "Grease (reprise)".

Curiosidades
* Originalmente fue estrenada en España bajo el título de Brillantina, pero luego se recuperó el título original. En Hispanoamérica se la conoce también como Vaselina, que es la traducción más aproximada de la palabra Grease.
* Olivia Newton-John era reacia a actuar en la película debido a sus malas experiencias anteriormente en el cine, pero John Travolta se presentó en su casa y le pidió que hiciera la película con él, lo que la hizo cambiar de parecer.
* Jeff Conaway (Kenickie) es más alto que John Travolta (Danny), por lo que tenía que andar de manera especial para parecer más bajo.
* El sueño de Stockard Channing (Rizzo) siempre fue rodar un musical donde ella tuviera un peso en la historia, y pudo verlo cumplido al rodar la película.
* El personaje de Sandy Olson (interpretado por Olivia Newton-John) estaba basado en la actriz Sandra Dee y a su vez Rizzo (Stockard Channing) en Marilyn Monroe.
* Sólo Lorenzo Lamas (Tom, nuevo novio de Sandy) y Dinah Manoff (Marty, de las Pink Ladies) tenían una edad aproximada a los personajes que interpretaban en todo el reparto: 19 años. El resto de estudiantes superaban los 24. John Travolta tenía 24, Olivia Newton-John tenía 30, Stockard Channing tenía 34 y ya se había casado 3 veces, Jeff Conaway tenía 28 y ya se había casado 1 vez, Barry Pearl tenía 28, Michael Tucci tenía 32, Kelly Ward tenía 22 y llevaba 1 año casado, Didi Conn tenía 27 y Jamie Donnelly tenía 31.
* You're The One That I want, una de las más exitosas y recordadas canciones de Grease, estuvo a punto de no aparecer porque el director la aborrecía. También ocurrió con la canción principal, Grease, compuesta por Barry Gibb, miembro de los Bee Gees.
* Marie Osmond renunció a interpretar el papel de Sandy.
* La escena en la que Rizzo cita a Elvis Presley fue rodada el día en que éste falleció.
* Jeff Conaway se casó con la hermana de Olivia Newton-John en 1980, 2 años después del rodaje. Se divorciaron en 1985.
* El pantalón que lleva Olivia Newton-John en la escena final fue una aportación propia.
* En una escena de la película dos de las Pink Ladies cantan la canción de La Bamba, popular en aquella época.
* Cuando cantan "You're the one that i want", Olivia lleva un conjunto que encontró en un baúl de atrezzo, ya que el director le permitió que escogiera la ropa que quisiera, la cremallera del pantalón estaba rota porque le estaba tan estrecho que la reventó antes de grabar la escena, así que lo arreglaron como pudieron. En la siguiente canción "We go together" Cuando Danny Y Sandy de un salto aparecen en la pantalla, ella está descalza porque no podía saltar con semejantes taconazos.
* La banda sonora original produjo dos singles Números 1: La canción principal "Grease" (interpretada por Frankie Valli) y "You're the One That I Want" (interpretada por John Travolta y Olivia Newton-John). IMDb
* Durante el baile grabado para la televisión, aparece un cámara con una camiseta de la marca Lacoste.
* La serie Somos tú y yo: un nuevo día, fue inspirada en esta película y su secuela

Este Musical sin duda, a mi gusto, es lejos el mejor, porque, juntan muy bien la historia con las canciones, las cuales son muy pegajosas, es entretenida, te logra atraer con toda tu atencion, y hasta el dia de hoy escucho sus canciones, Excelente y recomendable. Y saludos a Olivia que por estos dias viene a Chile a Estadio lleno.

Ficha técnica
Dirección Randal Kleiser
Producción Allan Karr - Robert Stigwood
Guión Jim Jacobs (musical) - Warren Casey (musical) - Allan Carr (adaptación)- Bronte Woodard (guión)
Música John Farrar - Barry Gibb - Louis St. Louis
Fotografía Bill Butler
Reparto John Travolta: Danny - Olivia Newton-John: Sandy - Stockard Channing: Rizzo - Jeff Conaway: Kenickie - Barry Pearl: Doody - Michael Tucci: Sonny - Kelly Ward: Putzie - Didi Conn: Frenchy - Jamie Donnelly: Jan - Dinah Manoff: Marty - País(es) Estados Unidos
Año 1978
Genero Comedia Musical

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Ciudad de Dios (2002)

2010-10-27T01:20:00.006-03:00

Ciudad de Dios (en portugués: Cidade de Deus) es una película brasileña de drama-criminal del año 2002 (distribuida fuera de Brasil en el 2003). Fue dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund. Fue adaptada de una novela del mismo nombre de Paulo Lins, basada en una historia real. El libro fue lanzado en el año 1997 y fue adaptado por Braulio Mantovani. La película se enfoca en la guerra entre Zé Pequeño y Mané Galinha, desarrollada en el territorio brasileño "Cidade de Deus". La frase que identificó a la película fue: "Lucha y nunca sobrevivirás... Corre y nunca escaparás...". Muchos de los actores, fueron residentes de favelas como Vidigal y la misma Cidade de Deus.

Argumento
La película comienza en los años 60, cuando jóvenes como Dadinho y Buscape son pequeños delincuentes en una favela peligrosa de Río de Janeiro, llamada "Ciudad de Dios" (Cidade de Deus). La película cuenta el desarrollo de la vida de Buscapé (Cohete) en Ciudad de Dios hasta los años 70, cuando los antiguos amigos forman ideas distintas sobre la dirección de sus vidas. El lugar es un sitio en el que el tráfico de cocaína, los asesinatos, la delincuencia juvenil y el soborno policial son algo cotidiano. (me parece familiar, lo he escuchado antes).

Buscapé tiene 11 años y A pesar de que la vida en este barrio está dominada por robos, peleas y enfrentamientos diarios con la policía, Buscapé prefiere quedarse al margen. Él sueña con ser fotógrafo. Dadinho tiene su misma edad y también tiene claro su futuro, aunque muy distinto. Ambiciona convertirse en el criminal más famoso de Río de Janeiro. Con el paso del tiempo ambos conseguirán que sus sueños se hagan realidad. Buscapé entrará a trabajar en un periódico y Dadinho, que cambia su nombre por el de Zé Pequeño, se convertirá en el narcotraficante de cocaína más temido y respetado de Río de Janeiro.

Ciudad de Dios narra ademas la vida de varias personas que habitan en una favela en Río de Janeiro a lo largo de casi treinta años, entre los sesenta y los ochenta. Su mismo rodaje estuvo condicionado por las relaciones de poder que vertebran este submundo: los realizadores tuvieron que pedir la colaboración del jefe de una favela para poder filmar en su zona y disponer así de las condiciones de seguridad adecuadas para poder realizar la filmación. El jefe autorizó la realización del filme con la condición de que se contratara a la mayoría de los actores y extras entre la misma gente de la favela, la gran mayoría de los personajes de la película fueron de ahí mismo, lo que contribuye también a dar mayor credibilidad a la historia.

El ritmo acelerado con el que se ha realizado la película facilita la atención de un publico joven, a pesar de su larga duración y la diversidad de personajes e historias entrecruzadas. El filme se caracteriza por una puesta en escena frenética que recuerda el montaje de un video clip agresivo y entrecortado, estética “sucia”, una fuerte carga emocional e imágenes impactantes.

Comentarios

Esta película es una muestra clara de la realidad, no solo de brasil, si no de muchos países, aun que posee una buena imagen y una buena edición, le encontré un pequeño detalle (ponen música de otros países, y muestran como al gente la disfruta, durante la época de los 60’ y 70’ en brasil se tenia mucho recelo a las tendencias tanto de moda como musicales de otros países, preferían y centralizaban mas sus gustos en lo local), ya volviendo a al realidad, es nostálgico y bastante triste ver como la violencia, la droga, y el dinero son capaces de manipular los llamados entes de control como lo son la policía, los gobernantes(aunque este ultimo no se muestre tan claro), entre otros.

“Si es así como podremos creer en un gobierno, como creer que no estamos siendo manipulados cual borreguitos, al gusto de ellos. Tal vez seamos un simple objeto, un punto mas en el mapa, pero aun así no hay por que darnos por vencidos”

Tras muchos siglos de violencia es absurdo ver como nos matamos aun entre nosotros, y por el contrario no buscamos una forma sensata y realista de ver y arreglar el mundo. Creemos que con manipular y mejorar la fachada basta y sobra, no nos damos cuenta del trasfondo de la realidad.

Es absurdo ver como a una persona se le ocurre la “genial” idea, que con una muralla en medio de la ciudad podríamos evitar que esta fuera más violenta, hago referencia a esto puesto que a uno de los gobernante de Rió de Janeiro, se le había ocurrido esta idea, por suerte el mismo se arrepintió de haberlo dicho, es algo ilógico querer ocultar la realidad, ver como los medios de comunicación manipulan los hechos, ver que como nos somos capaces de poner de nuestra parte, que acaso no somos humanos, no decimos ser el ser mas evolucionado, si es así por que recurrir a insultos y a una violencia absurda.

“la vida es mas que deseo son hecho, espero puedan entender que la indiferencia y al violencia no nos llevan a nada, por el contrario nos arrastran aun fondo oscuro del cual tal vez no podamos salir”
En Pocas palabras, una muy buena pelicula, recomendable 100%.

Ficha técnica
Dirección Fernando Meirelles - Kátia Lund
Producción Tulé Peak
Guión Braulio Mantovani
Música Ed Cortês - Antonio Pinto
Fotografía César Charlone
Reparto Alexandre Rodrigues - Leandro Firmino - Phellipe Haagensen - Douglas Silva - Jonathan Haagensen - Matheus Nachtergaele - Seu Jorge - Alice Braga
País Brasil
Año 2002
Género Drama
Duración 130 minutos
Compañías Productora 02 Filmes / VideoFilmes.
Distribuida por Miramax Films

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Los Intocables (1987)

2010-10-08T00:15:00.005-04:00

The Untouchables, conocida en castellano como Los Intocables (Hispanoamérica) y como Los intocables de Eliot Ness (España), es una película estadounidense de 1987 dirigida por Brian de Palma y protagonizada por Kevin Costner, Sean Connery, Charles Martin Smith, Robert De Niro y Andy García (que grandes actores).

Argumento
Eliot Ness, un agente federal idealista, es el encargado de mantener el orden en el Chicago de la Ley seca. La película empieza con el asesinato de una niña por culpa de la guerra del alcohol. Así que Eliot Ness jura encontrar a los culpables y eliminar el tráfico de bebidas alcohólicas.
En un principio Ness hace una redada en un almacén de Capone, pero cuando él llega, el almacén está limpio. Ante esta perspectiva Ness sospecha que la policía de Chicago es sobornada. En un encuentro casual por la noche, Ness conoce a Malone (un policía de la vieja escuela). Los dos se unen para acabar con Al Capone. Poco después al equipo se unen Oscar Wallace (un agente del tesoro) y George Stone (un cadete de la policía). El nuevo equipo de los "intocables" limpia la ciudad y hasta hace una redada en la frontera canadiense. Capone al ver que su negocio corre peligro contrata a un asesino a sueldo llamado Frank Nitti. En la jefatura de policía, Wallace es asesinado por Nitti. Poco después el mismo asesino mata a Malone. Ness llora la muerte de sus compañeros y en un tiroteo en las escaleras del tren de la ciudad coge al contable de Capone. Con el contable en sus manos Ness puede acusar a Capone por evasión de impuestos. Días después se celebra el juicio, Nitti es asesinado por Ness y Al Capone es condenado.

Comentarios

Quien aun no ha visto este gran clasico del cine ? La crítica y el público coinciden: Los Intocables de Eliot Ness, dirigida por Brian de Palma, es una obra maestra imprescindible, un retrato glorioso, cruel y realista del mayor jefe de la Mafia que dominó Chicago en la era de la prohibición... y del policía que hizo la promesa de acabar con él. Este enfrentamiento clásico entre el bien y el mal tiene como protagonistas a Kevin Costner como el agente federal Eliot Ness, Robert de Niro en el rol del famoso gángster Al Capone y a Sean Connery como Malone, el policía que enseña a Ness cómo terminar con la Mafia: dispara rápido y sé el primero en hacerlo.

La Serie

La serie de televisión fue transmitida mucho antes de la pelicula, de hecho la pelicula fue basada en esta serie emitida desde 1959 a 1963 por American Broadcasting Company. Basada en el libro escrito por Eliot Ness y Oscar Fraley, obra la cual recoge las memorias del primero. La historia recrea a manera de ficción las experiencias de Eliot Ness, quien fuera en la vida real Agente durante la vigencia de la Ley seca en Estados Unidos, de como él luchó contra el crimen en Chicago en los años 30, con la ayuda de un equipo especial de los agentes escogidos por su valor e incorruptibilidad, quienes fueron apodados Los Intocables.

La Pelicula
El guión y el reparto:

Brian De Palma quería hacer una película que fuera un éxito a nivel comercial pues estaba en “baja forma” debido a que sus dos películas anteriores habían terminado en fracaso. Se le presentó el guión de “Los Intocables” y decidió dirigir la película.
De Palma dice que la serie de Tv apenas la vio y que quiso partir de cero. Sobre el reparto comenta que un principio no quería a Kevin Costner para el papel de Eliot Ness pero el productor y otros directores entre los que estaba Steven Spielberg le convencieron de lo contrario, él quería a Mel Gibson. El productor Art Linson puso el dinero porque le atraía mucho rodar una película sobre Al Capone.
Kevin Costner en imágenes de la época habla sobre la distinta personalidad de los miembros del grupo y De Palma y Art Linson hablan sobre el resto del reparto.
De entre ellos tenemos acceso a declaraciones de Charles Martin Smith, de Andy Garcia (quería hacer una película que transcurriera en esa época) y de Sean Connery (le encantó el papel de viejo policía maestro).
Para el papel de Al Capone se llegó a contratar a Bob Hoskins, pero De Palma quería a Robert De Niro y lo arriesgó todo para conseguirlo consiguiendo finalmente su objetivo.
Para terminar, De Palma concluye que la película fue un éxito que relazó las carreras de los distintos protagonistas.

Anécdotas:

Stephen H.Burum –director de fotografía de “Los Intocables”- comenta su trabajo en la película, así sabremos como en un principio quería que fuera rodada en ByN, cómo rodaron en los exteriores de Chicago “evitando” los edificios modernos, cómo el edificio de Al Capone era en realidad el Auditórium de Sullivan actualmente transformado en la Universidad Roosevelt, los coches de la época, el vestuario diseñado por Giorgio Armani (al que por cierto Sean Connery renunció eligiendo él mismo la ropa que llevaría su personaje), Al Capone como una especie de Rey Sol con todos pendientes de él…
Kevin Costner, De Palma y Connery hablan de la relación entre Eliot y Malone y de su relación fuera del plató.

Reinventado el género:De Palma dice que intentó reinventar el género de los gángsteres como si de una película de John Ford se tratara, de ahí que incluyera secuencias como el tiroteo en el puente con la Policía Montada del Canadá. Este aspecto también es comentado por Charles Martin Smith y por Kevin Costner.
Stephen H.Burum y De Palma comentan el rodaje de las secuencias en casa de Malone filmadas en primera persona para crear tensión y la famosa escena de la escalera de la estación de la que De Palma dice que tomó como fuente de inspiración la película de “El Acorazado de Potemkin”, además De Palma habla de la perfecta música de Ennio Morricone para esas secuencias.
Por último se comentan distintos aspectos de Nitti interpretado por Billy Drago y vemos de forma breve cómo se rodó su famosa escena con Ness.

El clásico:

Ennio Morricone un genio en la musica, se comenta el éxito de la película con todas las entradas agotadas el día de su estreno, llegando a recaudar en sus cinco primeros días de exhibición unos 13.322.230 millones de dólares.
De Palma sobre el éxito de “Los Intocables” dice lo siguiente: “Siempre que puedas contar una historia de buenos y malos, con un hombre honesto que gana al malo de una forma innovadora, tendrás éxito con el público americano”.
PREMIOS: 1987. 1 Oscar: mejor actor secundario (Sean Connery)con 4 Nominaciones en total.

Ficha Tecnica

Título Los intocables (Hispanoamérica) / Los intocables de Eliot Ness (España)
Ficha técnica
Dirección Brian De Palma
Producción Art Linson
Guión David Mamet
Música Ennio Morricone
Fotografía Stephen H. Burum
Reparto Kevin Costner - Sean Connery - Charles Martin Smith - Robert De Niro - Andy García
País Estados Unidos
Año 1987
Género Acción, Crimen, Drama
Duración 119 minutos
Idioma(s) inglés
Compañías Distribución Paramount Pictures

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Tarzán de los Monos (1918)

2010-08-31T23:25:00.003-04:00

Tarzán de los monos (inglés: Tarzan of the Apes) es una película muda en blanco y negro de 1918, dirigida por Scott Sidney y protagonizada por Elmo Lincoln. Fue la primera película basada en la novela Tarzán de los monos de Edgar Rice Burroughs.

La película fue filmada en 1917 en Morgan City, Luisiana, utilizando sus pantanos en representación de las selvas de África. La película sólo es una adaptación de la primera parte de la novela, dejando el resto como base para su secuela, El romance de Tarzán, etc.

Trama
John y Alice Clayton son pasajeros del barco Fuwalda, cuyo destino es África. Cuando el barco sufre un motín el marinero Binns les salva la vida, pero son abandonados en una costa tropical. Después de que ellos mueren su pequeño hijo es adoptado por Kala, una gorila, quien lo cuida como si fuera suyo. Se convierte en Tarzán y luego en Rey de los monos. Binns regresa luego de estar 10 años cautivo, para buscar a los Clayton, el marinero descubre a Tarzán y regresa a Inglaterra para informar lo ocurrido. Una expedición liderada por el profesor Porter es enviada para investigar. Jane, la hija del profesor es capturada por los nativos y salvada por Tarzán, los dos se enamoran.

Comentario
Para que decir que esta fue una gran pelicula, no lo fue, pero si podemos decir que abrio el mundo de las novelas a la pantalla grande con mucho mas fuerza que cualquier otra, de hecho, se han realizado muchisimas peliculas como secuelas de esta, tratando de engrosar la historia (mega-conocida) pero siempre deja algo que desear, y por eso tiene sus fieles seguidores, es interesante ver como un niño cualquiera logra crecer y desenvolverse en un mundo de MONOS, como queriendo decir que entre ellos y nosotros hay un gran lazo que nos une desde lo mas profundo de nuestro ser, lo curioso es que los monos lo adoptan y no el humano al mono, es decir ¿los monos son mas humanos que nosotros?
Para incorporarse en esta trama hay que moverse a la aventura, creer que sin tecnologia y sin todo lo que nos envuelve podemos vivir felices y en Paz, aqui hay muchos mensajes que podemos recoger, sin duda es una gran libro, una gran aventura, y la pelicula, las series y todo, hasta el famoso grito "Hooooooooo,ohoh, hohoh, hohoh" o como sea, ya es parte de la historia viva de cada uno de nosotros.

Curiosidades
En 1918, apenas 6 años después de la primera publicación de esta novela, se hace la primera película, y he aqui una buena pregunta ¿Quien fue el primer actor que con crédito aparece en la pantalla interpretando a Tarzán?

Gordon Griffith

Se nos dice que Elmo Lincoln fue el primer Tarzán cinematográfico, pero probablemente habría que revisar la película otra vez; de hecho, el joven actor Gordon Griffith, en la misma cinta de 1918, aparece como Tarzán de niño. Es más, dos bebés hacen las veces del neonato niño blanco pero no reciben ningún crédito. Podemos decir entonces, que el joven muchacho Gordon Griffith, con justicia, fue el primer Tarzán acreditado del cine.

JANE, EL AMOR

No hablar de Jane Porter es no conocer a Tarzán, Jane es el interés amoroso y, más tarde, la esposa de Tarzan y madre de su hijo, Korak. Cuyo personaje evoluciona de la convencional mocinha que estaba siempre en peligro para una aventurera audaz y capaz de defenderse sola en las selvas de la África.

Jane ha aparecido en varias adaptaciones de las historias de Tarzan, principalmente en las basadas en el primer libro, Tarzan de los Monos, incluyendo los mudos Tarzan de los Monos (1918) y el The Romance of Tarzan (1918) y los sonoros Tarzan the Ape Man (1932) y sus refilmagens homónimas de 1959 y 1981, esta ULTIMA protagonizada por Bo Derek.

Hay algo mas...

Los Tarzanes que nos dejó el cine

Elmo Lincoln

Pero, además de Weissmuller y sus antecesores del cine mudo como Elmo Lincoln, Dempsey Tabler, Frank Merrill y Buster Crabbe, un Tarzán muy recordado es Lex Barker, actor neoyorkino que después de unas cuantas películas poco exitosas decidió ir a probar suerte a Europa donde logró una gran popularidad, ya que podía actuar hablando varios idiomas con suma facilidad. El apuesto Lex también fue famoso por su agitada vida amorosa, llegándose a casar cinco veces, entre ellas con Lana Turner y la española Carmen Cervera. Barker murió en Nueva York tres días antes de cumplir los 54 años de edad.

Gordon Scott nació con el nombre de Gordon Werschkul el 3 de agosto de 1927 en Portland, Oregón, donde creció junto a 8 hermanos mayores que él. Todos quisieron emular a su padre que fue un gran atleta y Gordon lo logró, al convertirse en uno de los hombres musculosos más perfectos de su época. Después de estudiar educación física, Gordon se alistó para pelear en la Segunda Guerra Mundial. A su retorno del frente se especializó en instructor de armas, asi como en judo y lucha cuerpo a cuerpo.

Trabajando como salvavidas en la piscina del Hotel Sahara de las Vegas, en 1953, dos agentes de Hollywood lo descubrieron y se lo llevaron para protagonizar a Tarzán en una película, ya que Lex Barker había decidido no renovar su contrato. Gordon Scott superó a otros 200 aspirantes y segun muchos críticos fue el Tarzan que más se ajustaba al personaje creado por Burroughs, quien no vivió para conocerlo, ya que el escritor falleció en 1950.

Lo que si se sabe, es que a Burroughs nunca le gustó la forma en que Weismuller presentaba a su personaje, y seguramente nunca le habría gustado tampoco los que vinieron después como: Ron Ely, Miles O'Keefe, Christopher Lambert o Wolf Larson.

Wiesmuller tampoco estaba de acuerdo con la versión trazanesca de Hollywood, pues él nunca escribió que su personaje se trasladaba a traves de las lianas, por los árboles, sino a los saltos, ni que andaba de la mano de una mona: Cheeta (Chita).

Chita, una historia aparte

Es muy curioso, pero la mona Chita, ese personaje tan simpático que ha dado lugar al chiste fácil de ayer y hoy, aparece como un agregado en el cine. En realidad en la obra literaria no existe el tal chimpancé, por lo que es otra de las tantas cosas que le critican al Tarzán del cine.

Chita, quien en realidad es un mono y no una mona, cuando cumplió 74 años los celebro al mejor estilo Hollywood, entre fotógrafos y discursos. El chimpancé que protagonizó una docena de películas de “Tarzán” en las décadas de los 30 y 40, lleva muchos años retirada de la gran pantalla en su refugio de Palm Springs (California), donde residen numerosos jubilados de Hollywood. En realidad, se trata de la fundacion CHEETA, la cual se dedica a mejorar la vida de los simios en peligro de extinción.

Según el Libro Guinness de Records, su longevidad la convierte en el chimpancé más viejo del mundo, una especie que suele vivir hasta los 40 años, pero que en cautiverio puede llegar a los 60.

Su amigo y cuidador, Dan Westfall, asegura que entre los pasatiempos favoritos de esta leyenda de la pantalla están “ver la tele, sobretodo sus películas las cuales a veces le provoca aplaudir”.

Sus excesos en Hollywood se han cobrado su precio en la larga vida de este simio que acostumbraba fumar puros y beber cerveza, pero que ahora toma insulina a causa de la diabetes y mantiene una dieta de frutas frescas y a veces: huevos y tostadas.

Pensar que Chita debutó ante las cámaras en 1934 con Tarzán y su compañera, película en la que Weissmuller encontraba el amor de la bella Maureen O'Sullivan. Hoy Chita es la única superviviente de aquel reparto estelar, aunque cabe mencionar que hubo otros tres chimpancés que se alternaban con ella en las distintas secuencias, por lo que siempre había al menos dos en el plató.

Su última aparición en la pantalla fue en 1967, junto a Rex Harrison en “Dr. Doolitle”. Ha sido designada tres veces para tener su nombre en el paseo de las estrellas de Hollywood, donde están representados Lassie y Rintintín. Pero ese reconocimiento no acaba de llegar y se conforma con el paseo de las estrellas de Palm Springs, que no es lo mismo, pero no está nada mal, ya que Marilyn Monroe y Marlene Dietrich tienen allí una estrella.

Por su parte, Edgar Rice Burroughs también ha recibido honores. En 1919 él se había comprado una gran finca al norte de Los Angeles, la cual bautizó como “Tarzana”. Poco después, en 1928, los habitantes de los alrededores decidieron ponerle el mismo nombre a su comunidad, el cual aun hoy se mantiene.

Por otro lado, uno de los cráteres del planeta Marte se llama Burroughs, también en su honor.
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Ficha técnica
Dirección Scott Sidney
Ayudante de dirección Charles Watt
Producción William Parsons
Guión Edgar Rice Burroughs (novela) - Fred Miller y Lois Weber (adaptación)
Editor Isadore Bernstein
Fotografía Enrique Juan Vallejo
Vestuario E. M. Jahrhaus
Reparto Elmo Lincoln (Tarzán) - Enid Markey - George B. French
País(es) Estados Unidos
Año 1918
Estreno 27 de enero de 1918
Género Acción / Aventura
Pelicula Muda
Duración 73 minutos
Compañías Distribución National Film Corporation of America

Ver Pelicula Tarzán de los Monos 1918

Corazón Valiente (1995)

2010-08-02T22:04:00.007-04:00

Corazón Valiente (Braveheart) es una película épica basada en la vida de William Wallace, un héroe nacional escocés. gano cinco Premios de la Academia, incluyendo el Oscar a la Mejor película, estrenada en 1995. Es una película en que Mel Gibson dirigió, produjo y protagonizó.

ArgumentoWilliam Wallace, nombre del protagonista en "Braveheart" (Mel Gibson) es un rebelde escocés, que lidera una revuelta popular contra el cruel rey Eduardo I de Inglaterra apodado "Longshanks" (El Zanquilargo) (Patrick McGoohan), que quiere conseguir para él la corona de Escocia y anexionarse el país, aprovechando que el último rey no tuvo herederos.

De niño (hacia 1280) Wallace perdió a su padre y a su hermano a manos de los ingleses, y muchos otros han sido asesinados desde entonces. El joven William pasó entonces a la tutela de su tío Gay (Brian Cox), y lo lleva al extranjero para que tenga una buena formación. Años después vuelve a Escocia con la intención de vivir en paz. Longshanks endurece su opresión al restablecer el Ius primae noctis (el derecho de pernada)que consistia en un "derecho" feudal que teóricamente establecía la potestad señorial de tener relaciones sexuales con toda doncella, sierva de su feudo, recién casada con otro siervo suyo.

Cuando su amada Murron McGlannough (Catherine McCormack), con la que se había casado en secreto, es asesinada por el Sheriff de Lanark (porque ella y Wallace se enfrentaron a los ingleses que la intentaron violar), su determinación de luchar a muerte para liberar a Escocia del yugo inglés ya no tiene marcha atrás. Su valor, carisma e inteligencia hace que sus filas se llenen de voluntarios, como los miembros de su clan, su amigo de la infancia Hamish Campbell (Brendan Gleeson), y el carismático irlandés Esteban el Loco (David O'Hara) llevando a los escoceses a infligir a los ingleses una humillante derrota en Stirling.

Tras la victoria, Wallace es nombrado "Guardián de Escocia" por los nobles, pero es consciente del oportunismo y la desunión de éstos, a los que Longshanks ha comprado con prebendas. El dubitativo Robert Bruce (Angus MacFadyen), heredero al trono de Escocia, se debate entre los consejos de su padre leproso (interpretado por Ian Bannen) de pactar con Inglaterra y su deseo de seguir los pasos de Wallace.

Consciente de que el enemigo volvería, invade el norte de Inglaterra y conquista York. Pero William encuentra una inesperada aliada en la esposa del afeminado príncipe de Gales, la princesa Isabel (Sophie Marceau) a quien el tirano había enviado a negociar para ganar tiempo, pero ella se pone de su parte y ambos tienen un intenso romance.

La reacción inglesa no se hace esperar. El ejército de Wallace es derrotado en Falkirk debido a la traición de los nobles, que son sobornados. Wallace escapa a duras penas tras ser herido. Robert Bruce había aceptado de mala gana ponerse del lado de Longshanks, pero después de la batalla recorre el campo lleno de cadáveres, y con gran remordimiento, se promete no volver a equivocarse de bando.

Wallace y los suyos reorganizan la resistencia. Los nobles que le traicionaron en Falkirk mueren por su mano. Wallace ya se ha convertido en un mito y es más peligroso que nunca para los ingleses. Sin embargo, él sabe que sin el apoyo de la nobleza, no hay nada que hacer. Por eso se arriesga a reunirse con ellos en Edimburgo, a petición de Bruce (quien realmente desea ponerse de su lado). Pero los demás nobles tienen otros planes y Wallace es capturado por los ingleses, para desesperación del joven Bruce, quien culpa del engaño a su padre moribundo.

Wallace es llevado a Londres, condenado por traición, brutalmente torturado y decapitado después de gritar ¡¡LIBERTAD!!. Pero su sacrificio no ha sido en vano. Eduardo I de Inglaterra fallece y le sucede el débil y afeminado Eduardo II. Años más tarde Robert Bruce es rey de Escocia, pero debe rendir vasallaje al monarca inglés.

En vez de eso, Bruce decide luchar y arenga a sus soldados diciendo "habéis sangrado con Wallace, sangrad ahora conmigo". Vence en la Batalla de Bannockburn (1314) a un ejército inglés superior en número y con esta batalla, Escocia ya es libre.

Comentarios
La pelicula en general es altamente recomendable para las personas que gustan de ver escenas crudas de guerra (donde Mel le gusta interiorisarse), claros ejemplos son El Patriota o la Pasion de Cristo, le fascina mostrar al publico muchedumbre y mucha sangre, quiza para mostrar imagenes mas creibles o mostrar un fetiche incorporado en su ser, no lo sabremos nunca, pero lo que si sabremos es que lo bien lograda de las batallas, las imagenes de los caballos en las montañas seran recordadas como las mejores del cine, sin duda, esta historica guerra de independencia la conocen casi todo el mundo gracias a Mel Gibson, ademas de usar miles de soldados reales en reclutamiento puso una nueva forma de ver las peliculas de guerra, gente real con efectos mas reales cada vez, gracias a Dios que no murio ningun caballo (eso dicen). Por otra parte muestra lo triste y desdichado de ser un esclavo en esta epoca, para los que se casaban sus futuras esposas debian primero pasar por el dueño del fundo (practica que en lugares escondidos y campestres sobretodo se usa por ignorancia y aprovechamiento), todo les pertenecia a los nobles y nada para los pobres, como siempre no?.
Por ultimo, el grito aquel de "FREEDOM" sera recordado por siempre, con eso las emociones llegan al maximo para apoyar la lucha de los escoses por su libertad, hubieramos querido estar ahi sin duda y matar un par de ingleses, pero ya es otro tiempo y hoy las cosas estan como estan debido a los heroes que marcaron la historia de su pais.

Curiosidades
* En la secuencia en que a la mujer de Wallace, Murron, le cortan el cuello puede verse al fondo del encuadre una furgoneta Ford Transit de color blanco.

* Durante la última batalla de la película aparecen al fondo de la imagen dos extras que, además de no luchar, se están riendo.

* En la secuencia final de la batalla de Bannockburn cuando se ven los escoceses corriendo de frente a cámara lenta. En el centro está Hamish Campbell (el personaje que lanza justo antes la espada de William), se puede ver que su gran hacha parece ser de plástico o de goma moviéndose y tambaleándose al correr.

* Cuando finaliza la primera guerra se les puede ver a dos escoceses peleando entre sí como si jugaran.

* Durante su infancia, William Wallace es zurdo...pero al llegar a la edad adulta es diestro.

* William Wallace era 20 años menor de la edad que aparentaba Mel Gibson en la película.

* En la película llegaron a actuar descendientes de la familia de William Wallace.

* Según Steve Harris, bajista de Iron Maiden, la banda se inspiró en las películas Braveheart y Rob Roy para componer la canción The Clansman del álbum Virtual XI (1998).

* A lo largo de la película se puede ver que la famosa espada de metro y medio de Wallace se tambalea, incluso en la escena final, cuando se filma la espada clavada en el suelo el viento la tambalea.

* En el juego Age of Empires II, la campaña de aprendizaje es la de William Wallace. Ahí, el jugador, como debió hacer Wallace, debe levantar a Wallace desde sus humildes comienzos.

* Otro dato curioso relativo al anterior, es que, en la última misión donde el jugador tiene que resistir hasta la llegada de Wallace, Wallace es bajo de estatura comparado con sus hombres, mientras que el debería se más alto que su ejército.

* En el juego de cartas Mitos y leyendas, una carta que aparece es la de William Wallace. Esto técnicamente no es un error, porque aunque Wallace existió, sus acciones lo pueden transformar en leyenda.

* Antes del comienzo de la Batalla de Stirling Bridge en la película, tras la arenga de William Wallace, éste pronuncia unas palabras en gaélico que no están traducidas ni subtituladas en la película. Estas palabras son Alba Go Bragh!, en castellano ¡Escocia hasta el juicio!, literalmente, ¡Escocia por Siempre!. Estas palabras fueron realmente pronunciadas por William Wallace.

* El Demoman de Team Fortress 2 tiene como grito de guerra "¡Libertad!", una referencia a esta película.

* Durante el rodaje de la película ningún animal sufrio daño alguno.

Estatua de William Wallace

Ficha Tecnica
Dirección Mel Gibson
Producción Bruce Davey, Mel Gibson, Alan Ladd Jr., Dean Lopata, Stephen McEveety, Elisabeth Robinson
Guión Randall Wallace
Música James Horner
Fotografía John Toll
Montaje Dani Valdes
Reparto Mel Gibson, Sophie Marceau, Ian Bannen, Brendan Gleeson, Patrick McGoohan, Catherine McCormack, James Cosmos, Tommy Flanagan
País Estados Unidos - Irlanda
Año 1995
Género Drama histórico
Duración 177 minutos
Compañías Distribución Paramount Pictures en Estados Unidos - fuera de EE.UU - 20th Century Fox
Presupuesto $53,000,000 dólares
(wikipedia.com)

Ver Trailer de Corazon Valiente (1995)

Batman (1989)

2010-01-29T10:02:00.006-03:00

Batman (conocido inicialmente como The Bat-man) es un superhéroe creado por los estadounidenses Bob Kane y Bill Finger (aunque sólo se reconoce la autoría al primero) propiedad de DC Comics. Su primera aparición fue en la historieta titulada El extraño caso del sindicato químico de la revista Detective Comics n.º 27, lanzada por la editorial National Publications en mayo de 1939.

Desde entonces, la identidad secreta de Batman ha sido siempre Bruce Wayne (Bruno Díaz, en algunos países de habla hispana), un empresario multimillonario y filántropo. Después de ser testigo en su niñez de la muerte de sus padres, jura venganza y, tras someterse a un riguroso entrenamiento físico y mental, se dedica a combatir la delincuencia en Gotham City. En todas sus apariciones como Batman, Wayne se disfraza de murciélago. A diferencia de otros superhéroes, no posee superpoderes sino que utiliza el intelecto junto a aplicaciones científicas y tecnológicas para crear armas y herramientas con las cuales atrapar a los criminales. Reside en la mansión Wayne (en cuyos subterráneos se encuentra la Batcave (baticueva)), y es asistido regularmente por aliados y empleados, entre los que destacan Robin, Batgirl, Nightwing, el oficial James Gordon y el mayordomo Alfred Pennyworth. A principios de 2009, tras la aparente muerte de Wayne, fue sustituido por Dick Grayson (el primer Robin), quien ejerce desde entonces como el nuevo «guardián de Ciudad Gotica».

Convertido en uno de los personajes emblemáticos de DC Comics, Batman obtuvo su propia revista en 1940. A mediados de la década de 1960, se lanzó una serie de televisión homónima, en donde se presentó con una nueva apariencia «camp» que terminaría por apartarlo de su tono oscuro original. Otros autores, como Dennis O'Neil y Neal Adams en los años 70 y Frank Miller en los 80 volverían a redefinirlo para una nueva generación de lectores. No obstante, su mayor aumento de popularidad se debería a las sucesivas franquicias iniciadas con la película homónima de Tim Burton, de 1989, y con Batman Begins, de 2005. Además de las anteriores producciones, el personaje ha sido protagonista de seriales radiofónicos y televisivos y videojuegos.

La pelicula
Batman se transformo en película el año 1989 dirigida por Tim Burton. Es la primera película de la serie fílmica de Batman distribuidas por la Warner Bros, la siguiente es Batman Returns (1992), en la que Burton repitió en la dirección. Está protagonizada por Michael Keaton, en el papel de Batman y su alter ego Bruce Wayne, que volvió a repetir el papel en Batman Returns acompañado del ganador del Oscar Jack Nicholson como El Joker y de Kim Basinger como la periodista Vicki Vale.

El film se venía preparando desde 1979, tras el éxito de la película Superman, de Richard Donner. La historia se basaría mayormente en los seis comics creados el año anterior por la dupla compuesta por el guionista Steve Englehart y el dibujante Marshall Rogers (Posteriormente reeditadas bajo el nombre de "Strange Apparitions"). En tales historias destacaba el episodio llamado "El Pez Sonriente" en donde Silver St. Cloud (novia de Bruce Wayne) finalmente descubre que en realidad su novio es Batman, y al mismo tiempo el Joker se autoproclama como el némesis definitivo del héroe.
Ciudad Gotica

Años después, con la contratación de Burton como director, Sam Hamm escribió el guión, basándose en el primer borrador del filme escrito por Steve Englehart y Julie Hickson. A la película no se le dio luz verde hasta el éxito de Burton con Beetlejuice (1988). Para el papel protagonista fueron considerados varios artistas de la lista A de Hollywood, mientras que Nicholson aceptó el papel del Joker con las estrictas condiciones de que recibiera un salario elevado, más un importante porcentaje de lo recaudado en la taquilla, beneficios y venta de artículos relacionados al legendario personaje.

Fue acogida con gran entusiasmo y resultó un éxito de taquilla. Burton les dio al héroe y a Ciudad Gotica un tratamiento totalmente distinto al que se le había aplicado en la anterior película y popular serie televisiva de los años 1960, creando una atmósfera oscura y gótica.

El Batman de Tim Burton
Vista en retrospectiva, Batman promovió una tendencia y fue punta de flecha para el asalto de los superhéroes del cómic a las salas de cine. Después de él llegaron El Cuervo, El Fantasma, Blade, Spawn, Hombres X, Spiderman, Hulk, Punisher, Daredevil, Elektra, Hellboy, Gatúbela, Constantine, Los 4 Fantásticos y otros. Los resultados han sido desiguales.

Uno de los aciertos de Tim Burton, fue desconocer el antecedente televisivo del personaje durante los sesenta. El nuevo Batman no tenía nada que ver con la serie familiar que interpretó Adam West con mallas grises, ligera barriga, batiteléfono, batitubos y letreros de Pow! y Biff! durante las golpizas contra los malvados. Tampoco apareció Robin, el joven maravilla.

La reinvención del héroe pudo llevar la película al desastre, pero no fue así. La apariencia del Batman negro lo tornó demoníaco, violento y viril. Las rarezas estético-mortuorias de un director que venía de hacer Beetlejuice (1988) cuajaron en esta película y después se cristalizaron en El joven manos de tijera (1990).

El Batman de Burton es un hombre en una ciudad de pesadilla que debuta pateando ladrones de quinta y usando armas. No lo hace con mucha soltura pero el rostro de Michael Keaton le da fuerza a esa máscara de cuello inmóvil. Bloquea sables con los puños, pilotea un jet hecho sobre pedido y pelea más que por la justicia, por amor a la mujer que ama. Pero nunca sonríe.

Su Bruce Wayne es un poco débil aunque tiene escenas de cama con una Kim Basinger que no rebasa los treinta y cinco (pero a la que el guión le pide gritos en cada escena), trata de ser reflexivo cuando recuerda a sus padres y muestra sus gustos extravagantes en sus fiestas de rico.

Gotham City también dejó su aspecto de colorida aldea y se volvió una urbe fría, percudida y nocturna con arquitectura gótico-industrial, población indigente y criminales que conviven entre rascacielos tenebrosos, estructuras de acero y vapor de coladera en las calles. El diseño de esta ciudad, que influyó notablemente en las secuelas de la serie, fue del malogrado Anton Furst (Cara de Guerra, 1987; Despertares, 1990), quien ganó el Oscar por esta película y luego se suicidó en 1991.

Burton reconoció en este trabajo la influencia de Frank Miller, reconocido escritor y dibujante de cómics, que escribió un par de exitosas series sobre el superhéroe en los ochenta. Esas fueron Batman: The Dark Knight Returns, que planteó la historia del héroe a los 55 años de edad y Batman: Year One, que lo ubicó en sus inicios. Ambas le devolvieron sus orígenes oscuros al hombre murciélago y abrieron paso a las historietas hechas para un público adulto.

Los cambios también afectaron la rúbrica musical del superhéroe, quien no tendría jamás vínculo alguno con el surf o el twist. En su momento se pretendió que Michael Jackson trabajara en los temas de la cinta, al final, Prince sorprendió con su Batdance y una serie de temas que carnavalizan las travesuras del Guasón, mientras Danny Elfman favorece instrumentalmente las apariciones del hombre de la máscara.

La cinta parece despedir los ochentas rememorando las estéticas de las películas gangsteriles con sus hombres en gabardina y sombrero, periodistas estereotipados y anuncios de neón en las calles.

El Guasón de Jack Nicholson es un gángster que encuentra una sofisticación colorida en la deformidad. El delirio de sus gestos, sus excesos al eliminar a sus enemigos, sus sarcasmos y su lenguaje para adolescentes y adultos, lo hicieron uno de los mejores villanos de este género de películas.

Aunque la historia es muy sencilla y vigente en todas partes (propone una sociedad criminalizada en tiempos electorales y que necesita un salvador), el atractivo subyace en el triángulo amoroso entre el héroe, la chica y el villano.
Hay algo que decir al respecto, cuando el regreso a los clásicos se convierte en pretexto para ocultar la falta de creatividad. Dieciséis años después, Batman sigue peleando contra armas químicas y gases venenosos, sigue revelando a una mujer su identidad secreta y sigue saliendo sólo por las noches. Lo único que ha cambiado, es que, cuando menos, los villanos de hoy ya no tienen móviles económicos, sino terroristas.

Comentarios
En esta entrega se narra el comienzo de Batman en su carrera contra el crimen en la corrupta Gotham City, pero claramente se profundiza en la figura del criminal conocido como Joker: Su origen y posterior enfrentamiento con el hombre-murciélago.

Como puntos a destacar en la película, se encuentran la búsqueda de Burton de mostrar el lado oscuro y humano de Batman (el actor Michael Keaton fue un acierto, ya que otorgaba al héroe una imagen inquietante e interesante), la aplaudida actuación de Jack Nicholson (aunque el personaje aún mantenía rasgos toscos y bufonescos similares al del film de 1966) y el extremo cuidado en la aparatosamente oscura escenografía y ambientación (una de las principales características del cine de este director).

Entre los aspectos que desataron mayor polémica en los fans del personaje estuvieron: que introduce un nuevo origen al Joker como Jack Napier, quien aparece como el asesino de los padres de Bruce Wayne y, por consiguiente, responsable de la posterior creación de Batman. Además, el papel del detective James Gordon en la historia era prácticamente nulo, por último, Batman utiliza armas de fuego y es capaz de matar (contrario a la principal característica del personaje).

Destacó además la intensa banda sonora a cargo de Danny Elfman, quien constantemente colabora en filmes de Tim Burton.

el famoso batimovil fue diseñado exclusivamente para la pelicula

Ficha técnica
Dirección Tim Burton
Dirección artística Anton Furst - Peter Young
Producción Peter Guber - Jon Peters - Michael Uslan - Benjamin Melniker
Guión Sam Hamm - Warren Skaaren
Historieta Bill Finger (no acreditado)- Bob Kane
Música Danny Elfman
Sonido Francis J. Scheid
Editor Owen Marks
Fotografía Roger Pratt
Montaje Ray Lovejoy
Vestuario Bob Ringwood - Linda Henrikson (Kim Basinger)
Efectos especiales The Meddings Magic Camera (visuales), Derek Meddings (supervisión de visuales)
Reparto Michael Keaton - Jack Nicholson - Kim Basinger - Robert Wuhl
Datos y cifras
País Estados Unidos
Año 1989
Género Acción
Duración 121 minutos
Compañía Productora Warner Bros.
Distribución Warner Bros.
Presupuesto $48,000,000
Recaudación US$ 411.35 millones

Ver Trailer original Batman 1989

Godzilla (1954)

2010-01-15T11:28:00.004-03:00

Godzilla (ゴジラ, "Gojira") es una película japonesa de ciencia ficción de 1954, producida y distribuida por Toho Company Ltd., dirigida por Ishiro Honda con efectos especiales a cargo de Eiji Tsuburaya. Fue la primera de muchas películas del “monstruo gigante” (conocidas como kaiju) que se producirán en Japón, en muchas de las cuales Godzilla es el protagonista.

Argumento
El barco de pesca japonés Eiko-Maru es atacado por un relámpago que surge del agua cerca de la Isla de Odo, y se hunde. Envian 2 embaracaciones para investigar y tambien les pasa lo mismo.
Mientras tanto, en la Isla de Odo, los pescadores no logran capturar peces: "Entonces… debe de haber sido Godzilla", dice un anciano. Godzilla es considerado un dios monstruo que vive en las profundidades abisales y asciende para alimentarse de humanos. Durante la antigüedad, siempre que la pesca fuera pobre, los nativos sacrificaban muchachas para evitar que Godzilla atacara la aldea.

Todos los nativos creen que los desastres recientes fueron causados por un monstruo, pero los reporteros siguen siendo escépticos. Mientras que los nativos están durmiendo, una tormenta llega y un monstruo oscuro ataca a la pequeña aldea, causando muerte y destrucción.

El día siguiente, los testigos van al Diet Building en Tokio. El paleontólogo Dr. Kyohei Yamane solicita que un grupo investigador sea enviado a la Isla de Odo, Yamane encuentra huellas gigantes contaminadas con radiactividad junto con un trilobite. Repentinamente, la cabeza rugiente de una criatura enorme, espantosa, parecida a un dinosaurio, se ve sobre la colina. Los aldeanos huyen por sus vidas. El monstruo entonces vuelve nuevamente dentro del océano. (Una escena original de esto era que aparecieron los aldeanos que huyeron para las colinas adonde Godzilla levantó una vaca muerta en su mano. No hay copias sabidas que sobrevivieron de esta escena y solamente algunos cuadros prueban su existencia).

Yamane estudia la evidencia y descubre que las explosiones atómicas recientes despertaron al monstruo, que sobrevivió de alguna manera a los tiempos prehistóricos. El sedimento del monstruo, a que Yamane nombró “Godzilla" por la leyenda de Isla de Odo, contenía una cantidad masiva de Strontium-90, que podía solamente haber venido de una bomba atómica. Después de la presentación de Yamane, un hombre de la muchedumbre sugiere que la información sea hecha pública. Puesto que Godzilla es el producto de armas atómicas, la verdad pudo causar algunas malas consecuencias, puesto que los asuntos en el mundo siguen siendo delicados. Sin embargo, una mujer se opone a la sugerencia de Sr. Ooyama porque la verdad debe ser dicha. Sin embargo, los orígenes de Godzilla son revelados al público.

A la noche, Godzilla aparece otra vez en la Bahía de Tokio y ataca la ciudad. Mientras que el ataque del monstruo fue relativamente corto, causó mucha destrucción y muerte. La mañana próxima, los militares construyen una alta línea de cerca de alambre de púas de 30 metros a lo largo de la costa de Tokio que le dará un shok de 50.000 voltios de electricidad a Godzilla cuando llegue otra vez. Evacúan la ciudad y ponen a los civiles en refugios antibomba. Los militares entonces preparan un bloqueo a lo largo de la línea de la cerca.

Cuando cae la noche, Godzilla emerge en la Bahía de Tokio otra vez. El monstruo pasa fácilmente a través de la cerca eléctrica gigante, sin recibir ninguna lesión. Mientras que Godzilla se abre paso a través de los alambres de alta tensión, arroga un rayo atómico que enciende cualquier cosa en su trayectoria. Los tanques y los militares están desesperados contra Godzilla. Para el final de la noche, la ciudad entera está en un mar del fuego, matanza y los millares de civiles inocentes heridos en la trayectoria del monstruo. Mientras que Godzilla vadea en el mar, una escuadrilla de los Misiles de Fuego lanzados por jets golpean al monstruo, pero éste resulta ileso mientras que desciende de nuevo desde la Bahía de Tokio.

Por la mañana próxima, la ciudad está en ruinas absolutas. Los hospitales están llenos con las víctimas, muchas expuestas a grandes dosis de radiación. Cuando Emiko ve a las muchas víctimas del ataque de Godzilla, ella toma a Ogata a un lado y le dice el secreto oscuro de Serizawa, en esperanza de que pueda hacer algo contra Godzilla. Serizawa le había revelado a Emiko un superarma destructiva llamada "El Destructor de Oxígeno", un arma que disuelve todo el oxígeno en el agua y desintegra cualquier forma de vida que rodea su trayectoria. El arma es aún más destructiva que una bomba atómica. Al conducir su investigación sobre el oxígeno, Serizawa descubrió la energía destructiva del Destructor de Oxígeno. Shokeado por el descubrimiento, Serizawa se había hecho la promesa de nunca revelar su investigación en su forma actual, de modo que pueda encontrar algo que pueda beneficiar a sociedad y no destruirla.

Un serio programa de televisión aparece en el aire, demostrando la devastación causada por Godzilla, junto con los rezos para la esperanza y la paz. Rasgado por lo que él está atestiguando, Serizawa decide en última instancia utilizar su Destructor de Oxígeno, pero solamente una vez. Serizawa entonces quema su investigación, sabiendo que esto será para el beneficio de la sociedad.

El día siguiente, una nave de la marina de guerra se lleva a Ogata y Serizawa para utilizar el dispositivo en la Bahía de Tokio. Serizawa solicita que lo lleven para cerciorarse de que el dispositivo será utilizado correctamente. Ogata rechaza al principio pero pronto acepta. Ogata y Serizawa entonces descienden en el agua y pronto encuentran a Godzilla despierto pero reclinándose. Aparentemente inconsciente de los zambullidores, el monstruo camina lentamente alrededor del suelo marino. Serizawa señala Ogata para emerger cuando él planta el Destructor de Oxígeno. Cuando Serizawa ve morir a Godzilla por el arma destructiva, corta su cuerda y muere con Godzilla, sacrificándose de modo que su conocimiento del arma horrible no sea revelado al mundo. Un Godzilla agonizante emerge, da un rugido final, y cae al fondo, muriendo en el océano.

Aunque Godzilla es muerto, el sonido sigue siendo escuchado. “No puedo creer que Godzilla era el único miembro que sobrevivía de su especie,” dice el Dr. Yamane. “Si seguimos con pruebas nucleares, es posible que otro Godzilla pueda aparecer en alguna parte en el mundo, otra vez.” Pues la gente a bordo de la nave mira al sol, es incierto si la muerte de Godzilla es el final o el principio de una era apocalíptica. Pero eso era justo el principio. Godzilla reapareció en Godzilla Raids Again que fue lanzado en 1955. Y la gente japonesa, especialmente Emiko, recordará siempre al sacrificio del Dr. Serizawa en sus corazones.

Curiosidades
Durante fotografía en una piscina para los efectos especiales, la electricidad fluyó bajo el agua por error, y Haruo Nakajima casi es electrocutado al entrar.
Los fans japoneses llaman a Godzilla en esta película “SYODAI GOJIRA” o "Godzilla de Primera Generación".

Masaaki Tachibana (anunciador de una escena de una torre de acero) pintó su cara con aceite de oliva para aparentar la expresión que sudó por el miedo.
Katsumi Tezuka, un actor de Godzilla, era un jugador profesional de béisbol.

En Japón, la película vendió aproximadamente 9.610.000 boletos, y era la octava película mejor recibida en Japón del año. Sigue siendo la segunda película mejor recibida de Godzilla en Japón, detrás de King Kong vs. Godzilla. Ganó en total aproximadamente 152 millones de Yenes ($2.25 millones USD).

El disfraz de Godzilla pesaba unos 90 kilos y llevarlo puesto era como estar metido en un horno. Haruo Nakajima, el hombre bajo el disfraz, sufrió desmayos, electrocuciones y quemaduras varias, y aún así, repitió papel en entregas posteriores.
La película cuenta con una versión americanizada, estrenada en 1956, en la que el principal cambio es la inclusión de un locutor norteamericano (Raymond Burr, el Perry Mason de la tele), que iba narrando todo lo que hacía Godzilla, por si el espectador estaba tan ciego como para no verlo por sí mismo. La distribuidora también eliminó toda mención a las bombas de Hiroshima y Nagasaki, con lo que se rompía el eslabón de la cadena que convertía a los estadounidenses en “los malos”.

Banda sonora
La cuenta de Akira Ifukube fue lanzada 3 veces durante 13 años. La primera grabación fue lanzada por Futureland Toshiba en 1993, y contuvo casi la cuenta completa de la película, faltando solamente una breve señal de la fuente usada para la escena del barco de placer. El tracklist es como sigue:

- Comienzo de la película.
- Pasos (SFX).
- El hundimiento del Eiko-Maru.
- El hundimiento del Bingo-Maru.
- Inquietud en la Isla Odo.
- Rituales de la Isla Odo (Source Music).
- La Tormenta en la Isla Odo.
- Tema de la Isla Odo.
- Marcha de la fragata I.
- Horror del Tanque Acuático.
- Godzilla va a tierra.
- Furia de Godzilla.
- Difusión mortífera.
- Godzilla va a la Bahía de Tokio.
- ¡Godzilla ataca!
- Tokio devastado (Contains SFX).
- El Destructor de Oxígeno.
- Rezo por la Paz.
- Marcha de la fragata II.
- Godzilla Bajo el Océano.
- Final.

Ficha técnica
Dirección Ishiro Honda
Producción Tomoyuki Tanaka
Guión Ishiro Honda - Takeo Murata
Historia Shigeru Kayama
Música Akira Ifukube
Editor Kazuji Taira
Reparto Akira Takarada - Momoko Kochi - Akihiko Hirata - Takashi Shimura
País Japón
Año 1954
Género ciencia ficción
Duración 98 minutos.
Compañías Distribución Toho

VER TRAILER ORIGINAL DE GODZILLA

FELICES FIESTAS!!!!

2010-01-04T09:20:00.002-03:00

Hola CINEATICOS, espero que la hayan pasado muy bien el año pasado y que las fiestas fueren sin novedad, este año se nos viene cargado de emocion, accion, aventuras, ficcion, drama, melancolia y mucho mas... espero sinceramente que disfrutemos juntos del mejor arte del mundo y que nos ayudemos mutuamente, a que seamos mejores hombres y mujeres y que Dios nos ayude (a los que tenemos la dicha de creer) a vivir y a disfrutar mejor de esta vida. FELIZ AÑO 2010

El Tercer Hombre (1949)

2009-12-10T17:31:00.003-03:00

El tercer hombre es un película del Reino Unido del año 1949, dirigida por Carol Reed.
Sinopsis
El norteamericano Holly Martins, un escritor de novelas policíacas, llega a Viena cuando la ciudad está dividida en cuatro zonas ocupadas por los aliados de la Segunda Guerra Mundial. Holly llega reclamado por un amigo de la infancia, Harry Lime, que le ha prometido trabajo. Pero el mismo día de su llegada coincide con el entierro de Harry, quien ha sido atropellado por un coche. El jefe de la policía militar británica le insinúa que su amigo se había mezclado en la trama del mercado negro.

Antecedentes
Aunque a Graham Greene se le propuso desde el primer momento una película ambientada en la Viena de posguerra, con la firme presencia de las cuatro potencias ocupantes, Greene tuvo en un primer momento que escribirlo en forma de novela, única manera, según él, de planificar mejor el guión. Luego, fue reelaborado en conjunto por Greene y Korda, asegurando el primero que la versión de la película era claramente mejor que la del libro (incluyendo el final, que es distinto), el cual, sin embargo, fue editado de todas maneras, y es también un clásico de la literatura.

Análisis y crítica
La aportación de ideas de Orson Welles a Carol Reed en la película parece evidente. Welles tuvo problemas con sus producciones en Hollywood y decidió dar el salto a Europa donde dirigió y colaboró en diferentes proyectos, entre ellos éste de Carol Reed. Su primera aparición en pantalla (el movimiento de una lámpara que muestra a Harry Lime ante la sorprendida cara de Cotten) ha sido considerada como la mejor presentación de un personaje en la historia del cine. Por otro lado, tampoco se tiene que olvidar la persecución en los alcantarillados de Viena, donde la película alcanza su cenit ante la excelente actuación de Welles.

Comentarios
Esta Pelicula fue rodada en London Film Studios (Shepperton, Inglaterra) y los exteriores en Austria.
Galardonada con el Gran Premio del Festival de Cannes y con el Oscar a la mejor fotografía en blanco y negro (Robert Krasker), además de estar nominada en las categorías de mejor director (Sir Carol Reed) y mejor montaje (Oswald Hafenrichter ).
Inolvidable banda sonora firmada por Anton Karas. Ilustre aparición de Orson Welles entre las sombras e inolvidable su discurso sobre los Borgias y el reloj de cuco. Un clásico incomparable de la historia del cine.
También es de destacar la fotografía en blanco y negro y los exteriores seleccionados, que muestran diversas facetas de Viena, la hermosa capital austríaca a orillas del Danubio, como la archiconocida noria gigante del Prater (donde tiene lugar el encuentro entre los dos protagonistas masculinos), y la persecución entre las impresionantes cloacas vienesas.

Por todo ello, la película fue considerada la mejor película británica de la historia del cine.

Ficha técnica
Dirección Carol Reed
Producción Alexander Korda
Guión Graham Greene - Alexander Korda
Música Anton Karas
Fotografía Robert Krasker, B y N
Reparto Orson Welles - Joseph Cotten - Alida Valli - Trevor Howard - Paul Hörbiger - Ernst Deutsch
País Reino Unido
Año 1949
Género Drama
Duración 93 minutos

Ver una escena de la pelicula El Tercer Hombre (1949)

Asalto y robo a un tren (1903)

2009-12-04T10:09:00.003-03:00

Asalto y robo de un tren (The Great Train Robbery, título original en inglés) es una película rodada en 1903 por Edwin S. Porter

La Pelicula
Oficina del ferrocarril. Unos ladrones sorprenden al radiotelegrafista, lo atan, lo dejan en el suelo y se marchan. Detrás del depósito de agua que sirve para alimentar la máquina se esconden los ladrones, llega el tren, se provee de agua y los ladrones suben. En el interior de uno de los vagones, un empleado escucha el ruido de los ladrones, trata de impedir el robo cuando aquéllos irrumpen disparando sus armas, lo hieren y cae al suelo. Intentan abrir la caja y no pueden. Colocan un explosivo y salen del encuadre. La caja se abre tras la explosión y se hacen con el botín.

El tren se ha parado y los ladrones dan instrucciones al maquinista para que separe la locomotora del resto del convoy. Los viajeros descienden de los ladrones y se colocan en las vías con las manos en alto; los atracadores van robando sus pertenencias. Uno de los viajeros intenta huir corriendo, pero cae abatido por los disparos de los ladrones. Mientras que los ladrones llegan a la máquina, que se pone en marcha y abandona el lugar.
El tren para, se apean los ladrones y bajan por un terraplén en dirección a un bosque. En el bosque se acercan los ladrones, atraviesan un arroyo y llegan hasta los caballos.

En la oficina, el radiotelegrafista trata de incorporarse para dar la voz de alarma, pero cae al suelo. Llega una niña, lo intenta reanimar y desatar.
Por otro lado en un local se celebra un baile de estilo country. Llega el radiotelegrafista, avisa del atraco y salen los hombres corriendo. En un camino en medio del bosque los atracadores huyen perseguidos por otros hombres; se intercambian disparos. Los ladrones están repartiéndose el botín cuando son sorprendidos por sus perseguidores; se produce un tiroteo y los ladrones mueren.
Además, la película se distribuía junto con un plano medio donde el jefe de los bandidos mira a la cámara y dispara, el cual los exhibidores podía insertar al principio o al final de la película, según su propio criterio.

Interés y novedad del filme
En sólo una docena de planos y casi diez minutos de duración (al menos en la versión restaurada por el British Film Institute), Asalto y robo de un tren plantea una historia completa con un desarrollo narrativo y una tensión dramática nuevas para el espectador de la época. El interés y la novedad de este filme en relación con sus contemporáneos radica en su capacidad para articular un lenguaje audiovisual de forma coherente; es decir, para superar la acumulación de tableaux en beneficio de la sucesividad de las acciones. A ello contribuye el raccord entre los planos y las secuencias, como cuando se observa la continuidad de la dirección entre planos B y C de la secuencia 4 (los ladrones salen del encuadre por la izquierda y entran por la derecha) o entre la sec. 4 y la 5 (en ambos casos el tren se mueve de derecha a izquierda). La inserción de las secuencias 6 y 7 en medio de la huida de los ladrones establece una acción paralela que proporciona tensión dramática al texto; tensión incrementada por la ralentización del ritmo mantenido hasta ese momento que supone la secuencia del baile. Por su parte, las imágenes de exteriores insertadas en ventanas en las secuencias primera y tercera otorgan realismo y desteatralización al relato. Los movimientos de cámara, aunque breves, muestran el interés en que sea el encuadre quien esté subordinado a la acción y no al contrario (como era entonces habitual), al mismo tiempo que dirigen la mirada del espectador en función de la acción dramática. A pesar de que el encuadre se mantiene en todo momento en plano general, la puesta en escena permite que los movimientos de los personajes otorguen dinamismo a la acción y varíe la escala, como es evidente en la secuencia 7.
imagen del final de la pelicula

Ficha técnica
Dirección Edwin S. Porter
GuiónScott Marble - Edwin S. Porter
Fotografía Edwin S. Porter - Blair Smith
Reparto A.C. Abadie - Gilbert M. «Bronco Billy» Anderson - George Barnes - Walter Cameron - Frank Hanaway - Morgan Jones - Tom London - Marie Murray - Mary Snow
País Estados Unidos
Año 1903
Género Western
Duración 12 min
Compañía Productora Edison Company

Ver escenas de la Pelicula, Asalto y robo de un Tren (1903)

Nosferatu (1922)

2009-12-04T09:25:00.004-03:00

Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (Nosferatu, una sinfonía del horror), conocida en castellano como Nosferatu y Nosferatu el vampiro (España) es una película muda de 1922 dirigida por F.W. Murnau.

Sinopsis
Thomas Hutter es un empleado de una compañía inmobiliaria en Wismar, Alemania, que vive tranquilamente con su esposa. Un día su jefe, Knock, recibe una extraña carta escrita con símbolos que reconoce como del Conde Orlok, quien desea comprar una casa en Wismar. Knock envía a Hutter a los Cárpatos para concretar con el Conde Orlok la venta de la casa. Hutter deja a su esposa Ellen en casa de su amigo Harding y se embarca.

Cerca de su destino, Hutter se hospeda en una posada en la cual menciona que se dirige a ver al Conde Orlok. Todos los presentes se aterran de sólo escuchar el nombre del Conde y tratan de convencerlo de no ir. Hutter encuentra en su cuarto un libro sobre vampiros el cual tilda de supersticioso, pero que mantiene consigo como material de lectura. Al día siguiente parte hacia el castillo. Un cochero contratado lo lleva hasta el bosque que rodea el castillo, pero se niega a cruzar el puente que cruza hacia este. Al rato, un cochero misterioso se identifica como cochero del Conde. Este lo lleva a una velocidad naturalmente imposible. En el castillo es recibido por el Conde Orlok quien le invita una cena, pero mientras Hutter come, éste se dedica a leer la carta de parte de Knock. En un momento, Hutter se corta el dedo y Orlok trata de chuparle la sangre, pero es detenido por el crucifijo que portaba en el cuello. Hutter se queda finalmente dormido y al despertar amanece con dos heridas en el cuello que atribuye a los mosquitos.

La casa de Orlok en Wisborg, para la que se utilizó un almacén de Lübeck.A la noche siguiente concreta la firma de los documentos legales para la transacción de la casa. Hutter encuentra el libro sobre vampiros en su maleta y empieza a sospechar que Orlok es un vampiro. Conforme la noche avanza, Hutter se esconde en su habitación, pero la puerta es abierta por Orlok, quien entra. Al mismo tiempo, Ellen es descubierta caminando dormida y cae en un estado como de coma precisamente después de gritar el nombre de su esposo. El grito parece provocar que Orlok deje de lado a Hutter.

A la mañana siguiente, Hutter explora el castillo y descubre la cripta donde Orlok duerme en un ataúd durante el día. Paralizado por el miedo, logra llegar a su cuarto donde observa, por la ventana, que se están llevando los ataúdes y que en el último va el Conde Orlok. Finalmente, se descuelga por una ventana, pero cae herido. Durante el viaje a Wismar, el barco en que Orlok viaja es invadido por ratas que salen de los ataúdes y sus tripulantes mueren misteriosamente. Por otro lado, Hutter se encuentra en un hospital, del cual trata de escapar para avisar a los pobladores de Wismar acerca de la amenaza que les acecha.

En Wismar, la llegada del vampiro causa una plaga de ratas que causa la muerte de sus pobladores. Hutter también llega y se reúne con su esposa. Ella lee el libro sobre vampiros, a pesar de la negativa de su esposo, y aprende que para matar al vampiro una mujer de corazón puro debe entregarse voluntariamente antes de que cante el gallo. Finalmente, Nosferatu se dirige hacia ella, quien se entrega voluntariamente a él precisamente cuando el gallo inicia su canto. Nosferatu muere en una nube de polvo y con él, la plaga.

Historia
Murnau quiso realizar una adaptación cinematográfica de la novela Drácula, de Bram Stoker, pero su estudio no logró hacerse con los derechos de la historia. De modo que decidió filmar su propia versión de la novela y el resultado es una película que tiene un gran parecido con la historia original de Stoker. El nombre de "Drácula" se cambió por el de "Nosferatu" y también se cambiaron los nombres de los personajes: el Conde Drácula es aquí el Conde Orlok, por ejemplo. Su papel fue interpretado por Max Schreck (Schreck significa terror en alemán). Harker es Hutter, Mina es Ellen y la Inglaterra victoriana es la ciudad de Viborg, o de Bremen en la versión francesa, así como también en la inglesa. Sin embargo, la viuda de Stoker demandó la película por infracción de derechos de autor y ganó el juicio.

El tribunal ordenó que se destruyeran todas las cintas de Nosferatu, pero un reducido número de copias de la película ya había sido distribuido por todo el mundo y permanecieron escondidas por particulares hasta la muerte de la viuda de Bram Stoker.

Con el paso de los años se hicieron más copias de esas cintas (algunas de muy baja calidad y con cortes importantes). Nosferatu se labró la reputación de ser una de las mejores películas sobre el mito del vampiro y uno de los máximos exponentes del Expresionismo alemán. Rodada en escenarios naturales, una práctica poco habitual ésta que la aleja de los postulados del cine expresionista alemán, abundantes planos de Nosferatu están inspirados en pinturas románticas.

Ahora, la obra Nosferatu de Murnau pertenece al dominio público y existe un gran número de copias en vídeo, generalmente de muy baja calidad ya que provienen de copias hechas a partir de otras copias de las primeras cintas distribuidas para la exhibición internacional. Muchas de ellas presentan diferencias notables de metraje, puesto que en cada país se exhibió una versión diferente de la película. Así pues, la copia francesa no es la misma que la alemana, por dar un ejemplo. No obstante, recientemente se han publicado ediciones restauradas de la película en las que se ha recuperado casi todo el metraje completo de la película original. La reconstrucción más fiel de la película fue presentada en el Festival de Berlín de 1984.

Etimología
El significado original de la palabra nosferatu es difícil de determinar. No hay duda de que alcanzó difusión popular a través de la novela de Bram Stoker; Stoker halló el término en cierta obra del escritor y orador británico del siglo XIX Emily Gerard, quien la introdujo en un capítulo de su obra Supersticiones de Transilvania (1885) y en su crónica de viajes La tierra más allá del bosque (1888) (la “tierra más allá del bosque” es literalmente lo que significa Transilvania en latín). Se alude a ella simplemente como el vocablo rumano para designar al vampiro; Stoker empleó el término como un calco del inglés undead o no-muerto. Esta atribución es patentemente falsa, puesto que la palabra nosferatu carece de significado conocido (aparte del introducido por la novela y las películas) en ninguna fase histórica del rumano.

Una etimología alternativa sugiere que el término proviene originalmente de los nosóforos griegos (*νοσοφορος), es decir, de los agentes transmisores de enfermedades. Esta derivación podría tener sentido cuando se observa que en varias naciones de Europa Central los vampiros eran considerados difusores de epidemias. La película de Murnau incide particularmente en el tema de la enfermedad, y su creatividad como director pudo haber sido influenciada por esta etimología. Otra teoría sugiere que la palabra significa “respiración,” un derivado del spirare latino. Una posibilidad final es que la forma que Gerard ofrece sea un término rumano bien conocido pero mal transcrito, o posiblemente un mala interpretación de los sonidos de la palabra debido a la familiaridad limitada de Gerard con la lengua. Dos candidatas a servir de origen a nosferatu son necurat (“sucio”, asociado generalmente con lo oculto) y nesuferit (“insufrible”). La forma determinada masculina nominativa de un sustantivo rumano en la declinación a la cual ambas palabras pertenecen se corresponde con la terminación ” - UL ", así que habría que hablar con propiedad del necuratul y el nesuferitul (traducibles como “el diablo” y “el insufrible”, respectivamente).

Homenajes
En 1979, Werner Herzog dirigió una revisión de Nosferatu, Nosferatu, el vampiro de la noche. Filmado con un presupuesto escaso, como era habitual en Alemania durante los años 1970, el Nosferatu de Herzog fue un éxito de crítica y es considerado un sentido homenaje a la película original de Murnau, con Klaus Kinski en el papel principal, acompañado de Isabelle Adjani y Bruno Ganz.

En el año 2000 se rodó La sombra del vampiro, que es una historia ficticia sobre el rodaje de la versión muda de Nosferatu. Protagonizada por John Malkovich y Willem Dafoe, se trata de una historia fantástica de horror en la que un director (Murnau, interpretado por Malkovich) crea una película de vampiros completamente realista gracias a que contrata a un auténtico vampiro (interpretado por Dafoe) para que interprete el papel del vampiro.

Ficha técnica
Dirección F.W. Murnau
Producción Enrico Dieckmann - Albin Grau
Guión Henrik Galeen y (sin acreditar) Günther Krampf
Fotografía Fritz Arno Wagner
Escenografía Albin Grau
Vestuario Albin Grau
Reparto Max Schreck - Gustav von Wangenheim - Greta Schröder - Alexander Granach - Georg H. Schnell - Ruth Landshoff - John Gottowt - Gustav Botz - Max Nemetz - Wolfgang Heinz - Albert Venohr
País Alemania
Año 1922
Género Terror
Duración 94 minutos

Ver Pelicula completa en video google, Nosferatu 1922 (dominio libre)

Un Hombre para la Eternidad (1966)

2009-11-24T12:14:00.003-03:00

A Man for All Seasons (titulos en castellano: "Un hombre para la eternidad" (España) y "Un hombre de dos reinos" en México y el resto de Hispanoamérica), película dirigida por Fred Zinnemann en 1966, narra los últimos años de la vida del hombre de leyes, estadista, escritor, humanista, traductor y filósofo Santo Tomás Moro (Londres, 1478-1535), padre, junto a Maquiavelo y otros, del pensamiento político moderno gracias a su libro "Utopía".

La película ganó 6 Óscar en 1966 y 7 BAFTA en 1968. Está basada en una obra de teatro de Robert Bolt, guionista también de la película. Se representó con éxito durante años en Londres. De hecho, el actor principal, Paul Scofield, un veterano actor teatral, representaba a Tomás Moro también sobre el escenario. La primera versión de esta obra fue escrita por Bold en 1954 para la BBC Radio. Adaptada para la escena, se estrenó en Londres en el Globe Theatre (hoy Gielgud Theatre) el 1 de julio de 1960. En Broadway, el estreno tuvo lugar el 22 de noviembre de 1961, en el ANTA Playhouse. Paul Scofield, que ya había representado el papel protagonista en el West End londinense, también actuó en Broadway en el año 1962, ganando un Tony Award.

Argumento
En la película se ve a Tomás Moro, negándose a reconocer a pesar de su fidelidad al rey Enrique VIII, la nulidad de su matrimonio con Catalina de Aragon (quien solo le había dado una hija sana) para que éste pudiera casarse con Ana Bolena ("Ana de los 1000 días" en otra película), hecho que acaba provocando la ruptura entre la Iglesia de Roma y la Iglesia de Inglaterra en 1534.

Muestra la encrucijada de Moro por tener unos fuertes principios morales y religiosos que le impedían dejar de reconocer a la iglesia y al Papa de Roma; y a la vez sentir fidelidad hacia la corona y a su patria, ceder a los chantajes que le venian por parte de Enrique VIII, rey que hacía la ley a su medida y que estaba tan dispuesto a ejecutar a los que consideraba traidores, como sumamente dolido de que su principal pensador le llevara la contraria.

A pesar de ser el mas valioso consejero real, tiene que renunciar a sus cargos publicos (fue canciller), luego es acusado de alta traición al no reconocer a su rey como maxima autoridad de la iglesia por una ley escrita “ex profeso” para que así lo hiciera, después fue encarcelado en la Torre de Londres, “juzgado” (es un decir...) y condenado a muerte. Otros dirigentes europeos presionaron para que se le salvara la vida, como el Papa o el rey Carlos I de España (V de Alemania), quien veía en él al mejor pensador del momento, pero no sirvió de nada y fue decapitado el 6 de julio de 1535. La Iglesia Católica Romana le concede el título de Santo por su defensa de la fe.

Comentarios sobre la Pelicula
Un hombre para la eternidad es el tercer gran icono de la carrera cinematográfica de Zinnemann (”Solo ante el peligro”, “De aquí a la eternidad”) y la segunda de estas tres en cuanto a galardones se refiere, seis Oscar en total para esta producción estadounidense.

Nuestro hombre para la eternidad es Thomas More (Santo Tomás Moro para la Iglesia Católica) y sobre él y su conflicto con el rey de Inglaterra, Enrique VIII, versa toda la película. Desde el inicio del conflicto matrimonial hasta su desenlace final, Zinnemann nos lleva de la mano a través de caminos oscurecidos por las intrigas políticas y las luchas de intereses entre personajes clave de la Historia, en un mundo alejado del nuestro en el tiempo pero no en esencia. Quizá este camino pueda parecer, a ojos del espectador acostumbrado a ritmos vertiginosos y florituras técnicas, un tanto farragoso y espeso pero en verdad, la cinta, por cierto adaptación de una obra teatral de Robert Bolt, nos muestra con claridad y eficacia cómo se desarrolló la trama del cisma anglosajón. Tal vez la única pega la encontremos en la excesiva carga moral de la película, encumbrando sin medidas la figura de More como incorruptible hombre y mejor cristiano. Si bien es cierto que su forma de actuar puede ser ejemplo atemporal en un mundo movido por el interés, el film no duda en acrecentar y ensalzar hasta convertir la moral de Thomas en el centro y fin de la obra.

Aunque la película en sí pueda parecer aburrida, lenta o pesada (la sucesión de movimientos en el tablero político se alarga necesariamente) se trata en realidad de un acercamiento interesante y veraz al conflicto matrimonial que desencadenó en la aparición de la tradición anglicana que todavía hoy perdura en las Islas Británicas. Especialmente destacable en ella son los papeles de los protagonistas, entre los que encontramos un breve pero intenso Orson Welles en el papel del Canciller y Cardenal Walsey; un genial Paul Scofield en el papel protagonista, después de haber sido recuperado para el cine por Zinnemann; y un incomparable Robert Shaw que nos deleita con una colección de matices interpretativos entre los que destaca su especial énfasis en mostrarnos los cambios de humor y las veleidades del monarca Enrique.

Por último me resulta inevitable acudir al recurrente y facilón juego de palabras a la hora de loar la obra de este gran director. Pues Zinnemann demostró en estas tres citadas obras ser un verdadero Cine-man, aunque en su Austria natal hubiésemos de llamarlo Kino-Mann.

Premios Oscar
Een la entrega de los oscar de 1966 recibe los siguientes premios: Oscar a Mejor película; Mejor director (Fred Zinnemann); Mejor actor (Paul Scofield); Mejor guión adaptado (Robert Bolt); Mejor fotografía ((color) Ted Moore); Mejor diseño de vestuario ((color) Elizabeth Haffenden y Joan Bridge)

Ficha técnica
Dirección Fred Zinnemann
Producción Fred Zinnemann
Guión Robert Bolt
Música Georges Delerue
Fotografía Ted Moore
Montaje Ralph Kemplen
Reparto Paul Scofield - Wendy Hiller - Leo McKern - Orson Welles - Robert Shaw - John Hurt
País Reino Unido
Año 1966
Género Drama
Duración 120 min.
Distribución Columbia Pictures

Ver Trailer de la Pelicula Un Hombre para la Eternidad (1966)

Con la muerte en los talones (1959)

2009-11-16T09:23:00.004-03:00

Con la muerte en los talones supone el cuarto trabajo de dos grandes figuras del cine de todos los tiempos, el director Alfred Hitchcock y el actor Cary Grant. Anteriormente habían realizado juntos "Encadenados", "Sospecha" y" Atrapa a un ladrón", aunque la que ha obtenido mayor éxito de público y crítica ha sido ésta.

Argumento

Roger Thornill (Cary Grant) es un publicista que es confundido con un agente de los servicios secretos estadounidenses que le persiguen. Intentando buscar una explicación, acude a la sede de la ONU para hablar con un diplomático que puede aclarar la confusión, pero mientras hablan es asesinado, y todas las sospechas recaen sobre él. Desde ese momento se verá obligado a intentar resolver el crimen a la vez que huye de los espías y de la policía. A ello le ayudará una bella joven (Eva Marie Saint), perteneciente a los servicios secretos.

Lo mejor

Algo que no hace falta ni decirlo: disfrutar de una de las mejores películas de un genio del cine como es Hitchcock y de un gran actor como Cary Grant. Y si encima tienes la ocasión de verlos juntos, no se puede pedir más.
- La edición en DVD contiene un documental de cómo se rodó en el que se cuentan varias curiosidades, como el hecho de que la escena en el Monte Rushmore se hizo en plató con una réplica porque no les dieron permiso al considerar un sacrilegio que se rodasen escenas con disparos y persecuciones en tan mítico lugar, o que la entrada de Cary Grant en la ONU se grabó a escondidas desde una furgoneta porque estaba prohibido por razones de seguridad.

Lo peor

La censura. Desde Estados Unidos se evitó todo tipo de referencias sexuales. España tampoco se quedó atrás. Cuando los dos protagonistas están en el compartimento del tren besándose de una forma no muy "casta", las voces de los dobladores son distintas. Al menos tenemos la suerte de que la edición recuperada para el DVD sea la original.
- Puede resultar poco creíble la relación entre los dos protagonistas, ya que se ve que él es bastantes años mayor que ella, o con la madre, que se ve que en la realidad no podrían ser madre e hijo (de hecho la diferencia de edad entre ellos era de sólo un año).

Escenas resaltables

La de la persecución de la avioneta fumigadora. Si normalmente en una película de suspense el protagonista se ve acorralado en sitio cerrado y oscuro, Hitchcock decidió darle la vuelta y coloca a Cary Grant a pleno sol, en mitad de un campo de maíz, sin diálogo y prácticamente sin ningún sonido, y siendo perseguido por una avioneta que intenta matarle, consiguiendo así una de las escenas más logradas y recordadas de la historia del cine.

Concluimos

"Con la muerte en los talones" es una película típicamente hitchcockiana en la que encontramos todos los elementos característicos en la obra de este director: hombre inocente que es confundido con alguien culpable y que es perseguido sin saber qué hacer y sin poder acudir a la policía, quien también le persigue; el personaje de la mujer rubia que ayuda al protagonista y de la que se enamora; el clásico mac-guffin, en esta ocasión el título (North by northwest, es decir, Norte al noroeste, no tiene nada que ver con la película); los típicos detalles cómicos, como la escena de la subasta de arte...
Esta película ha sido en muchas ocasiones considerada como una de las mejores de la historia del cine, cosa que no es exagerada en absoluto. De hecho, pocas películas han conseguido tener escenas tan recordadas como ésta: el vuelo de la avioneta fumigadora, la entrada en la sede de la ONU o la persecución en el monte Rushmore.

Curiosidades

En el inicio de la película, se hace referencia a que está rodada en formato Vistavisión, que sólo es ofrecido en cines. Se trata de una referencia clara a la competencia que por aquel entonces (1959) comenzaba a hacer la televisión. Por este motivo comenzaron a rodarse las películas en formatos panorámicos y con gran colorido, ya que la televisión del momento no podía competir con esto.
- Si, como yo, tienes la manía en cada película de Hitchcock de buscar en qué escena aparece, en ésta la búsqueda acaba muy pronto, en los rótulos de inicio. Desde que Hitchcock comenzó a tener éxito en Hollywood, se fue adelantando su aparición en las películas porque decía que en ocasiones la gente estaba más pendiente de encontrarle a él que de seguir la trama, y saliendo en los primeros minutos hacía que el espectador dejase de buscarle y así se concentrase en la historia que se le contaba.
- La frase de Eva Marie Saint "nunca discuto de amor con el estomago vacio" fue doblada posteriormente en la versión original de la película. Si se leen sus labios podemos verla decir "nunca hago el amor con el estómago vacio" (por ROCIO VALLADARES)

- Oscar al mejor guión original
- Estreno (USA): 17 de julio de 1959.

Ficha técnica
Dirección Alfred Hitchcock
Producción Herbert Coleman - Alfred Hitchcock
Guión Ernest Lehman
Música Bernard Herrmann
Fotografía Robert Burks
Reparto Cary Grant - Eva Marie Saint - James Mason- Martin Landau
País Estados Unidos
Año 1959
Género Suspenso
Duración 136 minutos

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Tiempos Modernos (1936)

2009-11-02T09:58:00.005-03:00

Tiempos modernos es un largometraje de 1936 dirigido, escrito y protagonizado por el célebre actor Charles Chaplin. La película constituye un retrato de las condiciones desesperadas de empleo que la clase obrera tuvo que soportar en la época de la Gran depresión, condiciones promovidas, en la visión dada por la película, por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena. En la película también intervienen Paulette Goddard, Henry Bergman, Stanley Sandford y Chester Conklin. La película muestra escenas de corte futurista de la factoría en la que trabaja Charlot que podrían haber sido influenciadas por el film Metrópolis de Fritz Lang.

Tiempos modernos fue un filme a caballo entre el cine mudo y sonoro. Se incluyeron algunos efectos sonoros en la película, como música, cantantes y voces provenientes de radios y altavoces así como la sonorización de la actividad de las máquinas. Al final del film puede escucharse brevemente la voz de Charles Chaplin, que canta una versión de la canción de Léo Daniderff, Je cherche après Titine, pero con una letra sin sentido, conocida como "Charabia", cuyos sonidos tratan de asemejarse a una mezcla de francés e italiano, con alguna palabra reconocible en inglés.

Considerado como un ejemplo de filme de crítica social, el mismo Chaplin negó la relevancia que muchos han querido darle a su trabajo en este largometraje

Comentarios y Argumentos de la Pelicula
Puede decirse que Modern Times (Tiempos modernos, 1936) fue la película que cambió por completo la imagen que hasta ese momento todo el mundo tenía de su creador, el genial Charles Chaplin. Casi se diría que un nuevo Chaplin estaba aflorando: si bien se mantenían su brillo, su encanto y su gracia, afloraba un perfil más bien abrupto y conciso. Sin duda, esto se debía a que el artista se sentía profundamente en desacuerdo con el curso que las cosas estaban tomando a medida que la “modernidad” avanzaba; y Chaplin estaba ansioso de compartir sus reflexiones acerca de esta temática con su público fiel.

En Modern Times, encontramos a un Chaplin identificado específicamente con los años de la Depresión, y con los alarmantes efectos que el industrialismo causaba en la humanidad. Y la manera más adecuada (acorde a su pensamiento) de dar a conocer sus reflexiones, fue rescatando del pasado a su famoso personaje del “Carlitos vagabundo”, y lanzándolo a un mundo ultramecanizado, donde hasta las cosas aparentemente simples se tornan difíciles, si no se cuenta con la experiencia y entrenamiento adecuados para hacerles frente.

Desde todo punto de vista, Chaplin creó un argumento en el cual su personaje podría, una vez más, dar rienda suelta a todo su carisma y atropello, con la diferencia de que en este caso la película no trataría de ser un simple entretenimiento, sino una feroz crítica al avance industrial no controlado.

El film comienza mostrando un día de trabajo en una fábrica, llevándonos enseguida a conocer los percances que un obrero (aparentemente inepto para hacer algo bien) sufre al no poder adaptarse a una maquinaria a la cual ha sido afectado. Su incapacidad de manejar una cinta transportadora desencadena risibles consecuencias: no sólo paraliza la cadena de montaje al descentrar un tornillo que supuestamente debía ajustar, sino que él mismo queda atrapado dentro de una máquina a la que debía alimentar, amén de terminar el día laboral totalmente enloquecido, luego de pasar largas horas alivianando tuercas.

Lógicamente es despedido, y vuelve a causar alboroto cuando en su nuevo empleo cae de un camión agitando una bandera roja que señaliza “peligro”, y se ve de repente liderando una manifestación comunista que lo toma por líder, terminando sus huesos en la cárcel.
Al salir de prisión, conoce por casualidad a una pobre trotacalles (Paulette Goddard, actriz con la que se casó durante la producción), y luego de ayudarla a escaparse de la policía y las autoridades de minoridad que la persiguen, se muda con ella a un tugurio cerca del puerto. Consigue trabajo como guardia de un gran almacén, y allí él y la muchachita disfrutan divirtiéndose inocentemente. Pero unos rufianes que advierten que el custodio no es tan “despierto” como debería entran a robar, y nuevamente Chaplin termina tras las rejas, responsabilizado de todo.

Cuando finaliza su condena y sale en libertad, el desdichado hombre se amarga al enterarse que su joven protegida, apremiada por la necesidad, está trabajando en un cabaret. Sin dudarlo, se emplea allí como mozo y cantor (y es aquí donde por primera y única vez en toda la película se escucha sonido, en la forma de una maravillosa canción que Chaplin creó utilizando diferentes dialectos y que él mismo entona), obteniendo singular acogida.

Pero la felicidad para los pobres vagabundos es efímera, ya que la policía y las ligas de defensa juvenil llegan al lugar, teniendo ambos que escapar tan rápido como pueden. Y la última escena que podemos ver de la película nos muestra a la pareja, sin dinero ni futuro pero felices de estar juntos, caminando hacia ningún lado, con rumbo incierto...

Esta es una de las imágenes inolvidables que el séptimo arte nos ha legado. Nos “disculpamos” en este caso por haber contado todo el argumento de la película, algo que no solemos hacer en MOMENTOS INOLVIDABLES, pero era necesario para que pudieran apreciar la importancia del momento dentro del film. De todas formas, la escena en que Chaplin “enloquece” al ritmo de la máquina infernal podría bien encajar en esta sección.

Muchos estudiosos de la vida de Charles Chaplin consideran que con esta película el director se alejó por completo del molde conceptual (la comedia simplona) que le había dado fama, y que los valores aquí existentes estaban totalmente cambiados. Pero si analizamos el film a fondo, observaremos que los ingredientes reinantes son los mismos de los tantos cortos que Chaplin realizó: el vagabundo sigue siendo el mismo, con su carácter tragicómico en extremo, y su compañía también, una pobre huérfana de la calle que se aferra a él contra viento y marea. Y el entorno que los rodea se repite: las frías calles, el sórdido submundillo de la pobreza, y las fuerzas incomprensivas de la ley, siempre dispuestas a terminar de un manotazo las ilusiones alcanzadas por los desvalidos protagonistas.

Además, la lucha desigual que Chaplin tiene con la inmensa maquinaria que debe manejar es un paralelismo con todas aquella dificultades que el actor tenía que sortear en cientos de sus películas anteriores, proyectada aquí en escala gigantesca. De igual manera, la alocada coreografía que montó para dar vida a la escena en que Carlitos huye despavorido de decenas de grises operarios y supervisores en la fábrica posee la misma agilidad y ritmo constantes que Chaplin utilizó en películas anteriores, cuando escapaba de la policía que lo perseguía.

En lo que sí innovó el genio fue en la utilización por vez primera de sonido en la película, aunque se trate solamente de una canción. Audaz como siempre, Chaplin se animó a filmar una película en la que prácticamente no hay diálogo, ocho años después de haberse universalizado el cine sonoro. Pero, para asegurarse el suceso, Chaplin trabajó por primera vez con un guión escrito, con el objeto de lograr continuidad en un campo desconocido para él, y recuperar su inversión de un millón y medio de dólares.

El contenido social y político de Modern Times fue (y es) considerado controvertido en extremo: unos alabando sus “virtudes proletarias”, y otros condenando su “propagandismo comunista”. Pero en lo que sí todos concuerdan es que la intención de Chaplin fue satirizar la deshumanización ocasionadas por los avances de la tecnología y de la industrialización, y no ponderar el capitalismo.

Del mismo modo y con la misma crítica social que esgrimiría con la maestría de su estilo habitual cuatro años más tarde para atacar al Nazismo, en su primer film totalmente sonoro, The Great Dictator (El gran dictador, 1940). Lejos de embanderarse en cualquier ideología política, el mensaje que Chaplin nos deja en la película es claro, y lo plasma fehacientemente en la maravillosa escena final: el héroe y la heroína solamente ansían escaparse de estos “tiempos modernos”, y abrazar una vida promisoria de aventuras, amor y simplicidades.
(Por Fabián Cepeda (www.hollywoodclasico.com))

Ficha técnica
Dirección Charles Chaplin
Producción Charles Chaplin - Regent (United Artists)
Guión Charles Chaplin
Música Charles Chaplin
Fotografía Rollie Totheroh - Ira Morgan
Reparto Charles Chaplin - Paulette Goddard - Henry Bergman - Chester Conklin - Lloyd Ingraham
País Estados Unidos
Año 1936
Género Comedia/Romance
Duración 87 minutos
Productora United Artists

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Historias de Philadelphia (1940)

2009-10-14T10:39:00.004-03:00

"The Philadelphia Story", conocida en castellano como "Pecadora equivocada" en Argentina y como "Historias de Filadelfia" en España, es una película basada en la obra teatral del mismo título de Philip Barry.

Argumento y Comentarios
La acción de Historias de Filadelfia tiene lugar en una mansión señorial de Filadelpia (Pensilvania), en 1939, durante 24 horas. Narra la historia de Tracy Lord (Katharine Hepburn), hija de una familia acaudalada, muy conocida en la ciudad, divorciada de C.K. Dexter Haven (Cary Grant). Es de temperamento indómito, mandón, vanidoso y caprichoso. Dos años después del divorcio está a punto de volver a contraer matrimonio con George Kittredge (John Howard), un hombre oscuro, aburrido y mediocre. Para inmortalizar la celebración una pareja de periodistas, Macauley Connor (James Stewart) y Elizabeth Imbrie (Ruth Hussey), son invitados por C.K. Dexter Haven a tan esperado evento.

La historia comienza con una escena retrosprectiva -rodada bajo los cánones del cine mudo y que ya forma parte de la historia del cine- que explica el acalorado final del primer matrimonio de Tracy, que rompe un palo de golf de Dexter y éste, irritado, la empuja haciéndole caer al suelo. Esta escena deja claras las líneas en las que se basa el film: el carácter ingobernable y obstinado de Tracy y las ansias de venganza de Dexter.

Dexter, confabulado con una revista sesacionalista del corazón -Spy-, perpetra un montaje que permite el acceso a la casa de los Lord, el día antes de la boda, de un periodista, Macauley "Mike" Connor (James stewart), y de una reportera gráfica, Elizabeth "Liz" Imbrie (Ruth Hussey).

Tracy se verá enfrentada a una inesperada situación, en la que cree que ha de elegir entre un novio del que no está enamorada, un admirador entrañable y un ex-marido que la irrita con su forma de ser . Pero en realidad, el problema al que se enfrenta Tracy es otro: la alternativa de madurar, adquirir tolerancia y comprensión, contener sus arrebatos de furia y convertirse en un ser humano -como ella dice al final-, o seguir igual. El proceso de reflexión y decisión es complejo por la falta de tiempo, los prejuicios y la guerra de sexos que mantiene con varios hombres. La trama y la subtrama -el lío escandaloso del padre con una jovencita y la amenaza de su publicación- son conducidas por el director con delicadeza, gracia e ingenio.

Magnífico guión que constituye el plato fuerte del film junto a las interpretaciones y perfecta dirección de actores de George Cukor, al que la genialidad del equipo le permitió rodar la película en ocho semanas sin necesidad de repetir tomas. La trama y subtrama están perfectamente dibujadas. Los diálogos son polifónicos, rapidísimos y brillantes, irónicos y llenos de sofistificación, gracias al extraordinario trabajo de J. L Mankiewicz. Con una música excelente, un fotografía que sobresale por su magnífico dibujo y el manejo del color -claroscuro, fondos oscuros, negros/blancos intensos, brillos, etc.-, y una dirección que impone elegancia, sutileza y un fino sentido del humor - hablo de sonrisas-.

Poco hay que decir de las interpretaciones. Con tres de sus actores nominados por la película: Ruth Hussey -me encanta su personaje, y además está guapísima-, James Stewart -impecable, ganó el Óscar- y Katharine Hepburn -quizás el papel de su vida-; un Cary Grant imponente -todavía no entiendo cómo nunca ganó un Óscar- y con toda una galeria de fantásticos secundarios, esta comedia alcanzó el grado de clásico imperecedero.

El final, y como buena comedia romántica sofisticada, como no, tenía que ser el mejor posible, con una Tracy dispuesta a cambiar y donde la historia termina de poner a cada uno en su sitio. (fuente: guionoriginal.blogspot.com)

Ficha técnica
Dirección George Cukor
Ayudante de dirección Edward Woehler
Dirección artística Cedric Gibbons
Producción Joseph L. Mankiewicz
Guión Donald Ogden Stewart
Música Franz Waxman
Sonido Douglas Shearer
Fotografía Joseph Ruttenberg
Montaje Frank Sullivan
Vestuario Adrián
Reparto Cary Grant, Katharine Hepburn, James Stewart, Ruth Hussey, John Howard
País Estados Unidos
Año 1940
Género Comedia
Duración 112 min.

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Doctor Zhivago (1965)

2009-10-08T15:46:00.003-04:00

Doctor Zhivago es una película estadounidense de 1965, dirigida por David Lean, con Omar Sharif en el rol principal. Está basada en la novela Doctor Zhivago, de 1957, del escritor ruso Boris Pasternak (Premio Nobel de Literatura 1958).

Argumento
La película está narrada por un general de la policía secreta soviética, Yevgraf Zhivago (Alec Guinness), medio hermano de Yuri Zhivago (Omar Sharif), a la que cree que es hija de éste, Tonya Komarovskya (Rita Tushingam). La trama principal se desarrolla entre 1905-1921.

Yuri Zhivago es un médico y poeta en la época del advenimiento de la Revolución rusa. Está casado con Tonya (Geraldine Chaplin), una joven de la alta burguesía que le quiere y le admira. Durante la Guerra Civil Rusa, la mansión familiar en Moscú es requisada y ocupada por otras familias. La situación se torna insostenible para ellos. Reaparece Yevgraf Zhivago y les recomienda salir de Moscú y viajar a la mansión de campo de la familia, en Varikino. Después de una odisea, viajando en un vagón de ferrocarril atestado, la familia logra trasladarse a su casa de campo, pensando en pasar el duro período de la guerra civil allí. Cuando llegan a la casa se enteran de que ha sido confiscada por el gobierno revolucionario y se ven obligados a refugiarse en una cabaña cercana. Logran pasar un tiempo en paz y Zhivago comienza a escribir poesía y a visitar la biblioteca del pueblo cercano, Yuriatin. Allí se encuentra con Lara (Julie Christie) a quien había conocido en difíciles circunstancias en Moscú, y posteriormente durante la Primera Guerra Mundial, cuando él servía como médico militar y ella como enfermera. Su relación con Lara se transforma en una relación amorosa.

Todos sus movimientos y actividades son vigilados por los funcionarios soviéticos. Tonya queda embarazada y Yuri decide terminar su relación con Lara. Después de una triste despedida regresa a Varikino y es sorpresivamente reclutado a la fuerza por un pelotón de caballería soviético, y debe seguirlos en su campaña. Después de dos años, deserta y regresa a Varikino en busca de su familia, pero allí se entera de que han emigrado a Francia y que su rastro se ha perdido. Yuri se reencuentra con su antiguo amor, Lara. Juntos, más la hija de Lara, deciden irse a vivir a la casa de campo en Varikinno. Es el período del crudo invierno ruso y Zhivago decide desobedecer la confiscación y rompe los maderos que tapiaban la casa, para refugiarse allí. Pasa el tiempo y la guerra llega nuevamente, obligando a Lara a huir junto a su hija. Yuri no se entera nunca de que Lara espera un hijo de él. Regresa a Moscú, donde su medio hermano Yevgraf le consigue un puesto en un hospital. Pasan los años, y un día, viajando en el tranvía, Yuri ve a Lara caminando por la calle y desesperadamente trata de detener el transporte y correr tras ella. Ocurre entonces un inesperado final.

La película termina con el regreso a la escena primera, donde la muchacha (Rita Tushingam) dice no recordar a su madre y que quien supone es su padre la había abandonado durante un bombardeo. Luego de crecer en un orfanato, había encontrado su actual trabajo, donde se desarrolla la escena. Yevgraf comprende que hay que dar tiempo al tiempo y la deja ir. La última escena ocurre con el alejamiento de la muchacha y su novio. Yevgraf nota que ella lleva una balalaika al hombro y le pregunta si toca bien, y el novio le responde que era una virtuosa y que había aprendido por sí misma. Yevgraf comenta: ¡Entonces es un don!. La madre de Yuri también interpretaba con maestría el instrumento y se decía que tenía el don.

Comentarios
Se rodó básicamente en España, más concretamente en Madrid y Soria, con el sistema de filmación en color Metrocolor, característico de la Metro-Goldwyn-Mayer. En Madrid se rodaron las escenas moscovitas en lo que actualmente es la calle de Silvano a la altura del cementerio de Canillas, en aquel entonces campo abierto, en donde construyeron un decorado de unos 20.000 m² que recreaba Moscú, con su trazado de vías de tranvía electrificado, por donde circulaban incluso dos tranvías cedidos por la Empresa Municipal de Transportes. También se rodó en la estación de ferrocarril de Las Delicias. En Soria se rodaron prácticamente todos los exteriores, empleando para ello todas las líneas de ferrocarril que por entonces estaban en uso. Se rodaron escenas ferroviarias en los siguientes escenarios: Estación de Soria-Cañuelo / Candilichera (Campo de Gómara) / Villaseca de Arciel (Campo de Gómara) /
Navaleno (Pinar Grande) / Villar del Campo / Matamala de Almazán

Las escenas de la residencia de Varíkino fueron rodadas en Candilichera. En algunos países, este film estuvo en cartelera mucho tiempo, siendo récord de taquilla. Durante varios años, las compañías de cinematógrafos la re-estrenaron a petición del público.

La presa que sale al final de la película es la de Aldeadávila de la Ribera, en la provincia de Salamanca. Las escenas del entierro, al principio de la película, con unas montañas al fondo, están rodadas en la provincia de Granada. Las escenas de invierno se rodaron principalmente en Finlandia, cerca de la frontera con la entonces URSS. (wikipedia.com)

Ficha técnica
Dirección David Lean
Producción Carlo Ponti - David Lean - Arvid Griffen
Guión Robert Bolt
Música Maurice Jarre
Fotografía Freddie Young
Montaje Borman Savage
Vestuario Phyllis Dalton
Reparto Omar Sharif - Julie Christie - Geraldine Chaplin - Tom Courtenay - Alec Guinness - Rod Steiger - Ralph Richardson - Rita Tushingham - Klaus Kinski - Siobhan McKenna - Jeffrey Rockland
País Estados Unidos
Año 1965
Género Drama
Duración 197 minutos
Productora Metro-Goldwyn-Mayer

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La Ventana Indiscreta (1954)

2009-10-08T14:34:00.005-04:00

La ventana indiscreta (en inglés: Rear Window) es una película dirigida por Alfred Hitchcock en 1954, protagonizada por James Stewart y Grace Kelly. Está basada en un cuento de William Irish, "La ventana de enfrente". La película obtuvo cuatro nominaciones a los Oscar, al mejor director, mejor fotografía en color, mejor guión y mejor sonido.

Argumento
"La ventana indiscreta" es una adaptación de un relato corto de Cornel Woodrich. Se trata de un tributo al cine y al cinéfilo, partícipe de las pequeñas historias cotidianas de un vecindario a través de la mirada que ofrece el director.
La película cuenta la historia de un reportero gráfico, L.B. Jeffries, interpretado por James Stewart, que tras un accidente se encuentra convaleciente en una silla de ruedas sin poder moverse. El protagonista, incapaz de moverse, se dedica a observar por la ventana la vida del vecindario como entretenimiento: una bailarina, un matrimonio que duerme en el balcón, un viajante y su doliente esposa, una mujer solitaria, un músico fracasado y una pareja de recién casados. En un momento dado, Jeff sospecha que se haya cometido un crimen en un apartamento de enfrente, y implica a su novia, su enfermera y su amigo policía para que le ayuden a resolver el caso.

Por otro lado, la película plantea la narración de la extraña relación entre Jeff y su bella y adinerada novia Lisa (Grace Kelly), donde ella busca que el noviazgo termine en matrimonio, mientras que él es incapaz de comprometerse por su temor a la responsabilidad y la atadura.
Se trata de una magnífica puesta en escena de la contidianeidad explotando, no sólo la trama de intriga y asesinato, sino también la inconformidad de los intereses femeninos y masculinos. Las ventanas de la película son visiones cargadas de ironía del comportamiento social americano, lo que le da el tono humorístico al film, y al mismo tiempo pone en solfa la moralidad del fotógrafo o de los periodistas en general a la hora de inmiscuirse en la vida privada de los demás.

Hitchcock que domina el juego de planos, ángulos y movimientos, no deja de presentar situaciones cuando menos inverosímiles para ponerse una vez más a prueba. "La ventana indiscreta" supone la cima de esta inverosimilitud donde tiene que contar una historia a través de la relación de unos personajes que se encuentran en un lugar cerrado. Sin embargo, destaca una magnífica utilización del tiempo y una brillante fotografía, que convierten a ésta, en uno de los mejores trabajos de este director.
En cuanto a la interpretación de los actores, todo se nos cuenta a través del punto de vista de un "mirón" instalado en un magnífico James Stewart, y con grandes actuaciones de Grace Kelly, así como del resto de los secundarios.

Cameo
Alfred Hitchcock aparece en el minuto 26 de la película, arreglando un reloj en el departamento del compositor, mientras el compositor está tocando una melodía en su piano.

Legado
Brian De Palma le hace un homenaje con su filme Body Double (Doble cuerpo) (del cual le agrega toques del filme Vertigo). La película de 2001 "Head Over Heels" protagonizada por Freddie Prinze Jr., trata de una chica que cree que un hombre comete un asesinato, la trama es parecida a este filme, como también la película de 2007, Disturbia (Paranoia, en Latinoamérica) - en esta película no hay accidente sino un arresto domiciliario y el sospechoso no tiene esposa. De Marcos Bernstein "The Other Side of The Street" (2004) también hace una referencia a Rear Window, pero con una vuelta de tuerca en Brasil.
Varias series de televisión animadas como Tiny Toon Adventures (Donde el Pato Plucky está con la pierna enyesada en un hospital cree que Elmer Gruñón planta unas plantas mutantes), Rocket Power, Los Simpson (en el episodio Bart of Darkness), La vida moderna de Rocko, Home Movies, That 70's Show, The Venture Bros, Clarissa Explains It All y Alf le rinden homenajes de distintas maneras. De Robert Zemeckis "What Lies Beneath" es otra película que le rinde tributo a ésta y otras películas de Hitchcock. De Woody Allen "Manhattan Murder Mystery", donde Allen y su esposa sospechan que su vecino había asesinado a su esposa son forzados a investigar por sí mismos donde no se lo toman en serio, se dice que está basado también en Rear Window. En "Mujeres al borde de un ataque de nervios", Pedro Almodóvar también le rinde tributo a esta joya cinematográfica cuando el personaje de 'Pepa' (interpretado por Carmen Maura) se sienta en una banca de la calle a espiar el edificio en el que vive su amante.
Grace Kelly

Ficha técnica
Dirección Alfred Hitchcock
Producción James C. Katz, Alfred Hitchcock
Guión John Michael Hayes, basado en una historia de Cornell Woolrich
Música Franz Waxman
Fotografía Robert Burks
Montaje George Tomasini
Reparto James Stewart - Grace Kelly - Wendell Corey - Thelma Ritter - Raymond Burr - Judith Evelyn
País Estados Unidos
Año 1954
Género Suspense
Duración 112 minutos
Productora Paramount Pictures
Presupuesto US$ 1,000,000

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¡ Que Verde era mi valle ! (1941)

2009-10-02T09:23:00.006-04:00

How Green Was My Valley, conocido en castellano como ¡Qué verde era mi valle! es un drama costumbrista dirigida por el estadounidense John Ford, y resultó la gran triunfadora del año 1941 en los Óscar, al obtener cinco estatuillas. La ganadora del Oscar vencio a la mítica "Ciudadano Kane" (Citizen Kane), fue este magistral melodrama que narra la vida de una familia minera de Gales, vista bajo los ojos de Huw Morgan, su miembro más joven. Un bello canto a los valores familiares que arrancó el alma del best-seller de Richard Llewellyn.

Argumento y Comentarios
El propio título y los primeros planos aparecidos junto a una voz en off, ya nos indican que se trata de una película de claro tono nostálgico. No está ambientada en el Monument Valley y sus protagonistas no son John Wayne ni Henry Fonda, pero “¡Qué verde era mi valle!” responde a las mismas características y al mundo personal del resto de la filmografía de John Ford. Con una alegoría de gran belleza, nos presenta el verdor del valle como reflejo del amor sincero y de la unión familiar de entonces… frente a la negrura del carbón, imagen de la pobreza interior que el director vislumbra en una sociedad que se va diluyendo en la búsqueda del bienestar material y la riqueza.

La pelicula comienza con los recuerdos de Huw Morgan (Roddy McDowall) de sus años de infancia, cuando su valle de Gales era aún verde, cuando su familia permanecía unida. Lo hace de un modo sencillo y profundamente agradecido a la figura de su padre, “que no me enseñó ninguna cosa inútil”, añorando aquellos momentos en que todos se reunían en torno a la mesa.
Ante todo, es un homenaje a la familia de su querida Irlanda, numerosa y de espíritu cristiano: en todos los personajes se respira verdadero cariño, sentido de servicio y un gran respeto a la autoridad del padre. Mientras la hija mayor ayuda a su madre, los cuatro hermanos trabajan en la mina junto al cabeza de familia para llevar a casa el jornal necesario para el sustento. Son felices aun en condiciones materiales precarias… y eso se ve en sus rostros, en sus bromas, en la convivencia familiar. Solo el abuso del patrón de la mina resquebrajará por momentos esa unidad, cuando dos de los hijos se nieguen, en conciencia, a seguir los dictados del padre: se suman a la huelga y se van de casa, mientras todos sufren esa ruptura como si de una herida en sus propias carnes se tratara.

El padre (Donald Crisp) sufre con resignación la soledad y la incomprensión del pueblo, que le acusa de esquirol. Pero tiene a su lado a Bronwen (Anna Lee), una mujer fuerte y fiel que se enfrenta a todo el vecindario para salvar el honor de su marido. En ese preciso momento, ella y su hijo pequeño sufren un accidente y, como consecuencia, cogen una grave pulmonía que hará temer por su vida. Es algo que la sociedad actual calificaría de desgracia y tragedia, pero… que en los años evocados en “¡Qué verde era mi valle!” supone una ocasión para manifestar su plena confianza en Dios y aceptarlo como venido de Él: no en vano, la enfermedad servirá para volver a unir a la familia y “para aprender a amar y madurar”, como les dirá el nuevo clérigo. En esos momentos duros, el sufrimiento les une más que nunca, y solo la necesidad de buscar trabajo o el devenir de la propia vida les obligará a separarse, siempre con la esperanza de volverse reunirse en el Cielo. A este respecto, resulta elocuente la respuesta dada por Ford cuando, en una entrevista, se le pregunta acerca del motivo por el que daba tanta importancia a la familia en sus películas: “¿Tiene usted madre, ¿no?”, contestó secamente.

Si Ford homenajea a la familia, también lo hace a la comunidad del pueblo unido en solidaridad. Tras unos primeros momentos de disensiones a la hora de acatar las directrices del patrón, al final estarán todos juntos, dispuestos a bajar a la mina a rescatar a los vecinos atrapados arriesgando incluso su vida. La ambientación social e histórica del momento es otro de los grandes logros de Ford. En plena revolución industrial, las minas de Gales suponen un marco geográfico en que las clases sociales están muy diferenciadas y donde se ofrecen los primeros movimientos de resistencia al poder patronal. Esto es una realidad pero sería un error juzgar ese momento con nuestras categorías actuales: los personajes sienten esa injusticia y esa rebeldía natural les lleva a exigir sus derechos, pero lo hacen según la mentalidad del momento, de tímido enfrentamiento o de resignación al lugar en que ocupan en la sociedad, y eso queda bien reflejado por Ford. Es una sociedad de clases porque las diferencias y restricción de derechos es algo evidente, pero se trata de un entorno y una injusticia que no lleva a la revolución sangrienta porque no existía una conciencia de odio ni de enfrentamiento (un director de orientación marxista hubiera dado, sin duda, otro derrotero al conflicto vivido). Junto a ello, contemplamos el fenómeno de la aventura americana que emprenden algunos de los hijos, como tantos otros europeos asumieron por entonces.

Si no fuera por la riqueza interior de la mayoría de los personajes, la película se nos presentaría como cruel y pesimista. Son varias las situaciones duras y dramáticas que van sucediéndose: abusos y una situación laboral difícil, tragedia en el río y muerte en la mina, un matrimonio infeliz y un ambiente de calumnias, emigración y desarraigo familiar… Todo es visto y grabado a fuego en el alma de un niño que lo recuerda ahora sin odio pero con nostalgia.

Los rasgos autobiográficos de la película son muchos y el propio Ford así lo ha reconocido al decir “soy el menor de trece hermanos, y debieron pasarme las mismas cosas; yo siempre me portaba como un niño fresco”. Ciertamente, sabemos que su propia familia conoció lo que suponía la emigración a un país nuevo y que también se apoyó en los valores tradicionales y cristianos para llevar las dificultades de la vida con garbo. Abundan, por otra parte, escenas emotivas y cargadas de humanidad. Podrían destacarse la del reencuentro de madre e hijo después de meses de enfermedad, la de la audacia del joven Huw al ofrecerse como cabeza de familia a la esposa del minero muerto, o aquella en que los hijos mayores parten para América a buscar trabajo. Sin embargo, la más conseguida quizá sea la de la boda de Angharad: todos aparecen en un primer plano, mientras en otro más general se ve al clérigo Mr. Gruffydd, solo e inmóvil, al pie de un árbol, incapaz de hacer nada por evitarlo.

Aunque inicialmente la película estaba pensada para William Wyler e incluso llegó a comenzar la preproducción, “¡Qué verde era mi valle!” tiene todas las características del cine de Ford, con una condensación narrativa digna ya de un maestro, unos ligeros picados y contrapicados con carga expresiva, o una cuidada fotografía en blanco y negro que da dramatismo a las escenas que lo requieren. También destaca el excelente decorado del pueblo, con una profundidad en su calle principal que es digna de elogio. Supuso el segundo Óscar para el director, además de llevarse otros cinco más, entre ellos a la mejor película y mejor guión. Por último, diremos que la película termina al modo teatral, porque a Ford le agradó la idea de que sus personajes volvieran a salir… para despedirse del público. Sin duda un bello final tras la dramática pero bella escena de recuperación de los cuerpos fallecidos en la mina. (miradadeulises.com)

Ficha técnica

Dirección John Ford
Ayudante de dirección Edward O'Fearna
Producción Darryl F. Zanuck
Guión Philip Dunne
Música Alfred Newman
Sonido Eugene Grossman - Roger Heman
Fotografía Arthur C. Miller
Montaje James B. Clark
Escenografía Thomas Little
Vestuario Gwen Wakeling
Efectos especiales Fred Sersen
Reparto Walter Pidgeon - Maureen O'Hara - Anna Lee - Donald Crisp - Roddy McDowall - John Loder - Sara Allgood - Barry Fitzgerald - Patric Knowles
País Estados Unidos
Año 1941
Género Drama
Duración 118 minutos
Productora y Distribución 20th Century-Fox

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Solo ante el Peligro (1952)

2009-09-25T11:43:00.006-04:00

High Noon, conocida en idioma castellano como A la hora señalada (Argentina) y Solo ante el peligro (España), es una película estadounidense de 1952, del género western, dirigida por Fred Zinnemann, protagonizada por Gary Cooper, Grace Kelly, Lloyd Bridges, Katy Jurado, Thomas Mitchell.
La acción se desarrolla en el transcurso de un día. Ganó cuatro Premios Óscar y cuatro premios Globo de Oro y otros importantes premios más.

Argumento
Will Kane (Gary Cooper), sheriff durante muchos años de un pequeño pueblo llamado Hadleyville, se acaba de casar con Amy (Grace Kelly), una joven cuáquera. Él ha renunciado como sheriff y está realizando los aprontes para abrir un negocio. Pero se esparce la noticia por el pueblo que Frank Miller (Ian MacDonald), un criminal que Kane había atrapado y llevado ante la justicia, llegará al pueblo en el tren del mediodia. Miller había sido sentenciado a prisión, pero su condena le fue perdonada por razones que no se explican en la película. En la corte de justicia, Miller juró vengarse de Kane y de todo el que se entrometiera en su camino. Su banda de pistoleros compuesta por tres forajidos lo esperan en la estación. Los habitantes del pueblo se preocupan por Kane, y le aconsejan que se vaya del pueblo. Lo mismo le dicen los amigos que le rodean.

Kane y su esposa dejan el pueblo, pero Kane sufre una crisis de conciencia considerando que el deber está por encima de todo y regresa. Recupera su insignia y trata de buscar a alguien que lo ayude a enfrentar a los bandidos, pero sus amigos se niegan a involucrarse en la pelea. Su ayudante, Harvey Pell (Lloyd Bridges), renuncia. Sólo su antigua amante, Helen Ramírez (Katy Jurado) lo apoya, pero él considera que es muy poca la ayuda que ella le puede prestar. Enojada, ella vende su negocio y se prepara a irse del pueblo. Su esposa Amy lo amenaza con partir en el tren del mediodía con o sin él, pero él se niega a darse por vencido.

Finalmente, Kane se enfrenta solo a los cuatro pistoleros. Abate a dos de los hombres de Miller, y cae herido en el episodio. Tanto Helen Ramirez como Amy abordan el tren, pero Amy desciende al escuchar el sonido de disparos. Amy finalmente elige entre la vida de su esposo sobre sus creencias religiosas, y mata al tercer pistolero disparándole a la espalda. Miller la toma como rehén y le ofrece a Kane negociar un acuerdo. Kane accede, saliendo al descubierto. Amy, le clava sus uñas en la cara a Miller, con lo cual se libera. Kane le dispara a Miller y lo mata. Luego, cuando los habitantes del pueblo comienzan a salir de sus escondites y refugios, Kane arroja su insignia de sheriff al suelo y se va del pueblo en compañía de su esposa.
algunas imagenes de la pelicula

Curiosidades
*En septiembre de 1951, durante el rodaje, el guionista Carl Foreman debió presentarse ante el Comité Parlamentario sobre Actividades Antiamericanas. Como se negó a brindar información, pasó a integrar las listas negras.
*Como él mismo contó en reiteradas oportunidades, la historia de la película es una alegoría de su situación personal. Cuando tuvo que declarar ante el Comité Parlamentario sobre Actividades Antiamericanas, Foreman se sintió solo, como el sheriff Will Kane en la ficción.
*Esta cinta ganó dos Globos de oro por mejor guión y mejor actriz de reparto para Katy Jurado.
*Por ser la primera cinta de Grace Kelly, su crédito iba abajo del de la mexicana Katy Jurado con quien tuvo un altercado durante la filmación, ya que no aguantaba la mirada de Katy Jurado y trastabillaba en lo que fue la última escena para ambas, al final tuvieron que filmar sus partes en forma separada.
*El corte final de la película estuvo a cargo del montajista Elmo Williams, a quien el director Fred Zinnemann le había dejado algunas indicaciones.
*Después del estreno, Howard Hawks y John Wayne se sintieron ofendidos por la película: no les pareció verosímil que un sheriff pidiera ayuda. En las películas clasicas del genero western Río Bravo y El Dorado, realizada por Howard Hawks se cuentan historias en las que los sheriffs se niegan a pedir ayuda para hacer su trabajo.

Ficha técnica
Dirección Fred Zinnemann
Producción Stanley Kramer - Carl Foreman
Guión Carl Foreman
Música Dimitri Tiomkin
Fotografía Floyd Crosby
Reparto Gary Cooper - Grace Kelly - Lloyd Bridges - Katy Jurado - Thomas Mitchell - Ian MacDonald
País Estados Unidos
Año 1952
Género Western
Duración 85 minutos
Productora Stanley Kramer Productions
Distribución United Artists

Ver trailer de la Pelicula

El maquinista de la General (1927)

2009-09-25T10:28:00.005-04:00

El maquinista de la general (título original en inglés: The General) es una de las películas más famosas en la historia del cine mudo. Siguiendo con lo que en él era habitual, Buster Keaton, realiza un film lleno de humor y situaciones embarazosas, entre cabriolas y equilibrios. Con una buena fotografía y una planificación minuciosa, consigue crear una cinta llena de comicidad, emoción y poesía.

La película está basada en un hecho real sucedido durante la Guerra Civil. Se trata de una adaptación del libro de William Pittenger: Daring and Suffering: A History of the Great Railway Adventure (Audacia y sufrimiento: Una historia de la gran aventura ferroviaria), el cual fue publicado en 1863.

Basándose libremente en un episodio de la guerra civil americana, el robo por parte de unos espías de la Unión de una locomotora sureña, Keaton creó uno de los espectáculos más imaginativos y trepidantes que alguien haya concebido jamás para una película de cualquier género. Johnny Gray (Buster Keaton) es maquinista en un estado del Sur y tiene dos grandes amores: una chica (Anabelle Lee) y una locomotora (La General). Al estallar la guerra de secesión, Johnny trata de alistarse, pero el ejército considera que será más útil trabajando en la retaguardia. Sin embargo, Anabelle cree que no va a luchar porque es un cobarde y, por ello, decide rechazarlo. El maquinista sólo podrá demostrar su auténtico valor cuando un comando nordista infiltrado tras las líneas confederadas le robe "La General" y rapte a Anabelle. Johnny no dudará un segundo en subirse a otra locomotora y perseguir a los yanquis para recuperar a sus dos amadas.

El maquinista de la General ha sido considerada como la obra maestra de Buster Keaton, en la cual no sólo participa como actor, sino como director y escritor. En la película podemos apreciar las técnicas de las que hacía uso para desarrollar un lenguaje cinematográfico adecuado a lo que el quería transmitir. Varios autores consideran que Keaton supera a Chaplin debido a que el primero demostró conocer perfectamente el medio en el que se desenvolvía y así lo demuestran aquellas escenas en las que se observa a Johnnie corriendo por la parte superior de la máquina o cuando va en la bicicleta. El principio esencial en el que se basa el montaje y el contenido de las escenas en general es el de veracidad y fidelidad. Keaton procura que lo que graba se vea lo más real y creíble posible, no importándole gastar hasta un millón setecientos mil dólares para dejar caer una locomotora al río. Igualmente, Buster no acepta el uso de dobles ni en las escenas más peligrosas, como la de Johnnie sentado en la biela de la locomotora que de pronto empieza a avanzar.

El montaje busca explicar las causas de todo lo que sucede en la historia, no oculta nada, al menos no al público. Se muestran mayormente las acciones paralelas para mostrar lo que hace un bando y lo que hace el otro.

Keaton se basa en la inexpresividad de su rostro para emitir gran cantidad de emociones a través de los distintos encuadres, los juegos de luz y las expresiones de los demás personajes. Su personalidad está completamente definida, así como el uso que hace del lenguaje cinematográfico para alcanzar su más grande objetivo: hacer reír a la gente.

Ficha técnica
Dirección Buster Keaton - Clyde Bruckman
Producción Buster Keaton
Guión Buster Keaton y Clyde Bruckman
Fotografía Bert Haines
Reparto Buster Keaton (Johnnie Gray), Marion Mack (Annabelle Lee), Charles Henry Smith (Mr. Lee), Richard Allen (Frank Barnes), Glen Cavender (capitán de la Unión Anderson)
País Estados Unidos
Año 1927
Género Comedia
Duración 75 minutos
Productora Buster Keaton Productions Inc. y United Artists

Esta Película es de dominio público y por gentileza de Google video aqui esta la pelicula completa, que la disfruten.

Cine y literatura en Chile

2009-09-23T12:10:00.006-04:00

Una historia antigua y desconocida

Relación entre el cine y la literatura
El vínculo entre la literatura y el cine nacional tiene una historia poco contada. Desde Martín Rivas y "La chica del Crillón", la historia del cine chileno suma numerosas películas basadas en textos literarios. Algunos títulos llevados a la pantalla son Campo de sangre, basada en la novela de Oscar Castro y dirigida por Enrique Vico; Deja que los perros ladren (1961), obra de teatro de Sergio Vodanovic, dirigida por Naum Kramarenko; Tres tristes tigres (1969), obra de teatro de Alejandro Sieveking, dirigida por Raúl Ruiz; Actas de Marusia (México, 1976), novela de Patricio Manns, dirigida por Miguel Littin; Ardiente paciencia (Alemania, 1983), escrita y dirigida por Antonio Skármeta; Alsino y el cóndor (Nicaragua, 1982), basada en la obra de Pedro Prado, dirigida por Miguel Littin; Amelia López O'Neil (1990), basada en una crónica de Joaquín Edwards Bello, dirigida por Valeria Sarmiento; Eloy, inspirada en la novela homónima de Carlos Droguet; La casa de los espíritus y De amor y de sombra, mega producciones internacionales inspiradas en la novelas de Isabel Allende; y Subterra, dirigida por Marcelo Ferrari, basada en la obra de Baldomero Lillo.

La relación entre el cine y la literatura es de antigua data y ha generado un valioso aporte a la historia del cine nacional. No sólo los directores se inspiraron en obras para el rodaje de sus películas, sino que también los escritores fueron seducidos por este nuevo lenguaje. Es así como, a pesar que, las primeras películas nacionales fueron tomas de la vida cotidiana, hacia fines de la década de 1920, se rodaron películas como Manuel Rodríguez, estrenada en 1920, cuyo argumento fue una adaptación de la novela de Alberto Blest Gana, Durante la reconquista, y Martín Rivas (1925), basada en la novela homónima del mismo autor.

En sus comienzos, el cine nacional se nutrió del teatro, que aportó no sólo con actores y técnicos sino también con textos de calidad a la producción de películas. Para algunos críticos, los dramaturgos fueron los "escritores puentes" entre el novelista y el guionista de cine, cabe mencionar por ejemplo a Antonio Acevedo Hernández, Rafael Maluenda y Víctor Domingo Silva. Otros géneros literarios también hicieron un aporte al cine mudo chileno, así por ejemplo, Alberto Santana realizó dos películas basadas en textos literarios: El monje (1924) inspirada en el poema de Pedro Antonio González; y El caso GB (1925), cuyo argumento está basado en la colección de cuentos Al desnudo, de Gustavo Balmaceda.

La irrupción del cine sonoro produjo un gran cambio en el mundo cinematográfico. Este fenómeno afectó negativamente a Vicente Huidobro, quién acababa de recibir un premio por su novela-film Cagliostro, publicada en 1934.

Nace Chile Films

El 16 de julio de 1942, a través del Decreto Supremo Nº 2581 se creó Chile Films, filial de la Corporación de Fomento de la Producción CORFO, con el objeto de dar un impulso a la producción de películas chilenas. Los estudios de Chile Films eran los más avanzados de Sudamérica, lo que permitió que el cine nacional continuara su desarrollo con un impulso renovado.
En el año 1944, se estrenaron las primeras películas rodadas en este espacio, "Un romance de medio siglo" y "Hollywood es así". Uno de los objetivos fundamentales de Chile Films fue el intento de generar un mercado para sus producciones, de modo tal que su público no se limitara sólo al nacional. Bajo esta premisa se rodaron películas como "La dama de la muerte", ambientada en Londres, y "El diamante del maharajá", en la India.
Por otra parte, la empresa produjo noticiarios de buen nivel que eran exhibidos en los cines antes de la proyección de las películas, obteniendo el reconocimiento del público. Paralelamente, la producción de largometrajes continuó aún cuando no respondían a las espectativas de la empresa. Algunos filmes de este período fueron La dama sin camelias, de José Bohr; Tormenta en el alma, de Adelqui Millar; Memorias de un chofer de taxi, de Eugenio de Luigoro; Yo vendo unos ojos negros, de René Olivares; Esperanza, de los argentinos Francisco Mujica y Eduardo Boneo. Para parte importante de la crítica especializada, éste último filme marcó el primer hito en el decaimiento de la actividad cinematográfica, terminando con el entusiasmo de su creación.

1973
Después del golpe de Estado de 1973, el cine nacional se estancó. Sin embargo, debido a la persecusión y al exilio, su evolución continuó en otras latitudes, destacándose por ejemplo, "La muerte y la doncella" de Ariel Dorfman y "El cartero" de Antonio Skármeta, por mencionar algunas. En Chile, hacia finales de la década de 1970 apareció "Julio comienza en Julio", dirigida por Silvio Caiozzi, reconocido director de cine que posteriormente filmó "Coronación", basada en la obra de José Donoso.

A partir de la década de 1990, la vinculación entre cine y literatura continuó vigente, proporcionando nuevas formas de expresión como es el caso de las adaptaciones de cuentos chilenos para la televisión y la versión de Subterra, inspirada en la obra de Baldomero Lillo y dirigida por Marcelo Ferrari.
fuente: www.Memoriachilena.cl

Vean el Trailer de Sub-Terra y espero les haya gustado este articulo.

Jerry Lewis

2009-09-21T15:32:00.003-04:00

Joseph Levitch nacio un 16 de marzo de 1926, conocido como Jerry Lewis, es un icono en el cine comico estadounidense entre los años 40 y 60 aprox. que revitalizo con ingenio y talento la antigua tradicion del slapstick y el absurdo.

Hijo de padres judíos, Lewis nació en Newark, en el estado de Nueva Jersey. Sus padres trabajaban en el mundo del espectáculo, su padre Rae Rotherberg, pianista de variedades, y Danny Lewis cantante de cabaret. Antes de seguir la tradición familiar, Jerry Lewis, trabajó de tendero, camarero, portero y botones. Acompaña a una orquesta de jazz como showman y en 1946 empieza a actuar en clubes nocturnos de la costa oeste de los EE.UU. junto con Dean Martin. El pequeño Lewis ya cantaba en giras cuando tenía sólo cinco años. Dejó el colegio un año antes de terminar sus estudios, y se dedicó a practicar la interpretación, simulando detrás de los escenarios que hablaba o cantaba moviendo la boca en consonancia.

Sus inicios
A finales de los años 40 y principios de los 50, Lewis formó pareja con Dean Martin (actor y cantante), resultando esta unión en uno de los dúos más cómicos de la historia del cine. Su humor, si bien reconoce raíces en el duo de Abbot y Costello era especial y diferente a lo visto hasta entonces. Los dos llevaban las situaciones a extremos maníacos y absurdos, lo que impactó fuertemente en un segmento importante del público, aunque es cierto que no a todos les agradó este tipo de comedias.

Su debut lo hicieron en 1949 de la mano del productor Hal Wallis, en la película My Friend Irma. A esta película siguió una secuela, y otras varias durante los siguientes seis años, en los que Lewis y Martin permanecieron juntos. Si bien es cierto, hubo un grado de amistad entre Martin y Lewis, Martin usaba a Lewis para escalar dentro del ambiente hollywodense y mientras el ego de Lewis iba creciendo debido a que Martin no podía robar cámara a Lewis, la ruptura era cada vez más inminente, hasta que se separaron abruptamente en 1956. Sólo veinte años después y gracias a la intervención de Frank Sinatra (un amigo en común) el duó haría las paces en el Teleton de Jerry Lewis. En total hicieron 17 peliculas juntos.

El duo se separa
En 1957, tras la separación con Dean Martin, Lewis interpretó su primera película en solitario, "The Delicate Delinquent", en la que demostró que podía triunfar sin la participación de un compañero. En los siguientes años intervino en una serie de películas que fueron todas ellas grandes éxitos de taquilla. Después de esta larga experiencia en el cine Lewis quiso también dirigir, y realizó en 1960 el filme "The Bellboy", rodado en un hotel de lujo en Miami donde se producen numerosas situaciones cómicas. A partir de entonces Lewis fue alternando entre películas concebidas y dirigidas por él mismo, y otras en las que se limitaba a actuar.
Su primer esfuerzo como guionista y director fue complementado con la estimable pelicula "El botones" (1960), un film alabado incluso por el mismisimo Charles Chaplin.

La película "The Nutty Profesor" (El profesor chiflado) de 1963, fue considerada por la crítica francesa como su mejor película. Sin embargo, los críticos de otros países comenzaron a opinar que Lewis estaba cayendo en el error de considerarse a sí mismo infalible en sus actuaciones. Tal vez coincidió que el público ya estaba algo cansado de los gags de Lewis, que últimamente eran exagerados y se repetían de una u otra forma. La buena estrella del actor comenzó a declinar, y sus películas ya no tuvieron el éxito acostumbrado en taquilla.

A la vista de esta situación, Lewis probó en televisión, donde se emitió un show de dos horas los sábados por la noche " El Show de Jerry Lewis". También aquí el ego de Lewis resultó negativo, de forma que el programa fracasó y tuvo que ser retirado de la programación. Lewis hizo una película más en 1970, pero después se retiró del cine durante diez años. Durante ese tiempo apareció en un programa de televisión que duró dos años y en espectáculos en directo, entre ellos en Las Vegas. Sin embargo, aquello por lo que cosechó mayor popularidad fue su trabajo desinteresado por la Asociación Americana de Distrofia Muscular haciendo o dirgiendo el famoso teleton, donde reunian fondos para la ayuda de esta institucion hecho por el cual fue nominado para el premio nobel de la Paz en 1977.

Su retorno al cine
El año 1980 marcó su vuelta al cine. Intervino en varias películas, algunas más serias que de costumbre, y con directores y actores co-protagonistas importantes, como Martin Scorsese y Robert De Niro. Ello le llevó a actuar también en películas de televisión, y a convertirse nuevamente en un actor solicitado. En 1991 debutó incluso en Broadway, en la reedición de la obra Damn Yankees, en la que interpretó al diablo, papel por el que cosechó un éxito notable. Con los años, Lewis ha sido reivindicado por parte de la crítica, la que no puede soslayar que el cómico ha sido el referente de exitosos comediantes contemporáneos, como Jim Carrey, Adam Sandler o Will Ferrell, en tanto precursor del gag físico y desmesurado, creador de sus propias rutinas y hacedor de un estilo visual a veces sutil y otras sobreexpresivo.

Lewis se casó dos veces, la primera en 1944 con Patti Palmer. Después de 38 años el matrimonio se divorció en 1982 y se volvio a casar en 1983 con Sandee Pitnick y adoptó una hija. De su primera esposa tiene cinco hijos, destacando su hijo Gary que durante la mitad de la década de 1960 tuvo una serie de éxitos importantes en el Hit Parade con el grupo Gary Lewis & The Playboys.

Lewis y la Teleton
La primera Teletón del actor Jerry Lewis fue el año 1966, a beneficio de la Asociación de la Distrofia Muscular (MDA), el Día del Trabajo. Jerry Lewis es considerado el padre de la Teletón. Fue un evento televisado por un canal de televisión de Nueva York y recaudó más de $1 millón de dólares. Con los años creció sostenidamente y en los 70s ya participaban 65 estaciones en todo Estados Unidos. Hoy en día, la maratón televisiva de recaudación de fondos dura 21,5 horas y reúne a 200 estaciones de MDA “Love Network”. Se ha transformado en una tradición en el Día del Trabajo para 60 millones de televidentes estadounidenses. Este Mismo ejemplo lo han tomado varios paises (Chile, Mexico ejemplos) donde han podido lograr cifras millonarias para la ayuda de las instituciones que representan. El Premio Humanitario Jean Hersholt se entrega anualmente en la ceremonia de los Premios de la Academia en reconocimiento a la labor en causas humanitarias, le debe su nombre al actor Jean Hersholt. El trofeo es una estatuilla "Óscar". En el 2008 se lo adjudica este gran personaje de la historia del cine y el espectaculo.

Filmografía
* Funny Bones (1995)
* Arizona Dream (1993)
* Mr. Saturday Night (1992)
* Cookie (1989)
* How Did You Get In? We Didn't See You Leave (1984)
* To Catch a Cop (1984)
* Cracking Up (1983)
* The King of Comedy (1983)
* Slapstick (Of Another Kind) (1982)
* Rascal Dazzle (1980)
* Hardly Working (1980)
* The Day the Clown Cried (1972)
* Which Way to the Front? (1970)
* Hook, Line & Sinker (1969)
* Silent Treatment (1968)
* Don't Raise the Bridge, Lower the River (1967)
* The Big Mouth (1967)
* Way... Way Out (1966)
* Three on a Couch (1966)
* Boeing Boeing (1965)
* The Family Jewels (1965)
* The Disorderly Orderly (1964)
* The Patsy (1964)
* Who's Minding the Store? (1963)
* El profesor chiflado (1963)
* It's Only Money (1962)
* The Errand Boy (1961)
* The Ladies' Man (1961)
* Cinderfella (1960)
* The Bellboy (1960)
* Visit to a Small Planet (1960)
* Don't Give Up the Ship (1959)
* The Geisha Boy (1958)
* Rock-a-Bye Baby (1958)
* The Sad Sack (1957)
* The Delicate Delinquent (1957)
* Hollywood or Bust (1956)
* Pardners (1956)
* Artists and Models (1955)
* You're Never Too Young (1955)
* Jerrico, the Wonder Clown (1954)
* Living It Up (1954)
* Money from Home (1954)
* The Caddy (1953)
* Scared Stiff (1953)
* The Stooge (1953)
* Road to Bali (1952)
* Jumping Jacks (1952)
* Sailor Beware (1952)
* That's My Boy (1951)
* At War with the Army (1950)
* My Friend Irma Goes West (1950)
* How to Smuggle a Hernia Across the Border (1949)
* My Friend Irma (1949)

Ver algunos videos de Jerry Lewis

Detras de camaras y trailer de El Profesor Chiflado

¡Vive como quieras! (1938)

2009-09-14T14:27:00.006-04:00

Aparece James Stewart
Stewart atrajo el interés del buscatalentos de MGM Bill Grady quien vio a Stewart en la noche de estreno de "Divided by Three", una première glamurosa que incluía entre el público a luminarias como Irving Berlin y Moss Hart y su amigo Fonda quien había regresado a Nueva York para ver el espectáculo. Con el apoyo de Fonda, Stewart accedió a probarse para la pantalla y firmó un contrato con MGM en abril de 1935, como un actor contratado hasta por siete años con un sueldo de 350 dólares semanales
Al llegar por tren a Los Angeles, Fonda le dio la bienvenida a Stewart en la estación y lo llevó a su apartamento suministrado por el estudio, al lado de Greta Garbo.

Su primer papel fue en "The murder man" (1935), una película dirigida por Tim Whelan y protagonizada por Spencer Tracy. Al año siguiente, Stewart participaría en ocho títulos que le permitieron poder sustentarse en Hollywood. De ese año tenemos que destacar "Nacida para la danza" (1936) de Roy del Ruth, "Rose Marie" (1936) de W. S. Van Dyke, "Next time we love" (1936) de Edward Griffith donde coincidió con su vieja amiga Margaret Sullavan, y "Ella, él y Asta" (1936), película dirigida de nuevo por Van Dyke.

A pesar de ser productos meramente alimenticios y que no han pasado a la historia del cine, Stewart comenzó a estar presente y obtuvo ese papel con el que un actor se convierte definitivamente en estrella. Sería el bienintencionado Frank Capra el que se fijo en él para protagonizar "Vive como quieras" (1938), una deliciosa comedia junto a Jean Arthur en la que Jimmy demostró su comicidad juvenil. La película fue todo un boom y aunque Jimmy no estuvo nominado al Oscar, la estatuilla recayó tanto en la película como en Capra. La película le había convertido en popular y muchos americanos se identificaron con ese hombre delgaducho y noble.

La Pelicula
Es la historia de dos enamorados, Tony y Alice, que pertenecen a familias de distinto rango social. Alice, es la nieta de Martin Vanderhof, comúnmente llamado el abuelo, cabeza de una familia numerosa y muy singular. Su filosofía de la vida es el "vive como quieras", lo que hace que la familia sea algo estrambótica y anárquica. Sin embargo, viven felices porque cada uno es libre y se sabe querido siendo tal como es. Por el contrario, Tony es el hijo único de un importante banquero que vive para su negocio y cuyos proyectos futuros sitúan a su hijo al frente de la compañía. Aunque posee mucho dinero es pobre ya que la gente le estima por su dinero y no por ser quién es. Sólo cuando se de la premisa tan Capriana de que la felicidad está en darse a los demás, encontraremos la moraleja de esta bienintencionada película.

Comentarios de la pelicula

Ofrecemos como recomendación esta otra película de ambiente navideño, que se trata de una joya en el cine de finales de los años 30. De nuevo tenemos a Frank Capra, uno de los directores más válidos y mundialmente reconocido, como así lo avalan sus 3Oscars (uno de ellos por este mismo filme, premiado también con la estatuilla dorada a la mejor película del año).

La historia es fantástica, es original, diferente y amena. Tony Kirbi (James Stewart), hijo de un banquero millonario, se enamora de su secretaria Alice Sycamore (Jean Arthur), que pertenece a una familia de clase media-baja cuyo objetivo en la vida es el siguiente: Vive como quieras.

El momento cumbre de esta divertidísima película sucede cuando Tony y sus padres, deciden visitar a Alice y su familia a su casa. El espectáculo que se encuentran es de lo más bochornoso para unas personas de tan alta alcurnia, y lo que a partir de allí sucede es de lo más retorcido.

Sin duda, lo mejor de todo es el encuentro y lo que éste desencadena. Vive como quieras es un canto a la amistad que ayuda a discernir lo que es verdaderamente importante en la vida. Y eso da que pensar.

Ficha técnica
Dirección Frank Capra
Producción Frank Capra
Guión George Kaufman - Moss Hart - Robert Riskin
Reparto James Stewart - Jean Arthur - Lionel Barrymore - Edward Arnold - Spring Byington - Ann Miller - Charles Lane - Mischa Auer - Eddie 'Rochester' Anderson - Arthur Murray
País Estados Unidos
Año 1938
Duración 126 minutos
Productora Columbia Pictures

Ver trailer de la pelicula, en español

Conduciendo a Miss Daisy (1989)

2009-09-07T16:17:00.004-04:00

Driving Miss Daisy, también conocida como "El chófer de la señora Daisy", "Conduciendo a Miss Daisy", "El chófer y la señora Daisy" y "Paseando a Miss Daisy" es una película estadounidense de 1989, adaptada de la obra de Alfred Uhry Driving Miss Daisy para la Warner Brothers. La película fue dirigida por Bruce Beresford con Morgan Freeman y Jessica Tandy en los papeles protagonicos. La historia define a la señora Daisy y su punto de vista a través de una red de relaciones y emociones que se desarrollan en su casa, en la sinagoga, entre sus amigos y familiares, temores y preocupaciones. Hoke rara vez se ve fuera de la prescencia de la señora Daisy, aunque el título implica que la historia es contada desde su perspectiva. La película fue ganadora del premio de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas a mejor película en 1989.

Argumento

En 1948 la Señora Daisy Werthan, una viuda judía de 72 años, vive en Atlanta, Georgia, en la compañía de su trabajadora domestica afroamericana llamada Idella. Después de un accidente en su automóvil Chrysler el hijo de la Señora Daisy, Boolie, le contrata un chofer porque ninguna compañía de seguro le asegurara, ella se niega, pero Boolie está decidido para encontrar uno. Mientras tanto, ella está parada en casa incapaz de relizar sus compras, visitas a sus amigos y asistir a la iglesia, por no poder conducir. Boolie encuentra a un hombre, Hoke Colburn (Morgan Freeman), la señora Daisy en un principio se niega a la ayuda de Hoke, ante el hecho de que las personas puedan llegar a creer que es demasiada vieja y tonta para para conducir. La señora Daisy llega a la aceptar Hoke y el hecho de que ella necesita ayuda para transportarse, descubre que Hoke no sabe leer, y por su antigua profesión como maestra le enseña cómo leer. La señora Daisy tiene que asistir a la fiesta de cumpleaños número noventa de su hermano en Mobile, Alabama. Hoke le revela, durante el viaje, que es la primera vez que él ha salido del Estado de Georgia. Durante su viaje de Atlanta a Mobile, la señora Daisy comprende en varias circunstancias durante el viaje sobre los aspectos sociales y los prejuicios raciales. Al paso del tiempo la señora Daisy toma aprecio por Hoke ante varias circunstancias. En 1965, mientras veían la televisión en la cocina, Idella muere. la señora Daisy entristece por la cercanía y el tiempo que compartió con Idella, y acompañada por su familia son las únicas personas blancas en el funeral. Ante los importantes cambio sociales de la época, la señora Daisy observa con especial atención los prejuicios y la discriminación hacia los negros y los judíos por lo que asiste al dicurso en Atlanta del Dr. Martin Luther King, invitando inicialmente Boolie a la cena, pero él se medita sobre su posición y los pensamientos de sus asociados ante la asistencia al acto y sugiere a la señora Daisy invitar a Hoke.

La señora Daisy no menciona la invitación a Hoke hasta que él está llevándole a la cena. Su renuencia a invitar a Hoke subraya el racismo pasivo que a menudo pasa desapercibido en comparación con el racismo más abierto y agravado. Pocos años más tarde, Hoke se llega a casa casa de la señora Daisy y la encuentra en un estado de confusion, él llama Boolie y le dice que su madre se encuentra mal. Antes de la llegada de Boolie logra tranquilizar a la señora Daisy y ella le revela a Hoke que él es su mejor amigo sujetándole mano. Boolie decide que lo mejor para su madre es que sea atendida en una casa de retiro. Dos años más tarde, en 1973, Boolie decide vender la casa de la señora Daisy, y Hoke se ha retirado de la conducción. Hoke ahora cuenta con 85 años y la señora Daisy con 97 años. Boolie y Hoke se reúnen por último en casa de la señora Daisy y parten de ella a la casa de retiro para visitar la señora Daisy. La película termina con Hoke dando de comer una pieza de pie a la señora Daisy, ambos recordando viejos tiempos y mezclado con la imagen del Hudson que inicialmente Hooke condujo para la señora Daisy desplazandoce por la una calle con rumbo al horizonte.

Comentarios
Driving Miss Daisy es una de las primeras obra de teatro de la denominada "Trilogía de Atlanta" de Alfred Uhry, en las que se narra la vida de algunos miembros de la comunidad judía en la ciudad de Atlanta, Georgia. Alfred Uhry consiguió un gran éxito con su obra, llegando a ganar el Premio Pulitzer para obras dramáticas.

El titulo de la película debe ser interpretado como Manejando a la señora Daisy por el papel de Hoke al lidiar con el caracter de la señora Daisy.

Premios
Algunos premios obtenidos son: Ganadora de el Óscar de 1989 como Mejor película (Richard D. Zanuck y Lili Fini Zanuck); oscar a Mejor actriz (Jessica Tandy); oscar a Mejor guión adaptado (Alfred Uhry); oscar a Mejor maquillaje (Manlio Rocchetti - Lynn Barber - Kevin Haney).
Ganadores de Globos de Oro a Mejor Película - Comedia o musical (Richard D. Zanuck -
Lili Fini Zanuck - Bruce Beresford) Morgan Freeman (Mejor Actor) y Jessica Tandy (Mejor Actriz )Ganadora

Ficha técnica
Dirección Bruce Beresford
Producción Richard D. Zanuck - Lili Fini Zanuck
Guión Alfred Uhry
Música Hans Zimmer
Fotografía Peter James
Reparto Jessica Tandy - Morgan Freeman - Dan Aykroyd - Patti LuPone
País Estados Unidos
Año 1989
Género Drama - Comedia
Duración 99 minutos
Productora Warner Bros
fuente: wikipedia

Ver Conduciendo a Miss Daisy, trailer de la pelicula

El Padrino II (1974)

2009-08-28T12:12:00.005-04:00

Mario Puzo's The Godfather: Part II, conocida en castellano como El Padrino II (Sudamérica) o El Padrino, parte II (España), película estadounidense de 1974 dirigida por Francis Ford Coppola, que continúa la película El Padrino, siendo la segunda parte de la trilogía.

Argumento
La película cuenta dos historias paralelas en diferentes tiempos. La historia principal es la continuación de la primera película, siguiendo a la familia Corleone dirigida por Michael en los años 50; la otra es un flashback que sigue a su padre, Vito, desde su juventud en Sicilia a la fundación de la familia criminal Corleone en Nueva York, y de los nacimientos de Michael y de sus hermanos. Esta versión de Vito es actuado por diversos actores en diversas edades, pero Robert De Niro, que representa a Vito adulto, ganó un Oscar al mejor actor de reparto, en un papel en el cual, interesantemente, consiste casi enteramente en diálogos en italiano.

En una reconstrucción meticulosa de la “Pequeña Italia” (Little Italy) de Nueva York a principios del siglo XX, la audiencia experimenta los primeros años de Vito Andolini (que posteriormente pasa a ser Corleone). En Sicilia, un capo local llamado Don Ciccio ordena matar al padre y hermano mayor del niño Vito Andolini. La madre de Vito pide audiencia a Don Ciccio y suplica por la vida de su hijo. Don Ciccio se niega a perdonarlo argumentando que cuando crezca lo buscará para matarlo (lo que se convierte en una profecía). Su madre toma de rehén a Don Ciccio y le grita a Vito que huya. Vito Andolini logra huir a Nueva York, Estados Unidos. Durante una entrevista con Inmigración cambia su apellido a Corleone debido a una confusión. Una vez crece, la historia narra su lucha contra la Mafia en su nuevo hogar; sus inicios como pequeño ladrón, su elevación a ser el nuevo “Don” y su venganza contra el asesino de su familia en Sicilia, donde asesina a Don Ciccio de una puñalada en el estomago.

La historia “actual” de la película ocurre varios años después de la muerte de Vito Corleone, con su hijo Michael Corleone como el nuevo “Don”. Frío y calculador, Michael en sus intentos de consolidar los intereses de la familia Corleone, pierde contacto con su familia y acaba perdiéndola. A pesar de su creciente poder, está siendo investigado por un comité del Senado de los Estados Unidos. Además está nervioso por una inversión prevista en Cuba bajo dirección de Hyman Roth (Strasberg), quien había instigado un intento de asesinato en su contra, junto con alguien cercano a él. El ataque falla, y Michael sobrevive y procura descubrir al traidor, quien resulta ser su hermano Fredo (Cazale).

La película alcanza su clímax en las escenas de asesinato al igual que el clímax de la primera película. Los dos asesinados son Fredo Corleone y Hyman Roth. Además, se presenta el suicidio de Frank Pentangelli, un ex socio de Michael, que al sentirse traicionado, accede a hablar ante el Congreso contra la Familia Corleone.

El aclamado director Francis Ford Coppola, junto con el célebre escritor Mario Puzo, nos muestran una precuela y una secuela, primero de lo que fue la llegada de Vito Corleone a Estados Unidos, específicamente al vecindario de Little Italy (obteniendo un Oscar en escenografía; Dean Tavoularis) y segundo lo que vino a consagrar como el sucesor de la Familia a Michael. Podemos deducir que Mario Puzo mucho fue lo que debió escribir en la elaboración de la segunda parte, ya que, si bien en el libro "El Padrino" sólo dedicaba un capítulo a la juventud de Vito, en donde narra su llegada del pueblo de Corleone a Estados Unidos, y trata de manera somera los primeros lazos que tuvo con el joven Clemenza y Tessio, y como llega a posicionarse como el "Don" una vez que logra eliminar a Fanucci que pertenecía a una organización conocida como la "Mano Negra".

Dentro de los datos curiosos que se pueden destacar, es la gran cantidad de escenas que fueron suprimidas, Vito transita por uno de los callejones del vecindario y observa como tres jóvenes le ponen una navaja en el cuello a Fanucci, y éste escapa pidiendo auxilio, también donde Clemenza presenta a Hyman Roth a Vito, éste sería el mecánico encargado de la reparación de los camiones distribuidores de aceite de oliva, Roth que en ese momento ostentaba otro apellido (judío) le pide a Don Vito que lo rebautice a lo que accede preguntándole que nombre querría llevar y Roth le responde que desea ostentar el apellido de Roth en honor a un dirigente que arregló de manera fraudulenta la liga de béisbol.

También existen curiosidades de escenas en la secuela de la película, como el final que se había pensado para ésta, en donde aparece Kay rezando por el alma de Michael, pero que después fue cambiada por el recuerdo familiar que le viene a Michael en el momento de encargar a Neri la ejecución de Fredo; si bien en ese momento Michael recuerda que Fredo fue el único que lo apoyó en su decisión de enrolarse en el ejército, lo más destacable como lo dijo después Robert Duvall es que si bien no aparece Brando, (existieron problemas legales con Paramount Pictures) se siente su presencia en todo instante. Cabe destacar la excelente actuación de Michael V. Gazzo que interpretaba al carismático y cómico mafioso Frank Pentangelli, que muchos sostienen que de no habérsele suprimido escenas hubiese sido fiel aspirante a competir con Robert De Niro por el Oscar a mejor actor de reparto.

Robert De Niro que hasta ese entonces no era un actor muy considerado (nótese que fue rechazado en el "casting" para interpretar a Sonny en la primera parte, y que en las pruebas de cámara parece que intenta hacer el mismo papel que en Malas Calles de Martin Scorsese), hizo un papel más que considerable en la encarnación de Vito en su juventud, ganando, a la postre (como ya se menciona anteriormente), el Oscar al mejor actor de reparto.

En la entrega de los Premios Oscar de ese año tuvo 11 nominaciones a la maxima estatuilla y logro 6 de ellas : Oscar a la mejor película; Oscar al mejor director Francis Ford Coppola; Oscar al mejor actor de reparto Robert De Niro; Oscar al mejor guión adaptado Francis Ford Coppola y Mario Puzo; Oscar a la mejor banda sonora Nino Rota y Carmine Coppola; Oscar a la mejor dirección artística Dean Tavoularis, Angelo Graham y George R. Nelson

Ficha técnica
Dirección Francis Ford Coppola
Producción Francis Ford Coppola
Guión Francis Ford Coppola - Mario Puzo
Fotografía Gordon Willis
Reparto Al Pacino - Robert De Niro - Robert Duvall - Diane Keaton John Cazale - Talia Shire - Lee Strasberg - Michael V. Gazzo -
G.D. Spradlin - Richard Bright - Gastone Moschin - Tom Rosqui - Bruno Kirby - Frank Sivero - Francesca De Sapio - Dominic Chianese
País Estados Unidos
Año 1974
Género Drama
Duración 200 minutos
Distribución Paramount Pictures

Ver Trailer de El Padrino Parte II

Tony Manero (2008)

2009-08-28T11:23:00.004-04:00

Fuga, la vilipendiada ópera prima de Pablo Larraín, no generaba muy buenos augurios sobre el futuro de su director. Sin embargo, los excelentes comentarios que tuvo su nueva cinta Tony Manero en la Quincena de realizadores de Cannes, nos motivó a saber por adelantado cuáles son los atributos de esta auténtica resurrección cinematográfica. Nuestro amigo Manuel Yáñez, destacado crítico de las revistas españolas Letras de cine, Fotogramas y el sitio argentino Otroscines.com, vio la película en Cannes y la analizó la que promete ser la pelicula del año del cine chileno.

Corrupción, inmunidad, fisicidad y feísmo. Esos parecen ser los cuatro pilares (argumentales y formales) que sostienen el armazón que da pie a una película como Tony Manero, filme incómodo, de atmósferas viciadas y personajes cuyas personalidades cubren el espectro que va de lo patético a lo detestable. Crónica anti-sentimental de una sociedad en crisis, el Chile de 1978, sumido en el terror de la dictadura militar. Una película que opta por abordar la crítica social a través de la parábola, y que, en mayor medida, lo consigue. Es notable, por ejemplo, la sustitución de los uniformes policiales y del ejército por otra indumentaria que se convierte en objeto fetichista tanto para el personaje protagonista como para el imaginario estético del filme: el traje de baile de Raúl (magnífico Alfredo Castro), con el que pretende encarnar a Tony Manero en un concurso de imitadores del personaje que interpretó John Travolta en Fiebre de sábado por la noche, la película que, en plena fiebre dance, dirigió John Badham en 1977.

Desde su arranque, la película opta por adoptar una perspectiva cerrada sobre su protagonista. La cámara se pega a la nuca de Raúl, intentando representar el carácter obsesivo del personaje. De este modo, el director, Pablo Larraín, consigue plasmar en imágenes la ambivalencia anímica que domina al personaje. Por una parte, la convicción latente en su comportamiento, la decisión de cada uno de sus gestos; y al mismo tiempo la sospecha permanente de que su tránsito lo conduce hacia un horizonte que se vislumbra inexistente. En conjunto, el filme parece describir una suerte de perpetua marcha fúnebre. Cabe advertir, a estas alturas, que Raúl, el protagonista, también mata a gente. Asesina con brutalidad y frialdad; la muerte se inmiscuye en su senda vital como un pequeño obstáculo que sobrellevar para poder dar forma a su sueño. Y lo importante aquí es observar cómo la cámara de Larraín decide no emitir un juicio tajante sobre los acontecimientos. Los asesinatos se insertan en el curso de la trama con crudeza, la violencia es palpable, sin embargo, la planificación permanece inmutable. La perspectiva del observador, el cineasta, desacentúa el carácter trágico de los hechos, y el receptor, el espectador, es testimonio de cómo los crímenes abren un vacío moral en el relato, una grieta que se extiende parsimoniosa y turbadora por todo el escenario de la narración. No cabe duda de que este es el mayor hallazgo del filme: Larraín no enjuicia al protagonista como un psicópata o un enfermo. Raúl no es víctima ni verdugo, sino la amarga manifestación de un estado (mental y social) de corrupción moral.

Viaje al centro de la nocheTony Manero es una película que prioriza por la desnudez de las acciones por encima de los laberintos de la psicología. Los personajes se mueven por el escenario de la representación sumidos en un cierto mutismo y desafección. Son todos ellos parte de una realidad amoral en la que el crimen se comete bajo la impunidad más absoluta. Una realidad cuyo único incentivo parece ser el competir por la atención de un hombre mediocre, dominado por la obsesión por ser Tony Manero. Una obsesión que, por otra parte, nunca se asienta en la trama como un horizonte de ilusión o esperanza para el protagonista. Su fascinación por Travolta/Manero es la pura materialización de un profundo estado de alienación. No se trata aquí de satirizar los males de un mundo dominado por lo mediático (como apuntaron algunos al comparar la película con El rey de la comedia de Martin Scorsese), ni de burlarse de la cultura del espectáculo, sino de poner en imágenes un absurdo y dramático proceso de negación de la realidad.

Por su parte, en torno al déspota y egoísta Raúl, circulan una serie de personajes que ensayan todo un repertorio de juegos de sumisión y dominación respecto al protagonista, ecos de otros tantos males sociales. Aquí es donde se vislumbran las limitaciones y desajustes que ofuscan el alcance de la película. Se hace demasiado patente, en varias ocasiones, la necesidad que siente Larraín de manifestar la repulsa que le provoca la realidad que está retratando. Y así, hay momentos en los que, en su búsqueda por provocar un cierto malestar en el espectador, el feísmo extremo de la representación roza la caricatura. Aunque nunca se llega al extremo de convertir a sus personajes en títeres desalmados, la película transita por la cuerda floja de la afectación. Cuando se trata de la construcción de parábolas sociales, siempre es un peligro no dejar un cierto margen para la dignidad y la humanidad. Finalmente, eso es lo que diferencia a cineastas irregulares como Carlos Reygadas (sobretodo el de Batalla en el cielo) de maestros como Luis Buñuel o Jean-Pierre y Luc Dardenne, todos ellos referentes de Larraín a la hora de radiografiar el Chile de 1978.

Con Tony Manero, Pablo Larraín demuestra unas dotes certeras para la caracterización y confección tipológica de unos personajes y su entorno social. También se revela como un notable realizador, capaz de elaborar y mantenerse fiel a una visión fílmica propia, hermética y sofisticada, claustrofóbica y exigente para el espectador. A través de un turbio paisaje humano, vacío de valores y lleno de disfunciones (sexuales, familiares y políticas), Larraín consigue penetrar en el corazón anímico y moral de un tiempo y un lugar. Es una lástima que, en ocasiones, el director no sea del todo conciente de su propio talento y opte por el énfasis en vez de por la sutileza.
Ficha Técnica
Título Tony Manero
Pais Chile-Brasil, 2008
Dirección: Pablo Larraín
Producción: Juan de Dios Larraín
Guión: Pablo Larraín, Alfredo Castro, Mateo Iribarren
Fotografía: Sergio Armstrong
Montaje: Andrea Chignoli
Elenco: Alfredo Castro, Amparo Noguera, Héctor Morales, Paola Lattus, Elsa Poblete, Héctor Morales.
Duracion: 100 minutos.

Por Manuel Yáñez Murillo (www.mabuse.cl)

Ver TONY MANERO trailer oficial

Gigi (1958)

2009-08-19T16:36:00.004-04:00

Argumento

París 1900. Una jovencita, Gigi, aprende las cosas de la vida de su abuela, madame Álvarez y de su tía-abuela Alice que la prepara en los buenos modales que la permitan conquistar los corazones masculinos. Frecuenta la casa de las tres mujeres un apuesto, elegante y joven millonario, Gastón Lachaille, sobrino del mundano Honoré Lachaille. Lo hace cuando se aburre, ya que ni el juego ni el amor le divierten, con desesperación de su tío, que fue en sus buenos tiempos uno de los conquistadores de mayor cartel. Gastón se distrae mucho con Gigi, a quien considera una niña encantadora, que le cautiva por su gracia y franqueza. Pese a la inocencia de sus juegos, no tarda en darse cuenta de que Gigi se está convirtiendo en una seductora jovencita, de la que, pese al hastío de su vida, se siente muy atraído. La tía Alice se percata de lo que está ocurriendo y considera que Gastón es el hombre que conviene a su sobrina, ya que piensa que nunca podría encontrar un partido mejor. Así, decide transformar a toda prisa a Gigi para que Gastón vea en ella a una dama refinada

Premios Oscar 1958

En la entrega de este año (1958) fue nominada a 9 categorias siendo ganadora en todas ellas. fue Ganador en Mejor película; Mejor director (Vincente Minnelli); Mejor fotografía en color (Joseph Ruttenberg); Mejor guión original (Alan Jay Lerner); Mejor vestuario en color (Cecil Beaton); Mejor decoración en color (E. Preston Ames, F. Keogh Gleason, Henry Grace, y William A. Horning); Mejor Banda sonora original (André Previn); Mejor canción (Alan Jay Lerner (letra) y Frederick Loewe (música)) por la canción "Gigi" y Mejor montaje (Adrienne Fazan).

Comentarios

Memorable musical, basado en una novela de Colette, cuyo planteamiento corre el permanente riesgo de caer en la cursilería, aunque nunca lleguen a rebasarse sus límites. La clave de la operación reside en la inteligente dosificación de sus recursos dramáticos y en el evidente buen gusto de una puesta en escena que se apoya en el refinado diseño de producción de Cecil Beaton.
El guionista Lerner y el compositor Loewe vivieron en París mientras escribían el guión y la música, para empaparse del ambiente de la ciudad.

Ficha técnica
Título Gigi
Dirección Vincente Minnelli
Producción Arthur Freed
Guión Alan Jay Lerner
Música Frederick Loewe (música) - Alan Jay Lerner (letra)
Fotografía Joseph Ruttenberg - Ray June
Montaje Adrienne Fazan
Escenografía (E. Preston Ames, F. Keogh Gleason, Henry Grace, and William A. Horning
Vestuario Cecil Beaton
Reparto Leslie Caron - Maurice Chevalier - Louis Jourdan - Hermione Gingold - Eva Gabor - Jacques Bergerac - Isabel Jeans
País Estados Unidos
Año 1958
Género Musical
Duración 119 minutos
Productora Metro Goldwyn-Meyer

Ver Gigi, Trailer de la pelicula

El Acorazado Potemkin (1925)

2009-08-11T11:15:00.006-04:00

El acorazado Potemkin (Броненосец Потемкин, o Bronenósets Potyomkin, en ruso), es una película de 1925 dirigida por el cineasta ruso Serguéi Eisenstein. Es considerada una de las más grandes películas de la historia del cine.

Comentarios y alcance actual

En 1925 se le encargó al director Eisenstéin el llevar a cabo esta obra para elevar el espíritu de la revolución social creada en 1917 por la revolución bolchevique.

El acorazado Potemkin es una obra que significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Eisenstein observa otra función que puede realizar la cámara, introduciendo inclinaciones de cámara que dan como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata.

Por otro lado, se trata de una película que refleja el espíritu de la época en que es realizada, donde todo elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica de una revolución naciente. En este sentido es valorable la exaltación del hombre común, sobre todo del oprimido que decide romper sus cadenas.

Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película, cuando los cosacos disparan contra el pueblo inocente para acabar con el apoyo a los rebeldes. En ese momento, una madre es alcanzada por una bala mientras corría con un coche de bebé que rodará escaleras abajo al morir la madre. Esta escena ha sido homenajeada por directores famosos, como Francis Ford Coppola en El Padrino, Brian De Palma en Los intocables de Elliot Ness, Woody Allen en Bananas, Terry Gilliam en Brazil, Peter Segal en la tercera entrega de Agárralo como puedas, George Lucas en su última entrega de Star Wars (aunque los soldados de asalto, en esta cinta, marchen subiendo las escaleras) e incluso en Los Simpson en dos situaciones, en una Homer rescatando al bebe y en otra, con una estética igual a la de la película, con Lisa lanzando a Maggie.

Argumento

El acorazado Potemkin es una película parcialmente basada en hechos reales, que acontecieron en el puerto de Odesa (Ucrania) durante la semana del 26 de junio de 1905.

Los marineros del acorazado Potemkin ya están hartos de malos tratos, y cuando se les intenta obligar a comer carne con gusanos, deciden sublevarse. Llena de imágenes expresivas, casi como un álbum fotográfico, El acorazado Potemkin representa la magnificación por la figura de las masas y las causas colectivas.

Estrenada en la primera década de la Revolución Rusa (1925) constituye un rescate de la importancia del Potemkin en el proceso de la revolución fallida de 1905, antecedente de la rebelión de octubre de 1917.

Este film esta compuesto de cinco episodios:
* Hombres y gusanos (Люди и черви)
* Drama en el Golfo Tendra (Драма на тендре)
* El muerto calma (Мёртвый взывает)
* La escalera de Odesa (Одесская лестница)
* Encuentro con la escuadra (Встреча с эскадрой).

Hombres y gusanos

Como el propio Eisenstein explica en el texto sobre la «Unidad orgánica y pathos en El acorazado Potemkin», incluido en el libro de Georges Sadoul sobre este film, la película está trabajada como un todo orgánico en el que cada uno de sus elementos funciona en pos de una composición que mantiene en su núcleo lo particular en función del todo. Cada una de las partes en las que puede ser dividida la cinta, es funcional en un nivel superior de lectura, es decir, en la generalidad. Por otra parte, el trabajo patético (pathos) en tanto que la sucesión y cambio constante en las cualidades de la acción, generan en el espectador una emoción que lo llevan a realizar mediante un proceso psicológico, una reflexión intelectual de acuerdo al tema propuesto.

Divulgación, censura y restauración

Después de su estreno en la Unión Soviética, la película fue exhibida en los Estados Unidos. Se exhibió en Alemania una versión con ediciones en las escenas extremadamente violentas. Una introducción de León Trotsky fue omitida en las versiones soviéticas, por la oposición de éste con Josef Stalin. La película fue prohibida en la Alemania (durante el régimen Nazi), Gran Bretaña, España (aunque se levantó la prohibición durante la Segunda República), Francia y otros países por su contenido revolucionario. También fue prohibida en territorio soviético durante un corto período cuando el Comintern (por razones diplomáticas) dejó de apoyar deserciones en los barcos de países capitalistas.

En 2004 se terminó la restauración de la película y está ya disponible en DVD. Muchas escenas violentas excluidas y la introducción de Trotsky fueron restauradas, y las traducciones desde el ruso no tienen la retórica revolucionaria del idioma original.

Música
La música fue escrita originalmente por Edmund Meisel en un período de 12 días debido a una tardía aprobación por causa de la censura impuesta, lo que se reflejó en largas repeticiones de diversas partes de la composición a fin de completar la obra para una orquesta de salón compuesta por flauta, trompeta, trombón, percusiones y cuerdas. Mark-Andreas Schlingensiepen depuró la obra para el piano en la versión actual del filme.

En la versión en formato de DVD, la trama es acompañada con piezas de música clásica de compositores tales como Dmitri Shostakóvich y Nikolai Kriukov. En un intento de hacer el filme mas acorde con el siglo XXI, los integrantes del grupo Pet Shop Boys compusieron una nueva pista de audio en 2004, acompañada por la Orquesta Sinfónica de Dresde. La música fue lanzada como Battleship Potemkin en 2005, y fue ejecutada en septiembre de 2004 al aire libre en un concierto en el Trafalgar Square de Londres.

Referencias
1. Si bien existieron varias manifestaciones y represión contra los manifestantes en Odessa, la matanza es una ficción creada por Eisenstein contra el zar. El crítico de cine Roger Ebert escribió «no existió la masacre zarista en las escaleras de Odessa... es irónico que [Eisenstein] lo haya hecho tan bien que en la actualidad muchos creen que en realidad ocurrió»

Ficha técnica
Dirección Sergei M. Eisenstein
Producción Jacob Bliokh
Guión Nina Agadzhanova - Sergei M. Eisenstein
Música Edmund Meisel - Nikolai Krinkov
Fotografía Eduard Tisse
Montaje Sergei M. Eisenstein
Reparto Aleksandr Antonov -Vladimir Barskij - Grigori Aleksandrov - Ivan Bobrov - Mikhail Gomorov - Aleksandr Levshin - Beatrice Vitoldi - Julia Eisenstein
País URSS
Año 1925
Género Drama social
Duración 77 minutos

Fragmento de la Pelicula Acorazado Potemkin

El nacimiento de una Nacion (1915)

2009-08-11T10:41:00.005-04:00

El nacimiento de una nación es uno de los grandes hitos de la historia del cine, y lo es porque David W. Griffith reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento (1915). Lo hace de una forma en que queda establecido un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad.

El film retarata las aventuras y desventuras de dos familias amigas y que representan el norte y el sur de los Estados unidos durante la guerra de secesión.

La forma en que se establece el salto de eje, el uso de los primeros planos, la alternancia entre planos generales que permiten que el espectador comprenda y organice mentalmente el espacio donde transcurre la acción y planos cortos donde se aprecia el detalle constituyen la base del modelo. Es cierto que aún se pueden rastrear ocasionalmente huellas del cine primitivo que desaparecen en films posteriores.Si bien desde el punto de vista técnico la película es admirable, no se puede decir lo mismo desde el punto de vista moral, ya que los hombres de color son tratados de modo despectivo, hasta el punto de que Griffith justifica la creación de Ku Klus Klan como un método de contener las tropelías que la población negra perpetraba en el sur de los EEUU.

Es famosa la escena del asesinato de Lincoln, estudiada en numerosos manuales de cine del que el más famoso es análisis del director Karel Reisz (La mujer del teniente francés -The French Lieutenant's Woman,1981- ). Como curiosidad el actor que encarna al asesino de Lincoln es Raoul Walsh (1887-1980) uno de los grandes directores de cine de toda la historia.

La película fue acusada de racismo, pues en el desenlace unas mujeres, secuestradas por un hombre de raza negra, eran salvadas in extremis por el Ku Klux Klan. Por ello al director le fue muy difícil encontrar actores y extras negros que se prestasen al rodaje, por lo que tuvo que caracterizar actores blancos con la piel maquillada en negro.

Ficha técnica

Dirección D.W. Griffith
Producción D.W. Griffith
Guión Thomas F. Dixon Jr.
Música Joseph Carl Breil - D.W. Griffith
Fotografía G.W. Bitzer
Reparto Lillian Gish - Mae Marsh - Henry B. Walthall - Miriam Cooper - Mary Alden - Ralph Lewis - George Siegmann - Walter Long - Robert Harron - Wallace Reid - Joseph Henabery.
País Estados Unidos
Año 1915
Género Drama
Duración 124-207 minutos (versiones diferentes)
Productora D.W. Griffith & Epoch

Fragmento de la Pelicula

Taxi Driver (1976)

2009-08-11T09:42:00.005-04:00

Taxi Driver es una película estadounidense de 1976 dirigida por Martin Scorsese y escrita por Paul Schrader. El filme está ambientado en Nueva York, poco después de que terminara la guerra de Vietnam, y está protagonizado por Robert de Niro, quien interpreta a Travis Bickle, un ex combatiente solitario y mentalmente inestable que comienza a trabajar como taxista, incorporándose a la turbia vida nocturna de la ciudad. La película obtuvo varios premios, entre ellos la Palma de Oro del Festival de Cannes, y cuatro nominaciones al Oscar; en la actualidad se la considera una de las mejores de su década. El reparto cuenta también con la presencia de Cybill Shepherd, como la mujer de quien Bickle está enamorado; Jodie Foster, como una prostituta de 13 años de edad con quien el protagonista forja cierto lazo; y Harvey Keitel, como su proxeneta. El propio Scorsese realiza un pequeño cameo.

Argumento

Travis Bickle (Robert de Niro) es un ex combatiente de Vietnam, actualmente residente en Nueva York, que sufre de depresión y ansiedad al sentirse progresivamente rechazado por la sociedad. Adicionalmente sufre de insomnio, lo que le lleva, tras pasar las noches en salas X y demás, a apuntarse como taxista nocturno para aprovechar el tiempo muerto y ganar dinero. Sin embargo, mientras conduce su taxi, es testigo silencioso de todas las maldades existentes en la gran ciudad: la prostitución, la violencia, los prejuicios, las locuras, los barrios bajos... A medida que pasan los días Travis va enfureciendo y llega a la paranoia. Anota todo en un cuaderno, decidido a pasar a la acción algún día, respondiendo a la violencia con violencia. Entretanto conoce a una jovencita (Jodie Foster) e intenta convencerla de que abandone la vida que está llevando como prostituta; esta joven, llamada Iris, comparte el mismo nombre que la niña de la ópera homónima de Pietro Mascagni donde la protagonista fue engañada e inducida a prostituirse.

Análisis de la Pelicula

Malas Calles, de 1973, deja ver a un diamante en bruto tras las cámaras, opacado en gran medida por las deficiencias del guión y, tal vez, por su propia inmadurez. Atrevidos movimientos de cámara, ralentización de planos, uso abundante del zoom (y en casos del zolly), explotación de la música popular estadounidense (mayormente rock e indie) y sutiles distorsiones de la perspectiva, son algunos de los elementos que caracterizan el estilo de Martin Scorsese, quien ha impactado con gran fuerza sobre el cine de las últimas décadas, dejando notables huellas en directores tan reconocidos como Wong-Kar Wai o Quentin Tarantino. Este estilo, aunque no culminaría su desarrollo hasta la obra maestra del director, Toro Salvaje (1980), puede decirse que alcanza su madurez en Taxi Driver, cinta que, aunque resultó un éxito de taquilla y obtuvo la Palma de Oro del Festival de Cannes, fue prácticamente ignorada por la Academia de Hollywood (perdió frente a Rocky), convirtiéndose en obra de culto para muchos y, con el tiempo, en uno de los títulos más aclamados y representativos de su década. La cinta también supuso la consagración de Robert De Niro y el descubrimiento de Jodie Foster como una de las intérpretes más sólidas de su generación, con sólo catorce años.

Confesando haberse inspirado en Pickpocket de Robert Bresson, Paul Schrader, habitual colaborador de Scorsese, elaboró un guión que insiste sobre varias constantes del director: la violencia en la cultura occidental, el machismo, el abuso, y su clásica línea de “hombres que buscan la redención”. El controvertido personaje protagónico, Travis Bickle, genialmente encarnado por Robert de Niro, es en gran medida el narrador de esta historia, desde su voz en off hasta sus pantomimas, sin olvidar su célebre “You talking to me?” (¿Me estás hablando a mí?). Las influencias perceptibles en Taxi Driver resultan muy variadas, desde el más puro Sergio Leone hasta Los Siete Samuráis, de Akira Kurosawa. Sus incontables matices nos permiten catalogarla como una mixtura de géneros. La fotografía expresionista de Michael Chapman, altamente estilizada desde el plano inicial, que muestra el taxi de Travis surgiendo de entre el humo de las alcantarillas, así como la excelente partitura del gran Bernard Herrmann, quien legó aquí su última obra al cine, nos remiten a las más depresivas atmósferas del cine negro. El hábil uso de los primeros planos, las similitudes de la trama con la obra maestra de John Ford, Centauros del desierto (Más corazón que odio o The Searchers), así como la posible equivalencia del personaje de Travis con un jinete del oeste, hacen de Taxi Driver también una especie “western urbano”.

En Taxi Driver encontramos el origen psicológico de psicópatas como el que atentó contra Ronald Reagan (quien declaró en su juicio haberse inspirado en la cinta). ¿Qué se puede esperar de un hombre que es insertado en una comunidad tan agitada y corrupta luego de la experiencia traumática de la guerra? Scorsese retrata su New York natal como un antro de perdición, como muestra de una sociedad tan disparatada que, en uno de los finales más controvertidos del cine (posiblemente de carácter onírico), hace de un psicópata como Travis, un héroe popular, dando lugar también a interrogantes sobre “quién está más loco”, si nuestro protagonista que salva a una niña corrompida, o los personajes del proxeneta Amoroso o el senador Palantine (quien enuncia que “nosotros somos el pueblo”), ya de por sí corruptos. Taxi Driver constituye una crónica perfecta de los Estados Unidos luego de la aventura de Vietnam, así como una severa crítica a la violencia y corrupción resultantes.

Curiosidades
* En el guión original el personaje del proxeneta interpretado por Harvey Keitel era de raza negra. Dado que ya habían aparecido numerosos personajes antagonistas que también eran negros, se decidió que el proxeneta fuera blanco para no deteriorar la imagen de la población afroamericana.

* Robert De Niro se presentó al rodaje con la característica cresta que luce al final de la misma, a Scorsese no le pareció del todo mal y la incluyó en el film.

* Robert de Niro trabajó como taxista cuatro semanas antes de la filmación, con el fin de meterse de lleno en su papel.

* Es la primera película en la que se introdujo un primer plano de un vaso de agua, cuando Travis dialoga con los otros taxistas del turno de noche en la cafetería.

* En una de las escenas finales, Robert de Niro mantiene una conversación con Jodie Foster sentados en un bar. En un momento dado Jodie Foster se quita las gafas de sol que lleva puestas y las deja encima de la mesa. Cuando al poco rato se las vuelve a poner son unas gafas completamente distintas.

* Hay dos intervenciones de Scorsese en el film: la primera y la más conocida, es la del cliente cornudo de Travis que amenaza con matar a su mujer con una magnum; la segunda es un breve cameo, en la primera aparición de Betsy le vemos sentado en un banco dirigiendo la mirada a la chica.

* En la escena del cliente cornudo en el Taxi, aparecen cinco tomas que muestran el contador de tarifa del taxi. Cuando Travis baja la bandera y el contador reinicia su avance, la primera lectura que se ve es de 065, más adelante vuelve a verse 065 (es decir, no avanzó), más adelante hay un close up al contador y se ve 275, en la cuarta toma se puede leer 075 y en la quinta de nuevo 065.

Ficha técnica

Título Taxi Driver
Dirección Martin Scorsese
Producción Julia Phillips - Michael Phillips
Guión Paul Schrader
Música Bernard Herrmann
Editor Tom Rolf - Melvin Shapiro
Fotografía Michael Chapman
Reparto Robert De Niro - Cybill Shepherd - Jodie Foster - Peter Boyle - Albert Brooks - Harvey Keitel
País Estados Unidos
Año 1976
Género Drama
Duración 113 minutos
Distribución Columbia Pictures

Ver Taxi Driver, pelicula por partes

Las Salas de Cine en Chile (1896-2000)

2009-08-10T11:05:00.007-04:00

De los Teatros a las cadenas Internacionales

Cuando el cine arribó a las costas chilenas, en los últimos años del siglo XIX, fue rápidamente adoptado por la comunidad del entretenimiento. Los empresarios teatrales y revisteriles probaron suerte con este nuevo invento en los intermedios de sus espectáculos de variedades. De esta forma, el hogar natural del cinematógrafo fue, por mucho tiempo, el teatro. Aún cuando algunos galpones fueron acondicionados exclusivamente para representaciones cinematográficas, hasta la década de 1950, es muy difícil poder hacer una separación tajante entre sala de cine y sala de teatro.

*Asociación Cinematográfica de Valparaíso

Estas primeras salas presentaban, por supuesto, películas mudas, pero no por ello el espectáculo era silente. Por el contrario, las salas bullían de sonido, no sólo del pianista acompañante, sino de los espectadores que comentaban a viva voz el film, lo que provocaba constantes quejas de cinéfilos en la prensa. Ir al cine en las primeras décadas del siglo XX era un gran evento. Los asistentes se vestían con su mejor tenida; no era raro ver los días domingo cines repletos con espectadores parados en los pasillos o incluso siendo desalojados por la fuerza pública, para evitar accidentes. Las desgracias eran bastante habituales en estas salas, ya que el soporte de los films (nitrato de celulosa) era sumamente inflamable. La lista de incendios de teatros es larga y lamentable. La autoridad, municipal primero y luego central, dictó sucesivas ordenanzas a partir de la década de 1910 para evitar las tragedias, como la de disponer de máquinas en buen estado, operadores calificados, pasillos amplios, prohibición de fumar, desinfección permanente (para evitar contagios de gripes), etc.

*Teatro Carrera, 1926

La espectacularidad del cine hizo que ya para comienzos de la década de 1930 el cinematógrafo desplazara al teatro como primera opción de entretenimiento de los chilenos. La mayor parte de los teatros ofrecían cada vez más cine y menos obras en vivo. Entre los dueños de teatros se aseguraba que el biógrafo era el mejor negocio. Los principales desafíos que enfrentaron estos empresarios era ofrecer al público variedad de programas, cumplir las ordenanzas municipales y evitar la censura. Algunos empresarios comprendieron que, para atraer al público, debían preocuparse no solo de la importación de los films, sino también del espacio donde se exhibían. Se construyeron fastuosas salas, adoptando modelos extranjeros, los “cine-palacios”. Así, hubo salas de cine para todos los gustos, céntricas y en barrios, con entradas caras y baratas, etc. Se estima que hacia 1938 había cerca de 250 salas de cine en todo el país.

Con la penetración de la televisión y la crisis económica de la década de 1970, el negocio cinematográfico en Chile fue decayendo. A fines de esa década no se contaban más de 50 salas en todo el país. Frente a esta crisis, el Estado chileno intervino en un negocio que, hasta entones, estaba exclusivamente en manos privadas, nacionales y extranjeras. Durante el gobierno de la Unidad Popular, el Estado pasó a administrar directamente salas de cine, en forma de arriendo, a través de Chile Films. El gobierno de Augusto Pinochet continuó con esta política y hasta 1988, año de privatización de Chile Films, el Estado administró diversos cines como los capitalinos Gran Palace, Imperio y Tobalaba, entre otros. En la década de 1990 el mercado del cine registró un gran remezón con la llegada de las cadenas internacionales Cinemark, Hoyts y Showcase, masificándose en todo el país el formato del multicine. Rápidamente la mayor parte de la oferta cinematográfica en Chile pasó a manos de empresas multinacionales (70% a nivel nacional, 90% en Santiago), registrándose además un gran aumento en el consumo cinematográfico. Actualmente se cuentan más de 200 salas en todo el país. Al parecer el cine volvió a ser una de las diversiones preferidas en las grandes ciudades chilenas.

Cine palacios

Los “cines palacios” comenzaron a surgir en Chile en la década de 1920. Todo en ellos era monumental: sus tamaños (algunos podían albergar hasta casi tres mil espectadores), sus conchas acústicas, sus elegantes foyers, sus estilos arquitectónicos importados de Europa y Estados Unidos, en los cuales se mezclaban el art déco, neoclásico, beaux arts, barroco.
*El Teatro Colon de Valparaiso en la decada de 1920

El Teatro Esmeralda fue el primero en su tipo, y durante mucho tiempo el teatro más grande de Chile. Inaugurado en 1922 por la empresa de Aurelio Valenzuela, tenía una capacidad de 2.600 espectadores, divididos en cuatro zonas: palcos, platea, balcón y galería. Se ubicaba en calle San Diego 1025, al llegar a Avenida Matta. Para su inauguración se invitó al presidente Arturo Alessandri y se contó con la música de acompañamiento de una orquesta de 8 integrantes, conducidos por el maestro Félix Gómez. Ese día, el 31 de marzo de 1922 se presentó el siguiente programa:

1) Match de box entre Becket y MacCormick
2) Película de la construcción del Esmeralda
3) Corazón de valiente por William Hart y Catalina MacDonald
4) Chaplin Atorrante.

La entrada más cara (palco) costó seis pesos, mientras que la galería 40 centavos. Sin embargo este teatro tendría una breve primera vida: a fines de la década de 1920 fue consumido por un incendio. Posteriormente fue reconstruido, pero con dimensiones menores.

Otros “palacios” le siguieron:

:: Teatro Carrera (1926) ubicado en la Alameda en el barrio Concha y Toro, con capacidad para 1.500 espectadores.
:: Teatro Nacional (1929) ubicado en el barrio Independencia, con 2.250 butacas.
:: Teatro Real (1930) en calle Compañía, con capacidad para 1.600 personas
:: Teatro Baquedano (1931) en la plaza Baquedano, apto para 2.300 asistentes
:: Teatro Central (1933) en Huérfanos con Ahumada, con 1.250 butacas.

Es interesante notar el cambio arquitectónico de estos años. Las primeras salas nombradas presentaban estructuras clásicas de teatro (disposición semi-circular de las butacas, palcos laterales, gran escenario, profusa decoración, etc.), mientras que los últimos presentaban una arquitectura que sería más propia de los cines, en donde las butacas miraban hacia la pantalla rectamente, sin mucha ornamentación que distraiga la vista.

*Espectadores de cine en el Teatro Carrera, 1926

Incendios de teatros

Debido a la iluminación a velas los incendios de teatros eran habituales incluso antes de la llegada del cine. Pero con los proyectores cinematográficos aumentaron considerablemente los riesgos. La composición química de la película -nitrato de celulosa- era altamente inestable y por ende muy inflamable. A veces ni siquiera era necesario el contacto con calor para que ardiera, ya que con el tiempo y la oxidación, el material nitroso podía liberar y acumular gases y arder por combustión espontánea. Una bodega de cintas de nitrato era, casi literalmente, un polvorín y por ello muchos optaban por destruir el material y no conservarlo.
Además de los factores técnicos, hacían más peligroso el espectáculo la concentración de espectadores en los pasillos, sobre todo los domingos, y la falta de preparación del personal proyeccionista. Algunos periodistas denunciaban que los empresarios empleaban personal sin ninguna preparación al mando de máquinas viejas y que carecían de tambores de seguridad para guardar los rollos. Los principales municipios urbanos dictaron ordenanzas para controlar la situación y crearon el cargo de Inspectores de Teatro para certificar las normas, la presencia de mangueras, el ancho de las puertas, etc. En 1931 por fin la autoridad central se preocupó del tema, aunque marginalmente, disponiendo al interior de la primera Ley General de Servicios Eléctricos que los proyeccionistas de cine debían ser eléctricos con formación. Pero el cese de las tragedias sólo vendría con los avances técnicos. A partir de 1940 la industria química logró reemplazar al inestable nitrato de celulosa por el incombustible acetato de celulosa, como soporte de las películas.

*El Teatro Politeama de Santiago incendiado en 1908

*El Teatro Odeón de Valparaíso incendiado en 1905

Fuente: imagenes y textos www.memoriachilena.cl

Mario Moreno Cantinflas

2009-08-07T10:00:00.015-04:00

Fortino Mario Alfonso Moreno Reyes (12 de agosto de 1911 – 20 de abril de 1993), mejor conocido como Cantinflas, fue uno de los mejores actores y comediantes mexicanos que he podido ver y escuchar.

Ganó una enorme popularidad con la interpretación de su personaje Cantinflas, un vago salido de los barrios pobres que se originó del típico pelado. El personaje se asoció con la identidad nacional de México y le permitió a Moreno establecer una larga y exitosa carrera cinematográfica que incluyó una participación en Hollywood. Se dice que el estilo de salir a hacer comedia, disfrazado de "peladito", lo tomó del comediante Manuel Medel. Charlie Chaplin una vez lo llamó "el mejor comediante del mundo" y Mario Moreno a veces es referido como el "Charlie Chaplin de México". Mientras que algunas de sus películas fueron dobladas al inglés para las audiencias estadounidenses y su trabajo fue bien recibido entre la gente de Francia, el juego de palabras que usaba en español no se traducía bien a otras lenguas. Sin embargo, tuvo un estruendoso éxito en Latinoamérica y en España, donde todavía tiene muchos admiradores devotos.
De su vida intima personal no voy a hablar prefiero recordar al personaje que me hizo reir muchisimas veces con sus intervenciones lunguisticas, etc., hoy escribiremos del personaje que cautivo y cautiva con su sencillez y humor particular.

Carrera en el mundo del espectáculo
Antes de comenzar su vida profesional, exploró un número de posibles carreras como la medicina y el boxeo profesional antes de unirse al mundo del espectáculo como bailarín. Para 1930, ya se había unido al circuito de carpas de la Ciudad de México, turnándose entre las carpas Ofelia, Sotelo de Azcapotzalco, y finalmente la carpa Valentina, donde conoció a su futura esposa. Al principio trató de imitar a Al Jolson pintándose la cara con pintura negra, pero después se separó para formar su propia identidad como un habitante de un barrio pobre con pantalones holgados, una soga como cinto y un bigote muy particular. En las carpas bailaba, realizaba acrobacias y otros varios oficios.

Carrera cinematográfica Estrella con el nombre de Cantinflas en el Salón de la Fama de Hollywood
A mediados de la década de 1930, Cantinflas conoció al productor ruso Jacques Gelmany posteriormente se asoció con él para formar su propia compañía productora cinematográfica. Gelman, producía, dirigía y distribuía, mientras Cantinflas actuaba.

Cantinflas hizo su debut en 1936 en la película No te engañes corazón pero la película recibió poca atención. En 1939 estableció Posa Films, produciendo películas cortas que le permitieron desarrollar el personaje de Cantinflas, pero fue en 1940 cuando finalmente se convirtió en una estrella después de rodar Ahí está el detalle. La frase que le dio su nombre a la película se convirtió en su principal frase por el resto de su carrera. La película fue un éxito en Latinoamérica y fue reconocido por la revista "Somos" como una de las 10 más grandes producciones de México.

En 1941, hizo primero el papel de un oficial de policía en la película El gendarme desconocido. Para entonces ya se había distinguido bastante del típico "peladito" de la década de 1920 y su personaje pasaba cómodamente de ser el hombre marginado de clase baja a poderoso servidor público. La naturaleza política de la retórica del cantinflismo facilitó esta fluidez. Volvería a tomar el papel del agente 777 y sería homenajeado por las fuerzas policíacas en toda América Latina por su imagen positiva de la aplicación de la ley.

Ni sangre ni arena, una película satírica acerca del toreo en 1941, rompió niveles de taquilla de películas mexicanas en varios países de América. En 1942 se unió con Miguel M. Delgado y Jaime Salvador para producir una serie de parodias, incluyendo una de El circo de Chaplin.

Las décadas de 1940 y 1950 fueron las mejores para Cantinflas. En 1946 dejó de trabajar con las compañías mexicanas y firmó contratos con Columbia Pictures. Para entonces, su popularidad era tal, que pudo prestar su prestigio a la causa de los trabajadores mexicanos, representando a la Asociación Nacional de Actores en conversaciones con el presidente Manuel Ávila Camacho. Sin embargo las pláticas no dieron buenos resultados y como resultado de un escándalo, decidió retractarse y regresar al teatro.
El 30 de agosto de 1953, Cantinflas inició la presentación de su obra teatral "Yo Colón" en el Teatro de los Insurgentes, el mismo teatro que se había visto envuelto en una controversia sobre un mural de Diego Rivera que incorporaba imágenes de Cantinflas y de la Virgen de Guadalupe. Los críticos, incluyendo ciertos grupos conservadores y el arzobispo Luis María Martínez, tildaron la obra como "blasfemia" y eventualmente fue pintada sin la imagen de la Virgen.

Yo Colón colocaba a Cantinflas en el personaje de Cristóbal Colón quien, mientras continuaba "descubriendo América" hacía observaciones cómicas, históricas y contemporáneas desde diferentes perspectivas. Las bromas cambiaban cada noche y Moreno continuó empleando su juego de palabras y doble sentido para atacar a los políticos.

En 1956, La Vuelta al Mundo en 80 Días, el debut estadounidense de Cantinflas, lo hizo ganar una nominación al premio Globo de Oro en la categoría de mejor actor de musical o comedia, en esta cinta actúa junto al actor inglés David Niven. La revista Variety dijo en 1956 que su calidad chaplinesca contribuyó al éxito de la película. Esta película recaudó la cantidad de $42 millones de dólares en taquilla. Mientras que Niven fue el principal actor en los países de habla inglesa, Cantinflas lo fue en el resto de los países. Como resultado de la película, Cantinflas se convirtió en el actor mejor pagado del mundo.

La segunda película estadounidense de Cantinflas, Pepe, intentó replicar el éxito de la primera. La película incluyó apariciones relámpago o cameos, de Frank Sinatra, Judy Garland, y otras estrellas. Su humor, profundamente arraigado en la lengua española, no se pudo traducir bien para las audiencias estadounidenses y la película fue una notable decepción taquillera. A pesar de eso, recibió otra nominación al Globo de Oro por su actuación.
En 1992, durante una entrevista estadounidense, Mario Moreno confesó que el principal impedimento para su éxito en los Estados Unidos era la barrera de la lengua. Después de regresar a México, Cantinflas creó su propia compañía, Cantinflas Films, y continuó haciendo películas hasta su última, que fue El Barrendero, realizada en 1981.

Como Charlie Chaplin, Cantinflas era un satírico social. Hacía el papel de el peladito, un don nadie, con esperanzas de tener éxito. Con admiración mutua, Cantiflas fue influenciado por las primeras películas de Chaplin así como por su ideología. El Circo era una "sombra" del cine mudo de Chaplin. El Circo y Si yo fuera diputado tenían muchas cosas en común con la película de 1940, El Gran Dictador.

Las películas de Cantinflas, hasta la fecha le siguen generando ganancias a Columbia Pictures. En el 2000, Columbia informó un aproximado de $4.000.000,00 de dólares generado por las ganancias de la distribución en otros países.

Impacto
Entre las cosas que lo hicieron querido por el público estaba el uso cómico del lenguaje en sus películas; sus personajes (los cuales casi todos era una variación del mismo personaje, pero en diferentes papeles y situaciones) entablaban una conversación normal para después complicarla al punto de que nadie entendía lo que estaba diciendo. El personaje de Cantinflas era particularmente adepto para ofuscar la conversación cuando le debía dinero a alguien, al cortejar señoritas o al tratar de salir de problemas con las autoridades, arreglándoselas para humillarlas sin que se dieran cuenta. A esta forma de hablar se le llamó cantinfleada y se convirtió en español en una forma de decir ¡estás cantinfleando! cada vez que a alguien le era difícil entender la conversación. La Real Academia Española incluyó el verbo cantinflear y las palabras cantinflas y cantinfleada en su diccionario en 1992.

En el campo de las artes visuales, artistas de la talla de Rufino Tamayo y Diego Rivera pintaron a Cantinflas como un símbolo del hombre mexicano. La banda de punk estadounidense Mindless Self Indulgence grabó una canción sobre Cantinflas llamada Whipstickagostop.

El estilo de Cantinflas y el contenido de sus películas llevó a muchos estudiantes a concluir que él había influenciado los muchos teatros que pasaban el mensaje del Movimiento Chicano durante las décadas de 1960 y 1970 en los Estados Unidos, de los cuales, el más importante era El Teatro Campesino. El movimiento del teatro era una parte importante del renacimiento cultural que era la contraparte social del movimiento político por los derechos civiles de los méxico-estadounidenses. Su uso de los estilos y temas sociales es visto como un precursor del teatro Chicano.

En la década de 1970 apareció una serie de dibujos animados llamado El Show de Cantinflas protagonizada por una caricatura animada. El show estaba dirigido a los niños y tenía un propósito educativo. El personaje animado era llamado "Amigo" y se concentraba en una variedad de temas para educar a los niños que iban desde el origen del fútbol hasta el origen de la Línea internacional de cambio de fecha.

Aunque Cantinflas nunca logró en Estados Unidos el mismo éxito que cosechó en México, fue homenajeado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Recibió dos nominaciones al premio Globo de Oro en la categoría de mejor actor y el reconocimiento a los logros de su vida por parte de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.

El premio Mario Moreno Cantinflas es entregado anualmente a los actores que "representan a la comunidad latina con el mismo humor y distinción que el legendario Cantinflas" y que, como Cantinflas, usan su poder para ayudar a los más necesitados.

En el 2002, el estadounidense-salvadoreño (aunque él se describe como chicano) Herbert Sigüenza, artista, comediante y miembro de Culture Clash, comenzó a actuar en un monólogo acerca de Cantinflas que hizo gira por todo el país. La obra, hablada en inglés y español, incorporó rasgos comunes en las películas de Cantinflas y recreó muchas de las rutinas de comedia del actor, tal como su caminar característico. Las películas de Cantinflas son distribuidos en Estados Unidos por Laguna Films.

Respuesta crítica
Cantinflas a veces es visto como el personaje Groucho Marx, el que con sus habilidades lingüísticas ataca a los ricos, los poderosos, la policía e incluso al gobierno. El historiador y autor de Cantinflas y el Caos de la Modernidad Mexicana escribe: "Cantinflas simboliza el peladito que triunfa sobre los poderosos usando sus trucos" y presenta a Cantinflas como la imagen misma del México de la transición.

Gregorio Luke, director ejecutivo del Museo de Arte Latinoamericano dijo: "entender a Cantinflas es entender lo que ha pasado en México en todo el siglo pasado".

Por su parte, Monsiváis interpreta sus representaciones en términos de la importancia de la palabra hablada en el contexto del "analfabetismo reinante" de México (70% en 1930). Particularmente en la película El Analfabeto, "Cantinflas es el iletrado que toma control del lenguaje como puede".

El periodista Salvador Novo interpreta el papel de los personajes de Moreno totalmente en términos de cantinflismo: "En condensarlos: en entregar a la saludable carcajada del pueblo la esencia demagógica de su vacuo confusionismo, estriba el mérito y se asegura la gloria de este hijo cazurro de la ciudad ladina y burlona de México, que es Cantinflas".

En su biografía de la comicidad, el estudiante de cultura mexicana Jeffrey M. Pilcher, ve a Cantinflas como una metáfora del "caos de la modernidad mexicana", una realidad que estaba fuera del alcance para la mayoría de los mexicanos. "Su lenguaje enredoso expresaba elocuentemente las contradicciones de la modernidad como 'el momento palpitante de todo lo que quiere ser y no puede'. De igual forma 'las jerarquías sociales, los patrones del lenguaje, las identidades étnicas, y las formas masculinas de comportamiento, todos cayeron ante su humor caótico para ser reformuladas en nuevas formas revolucionarias".

Filmografía y personajes
Películas a color
El barrendero (1981) — Napoleón Pérez García, barrendero (última película)
El patrullero 777 (1977) — Diógenes Bravo, policía
El ministro y yo (1975) — Mateo Melgarejo, burócrata y evangelista
Conserje en condominio (1973) — Úrsulo, conserje
Don Quijote cabalga de nuevo (1972) — Sancho Panza (coproducción con España)
El profe (1970) — Sócrates García, profesor
Un Quijote sin mancha (1969) — Justo Leal y Aventado, abogado
Por mis pistolas (1968) — Fidencio Barrenillo, boticario
Su Excelencia (1966) — López o Lopitos, diplomático (canciller y embajador)
El señor Doctor (1965) — doctor Salvador Medina (Chava de cariño), médico
El padrecito (1964) — padre Sebastián o Sebas, sacerdote
El extra (1962) — Rogaciano
El analfabeto (1960) — Inocencio Prieto y Calvo
Pepe (1960) — Pepe (coproducción con los Estados Unidos)
Sube y baja (El ascensorista) (1958) — Cantinflas
La vuelta al mundo en ochenta días (1956) — Paspartout (producción estadounidense)
El bolero de Raquel (1956) — Cantinflas, bolero

Películas en blanco y negro
Entrega inmediata (1963) — Feliciano Calloso, cartero y Agente Secreto
Ama a tu prójimo (1958) — Luis
Abajo el telón (1954) — Cantinflas, limpiaventanas
Caballero a la medida (1953) — Cantinflas, sastre. mejor película de todas
El señor fotógrafo (1952) — Cantinflas, fotógrafo
Lluvia de estrellas (1951) — participación
Si Yo fuera diputado... (1951) — Cantinflas, peluquero
El bombero atómico (1950) — El bombero atómico, el 777, bombero y policía
El Siete Machos (1950) — Margarito/El Siete Machos
Puerta, joven (El portero) (1949) — Cantinflas, portero
El mago (1948) — Cantinflas
El supersabio (1948) — Cantinflas, asistente del científico
¡A volar joven! (1947) — Cantinflas, piloto
Soy un prófugo (1946) — Cantinflas
Un día con el Diablo (1945) — el voceador, soldado
Gran Hotel (1944) — Cantinflas, Bell Boy
Romeo y Julieta (1943) — ruletero/Abelardo del Monte-Romeo Montesco
El circo (1942) — el zapatero
Los tres mosqueteros (1942) — Cantinflas/D'Artagnan
Carnaval en el trópico (Fiesta en Veracruz) (1941) — participación involuntaria
El gendarme desconocido (1941) — Cantinflas, el 777
Ni sangre ni arena (1941) — El Chato & Manuel Márquez "Manolete"
Ahí está el detalle (1940) — Cantinflas/"Leonardo del Paso"
Cantinflas y su prima (La prima de Cantinflas) (1940) — Cantinflas (cortometraje)
Cantinflas ruletero (1940) — Baldomero (cortometraje publicitario)
Cantinflas boxeador (1940) — Cantinflas (cortometraje publicitario)
Cantinflas en los censos (1940) — Cantinflas (cortometraje publicitario)
Jengibre contra dinamita (1939) — Bala Fría (cortometraje publicitario)
Siempre listo en las tinieblas (1939) — Chencho Albondigón (cortometraje publicitario)
El signo de la muerte (1939) — Cantinflas
Águila o sol (Cara o cruz) (1937) — Polito Sol
¡Así es mi tierra! (1937) — El Tejón
No te engañes corazón (1936) — "Canti"
Cantinflas Show (2006), Cantinflas

Premios
En 1957 obtuvo Globo de Oro al mejor actor - Comedia o musical por La vuelta al mundo en ochenta días

Bibliografía : Moreno, Mario Cantinflas: Su Excelencia. México, D. F.: Gráficas Menhir, 1969.

fuente: wikipedia

Ahora para el deleite de los que leyeron hasta aca, veamos algunas de las mejores escenas de humor del cine mexicano, el de cantinflas
A VOLAR JOVEN Y que viva el novio¡¡¡

EL BOMBERO ATOMICO

ENTREGA INMEDIATA

SI YO FUERA DIPUTADO Rapsodia Hungara #2 de Franz Liszt.

simplemente genial

Fritz Lang, MABUSE

2009-08-02T18:38:00.004-04:00

La saga de Fritz Lang
Mabuse y la parábola del mal eterno

Aunque no tenga la popularidad de Metrópolis, ni la perfección de La muerte cansada, la serie de películas sobre el Dr. Mabuse es absolutamente trascendente en la carrera de Fritz Lang. Las razones no son sólo cinematográficas. A su manera, Mabuse refleja las inquietudes políticas del director austríaco, o más específicamente, sus temores sobre el poder. Además las tres partes cruzan toda la trayectoria fílmica de Lang. Desde el período mudo hasta el sonoro, desde su partida a Estados Unidos hasta el término definitivo de su carrera. El testamento del Dr. Mabuse (1933) marca la fuga de Lang de la Alemania nazi, en parte por la censura a la película y en parte por los ofrecimientos que Joseph Goebbels, el ministro de propaganda de Hitler, hiciera a nombre del Führer para que encabezara los estudios germanos. Por otro lado, Los mil ojos del Dr. Mabuse (1960) es el último título del cineasta, donde queda explícito tanto la convicción de su puesta en escena (el aprovechamiento de la profundidad de campo, la luz contrastada), la influencia de su paso por Hollywood (regresó a Alemania un año antes para filmar El tigre de Bengala) y su visión sobre un período álgido en el contexto de la guerra fría (la crisis atómica y el espionaje).
Dr. Mabuse, el jugador
Las teorías que hay sobre el origen del Dr. Mabuse -basada en el personaje de la novela de Norbert Jacques y que se infiere es una denuncia soterrada a la ideología nacionalsocialista- puede que hayan condimentado las dos secuelas de Lang, pero no es una lectura tan clara en su primera cinta. Cuando en 1922 el director realiza Dr. Mabuse, Der Spieler (que traducido del alemán significa tanto jugador como actor), el nazismo era un promisorio e inquietante movimiento, pero aún intrascendente en la vida política en Alemania. En la extensísima cinta original (270 minutos), que para facilitar su exhibición fue dividida en dos partes -El jugador e Infierno-, el Dr. Mabuse es un artista del disfraz, un destacado psicoanalista que utilizando su conocimiento de la psiquis humana y sus habilidades hipnóticas, domina la mente de sus víctimas para que se desprendan de sus riquezas. Pero los bienes que va reuniendo con su red de delincuentes comunes, no es para solazarse sino para acrecentar su poder con la única meta de destruir el sistema financiero. Justamente en El testamento del Dr. Mabuse, uno de sus secuaces no logra entender por qué el doctor los obliga a hacerles la vida imposible a ciertas personas para que le den dinero, y una vez que después de grandes esfuerzos, penurias y mucho miedo lo reúnen, no quiere que lo recauden dejando a las víctimas en un estado de pavor e incertidumbre. "Hay que cometer crímenes inútiles con la única meta de aterrorizar a la población" dice el hijo putativo del Dr. Mabuse en Los mil ojos. Para el pérfido doctor, el fin no justifica los medios, los medios son el fin en sí mismo. El mal por el mal. El testamento de hecho es un manual del crimen y una declaración de principios cuyo principal objetivo es la destrucción del mundo "porque el mundo se lo merece". A diferencia de las cintas norteamericanas de gangsters de los años 30, donde el mafioso es un marginal que quiere enriquecerse al mismo tiempo que vengarse del Estado y las instituciones comerciales que son responsables de su condición (por la gran depresión económica del 29), Mabuse es un burgués que tiene la arrogancia de un "padrino" como Tony Camonte (Scarface, 1932), pero que desprecia a la humanidad desde su palco de intelectual. En ese sentido, un psicópata mucho más parecido a Hannibal Lecter que a Hitler.
Dr.Mabuse, el jugador

"No existe amor, sólo hay deseo. Nada es interesante salvo jugar con las personas y su destino" –dice Mabuse en El jugador. Cuando la novia del doctor, Cara Carozza, es apresada (y a la que además no duda en utilizar como señuelo erótico), él sufre, pero no duda un segundo en reemplazarla. Esa desafección tan característica del poderoso, junto a su habilidad camaleónica para ocultarse, creció en el perfil de sus cintas finales. Tanto en El testamento como en Los mil ojos se puede colegir lecturas políticas en una estructura argumental cercana al policial. En ambas, Mabuse es más una figura omnipresente que un personaje en sí. En Los mil ojos, el Hotel Luxor está lleno de cámaras y micrófonos ocultos desde donde el criminal lo vigila todo, en El testamento detrás de una cortina el doctor da instrucciones que deben aceptarse sin chistar.
Afiches originales de las películas de Mabuse

Mabuse reunió un perfil único de villano y por eso no es raro que su figura trascendiera a Lang. Otras cintas se valieron de su legado como el Im Stahlnetz des Dr. Mabuse (1961) –también conocida como El FBI contra el Dr. Mabuse- y Die Unsichtbaren Krallen des Dr. Mabuse (1962), ambas dirigidas por Harald Reinl; Das Testament des Dr. Mabuse (1962, remake de la cinta de Lang), Scotland Yard jagt Dr. Mabuse (1963, con Klaus Kinski), Die Todesstrahlen des Dr. Mabuse (del argentino Hugo Fregonese, 1964), todas con el fantasma del último Mabuse langiano, Wolfang Preiss, y varias con Gert Fröbe, el detective Lohmann. Posteriormente, el español Jesús Franco -director de casi 200 películas de terror y que sigue en actividad- dirigió en 1972 la última de las secuelas, La venganza del Dr. Mabuse.

En este ciclo se mostrarán El testamento y Los mil ojos en sus versiones originales, y Dr. Mabuse, el jugador, estupendamente restaurada por la Fundación Murnau y que tiene una nueva y notable partitura musical del compositor Aljoscha Zimmermann que hizo un trabajo similar hace unos años con El Golem (Paul Wegener, 1920). Curiosamente, la música del Dr. Mabuse tiene la única conexión chilena con el trabajo de Lang: Osmán Pérez Freire, nieto del Presidente Ramón Freire y autor de clásicos como "El Ayayay", fue el autor del tema original de la película que se tocaba simultáneamente a la exhibición. El tema tiene ritmo de shimmy, un jazz bailable antecesor del foxtrot, y que fue popularizado por Mae West en los años 20.

La serie Mabuse es una parábola sobre el poder en las sombras, pero también es una mirada al mal en su estado puro. Maldad que Lang sentía como una expresión latente de la época, ya que subtituló su primer Mabuse como Ein Bild der Zeit, es decir, Una visión sobre este tiempo.

escrito por Jorge Morales (www.mabuse.cl)

Fritz Lang en el cine mudo

2009-08-02T18:33:00.003-04:00

Fritz Lang en el cine mudo
El pesimista inspirado

"Cada película define su propio estilo según su tema", era una frase que Fritz Lang repetía con frecuencia y encerraba de modo rotundo su concepción del cine, pero podía llevar a engaños. Porque si bien el "estilo" de Lang era adaptarse a las historias, es cierto también que estas historias trataban un único y gran tema: la indefensión del hombre ante fuerzas poderosas e incontrolables.

Ya sea la maldad en estado puro (Mabuse), las clases sociales depredadoras (Metrópolis), el destino inexorable (La muerte cansada) o los individuos enfrentándose a sus miedos más profundos (M, el vampiro de Dusseldorf), Lang elevó a categoría de arte superior sus reflexiones en torno a la fatalidad del hombre ante estas fuerzas que pueden destruir la existencia.

Cuando el propio cineasta escribió el prólogo del libro Fritz Lang de Lotte H. Eisner, que se centra precisamente en sus comienzos en el mudo, explicó que nunca pensó dirigir, por lo que en su caso el cine no fue una vocación largamente acariciada. Él era pintor; ésa era su pasión. Pero también escribió y vendió algunos guiones. La decisión de dirigir vino de la decepción al ver la primera película basada en un texto suyo, y sentir que lo habría hecho todo de otro modo. De lo que se sabe de esos primeros guiones, dirigidos principalmente por Joe May y Otto Rippert, es que ya se destacaba la presencia sistemática de mujeres fatales, que conducían a los hombres a su perdición.

Der müde tod

Fue el célebre productor Erich Pommer (quien también estaba iniciando su prolífica carrera), quien tras haberlo contratado como actor le permitió debutar en la dirección en 1919 con El mestizo (Halbblut). Durante ese año, realizó seis películas, entre ellas El amo del amor (Der Herr der Liebe, en que también actuó) y una adaptación de Madame Butterfly llamada Harakiri. Pero debieron pasar ocho títulos para que con La muerte cansada (Der mude Tod) lograra acariciar el éxito. El impacto de La muerte cansada fue enorme, y en Francia, Luis Buñuel reconoció que esta cinta le despertó el deseo de convertirse en director de cine. Y al otro lado del Atlántico, el famoso actor Douglas Fairbanks compró los derechos del filme por cinco mil dólares y copió los efectos especiales para usarlos en El ladrón de Bagdad. Aunque, según Lang, este los hizo aún mejores.

Quienes trabajaron con él en esta época lo recordaban ya como un dictador obsesivo, dedicado en cuerpo y alma e interviniendo en cada aspecto de la realización, rasgo que se haría palpable con el tortuoso rodaje de Metrópolis, con sus 310 días de filmación, sus 37 mil extras y su perfeccionismo ilimitado que hizo subir el presupuesto de 1,5 a seis millones de marcos.

Un poco antes, en 1921, con el guión de La tumba india (que terminó siendo dirigido por May y del que haría su propia versión en 1959), comenzó su colaboración con la escritora Thea von Harbou, quien se transformaría en su esposa y coguionista habitual. Algunas críticas de la época adjudicaban a Von Harbou los elementos más "sensibleros" de los textos comunes, mientras que querían ver la mano de Lang, que ya se había hecho fama de metódico y riguroso, en los aspectos mejor armados. Porque el drama no faltaba, como en la trágica La muerte cansada, en que Eisner ve claras referencias a Hans Christian Andersen, aunque Lang diría que quería reflejar la familiaridad de los vieneses con la muerte al modo de sus canciones tradicionales.
Metrópolis
El fracaso económico de Metrópolis hizo que su posición privilegiada al interior de la UFA comenzara a tambalear. El propio Lang no había quedado muy conforme con el resultado. En especial, le desagradaba el final de la película, con las clases antagónicas conminadas a olvidar sus diferencias y trabajar en conjunto, a través de la "buena voluntad" de sus líderes, detalle presumiblemente ideado por Von Harbou. Es por ello que para la realización de Espías (Spione, 1927), Lang fundó su propia productora, la Fritz Lang Gesellschaft, la que contaba con distribución UFA y entera libertad creativa. Aunque la búsqueda de autonomía sólo le duró para este filme y la siguiente, Una mujer en la luna.

Pero fue con el advenimiento del sonoro (al que le entregó visionarios recursos sonoros como el énfasis dramático de la música o el uso intencionado del fuera de cuadro sonoro) que Lang cerraría de forma contundente los rasgos esbozados en Dr. Mabuse: la presencia de un poder totalitario y maligno que ya empezaba a tomar forma bajo los ropajes del nacionalsocialismo. No por nada, en ambos títulos la sombra de la censura comenzaba a acechar al cineasta. Si en M, Lang logró que su filme fuera estrenado (no sin dificultades, como una serie de amenazas y la inquietud nazi por el subtítulo "Un asesino entre nosotros"), en El testamento del Dr. Mabuse, lo enfrentó directamente a la cúpula del poder hitleriano, razón por la que Lang huyó precipitadamente a Francia luego de una casi legendaria reunión en que Joseph Goebbels le ofreció la dirección del naciente cine nazi. Cosa curiosa ya que Lang aseguró que varios monólogos de Mabuse fueron tomados estrictamente de los discursos de Adolf Hitler.

M, su primer film sonoro

Aunque sus películas del primer período en Alemania suelen ser tomadas como ejemplos del expresionismo alemán, él nunca aceptó esa filiación y se identificaba más bien con Berthold Brecht. Pero sí reconocía que inevitablemente iba a tomar elementos de la tendencia que marcó el espíritu de su tiempo. Por lo demás, Eisner lo recuerda diciendo a menudo que "toda película tiene que nacer de su época para ser eficaz". Y la suya fue una oscura, triste. En su texto Happily Ever After decía que la Primera Guerra hizo que los jóvenes artistas de todo el mundo hicieran de la tragedia un fetiche, pasando al pesimismo por el pesimismo. Aunque el contenido de cada película determinara su estilo, los tiempos que corrían dejaron indiscutiblemente su marca.

escrito por Por Pamela Biénzobas y Jorge Letelier (www.mabuse.cl)

Fritz Lang en Hollywood

2009-08-02T18:15:00.005-04:00

Fritz Lang en Hollywood
El sueño americano bajo el filtro expresionista
Amigos comenzaremos ahora con una serie de comentarios sobre Fritz Lang, si no lo conoce aqui sabra quien fue para el cine.

A diferencia de otros europeos célebres trasplantados a Hollywood, como Billy Wilder, Alfred Hitchcock o Ernst Lubistch, el vienés Fritz Lang siempre ha transitado en la historia del cine americano con un perfil menor e incluso decididamente de clase B. Las razones no están muy claras, pero el carácter insobornable de su filmografía puede explicar su resistencia a trabajar bajo los códigos éticos y estéticos de Hollywood. Y eso sin duda tuvo un costo.

La relación de Lang con Estados Unidos comenzó durante la génesis de Metrópolis (1924), cuando el entonces principal cineasta de la UFA viajó para imbuirse del sistema de producción hollywoodense. Más allá de los hallazgos técnicos aprendidos, fue la fascinación por los rascacielos de Nueva York los que marcaron en forma definitoria la depurada imaginería futurista de la cinta. Una década después, cuando había acumulado una admirable filmografía a sus espaldas (Los Nibelungos, Espías, M, el vampiro de Dusseldorf y El testamento del Doctor Mabuse), el otrora hombre ancla de la UFA, ahora convertido en un fugitivo del régimen nazi, regresó a las colinas de Los Ángeles gracias al interés del omnipresente productor de la MGM, David O. Selznick.

Furia

La siempre tensa y distante relación de Lang con los estudios quedó reflejado casi inmediatamente después de su llegada a Estados Unidos: a los pocos meses de su arribo, Selznick dejó la Metro y el cineasta perdió a su único apoyo. Un liberal de raigambre progresista en el más conservador estudio de Hollywood era un problema, y el propio Lang lo experimentó al estar cerca de un año inactivo, con un par de proyectos abortados, hasta que dio con el caso de un frustrado linchamiento y posterior venganza del acusado (un falso culpable, uno de sus obsesiones más recurrentes): Furia.

En este año de inactividad, Lang estudió a fondo la idiosincrasia del país, recorriéndolo de costa y costa y devorando la realidad circundante a través de los periódicos. Por ello este filme inicial mantiene una notable coherencia ideológica con sus crudos alegatos anteriores: es la asunción en pleno Hollywood de un extranjero de mirada crítica que no va a dejar pasar la oportunidad para subvertir a su manera el sueño americano.

En Furia y la siguiente Sólo se vive una vez (You only live once, 1937), Lang estaba elaborando algunas de las premisas fundacionales de lo que unos años más tarde se llamaría cine negro: el verismo objetivo y social (a menudo documentalista), el fatalismo que rodea a sus falsos culpables y la ambigüedad de sus mujeres. Y por supuesto, la herencia expresionista que se haría palpable con sus elaboradas composiciones abstractas y sus violentos juegos de luz y sombra. No es casualidad que luego de sus interludios en el western (El regreso de Frank James entre ellos) y su trilogía antinazi, Lang esté listo para entrar en gloria y majestad a los terrenos más complejos del film noir.

Secreto tras la puerta

Inmerso de lleno en la producción independiente de clase B, Lang inauguró una trilogía plena de resonancias sicológicas con La mujer del cuadro (1944), para luego crear su propia productora, Diana, asociado al productor Walter Wanger y la actriz Joan Bennett, con quienes firmó Perversidad (1945) y Secreto tras la puerta (1947). Retomando una raíz onírica que estaba presente en sus primeros trabajos alemanes, Lang dotó de manifiesta ambigüedad moral estos relatos, apuntando sus dardos al relativismo de la justicia y donde el destino fatalista de los protagonistas se enfrenta explícitamente a un entorno inmisericorde, a menudo con la muerte como gran telón de fondo.

Como era de esperar, Lang despertó sospechas en el maccarthismo por su inclaudicable visión crítica sobre la justicia, la corrupción policial y la opresión institucional sobre los individuos. Por esta vez, las negras tragedias de sus protagonistas, lo tenían ahora a él en la mira de los administradores del mal. Y eso tuvo su efecto. Tal como recordaría tiempo después Lotte Eisner, Lang vivía sumido en el constante terror de ser acusado de algo, luego que en su juventud fuera sindicado como posible sospechoso de la muerte de su primera esposa. Eso hizo que el director escribiera detalladamente todo lo que hacía, como un diario de pruebas que demostraría su inocencia ante cualquier eventualidad.

Si bien oficialmente no era un blacklisted, la Caza de Brujas lo mantuvo tres años sin dirigir, tiempo en que perdió proyectos como el western Winchester 73 (Anthony Mann) y el ganador del Oscar de 1950 Todos los hombres del rey (Robert Rossen). Y entre encargos puramente alimenticios como House by the river (1950) y American guerrilla in the Philippines (1950), entró a la última fase de su carrera, un epílogo brillante en que al igual que el protagonista de Furia, Lang utilizaría como su venganza afilados filmes que recogerían el histerismo ideológico de su patria adoptiva.
Rancho Notorius
Uno de ellos es el western Rancho notorious (1952), una historia de venganza con Marlene Dietrich al frente de un rancho habitado por proscritos de la ley. Sufriendo indecibles humillaciones para terminarlo (un tercio del metraje fue cercenado por el productor, se cambió el título sin avisarle y la Dietrich se le enfrentó en el set), Lang ya avizoraba el término de su periplo americano, pero aún le quedarían fuerzas para cerrar su aportación al cine negro con el trío de filmes más cínicos y amargos de su filmografía, en perfecta concordancia con la caza de brujas que llegaba a su fin: Los sobornados (1953), que examina a una sociedad fracturada por la violencia y la corrupción; Mientras la ciudad duerme (1956), su ajuste de cuentas con el periodismo que cerró los ojos ante la persecución, y Más allá de toda duda razonable (1956), donde vuelve a poner en tela de juicio la idoneidad de la justicia y los valores de una sociedad que se juzga a sí misma virtuosa e íntegra. Lang abandonó Estados Unidos con un sabor amargo, dejando una serie de interrogantes sobre un país que pese a acogerlo, no lo adoptó entre sus favoritos. Escrito por Jorge Letelier (continuara...)

Gentileza mabuse.cl

El Apartamento (1960)

2009-07-30T10:46:00.003-04:00

The Apartment, en castellano conocida como Piso de soltero (Argentina, México) o El apartamento (España), es una comedia dirigida por Billy Wilder en 1960, ganadora de 5 premios oscar incluyendo mejor pelicula.

Argumento
C.C. Buxter es un ambicioso empleado de una firma de seguros de Manhattan. Es soltero y vive solo en un discreto apartamento que presta ocasionalmente a sus superiores para que se encuentren con sus amantes; él confía que los sucesivos favores le sirvan para mejorar su posición en la empresa. Le proponen para un ascenso y Sheldrake, el director, descubre el motivo. También éste solicita las llaves de su estudio para citarse con Fran, una ascensorista de la cual Buxter estuvo enamorado. Al regresar una noche a su casa, Buxter descubre a Fran desvanecida por sobredosis de somníferos; la joven ha intentado suicidarse tras discutir con Sheldrake.

Comentario
La sobria puesta en escena habitual de Wilder aquí con momentos de cine en estado puro, de las películas en las que Wilder saca más partido de la imagen (el ruido de la botella de champán, el plano de la desesperada carrera de MacLaine, el espejo roto y la cara aún más rota de Lemmon cuando lo ve...), una fantástica fotografía, el extraordinario ritmo narrativo también habitual en él (demostrando que es mucho mejor director de lo que a veces se le reconoce), unas interpretaciones antológicas de todos, personajes principales y secundarios, y unos diálogos que son dinamita pura («Cuando se sale con un hombre casado, una nunca debe ponerse rimmel») dan cuerpo a esta amarga comedia, la mejor de Wilder.
Una película perfecta, divertida, sensible... En ella el hombre actual empieza a tomar cuerpo, la dubitativa actitud de Lemmon no es más que una prolongación de la visión que esta película nos da de la vida que en los 50 había empezado a fraguarse y que nos esperaba a partir de entonces. Apartamentos pequeños, soledad, éxito a cualquier precio, grandes empresas que deshumanizan a los empleados, grandes ciudades que deshumanizan a sus ciudadanos, televisión, publicidad y, por supuesto, mandos a distancia.

En la premiacion de 1960 obtubo los siguientes premios:
oscar a Mejor Película; oscar a Mejor Director (Billy Wilder); oscar a Mejor Guión Original (Billy Wilder)/ I.A.L. Diamond; oscar a Mejor Montaje (Daniel Mandell) y un oscar a Mejor Decoración en blanco y negro

Billy Wilder y Jack Lemmon (imagenes gentileza TCM)

En cierta ocasión, A Billy Wilder le preguntaron si era necesario que un director de cine supiera además escribir. "No —contestó— pero es útil que sepa leer". Además de graciosa, esta anécdota sirve para reflejar claramente la posición de Wilder frente a la industria cinematográfica. Un director debe saber leer un guión. Él los escribió y los leyó como nadie lo ha vuelto a hacer. Lo primero es cuestión de talento y oportunidad. Pero lo segundo es una lección que deberían tener en cuenta muchos antes de ponerse detrás de la cámara.

Billy Wilder en 10 películas:
Perdición (1944)
Días sin huella (1945)
El crepúsculo de los dioses (1950)
Traidor en el Infierno (1953)
La tentación vive arriba (1955)
Testigo de cargo (1957)
Con faldas y a lo loco (1959)
El apartamento (1960)
Uno, dos, tres (1961)
En bandeja de plata (1966)

Ficha técnica

Dirección Billy Wilder
Producción Billy Wilder - I. A. L. Diamond - Doane Harrison
Guión Billy Wilder - I. A. L. Diamond
Música Adolph Deutsch
Fotografía Joseph LaShelle
Reparto Jack Lemmon - Shirley MacLaine - Fred MacMurray - Ray Walston - Jack Kruschen - David Lewis
País Estados Unidos
Año 1960
Género Comedia dramática
Duración 125 minutos

Ver El Apartamento, escena final de la Pelicula

Los Mejores años de nuestra vida (1946)

2009-07-30T09:59:00.004-04:00

The Best Years of Our Lives (también conocida como Los mejores años de nuestra vida y Lo mejor de nuestra vida) es una película dirigida por William Wyler en el año 1946, y protagonizada por Frederic March, Myrna Loy, Teresa Wright, Virginia Mayo y Dana Andrews. Está basada en la novela Glory For Me de MacKinley Kantor. Una historia sencilla y emotiva, narrada e interpretada con maestría. Harold Russell, verdadero mutilado, se interpretó a sí mismo. La película ganó siete Oscar, a la mejor película, al mejor director, al mejor actor principal (Frederic March), al mejor actor de reparto (Harold Russell), al mejor guión, a la mejor música, y al mejor montaje, y obtuvo una nominación al mejor sonido. Además, Harold Russell se convirtió en la primera y única persona en conseguir dos Oscar por el mismo papel, ya que además consiguió un Oscar especial honorífico ese mismo año.

Argumento

Tres hombres que regresan de la guerra a su ciudad realizan juntos la etapa final del viaje y entablan amistad. Cada uno se encuentra, a su manera, con dificultades para adaptarse de nuevo a una vida normal. Trata de la esperanza es lo que mantiene a un soldado con vida; el sueño de volver a casa, para siempre. Pero cuando ese día llega, estos tres veteranos de la Segunda Guerra Mundial ven sus sueños convertidos en pesadillas: el Capitán Fred Derry (Dana Andrews) vuelve a un matrimonio sin amor; el Sargento Al Stephenson (Fredric March) se ha convertido en un extraño para su familia; y el joven marino Homer Parrish (Harold Russell) vive atormentado por la pérdida de sus manos. ¿Podrán estos tres hombres reunir el coraje necesario para recomponer su mundo? ¿O acaso los mejores años de sus vidas serán ya cosa del pasado?

Comentarios

El proyecto de rodaje de esta película fue encargado al guionista Robert Sherwood y William Wyler cuando éstos estaban en un momento profesional bastante poco creativo. Sherwood se dedicaba a escribir los discursos de Roosevelt y Wyler había estado haciendo documentales sobre la primera línea de fuego, motivo por el que se había quedado parcialmente sordo. A pesar de ser un gran éxito de público y de crítica, en la Caza de brujas de Joseph McCarthy fue una de las películas vigiladas por considerarla de contenido subversivo, al hablar de la adaptación a la paz y lo complicado que puede resultar. El Comité de Actividades Antiamericanas planteó convocar a Robert Sherwood, el guionista, por el contenido sospechoso de ciertas escenas, pero finalmente no llegó a más por la intervención directa de Samuel Goldwyn, uno de los creadores de la MGM, y amigo íntimo de Sherwood.

Ficha técnica

Dirección William Wyler
Producción Samuel Goldwyn
Guión Robert E. Sherwood
Música Hugo Friedhofer
Fotografía Gregg Toland
Reparto Fredric March -Myrna Loy - Dana
País Estados Unidos
Año 1946
Género Drama
Duración 172 minutos

Ver Los mejores años de nuestra vida, Trailer original en ingles

El Ultimo Emperador (1987)

2009-07-27T19:15:00.005-04:00

El último emperador es una película de 1987, del género película biográfica, dirigida por Bernardo Bertolucci. protagonizada por John Lone, Joan Chen, Peter O'Toole, Ruocheng Ying, Victor Wong, Dennis Dun, Ryuichi Sakamoto, Maggie Han, Ric Young, Vivian Wu y Chen Kaige en los papeles principales. Es una coproducción de China, Italia, Reino Unido y Francia. Ganadora de nueve premios Oscar, 39 otros premios, y 12 nominaciones más.

Basada en la autobiografía de Aisin-Gioro Pu Yi o Puyi, Yo fui emperador de China. Fue el primer film que obtuvo el permiso de las autoridades chinas para ser rodado en el interior de la famosa Ciudad Prohibida.

Argumento

Esta pelicula cuenta la historia de Puyi, el último emperador de China, que subió al trono a los tres años de edad y fue adorado por mas de 500 millones de personas como divinidad. Gobernó en la Ciudad Prohibida, hasta que las fuerzas republicanas, que querían abolir la corte imperial, lo encerraron entre sus murallas. Finalmente abdicó y se convirtió durante un tiempo en un títere de las fuerzas de ocupación japonesas en Manchuria. Después llegó la revolución comunista y fue encarcelado para "limpiar" su mente de todo pensamiento capitalista. En los últimos años de su vida fue jardinero en el parque botánico de Pekín y llevó una vida como un hombre cualquiera en su país.
Una vida llena de emociones y de situaciones que marcaron la vida de este emperador y la de su pais. Se situa historicamente entre finales del siglo XIX y segunda mitad del siglo XX.A su vez hace un repaso a los acontecimientos mas destacado de su pais en ese periodo,destacando la revolucion comunista de los chinos. Momento en que su reinado acaba. Por otro lado nos cuenta la vida en palacio,concretamente en "la ciudad prohibida", lugar donde vivia encerrado y donde nunca salio. Su vida amorosa tampoco fue muy agraciada aunque finalmente tuvo una muerte en paz.
Esta pelicula en general es muy bella, hermosos paisajes y coloridos detalles marcan esta pelicula, no tiene un gran contenido pero esta historia es digna de contar por este medio, todo el mundo debe conocer como acabo el imperio chino y comienza esta revolucion comunista en el pais (que permanece hasta hoy).
Lo mejor son las imagenes, e aqui un par de ellas.

Premios

La película ganó nueve Oscar en las categorías de mejor película, mejor director, mejor guión adaptado, mejor música, mejor fotografía, mejor dirección artística, mejor vestuario, mejor sonido y mejor montaje.

Comentarios

El hermano mayor de Puyi, que le había ayudado a escribir su autobiografía, estuvo presente como asesor en el rodaje de la película. Para determinadas escenas fueron necesarios hasta 19.000 extras.
Es una de las tres únicas películas que ha logrado ganar todos los premios a los que ha sido nominada en los oscar(las otras dos son El Señor de los Anillos: el retorno del Rey y Gigi.

Ficha técnica

Dirección Bernardo Bertolucci
Producción John Daly - Franco Giovale - Joyce Herlihy - Jeremy Thomas
Guión Mark Peploe - Bernardo Bertolucci
Música David Byrne - Ryuichi Sakamoto - Cong Su
Fotografía Vittorio Storaro (color)
Reparto John Lone - Joan Chen - Peter O'Toole - Ruocheng Ying - Victor Wong - Ryuichi Sakamoto - Dennis Dun - Ryuichi Sakamoto - Maggie Han - Ric Young - Vivian Wu - Chen Kaige
País China - Italia - Reino Unido - Francia
Año 1987
Género Película biográfica
Duración 160 minutos
Productora Columbia Pictures

Ver El Ultimo Emperador, trailer en ingles

Peliculas con mas premios Oscar ganados

2009-07-23T19:11:00.005-04:00

Películas que han ganado 11 Oscar
* 2003: El Señor de los Anillos: El retorno del Rey (Lord of the Rings: Return of the King)
* 1997: Titanic (Titanic)
* 1959: Ben-Hur (Ben-Hur)

Películas que han ganado 10 Oscar
* 1961: West Side Story (West Side Story)

Películas que han ganado 9 Oscar
* 1996: El paciente inglés (The English Patient)
* 1987: El último emperador (The Last Emperor - L'ultimo imperatore)
* 1958: Gigi (Gigi)

Películas que han ganado 8 Oscar
* 2008: Slumdog Millionaire (Slumdog Millionaire)
* 1993: La lista de Schindler (Schindler's List)
* 1984: Amadeus (Amadeus)
* 1982: Gandhi (Gandhi)
* 1972: Cabaret (Cabaret)
* 1964: My Fair Lady (My Fair Lady)
* 1954: La ley del silencio (On the Waterfront)
* 1953: De aquí a la eternidad (From Here to Eternity)
* 1939: Lo que el viento se llevó (Gone With the Wind)

Películas que han ganado 7 Oscar
* 1998: Shakespeare in Love (Shakespeare in Love)
* 1990: Bailando con lobos (Dances With Wolves)
* 1985: Memorias de África (Out of Africa)
* 1973: El golpe (The Sting)
* 1970: Patton (Patton)
* 1962: Lawrence de Arabia (Lawrence of Arabia)
* 1957: El puente sobre el río Kwai (The Bridge on the River Kwai)
* 1946: Los mejores años de nuestra vida (The Best Years of Our Lives)
* 1944: Siguiendo mi camino (Going My Way)

Películas que han ganado 6 Oscar
* 2002: Chicago (Chicago)
* 1994: Forrest Gump (Forrest Gump)
* 1983: La fuerza del cariño (Terms of Endearment)
* 1977: La guerra de las galaxias (Star Wars)
* 1974: El padrino II (The Godfather Part II)
* 1966: Un hombre para la eternidad (A Man for all Seasons)
* 1951: Un lugar en el sol (A Place in the Sun)
* 1951: Un americano en Paris (An American in Paris)
* 1950: Eva al desnudo (All About Eve)
* 1942: La señora Miniver (Mrs. Miniver)

Películas que han ganado 5 Oscar
* 2004: El Aviador (The Aviator)
* 2000: Gladiator (Gladiator)
* 1999: American Beauty (American Beauty)
* 1998: Salvando al soldado Ryan (Saving Private Ryan)
* 1995: Corazon Valiente (Braveheart)
* 1991: El silencio de los Inocentes (The Silence of the Lambs)
* 1979: Kramer contra Kramer (Kramer vs. Kramer)
* 1978: El cazador (The Deep Hunter)
* 1975: Alguien voló sobre el nido del cuco (One Flew Over the Cuckoo's Nest)
* 1971: French connection, contra el imperio de la droga (French Connection)
* 1968: Oliver (Oliver)
* 1967: En el calor de la noche (In the Heat of the Night)
* 1966: ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf?)
* 1965: Doctor Zhivago (Doctor Zhivago)
* 1965: Sonrisas y lágrimas (The Sound of Music)
* 1964: Mary Poppins (Mary Poppins)
* 1960: El apartamento (The Apartment)
* 1956: La vuelta al mundo en 80 días (Around the World in 80 Days)
* 1956: El rey y yo (The King and I)
* 1952: Cautivos del mal (The Bad and the Beautiful)
* 1944: Wilson (Wilson)
* 1941: ¡Qué verde era mi valle! (How Green Was My Valley)
* 1934: Sucedió una noche (It Happened One Night)

Espero les haya gustado esta informacion...

fuente: www.oscar.com

Patton (1970)

2009-07-23T17:50:00.008-04:00

Patton, película estadounidense de 1970 que relata las hazañas militares del general George Patton, desde la derrota estadounidense en el paso de Kasserine, hasta la entrega de una parte de Alemania a los rusos al terminar la Segunda Guerra Mundial, aunque el filme se enfoca en describir su peculiar personalidad. El filme muestra a un hombre extravagante, carismático, severo, perseverante, romántico (como Don Quijote), quien basaba sus exitosas estrategias en las historias de guerras antiguas, y creía ser las reencarnaciones de un mariscal de Napoleón y de un guerrero cartaginés.

Hubo intentos de hacer el filme, iniciando en 1953. Los productores se mantuvieron en estrecha relación con la familia de Patton para ayudarles con la historia de la película. Los productores querían leer los diarios de los familiares y conocer relatos íntimos del general Patton, y los pidieron el día del funeral de Beatrice Ayer Patton, viuda del general, pero la familia se opuso al filme y rehusaron proporcionar cualquier información.

Debido a la escasez de información, Francis Ford Coppola y Edmund H. North escribieron el guión del filme basados en dos biografías: Patton: Ordeal and Triumph de Ladislas Farago y A Soldier's Story de Omar Bradley. En el año 2005, la familia Patton permite la publicación del manuscrito de la finada viuda de Patton. La hija del general, Ruth Ellen Patton Totten, escribió el libro The Button Box: A Daughter's Loving Memoir of Mrs. George S. Patton (en inglés) donde relata el contenido del manuscrito.
George C. Scott ganó el oscar al mejor actor (que él rechazó) por la excelente y conmovedora interpretación del General Patton.
En 1986, se produjo una secuela hecha para la televisión llamada Los últimos días de Patton, que relata los últimos días de vida de Patton y el accidente que le propició su muerte. George C. Scott reinterpretó al personaje.

En el 2003 la Biblioteca del Congreso estadounidense consideró al filme culturalmente importante y se preservan copias en el Registro Nacional de Filmes estadounidense.

El discurso de Patton

Una de las partes más famosas del filme es el discurso que el general Patton pronuncia al principio. Los guionistas lo escribieron basados en una investigación histórica. En 1970, fue controvertido para los estadounidenses, porque manifiesta claramente ideas anti-políticas en una época donde muchos jóvenes compatriotas peleaban o pelearían en la Guerra de Vietnam. Tal diálogo fue traducido del Wikipedia inglés, tan crudo y vulgar como fue escrito. Discurso de Patton en Wikisource

Discurso Inicial

"Sentaos.

Quiero que recordéis que ningún bastardo ganó jamás una guerra muriendo por su patria. La ganó haciendo que otros pobres estúpidos bastardos murieran por ella.

Muchachos, todas esas historias de que América no quiere luchar, que pretende estar al margen de la guerra, son un montón de mierda de caballo. A los americanos por tradición les entusiasma luchar, todo verdadero americano ama el acicate de la pelea. Cuando erais niños todos admirabais a los campeones de canicas: al corredor más veloz, a los ases del futbol, a los boxeadores más duros. Los americanos aman al ganador y no pueden soportar al que pierde. Todo americano juega siempre para ganar, yo no apostaría el pellejo por un hombre que estando perdiendo, se riera. Por eso los americanos nunca hemos perdido ni perderemos una guerra, porque la sola idea de perder nos resulta odiosa.
Ahora nuestro ejército es un equipo, vive come, duerme y lucha como un equipo. Todo eso de la individualidad es solo basura. Los que escribieron esa majadería sobre el individualismo para el Saturday Evening Post no conocen de una verdadera batalla más de lo que saben de fornicación. Ahora tenemos la mejor comida y equipo, el mejor espíritu y los mejores hombres del mundo.

Todos sabéis, y es la verdad, que compadezco a esos pobres contra los que vamos a luchar, por Dios que así es, ya que no sólo vamos a disparar contra ellos, ¡nuestra intención es arrancarles las entrañas y usarlas después para engrasar las ruedas de nuestros tanques, vamos a matar a esos miserables teutones por millares!

Bien, algunos de vosotros estáis dudando de si tendréis miedo bajo el fuego, eso no debe preocuparos, estoy convencido de que todos cumpliréis con vuestro deber, los nazis son el enemigo, ¡cargad contra ellos, derramad su sangre, disparadles en el vientre! Cuando pongáis vuestra mano sobre una masa informe que momentos antes era el rostro de vuestro mejor amigo… ya no dudaréis.
Deseo recordaros otra cosa, no quiero recibir ningún mensaje que diga: “estamos aguantando nuestra posición”. ¡No aguantamos nada!, ¡que aguante el enemigo!. Nosotros avanzamos constantemente y no tenemos ningún interés en aguantar nada excepto al enemigo, vamos a agarrarle por la nariz y a darle una patada en el culo, ¡a patadas enviaremos a esos teutones al infierno acabando así con ellos en un santiamén!
Bueno, sin duda habrá algo que podréis contar cuando volváis a vuestras casas, y dar gracias a Dios por ello, y si dentro de treinta años sentados junto al hogar y con vuestro nieto sobre las rodillas, él os pregunta qué es lo que hicisteis en la Segunda Guerra Mundial, no tendréis que contestarle: “pues... paleaba mierda en Louisiana”.
Bien, ahora, hijos de perra, ya sabéis cómo pienso. Ehh... estaré muy orgulloso de dirigiros en esta lucha muchachos, siempre y en todo lugar.
Esto es todo."

Curiosidades
* El filme fue nominado a otros 3 premios oscar en 1970 que no ganó: mejor fotografía, mejores efectos visuales, mejor banda sonora, en contraste con eso obtubo 7 Oscar ganados: Mejor Película, Mejor Director : Franklin J. Schaffner, Mejor Actor : George C. Scott, mejor Guión Original : Francis Ford Coppola , Edmund H. North, mejor Montaje : Hugh S. Fowler, mejor sonido y mejor Dirección Artística

* Varias escenas de la película fueron filmadas en la desaparecida zona militar de Pamplona y en la sierra navarra de Urbasa, Almería, Segovia y Madrid, con el apoyo de equipos de producción españoles. [cita requerida]
* Al final del filme, Patton está a punto de ser arrollado por una carreta y dice, ¡Imagínelo, después de todo lo que he pasado, imagíneme muriendo por esto!. En diciembre de 1945, Patton muere unas semanas después de sufrir severas heridas que le produjo un accidente automovilístico.
* Los escritores del famoso diálogo de Patton tuvieron que suavizar las palabras y declaraciones reales.

Ficha técnica
Dirección Franklin J. Schaffner
Dirección artística Gil Parrondo - Urie McCleary
Producción Frank McCarthy
Guión Francis Ford Coppola - Edmund North
Música Jerry Goldsmith
Fotografía Fred J. Koenekamp
Montaje Hugh Fowler
Reparto George C. Scott - Karl Malden - Karl Michael Voguel- Michael Bates - Jack Gwillim - Paul Stevens - Edward Binns - Michael Strong- Richard Muench - Lawrence Dobkin - John Doucette - Frank Latimore - Siegfried Rauch - James Edwards
País Estados Unidos
Año 1970
Género Biográfico
Duración 170 min.
Compañías Distribución 20th Century Fox

Ver Palicula Patton, trailer en ingles

Espartaco (1960)

2009-07-23T16:49:00.003-04:00

Espartaco, película estadounidense estrenada el 6 de octubre de 1960 dirigida por Stanley Kubrick basada en la novela histórica homónima de Howard Fast. Está protagonizada por Kirk Douglas como el esclavo rebelde Espartaco y Laurence Olivier como su rival, el general y político romano Marco Licinio Craso. John Gavin (Julio César), Jean Simmons, Charles Laughton, Peter Ustinov, Herbert Lom, Woody Strode, y Tony Curtis son también protagonistas. El diseño de producción fue realizado por Saul Bass. Obtuvo 4 premios oscar en 1960:
Mejor Actor de Reparto : Peter Ustinov, Mejor Decoración en color, Mejor Vestuario en color, Mejor Fotografía en color : Russell Metty

Argumento

Espartaco, esclavo de Tracia, es vendido a Léntulo Batiato un lanista (preparador de gladiadores). Durante su entrenamiento para el combate a muerte se enamora de otra esclava, Varinia. Un combate a muerte en la misma escuela de gladiadores, organizado por el deseo de unos patricios, hace pensar a los esclavos sobre su condición y, liderados por Espartaco, desatan una rebelión que con el tiempo llegará a amenazar la misma Roma. Durante este camino Espartaco hace comercios con piratas que lo traicionan, vence ejércitos y tiene un hijo. Todo esto vivirá para terminar crucificado en la Vía Apia.

Censura

Después de su estreno en 1960 fue proyectada nuevamente en 1967, con 23 minutos menos que la proyección original, y otra vez en 1991 en la cual se restauraban esos 23 minutos más otros 14 que habían sido censurados antes de la proyección original. La adición incluía varias secuencias de batallas violentas, así como una escena en el baño en la cual Craso, general y patricio romano (interpretado por L. Olivier), en un intento de seducir a su esclavo Antonino (T. Curtis), usa la analogía de "comer ostras" y "comer caracoles" para expresar su opinión de que la preferencia sexual es cuestión de gustos más que de moralidad.

Cuando la película fue restaurada, dos años después de la muerte de Olivier faltaba el audio original del diálogo de esta escena, por lo que tuvo que redoblarse. Tony Curtis pudo doblar su papel pero la voz de Laurence Olivier tuvo que ser imitada por Anthony Hopkins.

En la post-producción Douglas era consciente de que Kubrick tenía la intención de atribuirse el guión de la película, aunque éste había sido adaptado de la novela de Howard Fast por Dalton Trumbo, puesto en la lista negra de Hollywood durante el macartismo. Douglas, poderoso públicamente, se opuso a la exclusión de Trumbo y cuando el nombre de Trumbo finalmente apareció en los créditos la lista negra de Hollywood fue definitivamente cancelada.

Comentarios

* Película basada en la novela del mismo nombre de Howard Fast. Ganó cuatro Óscar y obtuvo otras dos nominaciones.
* Stanley Kubrick declaró que esta película desearía haberla podido eliminar de su filmografía, ya que no tuvo todo el control que quería sobre ella.
* En un principio iba a ser dirigida por Anthony Mann, pero finalmente fue sustituido por Stanley Kubrick.
* Las primeras escenas de la película habían sido dirigidas por Anthony Mann. Stanley Kubrick quería eliminarlas, pero al final no lo consiguió.
* Las batallas de la película fueron rodadas en las afueras de Madrid y en Guadalajara (España). El ejército romano estaba conformado realmente por reclutas del Ejército Español que actuaron como extras siendo dirigidos desde una torre por Stanley Kubrick.

* Cuando se empezó a preparar el proyecto de la película, los productores se preocuparon de eliminar de los circuitos de exhibición todas las copias existentes de una homónima versión italiana anterior, el Spartaco (1953) de Riccardo Freda, protagonizado por Massimo Girotti y Gianna Maria Canale.
* Kubrick recurrió a enanos, a los que colocó prótesis y falsos torsos para simular horribles mutilaciones en las escenas de la batalla de los esclavos contra las legiones romanas, en las que participaron 8.500 extras. Contó también con algunos mancos, a los que puso brazos falsos que luego arrancaban para fingir desmembramientos.
* A pesar de que Espartaco fue un éxito descomunal, que supuso la consagración definitiva de Stanley Kubrick como director de prestigio, éste nunca se mostró satisfecho con el film. En una ocasión llegó a afirmar que la consideraba más bien un fracaso personal, ya que las presiones a las que se vio sometido, propias de cualquier superproducción, le impidieron hacer una obra más personal, teniendo que renunciar a muchas de sus ideas para la película.
* Hay una curiosa anécdota sobre el "traveling" de los cadáveres de los esclavos apilados tras la sangrienta batalla: Kubrick le dio a cada uno de los más de trescientos extras un cartel con un número y luego fue numerándoles uno a uno diciendo en qué postura debían aparecer. (Fotogramas)
* La película iba a ser dirigida por Anthony Mann, pero se peleó con Kirk Douglas (productor y protagonista) y acabó dirigiéndola Kubrick, que también casi abandona.(Cinemanía)

Ficha técnica
Título Espartaco
Dirección Stanley Kubrick
Producción Kirk Douglas - James C. Katz - Edward Lewis
Guión Dalton Trumbo
Música Alex North
Fotografía Russell Metty
Montaje Robert Lawrence - Robert Schultz - Fred Chulack
Reparto Kirk Douglas: Espartaco - Laurence Olivier: Craso - Jean Simmons: Varinia - Charles Laughton: Graco -
Peter Ustinov: Lentulo Batiato - John Gavin: Julio César - Nina Foch: Helena Glabro - John Ireland: Criso - Herbert Lom: Tigrano Levanto - John Dall: Marco Publio Glabro - Charles McGraw: Marcelo - Joanna Barnes: Claudia - Harold J. Stone: David - Woody Strode: Draba - Peter Brocco: Ramón - Paul Lambert: Ganico - Robert J. Wilke: Guardia capitán - Nick Dennis: Dioniso - John Hoyt: Cayo - Frederick Worlock: Laelio - Tony Curtis: Antonino
País Estados Unidos
Año 1960
Género Histórica
Duración 184 minutos (198 minutos en la versión de 1991 sin censurar)
Compañías - Distribución Metro-Goldwyn-Mayer
Presupuesto US 12.000.000

Ver Spartacus, escena de la pelicula